Alta definición - Tu blog de cine

“¿Y esta rave de qué es?”, preguntaba un joven a la entrada de Círculo de Bellas Artes la noche del domingo. Esa rave era la fiesta anual que organiza Canal + en honor a la Gala de los Oscars en lo que desde hace unos años se ha convertido en un clásico de la noche madrileña combinando, por igual, cinefilia y petardeo. Este año, con el estreno del impresionante decorado del Círculo como escenario para los ataques frontales a la barra libre de unos doscientos cincuenta invitados. Y con el morbo añadido de saber en vivo y en directo si los españoles en Hollywood se llevarían la preciada estatuilla a casa.

A partir de las diez y media de la noche, el Salón de Baile del palacio se empezó a llenar a VIPS en modo distendido, la mayoría, o en modo promoción, los más acapara cámaras. En el Salón de Columnas, la actriz Manuela Velasco calentaba motores para presentar la retransmisión de la gala hasta las seis de la mañana. Mientras, los invitados, los camareros, los técnicos de iluminación, todos, hacían sus quinielas más o menos acertadas: “Tarantino dará el campanazo”, “Los pitufos de Avatar no pueden ganar”, “Sandra Bullock Mejor Actriz, ¿estás de broma?”. Empieza la gala.

Y primera decepción con el consiguiente primer enviste masivo a la barra. Javier Recio se queda sin su Oscar el corto La dama y la muerte a pesar del apoyo, en Los Ángeles, de Antonio Banderas y, en el Círculo, de insignes cortometrajistas ya duchos en el arte de ir a por un Oscar y quedarse con bonitos recuerdos como Borja Cobeaga. Entre copa y copa, proclamas nacionalistas en pro del cine español y sorbos en los lugares comunes del cine chico tipo: “el corto es el futuro.”

Segunda decepción y segundo enviste masivo a la barra. La actriz Mo’Nique se lleva el Oscar a Mejor Actriz de Reparto por ‘Precious’ dejando a Penélope compuesta y con novio. Porque, como bien dejó claro un fan a grito pelado: “¡Javier Bardem la coge de la mano!” Los adictos a las redes sociales ya tenían el titular listo para sus móviles cuando, poco a poco, la sala se vaciaba dejando el incesante techno-house como principal acompañante para una de las sorpresas de la noche.

Y es que fueron los hígados más fuertes los que aguantaron estoicamente la soporífera gala para presenciar, ya muy entrada la madruga, uno de los momentos más inesperados de la velada. El Oscar a la Mejor Película de Habla No Inglesa a la co-producción hispano-argentina El secreto de sus ojos que fue recibido por una inmensa minoría de aplausos. Sin hielos en la barra y bocadillos de salchichón como canapé ¿Quedaba entonces algo que ver?

Eran ya las seis de la mañana cuando los supervivientes de la fiesta, unas veinte personas, presenciaron entre desechos orgánicos e inmundicias varias el momento por el que será recordado esta edición de los Oscar. Katherine Bigelow subía a recoger el Oscar a Mejor Directora ante la cara de poker de su exmarido y anteriormente autoproclamado ‘rey del mundo’. James Cameron había perdido y, como apostilló un cinéfilo recostado en la escalera, con ello “se ha salvado el cine”.

El año que viene más.

(Este texto ha sido publicado en la sección de Madrid del diario El País, con mi apellido mal, pero como no lo han colgado en la web, lo cuelgo en el blog.)

Lo más interesante de ‘Alicia en el País de las Maravillas’ no es el apabullante regreso de Tim Burton al delirio visual de ‘Bitelchus’. Ni su, a veces, desconcertante y facilón 3D que opta por el ‘hacia afuera’ de las atracciones de feria en vez del más envolvente ‘hacia dentro’ de ‘Avatar’ de James Cameron. Lo más interesante de esta superproducción es sin duda un reparto en estado de gracia y una polémica en torno a su distribución-exhibición que mucho tiene que decir sobre la supuesta revolución del cine digital en tres dimensiones. Y de sus límites.

Advertencia. Alicia en el País de las Maravillas no es la adaptación al cine de gafas de la novela de Lewis Carroll. Es un mix de esa novela, ya llevada al cine en más de veinte ocasiones, y de su secuela, A través del espejo y lo que Alicia encontró allí. Así que no se asusten si al final creen estar viendo un versión feminista de El señor de los anillos con Dragón incluido.

Advertencia 2. Lo mejor de lo nuevo de Tim Burton no es Tim Burton. Son sus actores. Todos ellos hacen unas composiciones magistrales a pesar de que: sus cuerpos estén sobredimensionados (Helena Bonham Carter y Johnny Depp glorifican la sobreactuación), estén irreconocibles (Matt Lucas de la serie Little britain multiplicado y jibarizado), sean actrices primerizas (fantástico descubrimiento el de Mia Wasikowska) o optan por la autoparodia (desternillante la Princesa petarda de Anne Hathaway).

Alivio. A pesar de ser una película de Tim Burton para Disney, sigue siendo una película de Tim Burton. El diseño de producción es espectacular, apabullante por momentos, la música de Danny Elfman en su línea, todos los tics visuales bien presentes y unos toques gore-camp que llenan de agradecidos toques de autor una película fabricada para contentar a todos.

Problema 1. Las salas que proyectan películas en 3D están copadas por la rentable y oscarizable ‘Avatar’ de James Cameron. Los exhibidores, claro, quieren alargar el taquillazo hasta pasado los Oscar. Entonces, Disney no tiene salas y tiene que retrasar el estreno. Eso mismo ha pasado con otras producciones en 3D. ¿La cacareada 'revolución digital' va demasiado rápido?

Problema 2. En el Reino Unido, las salas de exhibición, encabezadas por la cadena Odeon, están cabreadas. Entre un estreno en 3D y la publicación de en DVD de una película, tiene que haber 17 semanas de separación para así rentabilizar la operación . Para ‘Alicia en el país de las maravillas’ será de 12. Cabreo. Odeon, con más de cien salas en el Reino Unido, no estrenará ‘Alicia en el país de las maravillas’. Aunque a última hora sí. ¿Fin del culebrón 3D?

Conclusión. Que la película esté en 3D o en 2D da un poco igual. Es más, tal vez hubiera ganado en claridad un planteamiento visual menos rebuscado y más directo. Y, seguramente, habría tenido muchos menos problemas a la hora de hacer caja.

PD: Larga vida a Tim Burton. Como sea.

Este sábado finaliza el Festival de Documentales Punto de Vista de Navarra. Un festival que poco a poco se está afianzando en el circuito de festivales gracias, justamente, a transgredir el género que lo define. Mirando hacia las fronteras del documental, el festival ofrece suculentas propuestas con las que reflexionar sobre la realidad y sobre las fronteras por las que transitar su reflejo.

Ahí están la interesante superproducción sobre los cocineros y las guerras de ‘Cooking History’ de Peter Kerekes, o el bellísimo análisis de la relación en ‘cultura’ y ‘naturaleza’ de ‘Sweetgrass’ a cargo de los profesores en Harvard Lucien Castaing-Taylor e Ilisa Barbash o la maravillosa rareza de ‘Peau de Cochon’ en el que el inclasificable autor francés Phillipe Katherine deconstruye su propia imagen.

Y de reflejos, y de imágen, sabe mucho el realizador homenajeado este año. Jem Cohen fue a Pamplona a una retrospectiva de su obra y nos dio la oportunidad de acercarnos a una obra tan inclasificable como apasionante. ¿Documentalista? ¿Videografo? ¿Fotógrafo? (Muy recomendable el libro ‘Signal Fires’ que ha publicado el festival analizando su figura.) Entre las joyas que se pudieron ver, destaca su impresionante incursión en los no-espacios de la América corporativista en‘Chain’ (2004), su seminal retrato del grupo Fugazi en ‘Instrument’ (1999), o el desconcertante, duro y apasionante retrato del compositor/artista/intérprete ‘Benjamin Smoke’ (2000) (foto).

Un lujo que acompañado a la proyección de rarezas de este director nos acercó a otras fascinantes y difíciles, ¿quién dijo que lo difícil es malo?, formas de grabar la realidad. Un Jean Vigo hard core que con la vista puesta en Cartier Bresson y con el obturador bien abierto logra el milagro que solo los grandes consiguen: que veamos la realidad con otros ojos.

Y es que después de la proyección de ‘Chain’, Pamplona parecía otra ciudad. Tal y como dijo Jem en su presentación, tienen suerte que en su centro histórico todavía persista el carácter de una ciudad virgen de espacios corporativos, de la agresividad cultural de las franquicias, del Starbucks, de los parkings, de la realidad más de hormigón funcional. Amén de Kukuxumusu, claro.

Un poco afectado por la película, me acerqué a una de las fiestas que la organización daba para agasajar los compañeros periodistas y los invitados. Para mi sorpresa, me encontré con el propio Cohen pinchando música. Relajado, con su IPod en mano, el hombre que puso imágenes a la música deGodspeed! You Black Emperor o de Elliott Smith o de Vic Chesnutt, el hombre que me había hecho creer que rodar también puede ser pescar, estaba pinchando cumbia. Y tan feliz.

Me muero por saber lo que ha grabado en la ciudad. Y gracias a los compañeros navarros por acercarme a los límites de la realidad via el cine.

Ya pueden ver en los cines de toda España la que dicen es una de las mejores películas de acción que se han estrenado desde hace tiempo. ‘En tierra hostil’ es el regreso por la puerta grande de la realizadora Kathryne Bigelow que llega a nuestras pantallas con considerable retraso, se estrenó en el Festival de Venecia de 2008, con el respaldo de la crítica norteamericana y con el morbo extra de ver como Katherine se la jugará probablemente con James Cameron, su ex-marido y ex-guionista, en la gala de los Oscars.

Antes del concierto del grupo Hola Todo El Mundo en la sala Nasti de Madrid , discutía con mi compañera Sara Brito del diario Público sobre si es de verdad el peliculón de acción que necesitaba Irak o si se trata de otro hype políticamente correcto. Sara, junto a su compañero Fran Gayo publicaron unos textos encontrados en el periódico que bien resumen las posiciones que despiertan esta película sobre desactivar bombas y la adrenalina resultante.

A saber:

A favor: Soberbia realización, diseño de producción, montaje y sonido. Imponente interpretación de Jeremy Renner. Trepidante ritmo. Por momentos, parece la película que habría hecho Kubrick sobre Irak.

En contra: A pesar del tema, tan políticamente correcta que resulta aséptica. Incluso hueca. La visión de una mujer sobre la guerra de Irak resulta igual de masculina, o más, que la de un realizador. Por momentos parece una revisitación de Rambo para la era Obama.

Yo, por mi parte, decidí no pronunciarme entre copa y copa sobre la película hasta haber visto la serie Generation Kill. Prometo un post-comparativo en cuanto Amazon me envíe la serie de los creadores de The Wire sobre la guerra de Irak.

¿Y tú?

PD: Espero de corazón que Kathryne se lleve el Oscar a la mejor directora y deje a James con sus pitufos y sin estatuilla. jejeje

Entre tanto estreno bombástico para el próximo fin de semana, ahí están las muy recomendables 'La mujer sin piano' de Javier Rebollo y, sobre todo, 'En tierra hostil' de Katherine Bigelow, el realizador británico Stephen Frears vuelve a las pantallas españolas con la muy estimable 'Chérie'.

Una película basada en la novela homónima de Colette en la que conocemos a Lea de Lonval. Una cortesana, o como deja muy claro el diveritido prólogo de la película, una puta high class, interpretada por Michelle Pfeiffer, que después de años en el oficio, se enamora del hijo de una de sus compañeras de sector. Un niñato que disfruta al máximo el París de la Belle Époque con las ideas poco claras y las hormonas a cien.

La estrenaron en el pasado Festival de Berlín donde pasó sin pena ni gloria y es que después de 'The Queen' se esperaba más de este brillante realizador. Y, sobre todo, se esperaba más del encuentro en Frears y Pfeiffer después de su anterior colaboración en 'Las amistades peligrosas'. ¿Demasiado insulsa?

El encanto de esta película reside justamente en esa supuesta ligereza. Hablando con Frears, bueno, sacándole las palabras a este parco genio, me di cuenta que más que una película del realizador de 'Mi hermosa lavandería' o 'Alta fidelidad', es una sabrosa indulgencia. Un capricho esteta que se disfruta en cada plano gracias a un maravilloso diseño de producción y una historia que bien podría ser un episodio de 'Sexo en Nueva York' con art-deco de fondo. Además de es último plano de la cara de Michelle Pfeiffer que bien merece pasar por taquilla.

Ya me contarán.

La semana de Nine es sin duda la semana de Up in the air. La primera se presenta como un musical all stars para convertirse entre números musicales en el perfecto sueño erótico de algún productor de cine obeso, con barba, y muy poderoso (no miro a nadie). Fellini tiene que estar revolviéndose en su tumba. Y es que después de su pase siempre quedará la duda de saber por qué lo mejor de la película, Fergie, la cantante del grupo Black Eyed Peas, se quedó fuera de todo. De la promoción, de los editoriales de moda, de las nominaciones a premios, de los titulares… Justicia para Fergie. La segunda...

Si no caes en las redes de ese despropósito musical, muy recomendable es sentarse dos horas junto a George Clooney en Up in the air (foto) de Jason Reitman (Juno). La mejor comedia romántica en muchos años por renovar justamente las formas de ese infame género con un hibrido entre romanticismo y angustia existencial y por dar la oportunidad a George Clooney de demostrar que además de vender café tiene un enorme talento para construir personajes que transitan entre lo patético y lo incomodamente cercano.

Ryan trabaja para una empresa que se dedica a despedir empleados en otras empresas. Durante todo el año, viaja por Estados Unidos despidiendo con frialdad y calculado humanismo a las víctimas de la coyuntura económica. Ryan, también, colecciona tarjetas de lineas aereas y hoteles, adora vivir en tránsito y da conferencias sobre cómo vivir sin ningún tipo de atadura más allá de una maleta con ruedas. Un buen día, entran en su configuración vital otra empleada sin domicilio fijo, Alex, y una compañera trabajo con un deje muy a lo Terminator en lo profesional y muy a lo Sandra Bullock en lo personal. Empieza el desorden.

O, el retrato generacional del trabajador en la era de la Blackberry que apostando por las formas de la comedia romántica, chico-conoce-chica(s), retrata el tránsito de un personaje por las relaciones tanto laborales como personales desde un total vacío existencial hasta la desesperación y, finalmente, la angustia. Un hombre que ser ríe del amor, que rechaza el compromiso de forma patológica, que se escuda para no enfrentarse a sus sentimientos y que cuando se deja llevar, se arrastra aún más hacia el vacio.

El final (foto) que muchos han interpretado como una bajada de pantalones por parte de los guionistas (culebrón el de los guionistas que bien merece un post) al drama familiar, es justamente donde reside el misterio y la fascinación de esta extraña y conmovedora película. Nada va a cambiar en este personaje, en el hombre de nuestro tiempo, parece decir. O, si cambia, no lo vas a ver. El tránsito interior de este personaje lo escribirá el espectador que después de asistir al derrumbe de este Terminator de la economía mundial, se pregunta ¿se salvará? ¿hay que salvarlo?

Muy grande. Vayan a verla. Ya.

He comprobado que si pongo la palabra ‘Avatar’ en este blog, se triplican las visitas. Así que os doy lo que queréis. Que sois todas unas criaturas sometidas al excamionero James Cameron y que estáis todos que os morís por ver la segunda y la tercera parte de la trilogía. Vergüenza tendría que daros.

Y es que la web está plagada de homenajes, referencias, parodias y chistes a costa de la película que revienta taquillas, seduce a políticos y enmudece a gafapastas. Y también hay muchos videos. Claro. Ahí van unos cuantos.

Hitler y Avatar ( o como el tráiler de adelanto fue un bajonazo total)

Thelma & Louise y Avatar (o qué pasaría después de tirarse por el acantilado)

La piratería y Avatar (o como piratear una película en 3D)

Los pitufos (version South Park) y Avatar (o que pasaría si Cartman saliese con Pitufina)

Si no has leído nada de David Foster Wallace, ya estás tardando. Escritor atípico donde los haya compaginó su actividad de profesor de universidad con la de periodista y cuentista. En 2008, antes de suicidarse a los 46 años, Wallace dejó varias obras maestras abarcando temas tan dispares como retratos de políticos, convenciones de cine porno, David Lynch o viajes en crucero. Una pluma superdotada amante de las comas y de las notas a pie de página al que muchos han pensado llevar al cine pero que pocos se han atrevido.

Uno de los valientes fue John Krasinski, conocido en España por protagonizar la última película de Sam Mendes, que adaptó al cine ‘Entrevistas con hombres repulsivos’ (video arriba). Sin fecha de estreno en España, la película recompone las entrevistas del libro en forma de monólogo pintando un alucinado mapa de patologías mentales, desviaciones sexuales y otros síntomas del malestar postmoderno. Después de su estreno en Sundance y de las infectas críticas, pocas esparanzas hay de un estreno comercial por Europa y, aún menos, de que Hollywood meta el diente a alguno de sus relatos. O novelas.

Su obra magna es sin duda la novela ‘La broma infinita’ (Publicada en España por Mondadori). Un mastodonte de más de mil páginas elegido por la revista Time entre las mejores novelas americanas del siglo pasado. O, los intentos por parte de unos estudiantes de una pretigiosa y elistista Academia de tenis y de unos terroristas independentistas del Québec por hacerse con la única copia de la película que da título a la novela. La última obra de James Corin Incadenza, experto en óptica y cineasta, antes de suicidarse con un microondas que, según dice la leyenda, es tan entretenida que absorbe por completo la vida de sus espectadores. ¿Quién demonios haría / vería una película así?

Mientras en Hollywood se lo piensan, en Nueva York el Leroy Neiman Center por Print Studies de la Universidad Columbia ha tenido una estimulante idea. En una de las múltiples notas a pie de página de libro, Wallace describe la ‘Filmografía Completa de James Incadenza‘. Una lista de películas documentales, conceptuales, publicitarias o comerciales... Pues bien, del 29 de enero al 19 de febrero se celebrará la primera exposición de la historia centrada en una nota al pie de página de una novela. Varios artistas contemporáneos (Trisha Baga, Sam Ekwurtzel, Michael Gaillard, Gene Gort, Van Hanos, Brendan Harman, Tim Hyde, The K.I.D.S., Kevjn Kelley, Zerek Kempf, Tim Lawless, Tracy Molis, Davida Nemeroff, Rory Parks, JJ Peet, Robert Rhee, William Santen, Jessica Segall, Grzegorz Surman, Christine Wang...) han recibido el encargo del Leroy Neiman Center de hacer una pieza audiovisual inspirándose en una de sus obras. Y lo han hecho.

Un excelente homenaje a la obra de este atípico y personal autor y, la posibilidad de ver como el arte contemporáneo re/interpreta la obra de este escritor. Seguro que a Wallace le habría gustado.

Con la película 'Teniente corrupto ' a punto de ser estrenada en España y todavía con la agria polémica entre su director, el alemán Werner Herzog, y el director de la película original, Abel Ferrara , descubro que el alemán acaba de abrir una escuela de cine.

El director de películas como 'Aguirre, la cólera de Dios' y 'Fitzcarraldo' (foto) o, más recientemente, 'Grizzly Man' y 'Encuentros en el Fin del Mundo' ha montado una escuela de cine llamada 'Werner Herzog's Rogue Film School' (La escuela de cine pirata de Werner Herzog) en la que olvídate de la ESCAC o de la ECAM.

Lugar: En algún lugar de Los Ángeles

Fecha: Del 8 de enero de 2010 al 10 de enero de 2010

Reglas: Se aplicará censura para temas precisos (Yoga, nutrición, crecimiento personal...) y se prohibe toda grabación en video o audio.

Precio: 1450 $

Lecturas recomendadas: "Las Geórgicas" de Virgilio, "The short happy life of Francis Macomber", de Hemingway y "Historia verdadera de la conquista de la nueva España" por Bernal Diaz del Castillo.

Clases: Viajar a Pie, El Arte de Forzar Cerraduras, La Confección de tus Propios Permisos de Rodaje, Técnicas de Neutralización de la Burocracia, Tácticas de Guerrilla...

En el manifiesto de la web de la Escuela, Herzog espolea a todos sus acólitos:

"Seguid vuestra visión. Haced células piratas secretas por todas partes. Mientras tanto, no temáis la soledad".

Gracias Werner. Y feliz 2010 a ti también.

Después de varios debates con mi entorno más cercano, después de varias dudas estéticas y éticas, me he puesto a elaborar mi lista de lo mejor (y lo peor) del año cinematográficamente hablando.

Advertencia, en ningún momento pretendo sentar cátedra, ni pretendo disponer de la verdad absoluta, ni estar iluminado por la estrella de la crítica absolutista. Se trata de hacer balance. Y ya está.

Para los que entienden esto del blog como una forma de fomentar al debate, les invito a compartir sus pensamientos sobre mis pensamientos en la sección de comentarios.

Ahí va.

Mejor publirreportaje (ex aequo): Mapa de los sonidos de Tokio de Isabel Coixet y This is it de Kenny Ortega. Lo mejor de la tradición postalitas fashion y lo último en marketing post-mortem. Busca, compara y si encuentras algo mejor, bájatelo.

Mejor milagro en la cartelera: El estreno de Paranoid Park de Gus Van Sant (Foto arriba). Después de tres años en el limbo de la distribución, se estrenó esta obra maestra en salas. Gracias.

Mejor actor español sin discusión alguna que valga:Luís Tosar por Celda 211. El año de Willy Toledo en After y el año de la marica mala de Antonio de la Torre en Gordos... es el año de Mala Madre.

Mejor actriz española no protagonista ni secundaria: Ángela Molina por Los abrazos rotos. Arrugas sin complejos y canas como galones. Ángela Molina da un recital en tan solo tres escenas. La Jurado del cine.

Peor actriz española no protagonista ni secundaria: Paz Vega por The Spirit . Se estrenó el 25 de diciembre de 2008 pero todavía nos acordamos. ¡¿Qué demonios era eso?!

Mejor película del año a pesar de Up: Malditos bastardos de Quentin Tarantino. Con un guión magistral e interpretaciones antológicas, Tarantino se carga a Hitler en pro del cine y, de paso, demuestra que detrás de sus tics hay mucho arte. Genial se mire por donde se mire.

Mejor película española a pesar de Celda 211: 3 días con la familia de Mar Coll (foto arriba). La estrenaron en el pasado Festival de Málaga y, desde entonces, su misterio y fascinación no deja de crecer. Como si fuera una canción de 'The XX', su exquisito formalismo no oculta la maravillosa esencia de una película que habla de dolor con serenidad y sinceridad. A paladear.

Mejor sorpresa en la cartelera: 500 días juntos de Marc Webb. La vendieron como otra típica comedieta burra para el verano pero el boca a boca la puso en su sitio. Ni más ni menos, que una película generacional al ritmo de The Smiths sobre la tragedia del amor romántico. Grandes intérpretes, escenas magistrales y el mejor antídoto contra el desamor desde el karaoke.

Mejor película de temática lésbica: Ágora de Alejandro Amenábar. ¿Quién dijo que el cine LGTB no daba dinero? La prueba la tiene el niño prodigio del cine español que otra vez riza el rizo y habla sobra la primera gran lesbiana de la historia de la humanidad. ¿O era la primera científica?

Mejor película sin distribución aunque ya va siendo hora que la tenga: Ander de Roberto Castón (foto arriba en su versión china (?!)). Lleva una traca de premios en el extranjero, la van a estrenar este enero en Francia y se la rifan por otros países. En España, rien de rien. Justicia. Ya.

Noticia del año: En el año de la crisis, el cine español da dinero. (Spanish Movie, Ágora, Celda 211, REC2, Fuga de cerebros, Mentiras y gordas...)

Subidón del año: Pé. Ganó un Oscar, confirmó su relación con Ja, nos llena de orgullo cuando la vemos entre las mejores vestidas ya sea en Vanity Fair o en la Cuore y, en 2010, ya se habla de boda y de otro Oscar. Por muchos años más, ¡Viva Penélope!

Bajonazo del año: José Luís López Vázquez. Se fue uno de los grandes. Y punto.

Peor fenómeno de masas del año: Los Crepusculinos.

Mejor fenómeno de masas del año: El new choni cinema

Mejor web de cine: THEAUTEURS.com ¿El futuro del cine? Puede.

Mejor colocón en 3D: Avatar. Historia de 2D para un espectáculo total en 3D. Vivan los pitufos de tres metros y el fluorescente. Viva Cameron.

Distribuidora / productora española del año por estrenar documentales alucinantes, películas sin distribución, producir la opera prima de David Planell y publicar los DVDs Colección FNAC: AVALON

Sarao del año: el de la revista Vice por el estreno de Donde viven los monstruos en la sala Charada de Madrid. ¿Quién dijo que los saraos no son divertidos? ¿Quién dijo que hacen falta canapés cuando hay chupitos? ¿Quién dijo que Spike Jonze no puede terminar la noche vestido con un traje de faralaes y, aún así, seguir despertando admiración y respeto?

Relevo de Tilda Swinton como icono de estilo: Ninguno.

(Feliz 2010 a todos y todas.)