23 May 2014

Manolo Galvan

Escrito por: a-casanova el 23 May 2014 - URL Permanente

Manolo Galván

Manolo Galván, es un cantante y compositor español nacido en Alicante (Comunidad Valenciana) el 13 de marzo de 1947. 2003 - 16 de Mayo, Manolo Galván ha fallecido a los 66 años en una clínica Bonaerense, (Argentina)

A la edad de 15 años comenzó a cantar, en contra de la voluntad de su familia. Manolo abandona sus estudios y se traslada a Madrid, donde se integra a un grupo llamado "Sonors".

Más tarde Manolo Galván abandona el grupo para iniciar una carrera solista, pero no puede lograrlo. Se traslada a Málaga donde se une al grupo "Gritos", con quienes compone durante tres años, hasta que decide comenzar su carrera solista.

En 1972 realiza una gira por Latinoamérica, teniendo gran repercusión en Argentina su tema "¿Por que te quiero tanto?". En 1973 decide instalarse en Buenos Aires.

Realizó varias presentaciones con la cantante argentina Tormenta, e incluso grabó un disco a dúo con ella.

Manolo Galván ha grabado 40 discos, el último de ellos fue Lumbrando, que entre sus temas contiene "No te vayas", una canción que trata de un hombre que le pide a la mujer que ama que no lo deje, además, es autor de temas muy reconocidos como "Poema del alma", "Deja de llorar", "El lamento de tu voz", "Te quise, te quiero y te querré", "Hijo de ramera", "¿ Porqué te marchas abuelo ?", "Llora el telefono" entre otros. Este cantante ha triunfado en 19 festivales en España y ha participado varias veces en Viña del Mar, uno de los festivales mas famosos del mundo.

En el año 2006 emprendió su despedida de los escenarios, luego de 40 años de carrera.

Letras de Canciones de Manolo Galvan

http://www.musica.com/letras.asp?letras=17081

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Atahualpa Yupanqui

Escrito por: a-casanova el 23 May 2014 - URL Permanente

Atahualpa Yupanqui, seudónimo de Héctor Roberto Chavero (Pergamino, Argentina; 31 de enero de 1908 - Nimes, Francia; 23 de mayo de 1992) fue un cantautor, guitarrista y escritor argentino. Se le considera el más importante músico argentino de folclore. Sus composiciones han sido cantadas por reconocidos intérpretes, como Mercedes Sosa, Los Chalchaleros, Horacio Guarany, Jorge Cafrune, Alfredo Zitarrosa, José Larralde, Víctor Jara, Ángel Parra, Jairo, Andrés Calamaro, Divididos y Marie Laforêt, entre muchos otros, y siguen formando parte del repertorio de innumerables artistas, en Argentina y en distintas partes del mundo.


Biografía

Héctor Roberto Chavero Aramburo nació el 31 de enero de 1908 en la provincia de Buenos Aires, precisamente en el paraje conocido como Campo de la Cruz, y fue registrado en Pergamino, ciudad distante a 30 km de allí y 224 km al noroeste de Buenos Aires, capital de la República Argentina. Su padre era originario de la ciudad de Loreto, ubicada en la provincia de Santiago del Estero, y tenía sangre quechua. Su madre era natural de las por entonces llamadas Provincias Vascongadas, España.

Los primeros años de su infancia los pasó en Agustín Roca, pueblo de su provincia natal, donde su padre trabajaba en el ferrocarril.

Allí sus días transcurren entre los asombros y revelaciones que le brinda la vida rural y el maravilloso descubrimiento del mundo de la música, al que se acerca a través del canto de los paisanos y el sonido de sus guitarras: "(...) mientras a lo largo de los campos se extendía la sombra del crepúsculo, las guitarras de la pampa comenzaban su antigua brujería, tejiendo una red de emociones y recuerdos con asuntos inolvidables. Eran estilos de serenos compases, de un claro y nostálgico discurso, en el que cabían todas las palabras que inspirara la llanura infinita, su trebolar, su monte, el solitario ombú, el galope de los potros, las cosas del amor ausente. Eran milongas pausadas, en el tono de do mayor o mi menor, modos utilizados por los paisanos para decir las cosas objetivas, para narrar con tono lírico los sucesos de la pampa. El canto era la única voz en la penumbra (...) Así, en infinitas tardes, fui penetrando en el canto de la llanura, gracias a esos paisanos. Ellos fueron mis maestros. Ellos, y luego multitud de paisanos que la vida me fue arrimando con el tiempo. Cada cual tenía 'su' estilo. Cada cual expresaba, tocando o cantando, los asuntos que la pampa le dictaba" ("El canto del viento", I).

Y la guitarra será un amor constante a lo largo de toda su vida. Luego de un breve y fracasado intento con el violín, comienza a tomar clases de guitarra con el maestro Bautista Almirón, y allí queda marcado a fuego su destino y su vocación. Descubre, además, la existencia de un vasto repertorio que excedía los temas gauchescos.

"Muchas mañanas, la guitarra de Bautista Almirón llenaba la casa y los rosales del patio con los preludios de Fernando Sor, de Costes, con las acuarelas prodigiosas de Albeniz, Granados, con Tárrega, maestro de maestros, con las transcripciones de Pujol, con Schubert, Liszt, Beethoven, Bach, Schumann. Toda la literatura guitarrística pasaba por la oscura guitarra del maestro Almirón, como derramando bendiciones sobre el mundo nuevo de un muchacho del campo, que penetraba en un continente encantado, sintiendo que esa música, en su corazón, se tornaba tan sagrada que igualaba en virtud al cantar solitario de los gauchos" ("El canto del viento", II).

Sus estudios no pudieron ser constantes ni completos, por diversos motivos: falta de dinero, estudios de otra índole, traslados familiares o giras de concierto del maestro Almirón, pero como él mismo señala estaba el signo impreso en su alma, y ya no habría otro mundo que ése: ¡La Guitarra! "La guitarra con toda su luz, con todas las penas y los caminos, y las dudas. ¡La guitarra con su llanto y su aurora, hermana de mi sangre y mi desvelo, para siempre!" ("El canto del viento", II).

Desde que empezó a dar a conocer sus poemas firmaba con el seudónimo de Atahualpa Yupanqui. La etimología de este nombre la dio él mismo: "Viene de lejanas tierras para contar algo" (Ata: viene; Ku: de lejos; Alpa: tierra; Yupanqui: narrarás, has de contar).

Se cuenta que sus manos fueron gravemente dañadas a culatazos por un grupo militar de extrema derecha. Las Coplas del payador perseguido, serían, al parecer, una respuesta a dicha agresión: "y aunque me quiten la vida/ o engrillen mi libertad/ y aunque chamusquen quizá/ mi guitarra en los fogones/ han de vivir mis canciones en l'alma de los demás". Esta canción estuvo prohibida en algunos países, como, por ejemplo, en la España franquista. Atahualpa Yupanqui estuvo exiliado en París, Francia. Murió en ese mismo país, la noche el 23 de mayo de 1992 en una habitación de hotel de la ciudad de Nimes, después de haber pedido un vaso de leche como último gesto antes de ir a dormir.

Hoy sus cenizas descansan en los jardines de su casa museo en la localidad de Cerro Colorado, a la sombra de un roble junto a las de Santiago Ayala "El Chúcaro", un gran bailarín de danzas folclóricas.

Canciones más conocidas

De las 325 canciones de su autoría registradas oficialmente, pueden citarse: La alabanza, La añera, El arriero, Basta ya, Cachilo dormido, Camino del indio, Coplas del payador perseguido, Los ejes de mi carreta, Los hermanos, Indiecito dormido, Le tengo rabia al silencio, Luna tucumana, Milonga del solitario, Piedra y camino, El poeta, Las preguntitas, Sin caballo y en Montiel, Tú que puedes, vuélvete, Viene clareando y Zamba del grillo entre muchas otras

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13 May 2014

Stevie Wonder

Escrito por: a-casanova el 13 May 2014 - URL Permanente

Stevie Wonder (nacido el 13 de mayo de 1950), es un cantante, compositor, productor discográfico, músico y activista social estadounidense. Wonder ha grabado más de 30 éxitos de ventas, ha recibido 24 premios Grammy (un récord para un artista vivo), entre ellos uno por logros en su vida, y ha sido incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll de los compositores famosos.

Ciego desde la infancia, Wonder se ha convertido en uno de los más exitosos y reconocidos artistas en la Motown, con más de 100 millones de discos vendidos. Ha grabado diversos discos y sencillos que fueron aclamados por la crítica; también ha escrito y producido para otros artistas. Wonder toca diversos instrumentos como la batería, bajo, congas, y, más notablemente el piano, la armónica y el teclado. Los críticos refieren que la alta calidad y versatilidad de su trabajo indica todo el genio musical de Stevie.

Biografía y carrera de música

Infancia

Stevland Judkins nació prematuramente en Saginaw (Míchigan). La causa más probable de su ceguera fue la retinopatía del prematuro, que se produce al aportar oxígeno en la incubadora, necesario para salvar la vida de los niños prematuros que nacen con pulmones inmaduros; pero ese oxígeno puede causar un crecimiento exagerado de los vasos, que produce desprendimiento de retina y ceguera. Sus padres murieron cuando era niño. Fue adoptado y recibió un nuevo nombre Steveland Morris. Aprendió desde muy pequeño a tocar gran cantidad de instrumentos, destacando con el piano, la flauta dulce, las congas y la armónica.

Años sesenta

En 1962, a los 11 años, Morris fue traído a Motown por Ronnie White de The Miracles, y Berry Gordy, presidente de la discográfica, contrató a Morris para Tamla-Motown nombrándolo Little Stevie Wonder, a causa de su virtusismo. A los trece años de edad, el pequeño Stevie Wonder tuvo su primer éxito importante, Fingertips (Pt. 2), un sencillo de 1963 grabado en vivo en uno de los conciertos de los artistas de la Motown. La canción, que presentaba a Wonder como vocalista, con las congas y la armónica y a un joven Marvin Gaye en la batería, fue un éxito en los Estados Unidos y lanzó a Stevie al reconocimiento del público. Demostrando que de «pequeño» no tenía nada, Wonder obtuvo otros éxitos musicales a mediados de los años sesenta, incluyendo Uptight (Everything's Alright), With a Child's Heart, y Blowin' in the Wind, de Bob Dylan, una de las primeras canciones que reflejó la conciencia social de Wonder. También empezó a trabajar en el departamento de compositores de Motown, escribiendo canciones para sí mismo y para otros artistas.

Hacia 1970, Wonder había alcanzado más éxitos importantes, como My cherie amour y Signed, sealed, delivered. Además de ser una de las primeras canciones en las que Wonder hace de compositor y productor, Signed, sealed, delivered fue uno de los principales escaparates para su grupo de respaldo Wonderlove, un trío que incluyó a Minnie Riperton, Deniece Williams, Lynda Laurence, y Syreeta Wright, con quien Wonder se casó el 14 de setiembre de 1970. Wonder y Wright se divorciaron 18 meses después, pero continuaron sus colaboraciones en proyectos musicales.

Además de Marvin Gaye, Stevie Wonder fue una de las pocas estrellas de Motown en refutar los métodos de operación de la discográfica: artistas, compositores, y productores eran usualmente mantenidos dentro de cooperativas especiales y carecían de control creativo alguno. Wonder discutió con Berry Gordy sobre el control creativo varias veces. Como respuesta, Motown lanzó un disco con el nombre de Eivets Rednow («Stevie Wonder» escrito al revés) a espaldas de Stevie Wonder. Las discusiones continuaron y, Wonder dejó que su contrato con Motown expirara, abandonando la discográfica en su 21 cumpleaños en 1971. El disco final que precedió su salida fue Where I’m coming from, lanzamiento al que Gordy se opuso fuertemente.

Años setenta

Esta es la época más gloriosa de Stevie quien abandonó definitivamente la coletilla de «pequeño Stevie» cuando se casó con Syreeta Wright, que trabajaba en el departamento de distribución de la Motown, y que colaboraría en la composición de algunos de los temas de los primeros discos de Stevie de los años setenta. Su matrimonio no duró mucho, pero ambos continuaron cultivando una buena amistad hasta la muerte de Syreeta en 2006. Tras divorciarse de Syreeta, Stevie se volvió a casar con otro miembro de la Motown, Yolanda Simmons, con la que tiene 2 hijos, Aisha Zakiya y Keita Sawandi.

En 1972 Stevie conoció a Johanan Vigoda, un abogado que consiguió que el artista firmara un contrato millonario, concediéndole al mismo tiempo una libertad creativa inimaginable en aquellos momentos dentro de una compañía tan férrea como era la Motown. El primer disco que Stevie grabó bajo esta nueva política fue Music of my Mind, en el que el cantante se hacía cargo, por primera vez en la historia, de la grabación de prácticamente todos los instrumentos del disco, además de ejercer las tareas de producción, composición y arreglista.

En el verano de 1973, Stevie sufrió un accidente de tráfico que lo mantuvo en coma durante varios días y a consecuencia del cual el músico perdió el sentido del olfato, pero a pesar de este incidente, el resto de la década resultó gloriosa: de 1974 a 1977 Wonder ganó 14 Grammys incluyendo tres «discos del año» seguidos por Innervisions, Fullfillingness first finale y Songs in the Key of Life, para muchos uno de los mejores discos de la historia. Fue un periodo muy rico en creatividad y premios para Stevie, precursor en el empleo de sintetizadores y fuente de inspiración para los músicos venideros y de la época.

La década acaba con una banda sonora para el falso documental The secret life of plants, que a pesar de no cosechar el inmenso éxito comercial del disco anterior, obtuvo el disco de platino.

Años ochenta

La década empieza con un nuevo trabajo, Hotter Than July, que recibe los ochenta a ritmo de reggae con el hit Master Blaster, y que abre a Wonder a una audiencia más amplia. El artista inicia una lucha para conseguir que la fecha de nacimiento de Martin Luther King fuese declarado un día festivo en Estados Unidos. Efectúa colaboraciones importantes como Ebony and ivory, junto a Paul McCartney o Just good friends, junto a Michael Jackson, y recibe un nuevo Grammy por We are the world. Publica un grandes éxitos, Musiquarium, en 1982, con cuatro temas inéditos y en 1984 lanza The woman in red, para la banda sonora de la misma película, consiguiendo un Óscar por la canción I just call to say I love you. Publica además los discos In Square Circle y Characters. La década acaba con la inclusión del artista en el Rock and Roll Hall of Fame en 1989.

Años noventa

Después de publicar la banda sonora de la película de Spike Lee Jungle Fever, Wonder se dedica a actividades benéficas, retirándose parcialmente de los escenarios. Recibe el premio Grammy a toda una vida y graba, en 1996 Conversation Peace, un nuevo disco que le reporta dos Grammys. Además de sus colaboraciones con Luciano Pavarotti y de su participación en la banda sonora de la película de Disney Mulan, Wonder inicia una gira mundial que culmina con la grabación de un doble disco recopilatorio grabado en directo y editado por Motown.

Década actual

Hubo que esperar diez años para una nueva publicación, que finalmente vio la luz en 2005 con el nombre de A Time to Love. El fallecimiento de personas cercanas y queridas para el artista como Syreeta Wright (su ex mujer y colaboradora en los años setenta), su madre Lula Mae Hardaway, su hermano Larry Hardaway, Ray Charles, Gerald Levert, Luther Vandross, significan un período triste para Stevie Wonder. Como nota positiva, Stevie recibe la notificación por parte de la Industry Association of America (RIAA) del certificado de 10 millones de unidades vendidas del mítico doble LP Songs in the Key of Life, siendo elegido dicho disco también para formar parte de Library of Congress (la Biblioteca del Congreso estadounidense).

La lista del 2003 de la revista Rolling Stone con los 500 discos más grandes de toda la historia incluyó cuatro de Stevie Wonder, además en el 2008 la misma revista le consideró uno de los diez mejores cantantes de todos los tiempos.

En 2006 grabó junto a Andrea Bocelli, Canciones desafinadas – Canzoni stonate. En 2007 realizó su primera gira en diez años por los Estados Unidos, que continúa al año siguiente por Europa, Canadá y Australia.

Durante la campaña presidencial estadounidense de las elecciones de 2008, Stevie manifestó su apoyo al candidato demócrata Barack Obama.

El 23 de febrero de 2009 recibió el Gershwin Prize otorgado por la librería del congreso de los EE.UU. por su contribución a la música y expansión de la cultura en general. En marzo de ese mismo año publicó su primer DVD oficial, su título Live at Last, con el contenido de su concierto celebrado en octubre del año anterior en Londres.

En la ceremonia de entrega de los premios Gammy's 2009 actuó junto a los Jonas Brothers, interpretando Burnin' up y Superstition.

Actualmente comparte su vida con la diseñadora de moda Kai Milla, que le ha dado dos hijos más, el último nacido en el 2005, el mismo dia de su cumpleaños. En total, Wonder es padre de diez hijos.

Entre sus futuros proyectos discográficos se cuentan The Gospel Inspired by Lula, un disco de gospel en homenaje a su madre fallecida en el 2006, y otro titulado Through the Eyes of Wonder.

Premios

2009 Library of Congress Gershwin Prize

2008 Hall of Fame Award

2006 Lifetime Achievement Freedom Award

2006 National Artistic Achievement Award

2005 Lifetime Achievement Award (city Detroit)

2004 Billboard Century Award

2002 Songwriters’ Hall of Fame

1999 MusiCares Person of the Year

1998 United in Recovery's Ambassador of Peace Award

1996 NARAS Lifetime Achievement Award

1989 Incluido en el Rock 'N Roll Hall Of Fame

1985 Oscar - Best Original Song (por la película The woman in red)

1985 NARM Artist of the Decade

1984 ASCAP Founders Award

1974 NARM Presidential Award

1969 US Distinguished Service Award

1973-2006 Grammys 25

Grammy

Año Premio Título
1973 Premio Grammy mejor canción R&B Superstition
1973 Premio Grammy mejor interpretación vocal R&B masculina Superstition
1973 Premio Grammy mejor interpretación vocal pop masculina You are the sunshine of my life
1973 Premio Grammy mejor productor del año Innervisions
1973 Premio Grammy mejor álbum del año Innervisions
1974 Premio Grammy mejor canción R&B Living for the city
1974 Premio Grammy mejor interpretación vocal R&B masculina Boogie on reggae woman
1974 Premio Grammy mejor interpretación vocal R&B masculina Fulfillingness’ first finale
1974 Premio Grammy mejor productor del año Fulfillingness’ first finale
1974 Premio Grammy mejor álbum del año Fulfillingness’ first finale
1976 Premio Grammy mejor interpretación vocal R&B masculina I wish
1976 Premio Grammy mejor interpretación vocal pop masculina Songs in the key of life
1976 Premio Grammy mejor productor del año Songs in the key of life
1976 Premio Grammy mejor álbum del año Songs in the key of life
1985 Premio Grammy mejor interpretación vocal R&B masculina In square circle
1986 Premio Grammy mejor interpretación vocal pop a dúo o grupo (Dionne Warwick, Elton John, Gladys Knight, S. Wonder) That's what friends are for
1995 Premio Grammy mejor canción R&B For Your Love
1995 Premio Grammy mejor interpretación vocal R&B masculina For Your Love
1996 Premio Grammy a toda una vida For your love
1998 Premio Grammy por mejor arreglo y acompañamiento vocal/instrumental (Herbie Hancock, Robert Sadin y S. Wonder) St. Louis Blues
1998 Premio Grammy mejor interpretación vocal R&B masculina St. Louis Blues
2002 Premio Grammy mejor interpretación vocal R&B a dúo o grupo (Take 6 y S. Wonder) Love’s in need of love today
2005 Premio Grammy a la mejor interpretación vocal pop masculina From the bottom of my heart
2005 Premio Grammy mejor interpretación vocal R&B a dúo o grupo (Beyoncé Knowles y S. Wonder) So amazing
2006 Premio Grammy a la mejor colaboración pop vocal (Tony Bennett y S. Wonder) For once in my life

Discografía

Tribute To Uncle Ray (1962)

The 12 Year Old Genius (1963) Motown

With A Song In My Heart (1963)

The Jazz Soul Of Little Stevie (1963)

Stevie At The Beach (1964)

Down To Earth (1966)

Uptight (everything's alright) (1966)

Someday At Christmas (1967)

I Was Made To Love Her (1967)

Eivets Rednow (Featuring Alfie) (1968)

For Once In My Life (1968)

Greatest Hits (1968) Motown

My Cherie Amour (1969)

Live at the Talk of The Town (1970)

Signed, Sealed & Delivered (1970) Motown

Live In Person (1970) Motown

Where I'm Coming From (1971) Motown

Stevie Wonder's Greatest Hits Vol. 2 (1971) Motown

Music of My Mind] (1972) Motown

Talking Book (1972) Motown

Innervisions (1973) Motown

Fulfillingness' First Finale (1974) Motown

Songs in the Key of Life (1976) Motown

Looking Back (1977) Motown

Journey Through the Secret Life of Plants (1979) Motown

Hotter Than July (1980) Motown

Original Musiquarium I (1982) Motown

The Woman In Red (1984) Motown

I Just Call To Say I Love You (1984)

In Square Circle (1985) Motown

Characters (1987) Motown

Jungle Fever(1991) Motown

Conversation Peace (1995) Motown

Natural Wonder (1995) Motown

Song Review (1996) Motown

Ballad Collection (1999) Universal

At The Close Of a Century (1999) Motown

Bamboozled (2000) Motown

Stevie Wonder: The Definitive Collection (2002) Motown

Conception: An Interpretation of Stevie Wonder's Songs (2003) Motown

A Time To Love (2005) Motown

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11 May 2014

Bob Marley

Escrito por: a-casanova el 11 May 2014 - URL Permanente

Nació el 6 de Febrero de 1945 en Nine Miles, Jamaica. Hijo de Cedella Booker, una mujer africana de 18 años y de un blanco de 50 años capitán de la armada llamado Norval Marley.

Grabó su primer disco cuando contaba 16 años "Judge Not". En 1963, se forman los Wailers con Marley, Bunny Livingstone, y Peter Tosh. Su primera canción "Simmer Down" fue número uno en Jamaica.

En el año 1966, Haile Sellasie visitó Jamaica y Bob y los Wailers se hacen Rastafaris. Una de las creencias centrales de los rastafaris es la fe en la importancia del regreso a la "Madre África". El reggae se convirtió en la música más representativa de Jamaica. Nació y se desarrolló de la mano de los herederos de los esclavos africanos. Sus inicios están en las costas de los Estados Unidos, donde muchos inmigrantes jamaicanos se establecieron en los '50, mezclando sus ritmos con la influencia negra del blues y el jazz. Es casi imposible separar este estilo musical del principal movimiento religioso de Jamaica, ya que la mayoría de sus representantes son adeptos o practicantes de la creencia religiosa rastafari. Para ellos, el reggae representa una música espiritual, un canto a la esperanza y, a la vez, un arma contra la opresión de Babilonia, es decir, contra los excesos del poder blanco. En 1972, Chris Blackwell fichó a los Wailers para su sello "Island", graban "Catch Fire" en 1973. El grupo se restructuró, llamándose "Bob Marley and The Wailers". En la batería, Aston Barrett, y al bajo, su hermano Carlton, además de un coro de vocalistas llamadas "I-Threes", una de las cuáles era su esposa Rita. El primer disco de la nueva formación, "Natty Dread" fue un gran éxito. Bob y Rita mantuvieron una historia de amor apasionada. Todo comenzó cuando una noche, antes de un concierto, mientras ambos ensayaban, “unimos nuestros labios sin dejar de cantar, como si nos diéramos oxígeno mutuamente. Y yo pensaba: ¿Esto es amor?”. Vida y obra unidas, de ahí nació la emblemática canción : ‘Is this love?’. Cuando el cantante comenzó a cosechar éxito, la cantante de las I-Three y corista de ‘Bob Marley y los Wailers’, dejó de acompañarle para cuidar a los cada vez más numerosos hijos: Hasta ocho sólo con Rita. La discográfica le recomendó que no hiciese público su matrimonio y Rita pasó a ser su ‘hermana’ de cara al público.En la tarde de del 3 de Diciembre un grupo de pistoleros irrumpió en la casa de Marley en Hope Road (Kingston) y dispararon a Bob, a su mujer y a su manager. Al año siguiente, se cancela su gira europea cuando los doctores le diagnosticaron un melanoma maligno en el dedo gordo de su pie. Era la herencia de una vieja lesión de fútbol. De vuelta a Jamaica, los líderes de las dos facciones políticas opuestas (el Partido Laborista de Jamaica y el Partido Popular Nacional) propusieron a Marley un concierto para firmar una tregua. El concierto se tituló "One Love" y tuvo lugar el 22 de Abril de 1978. En 1979, dieron conciertos en Japón, Australia y Nueva Zelanda. En 1980 se desmayó mientras hacía footing por el Central Park de Nueva York. El cancer que se creía ya había sido extirpado, se extendía por sus pulmones y su cerebro. En Pittsburgh dió su último concierto en el Stanley Theatre. Se trató en Nueva York, pero los doctores le dijeron que no podían hacer nada por él. Se trasladó a Baviera, donde fue tratado por el doctor Issels. El 11 de mayo de 1981 fallecía en un hospital de Miami a los 36 años. Su prolífica carrera musical, comparable sólo al gran número de hijos que tuvo -13 en total-, le hizo ganarse la consideración de 'profeta del reggae'. Su cuerpo fue trasladado a su ciudad natal, Nine Mile, donde descansa en un mausoleo.

Discografía:

Soul Rebels (1970) Trojan
African Herbsman (1973) Trojan
Catch A Fire (1973) Island Records
Burnin´(1973) Island Records
Natty Dread (1975) Island Records
Live (1975) Island Records
Rastaman Vibration (1976) Island Records
Birth of a Legend (1977) Epic
Kaya (1978) Island Records
Babylon by Bus (1978) Island Records
Survival (1979) Island Records
Uprising (1980) Island Records
Confrontation (1983) Island Records
Legend (1984) Island Records
Soul Revolution 1 & 2 (1988) Trojan
Reggae Greats (1989) Mango
One Love at Studio One (1991) Heartbeat
Talkin´Blues (1991) Island Records
Songs of Freedom (1992) Island Records
Natural Mystic: The Legend Lives On (1995) Island Records

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07 May 2014

Lluis Llach

Escrito por: a-casanova el 07 May 2014 - URL Permanente


Lluis Llach

Nació el día 7 de mayo del año 1948 en la ciudad de Girona, aunque vivía en Verges, un pequeño pueblo de la comarca del Baix Empordà.

El padre de Lluís era médico y su madre maestra, y quizás fue el piano que tenían en su casa lo que despertó la vocación del cantante, que a los 6 años empezó ya a componer.

Después de sus estudios secundarios marcha a Barcelona para estudiar ingeniería y económicas, hecho que iba a ser muy significativo para su carrera, ya que en la universidad entra en contacto con el grupo conocido como “Els Setze Jutges”, formado por cantautores intelectuales, precursores de lo que luego sería la Nova Cançó.

En el año 1967 Lluis, animado por sus compañeros, ofrece su primer concierto, que tiene lugar en Terrassa. En 1968 participa en el Festival de la Cançó de Barcelona con el tema “A cara o creu”, y el presidente de la discográfica CBS le ofrece dos millones de pesetas y un contrato para que cante en castellano, a lo que el cantante, persona de arraigadas convicciones, se niega, firmando con la discográfica Concéntric, una pequeña empresa cuyo objetivo es salvaguardar la lengua catalana durante la dictadura franquista.

En este mismo año 1968, Llach graba la cancíón “L’estaca”, que se convierte enseguida en un himno en todas las luchas y reivindicaciones catalanas.

En el año 1969 graba su primer LP, al que pone el título de “Les seves primeres cançons”. El cantante va consolidando su popularidad, y su tema “Irene” consigue vender 100.000 copias en poco tiempo. Además, a final de año actúa en el Palau de la Música de Barcelona, y la crítica especializada le califica de músico de gran calidad.

En 1970, Llach actúa en el Teatro Español de Madrid y a partir de este momento, y de unas declaraciones hechas en Varadero atacando el fascismo, le sobrevienen una gran cantidad de problemas, ya que se empiezan a prohibir sus conciertos y le acosa la policía franquista, por lo que Llach tiene que exiliarse a París.

Empieza a hacer conciertos por países europeos, como Francia, Suiza o Alemania, y saca su tercer LP, “Com un arbre nu”, debutando en el Olympia de París en 1973.

Después de 4 años vuelve a España y actúa en el Palau de la Música, donde presenta su nuevo trabajo “I si canto trist”. Y al año siguiente, 1975, presenta uno de sus grandes éxitos, el álbum “Viatge a Itaca”, también en el Palau de la Música. Sin embargo, a medio concierto Lluís es detenido y llevado hasta la Comandancia Superior de Policía, donde fue multado, según el gobernador civil Rodolfo Martín Villa por entablar conversación con el público, cosa que el reglamente prohibía.

A raíz del incidente le prohiben seguir dando conciertos y Llach tiene que salir otra vez del país. Vuelve en 1976 y congrega a 30.000 personas en un recital del que salió un LP en directo, llamado “Barcelona, gener del 76”.

En el año 1977 estrena “Campanades a morts”. Posteriormente sigue sacando discos, como “Somniem”, “Verges 50” como homenaje a su pequeño pueblo, “I amb el somriure, la revolta”, “Maremar”, “Astres”, “Geografia” o “Un pont de mar blava”.

El cantante recibe un gran número de reconocimientos, como el Premio Luigi Tenco de San Remo al mejor cantante extranjero, la Creu de Sant Jordi de la Generalitat de Catalunya, el Premio al Mejor Compositor del Año entregado por la Academia Francesa de la Música, y otros.

Durante la Guerra del Golfo sacó el álbum “Torna aviat” que incluía su tema “Insubmís”, y en el año 1993 rechaza su nominación al Premio Príncipe de Asturias.

El cantante sigue sacando temas y ofreciendo recitales, actuando en muchas causas sociales y reivindicativas, especialmente a favor de las minorías. Y en el año 2007 decide poner fin a su carrera musical con un gran concierto en su localidad, Verges.

Sin embargo, a los dos años, en lo que para el cantante no era una vuelta al trabajo sino el pago de una deuda, compuso la música “Llits” para un espectáculo de Lluís Danés.

El cantante destaca por haber evolucionado cada vez hacia piezas más complejas, y por sus temáticas, entre las que son muy importantes dos: el mar y la muerte. Cabe resaltar que ha musicalizado a los mejores poetas catalanes, especialmente al que fue su gran amigo Miquel Martí i Pol.

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06 May 2014

Joe Cocker

Escrito por: a-casanova el 06 May 2014 - URL Permanente

Joe Cocker

1944 - Nació el 20 de mayo en Sheffield (Gran Bretaña).

1959 – Se formó su primer grupo y se llamó The Cavaliers.

1961 - Trabajaba como aprendiz y con The Avengers tocaban en los pubs.

1963 - Actuaron como grupo soporte de los Rolling Stones en su ciudad natal.

1964 - Lanzó su primer simple, un cover de "I'll Cry Instead" de los Beatles.

Su banda por entonces, Joe Cocker Big Blues, consiguió muchos seguidores en el norte de Inglaterra. Realizaron una gira por Francia, tocando para los soldados en las bases aéreas norteamericanas.

Junto a Chris Stainton formóThe Grease Band.

1969 - Consiguió su primer número uno con la versión del clásico de Lennon & McCartney "Whit A Little Help From My Friends".

Tras éste fueron llegando numerosos éxitos, como por ejemplo "You're So Beautiful", "When The Night Comes" o "The Letter".

1970 - vendió discos por valor de 3 millones de dólares solo en el mercado de Estados Unidos. Posteriormente aparecen álbumes y canciones como: "Guilty" y "The Moon's a Harsh Mistress" que se convirtieron en clásicos.

1980 - Fue invitado por The Crusaders a cantar una canción que habían compuesto exclusivamente para él: "I'm So Glad I'm Standing Here Today".
También ha puesto su voz en películas tan "sonadas" como Oficial y Caballero (Up Where We Belong), 9 semanas y media (You Can Leave Your Hat On), Harry y los Henderson (Love Lives On), Los Búfalos de Durham (When A Man Loves A Woman), Un Hombre Inocente (When The Night Comes),El Guardaespaldas (Trust In Me), Benny & Joon (Can't Find My Way Home), etc.

1990 - Editó "Joe Cocker Live" con sus mejores temas en vivo. Le siguió "Night Calls".

1991 - Grabó "Sorry Seems to be the Hardest Word" en el discoTwo Rooms, el tributo a Elton John/Bernie Taupin.

1994 - Editó "Have a Little Faith".

1997 - "Across From Midnight".

2004 - Joe Cocker presentó a sus 60 años "Heart & soul" un disco formado por la música que le ha influido en su trayectoria profesional. En él reúne una docena de versiones de temas de los años sesenta, setenta, ochenta y noventa.

2007 - Aparece en la película A través del universo, interpretando "Come Together".

Discos:

1969 - With a Little Help from My Friends.
Joe Cocker!
1970 - Mad Dogs & Englishmen.
1972 - Joe Cocker: Something to say.
1974 - I Can Stand A Little Rain.
1975 - Jamaica Say You Will.
1976 - Stingray.
1977 - Greatest Hits.
1978 - Luxury You Can Afford.
1982 - Sheffield Steel.
1984 - Civilized Man.
1986 – Cocker.
1987 - Unchain My Heart.
1989 - One Night Of Sin.
1990 - Joe Cocker Live.
1992 - Night Calls.
1993 - The Best Of Joe Cocker.
1994 - Have A Little Faith.
1995 - The Long Voyage Home.
1996 – Organic.
1997 - Across From Midnight.
1998 - Greatest Hits.
1999 - No Ordinary World.
2002 - Respect Yourself.
2004 - Ultimate Collection.
2005 - Heart & Soul.
2007 - Classic Cocker.
2010 - Hard Knocks.
2012 - Fire It Up.

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05 May 2014

Adele

Escrito por: a-casanova el 05 May 2014 - URL Permanente

Laurie Blue Adkins – Adele - Nació el 5 de mayo 1988 en Londres.

Año 2006 publicó dos canciones en una página Web y comenzó una gira con, Jack Peñate, Jamie T, Devendra Banhart o Keren Ann.

Año 2007 – Publicó el single, “Chasing pavements”.
Se le compara con Amy Winehouse. Etta James y Ela Fitzgerald.


Año 2008 – “19”, Son baladas melancólicas sobre el amor y su corazón roto a manos de un incomprensivo ex novio, pero los interpreta con tal fuerza y autoridad que nadie cuestiona su enorme madera de artista y talento innato.


Año 2011 “21” es el segundo album de estudio de la cantautora inglesa.


Singles: «Cold Shoulder»

«Hometown Glory»

«Chasing Pavements»

«Make You Feel My Love»

«Rolling In The Deep»

«Someone Like You»

«Set Fire to the Rain»

«Rumor Has It»

«Skyfall».

Adele fué invitada a compartir escenario con Björk y Paul McCartney en un popular show del viernes por la noche; el programa de la TV inglesa «Jools Holland».

Adele asegura estar preparada para no caer en la trampa de la fama. Tampoco atiende a la decepción de muchos de sus admiradores cuando insisten en que su alma no pertenece al soul -para el que parece haber nacido-, sino al pop. A saber, la voz que podría alardear de los gustos más sofisticados asegura que sus dos grupos favoritos son las Spice Girls y las Destiny’s Child.

La cantante citó textualmente: "le escupiría la cara a mi padre, ahora que sé lo que hizo no quiero saber más nada de él"


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27 Abr 2014

Maria del Mar Bonet

Escrito por: a-casanova el 27 Abr 2014 - URL Permanente

Nació el 27 de abril de 1947 en Mallorca.
Viaja a Barcelona en el año 1967 y comienza a cantar con Els Setze Jutges formación de cantautores catalanes.

Realiza diversas actuaciones y graba su primer disco con temas populares de Menorca.

El año siguiente la censura del régimen franquista le impide cantar una de sus canciones más populares "Què volen aquesta gent?".

En 1971 un disco suyo donde aparecen las canciones "No voldria res més ara" y "L'àguila negra" consigue ser Disco de Oro en España. En 1981 sale al mercado su trabajo "Jardí tancat" con la colaboración de Alan Stivell. Las letras se basan en poetas mallorquines de principios de siglo XX.
El Gobierno francés le otorga en el año 1984 el premio de la Academia Charless Croos al mejor cantante extranjero publicado en Francia, y en este mismo año también se le concede la "Creu de Sant Jordi" la máxima distinción de la Generalitat de Catalunya.

En 1985 graba "Anells d'aigua" con la colaboración del Conjunto de Música Tradicional de Túnez. Un año más tarde realiza una gira internacional acompañada del músico brasileño Milton Nascimento.

En 1988 presenta junto al bailarín español Nacho Duato el espectáculo "Arenal", una combinación de canción y danza.

En 1992 presenta en el Festival Internacional de Música de Perelada el "Cant de Benvinguda", junto al guitarrista Feliu Gasull y la Orquestra de Cambra del Teatre Lliure y los coros Ars Nova de Budapest.

1993 es el año en que aparece su trabajo discográfico "El-las, Maria del Mar Bonet canta a Theodorakis". A principios del 1994 estrena la partitura del compositor Rafael Subirachs sobre la obra poética de Joan Vinyoli, "Cants d'Abelone".

En este mismo año junto al director cinematográfico y compositor turco Zülfü Livaneli conocido internacionalmente por la composición de la banda sonara de la película "Yol" presenta, con gran éxito en la plaça del Rei de Barcelona el espectáculo "Merhaba".

El junio de 1995 presenta en la Sala Riviera de Madrid y en la plaça del Rei de Barcelona su disco "Salmaia", una selección de temas de diferentes sitios del Mediterráneo, Grècia, Turquia, Sicília, Nàpoles.

En 1996 actúa con gran éxito en el Festival de Montreal. En el 1997 celebra sus treinta años dedicados a la música. Realiza un concierto en el Palau Sant Jordi de Barcelona en el que aparecen como invitados: Joan Manuel Serrat, Lluís Llach, Nena Venetsanou, Catherine Allard, Fethi Zgonda, Paco Cepero, Martirio y la Coral Universitaria de Mallorca.

En 1998 realiza distintas visitas al extranjero y colabora en distintos trabajos con Amancio Prada para el disco "Rosas a Rosalía". Con Loquillo en el disco "Con elegancia". Junto a Jordi Sabatés y Rosa Vergés en el proyecto audiovisual "De Granada a la Luna", un homenaje a Federico García Lorca y también con Jackson Browne para el disco "Canta mis canciones".

En 2007 fue galardonada con la Medalla de Honor del Parlamento de Cataluña en reconocimiento a su labor durante la etapa de Els Setze Jutges y edita su disco Terra secreta, que presentó en directo en 2006, el mismo año presenta el espectáculo Els treballs i els dies junto al cantaor flamenco Miguel Poveda.

En septiembre de 2011 presenta nuevo disco y espectáculo 'Blaus de l'anima -més de 20 anys ben a prop' junto a Manel Camp, un nuevo proyecto de música mediterránea canalizada por compases a piano a ritmo de jazz.

Discos:

Maria del Mar Bonet 1969
Maria del Mar Bonet 1971
Maria del Mar Bonet 1974
A l'Olympia 1975
Cançons de festa 1976
Alenar 1977
Saba de terrer 1979
Quico-Maria del Mar 1979
Sempre 1981
L'àguila negra 1981
Jardí tancat 1981
Breviari d'amor 1982 Cançons de la nostra mediterrània 1982
Anells d'aigua 1985
Gavines i dragons 1987
Ben a prop 1989
Bon viatge faci la cadernera 1990
Coreografies 1990
El·las 1993
Salmaia 1995
Primeres cançons 1997
El cor del temps 1997
Cavall de foc 1999
Raixa 2001 Cants d'Abelone 2001
Collita pròpia 2003
Amic, amat 2004
Terra Secreta 2007
Bellver 2010
Blaus de l'ànima. Més de 20 anys ben a prop 2011

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14 Abr 2014

The Mama´s & The Papa´s

Escrito por: a-casanova el 14 Abr 2014 - URL Permanente


- The Mama's & The Papa's -
Un grupo clave en el hippismo californiano de mediados de los 60; sensacional banda con cuatro grandes vocalistas y un gran compositor llamado John Phillips.

La banda se forma a finales de 1963 y estaba compuesta por John Phillips, Michelle Gillian (mas tarde se apellidaría Phillips al casarse con John), Cass Elliot (mas conocida como Mama Cass) y el canadiense Dennis Doherty. El cuarteto pronto se trasladó a California, donde despues de tocar por varios clubs consiguen firmar un contrato discográfico; por aquellos dias la banda tenia en mente llamarse The Magic Circle, pero definitivamente acaban quedandose con el definitvo The Mamas & The Papas.

A finales de 1965 editan lo que será su primer single, el archiconocido "California Dreamin'", que llegaría al número 4 de las listas de Billboard; esta canción (con una instrumentación y unas armonias vocales esplendidas), sería una pequeña alegoria al hippisimo, que por aquellos dias comenzaba a florecer.

Con su siguiente single, editado en 1966, "Monday Monday", el grupo conquistaba el número 1. Esta canción sería otra maravilla, muestra del saber hacer compositivo de Phillips y la calidad interpretativa del grupo.

En ese mismo año publican su primer disco grande If You Can't Believe Your Ears, un excelente disco que además de contener los singles anteriormente citados, tambien contenía una pequeña joya llamada "Go Where You Wanna Go".

Su segundo trabajo a 33rpm titulado sencillamente The Mamas and The Papas siguió la pauta de su antecesor, y ayudó a seguir manteniendo al grupo en lo alto de la popularidad; los siguientes sencillos "I Saw Her Again (last night)" llega al número 5 y ya a principios de 1967 "Words of Love" (con una gran interpretación vocal de Mama Cass) también conquista el número 5.

Siguiendo en 1967 y con el fenómeno hippie en plena ebullición, la banda sigue cosechando exitos; los sencillos "Dedicated to the One I Love" (número 2) y "Creque Alley" (número 5), triunfan en ese año de las flores; Editan también el LP Deliver, otro gran disco; pero sin duda en ese año hay dos hechos que sobresalieron en la carrera de la banda: primero fué su aparición en el macroconcierto de Monterrey, el cual reunió a la crema de la crema de bandas de ese momento (Phillips y Paul McCartney fueron los principales impulsores para que el evento fuera llevado a cabo,) y el otro hecho fue el gran exito y considerado como el autentico himno hippie "San Francisco (Be Sure to Wear Some Flowers in Your Hair)", una canción que Phillips compuso para su amigo Scott McKenzie, y que se convirtió en un exito a ambos lados del Atlantico; no tuvo tanta suerte el single de la banda "Glad to be Unhappy" que solo llega al puesto 26 de los charts.

En 1968 publican su cuarto LP The Papas and The Mamas y los sencillos "Twelve Thirty" (número 20), "For the Love of Ivy" (número 81) y "Dream a Little Dream of Me" (número 12); estos sencillos, la escasa venta de su último LP y las riñas internas entre los miembros de la banda producen la disolución del conjunto.

En 1971 vuelven a reunirse para lo que sería su último LP People Like Us, el sencillo del mismo titulo que el LP fué editado, y a pesar de ser un gran tema fracasó en listas al igual que el propio LP.

Después de ese descalabro comercial, la banda se separaría definitivamente, pero dejando tras de si una gran cantidad de sensacionales canciones, y dejando tras de si el sentimiento de haber contribuido al sueño californiano.

Canciones Recomendadas: California Dreamin' / Monday Monday / I Saw Her Again / Look Through My Window / Go Where You Wanna Go / Words of Love / Dedicated to the One I Love / Creque Alley / Twelve Thirty / Safe in my Garden / For the Love of Ivy / Dream a Little Dream of Me / Straigh Shooter / People Like Us

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13 Abr 2014

Olga Tañon

Escrito por: a-casanova el 13 Abr 2014 - URL Permanente

Olga Teresa Tañón Ortiz nació el 13 de abril de 1967, en Santurce, Puerto Rico, y es una famosa cantante de música popular.

Hija de José Tañón y Carmen Gloria Ortiz, nació en el seno de una familia humilde con bajos recursos económicos. Desde muy pequeña, la llamada "La Mujer de Fuego", ya demostraba su habilidad para el canto y su carisma para presentarse ante cualquier público.

Su primera oportunidad para cantar con una banda la tuvo con “Las nenas de Ringo”, agrupación que estaba conformada por los jóvenes artistas del pueblo de la cantante. Luego, formó parte de las “Jossie y Chantelle”, una banda exclusivamente de mujeres. Ya en ese momento, además de demostrar que era una talentosa mezzosoprano, Olga contaba con una gran facilidad para el baile y las artes coreográficas. Esas fueron las características que la diferenciaron ampliamente del resto de las cantantes de Santurce.

Fue por su talento que la discográfica WEA Latino le dio la oportunidad de comenzar con un proyecto solista, grabando su primer trabajo al que llamó "Sola" (1992). Este disco contó con ritmos caribeños, especialmente merengues dominicanos, que le valieron su primer disco de platino.

Años después, alentada por el éxito conseguido con su primer trabajo solista, Olga Tañón realizó su segundo álbum, titulado "Mujer de fuego", con el que volvió a ganarse su merecido disco de platino gracias a sus éxitos: "Muchacho malo" y "Presencié tu amor".

"Siente el amor" fue el nombre de su tercer trabajo, premiado de igual manera que los dos anteriores.

Pero todo el éxito y las magníficas críticas hacia sus canciones no parecieron alcanzarle a la cantante puertorriqueña, que comenzó a experimentar con otros ritmos centroamericanos. Fue entonces cuando editó "Nuevos senderos", que contaba con distintas canciones clásicas mexicanas y baladas populares latinas.

En el año 1998, gracias al incondicional apoyo de su productor, Kike Santander, graba su quinto disco, titulado “ Te Acordarás de mi”, que contó con los éxitos "Yo por ti" y "Sobrevivir".

Pero Olga no se quedó simplemente con lo cosechado, si no que aspiró a más y grabó distintos videos, como "Éxitos en video", "A puro fuego" y "Como olvidar".

En el año 2005, vuelve a la carga con su exitosísimo álbum “Una nueva mujer".

En cuanto a su vida personal, Olga Tañón, se casó con el jugador de béisbol Juan González, con quien tuvo a Gabrielle Marie. Luego de su separación, la cantante centroamericana volvió a casarse, esta vez con el empresario Billy Denizard, con quien tuvo dos hijos: Indiana Noa y Ian Nair Denizard Tañón.

Discos:

1992.-Sola
1993.-Mujer de Fuego
1994.- Siente el amor
1995.- Exitos y Más
1996.-Nuevos senderos
1997.-Llévame contigo
1998.- Te acordarás de mí
1999.- Olga Viva... Viva Olga

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