Alta definición - Tu blog de cine

"Ésta película se parece mucho a Sin City", le dicen a Frank Miller con un tono que roza el desprecio. "Si se parece, yo soy el culpable...soy el mismo hombre", le contesta el director / guionista / escritor Miller de la forma más sencilla y placentera posible. Frank Miller (creador de los cómics de 300, Sin City, Batman: El caballero oscuro y las mejores historias de Lobezno o Daredevil entre otras) estuvo hace unas semanas en España presentando 15 minutos de su próxima película como director: The Spirit, una adaptación del cómic de Will Esiner (1917-2005), y convenció.

Vestido de oscuro, con su eterno sombrero a lo Freddie Krueger, Miller presentó con mucho humor y demostrando que hace las cosas por gusto y no por negocio, varias escenas de la película: escenarios creados por ordenador ("la tecnología ha llegado casi a algo que puedes hacer en cómic"), un amplio y conocido reparto, el uso de blancos, negros y grises intercalados con gotas de color: la estética Sin City es obvia. Nos espera mucho humor, cine negro y un superhéroe (aquí igual a Miller se le ha ido la mano) misterioso que quiere descubrir quién es: Denny Colt, The Spirit, el detective enmascarado que vuelve de la muerte creado por Will Eisner en 1940.

Todo parece hecho a la medida de Miller y, sin embargo, el verdadero espíritu está en Eisner, un artista cuya obra debería de empezar a aparecer en los museos de arte de todo el mundo: sin él, el mundo de los cómics y las novelas gráficas no sería lo mismo. Sus bases en el arte secuencial y en la forma de contar historias son los cimientos de todo lo anterior. Eisner demostró que todo está en una buena historia y en la forma en que se cuenta. Esto último es algo que Miller recordó, citando además a su profesor en el arte de dirigir cine: Robert Rodríguez, respecto al cómic: "cambian las herramientas, pero lo que importa al final es la historia".

Miller expuso las claves de su trabajo con pasión y mostrando mucho respeto por sus actores: Gabriel Match , Samuel L. Jackson ("es una bomba atómica; le diriges, le dices lo que tiene que hacer, y luego te cubres"), Scarlett Johansson, Eva Mendes y Paz Vega.

The Spirit se presenta, en palabras de Miller, "como una carta de amor a Eisner y a dos pasiones: Nueva York y las mujeres". Sobre Eisner, amigo de Miller, aunque no paraban "de discutir a todas horas", el director dijo haberle tenido muy presente durante el rodaje. Tanto, que Miller dijo que le sentía como si siempre estuviese detrás de él corrigiéndole, aunque trató "de hacer todo lo posible para calmarle".

"Una buena película es como una forma de magia", dijo Miller, que terminó diciendo que "hay gente que piensa que su trabajo es una obra maestra y luego no lo es…. Y ésta no pinta nada mal".

The Spirit se estrena en España en Navidad

A veces lo más sencillo, es lo más complicado. Y a veces, lo más difícil es hacerlo sencillo. Pero, a veces, surge el milagro y algo sencillo pero complicado fluye en el cine y parece, justamente, muy sencillo. Tan sencillo que es simplemente bello. Tan bello que sólo tiene un calificativo: Humano.

'Still Walking', la última película de Kore-Eda Hirokazu, lo ilustra. El japonés, responsable entre otras de ‘After Life’ o ‘Nobody knows’, reúne a una familia, progenitores y vástagos, en el otoño de sus vidas alrededor de una mesa. La excusa: conmemorar la muerte de un hijo que murió prematuramente. Y mientras el viento agita las ramas, vemos a cada uno de ellos en su miseria y belleza durante la cotidianidad de un día. Hasta que una voz en off nos recuerda que todos estamos de paso. Y surge el milagro: La película es vida.

Los cinéfilos verán es esta película la transposición de lo mejor de Yasuhiro Ozu al cine actual. Sin duda, el maestro japonés saludaría esta película. Pero, más allá de las posturas teóricas, esta película es lo más sensible y humano que ha pasado este año por este Festival. En dos horas, Kore-Eda fotografía a una familia para recordarnos que más vale lamentarse de algo que has hecho que de algo que no has hecho, que nadie es perfecto, que nuestras familias son las que nos ha tocado y que justamente por esa arbitrariedad hay que amarla por encima de todo.

Una madre que escucha la misma canción de amor a escondidas, un hijo que encuentra el amor en los brazos de una viuda y su hijo, una viuda que abraza la complacencia para ser amada, un padre de vuelta de todo pero sobre todo de si mismo, una hija que confunde el amor con la posesión, un niño que quiere ser afinador de pianos…

Kore-Eda explica que la película nació después de la muerte de sus padres. No quería hacer una película triste, quería hacer una película viva. Por ello, 'Still walking' es una película que no merecer ser contada. Merece ser vista, paladeada y disfrutada. Como la vida. Vayan a verla.

Después del trauma del pase de prensa de anoche, parece que la prensa especializada ha empezado a digerir la radical e interesantísima nueva película de Jaime Rosales. Ya saben, ‘Tiro en la cabeza’, una película que sigue a un terrorista de la banda ETA en su vida cotidiana rodada con teleobjetivos, sonido ambiente y diálogos inteligibles ininteligibles (ver crítica aquí). Una película que ha dividido más a la prensa especializada que la polémica Boyero/anti-Boyero o la ausencia de máquina de café en la sala de redacción.

Antes de la rueda de prensa, los corrillos del Kursaal afilaban sus cuchillos en lo que se preveía una escabechina old school. Se me ha llegado a decir que tengo que ir al psiquiatra por haber escrito que la película es interesante y en los caldeaditos pasillos daba un poco de miedo pensar en lo que mis compañeros dirían a este autor, autor con mayúsculas, autor a la vieja usanza, que no tiene miedo en proponer nuevas formas para viejos problemas. Al final, la sangre no llegó al río a la espera de su presentación, esta tarde, al público del Festival.

Rosales llegó a la rueda de prensa del Kursaal acompañado del actor principal de película, Ion Arretxe, y de los productores. Tenso silencio, flashes de fotógrafos, alguna tosecilla, y empiezan las preguntas. Rosales contestó cada una de ellas mostrando una mezcla de confianza y humildad, pensando muy bien sus palabras y dando suculentas pistas para entender su última obra. Incluso se mostró dolido cuando un asistente, preso de la rabia, le esputó que no entendía que el Gobierno de España subvencione películas como la suya.

“No se trata de una película local. En cada sitio se verá de una forma distinta. La vamos a presentar en Festivales de Nueva York, Paris y Londres”

“La película cuenta lo absurdo. Si necesitamos un poco de ideología para entender la película, la ideología se vuelve absurda.”

“Cuando hago una película pienso en el público. Quiero agradar, pero también quiero buscar nuevas formas y a veces es difícil encontrar el punto medio”

“Al conocer el asesinato de los Guardias Civiles, se me ocurrió una narración y una forma para narrarla. No es que no haya diálogos, es que no se escuchan.”

“El inhumano tiene sensibilidad como nosotros. “

“He hecho esta película desde la ingenuidad con la idea que de la ciudanía recoja sus ideas.”

“Se trata de una experiencia mixta. Por un lado hay mucho del cine clásico, incluso del cine mudo. Pero también hay algo de instalación. De hecho, vamos a proyectar la película en el Museo Reina Sofía.”

“Yo no tengo miedo, lo que tengo es mucho respeto. Si tuviera miedo, no habría hecho esto.”

“A veces sí que siento miedo. A veces voy caminando por Donosti y miro hacia atrás. Pero tengo un mecanismo psicológico que desactiva ese miedo.”

“Tenemos que buscar al otro, y reflexionar sobre él.”

Y, mientras tanto, Ion Arretxe miraba a Rosales. Un periodista preguntó a Arretxe y con ese laconismo tan vasco, abrió la boca y no hubo más que aplaudir.

“Tengo fe en Jaime Rosales. Cuando me dijo de hacer la película, un resorte interno me hizo decir que sí. Sin más. Pero además, como vasco, yo sabía que podía aportar algo a la película. Yo en esto tengo que dar la cara. Y eso es lo que hago, dar la cara.”

Y aplausos.

Esperemos que con las explicaciones del director, la película haya entrado más fácilmente en el sistema digestivo de la crítica viejuna. Después de escuchar a Rosales y Arretxe salgo reconfortado por haber visto una película de la que se podría hablar y escribir durante horas. Una película que tiene de cualidad principal la de generar debate obviando uno de los elementos que más enturbian el debate: la ideología. Ahí es nada.

El domingo se proyectaron dos películas españolas que comparten además de pasaporte, la voluntad de retratar la marginalidad. La primera, ‘El patio de mi cárcel’ es una producción de El Deseo con grandes actrices, grandes temas y muchos tics y que compite por la Concha de Oro. La segunda, ‘El truco del manco’, es una ópera prima independiente que compite en la sección Zabaltegi-Nuevos Directores, está protagonizada por actores no profesionales y posee una fuerza y frescura inusitada. La primera, no se entiende que hace en la sección oficial. La segunda está despertando el entusiasmo entre crítica y público.

‘El patio de mi cárcel’ se presentaba como uno de los platos fuertes del festival. Directora novel apadrinada por Pedro Almodóvar, grandes actrices haciendo papeles premiables, basada en hechos reales, y un tema, las cárceles femeninas, no muy tratado en nuestro país (¿Alguien se acuerda de ‘Entre rojas’?) y con grandes posibilidades dramáticas. Pero a pesar de los esfuerzos de las actrices protagonistas (Sobre todo de la Echegui, cada día más grande), la historia se queda en una secuencia de tópicos entorno al feminismo, más precisamente aquello de Virginia Woolf su habitación, la marginalidad, lo del SIDA como acelerador dramático ya da grima, y el arte como agente redentor. Algunos la salvan por eso de que es una ópera prima y es que una colaboración entre El Deseo y la Warner. “Es un buen producto”, he oído varias veces.

‘El truco del manco’ (foto arriba) es el gran secreto a voces en lo que llevamos del Festival. “¿Has visto la de El Langui (derecha en la foto)?” me decían continuamente. “Pues no. Y por cierto, ¿desde cuándo te gusta La Excepción?¿El Hip Hop?” Y la respuesta, claro, estaba en esta vitalista, sincera y rotunda película sobre la vida en un barrio de extrarradio con unos actores no profesionales inmensos, una buena dirección y un primer minuto que da mil patadas a ‘El patio de mi cárcel’ en lo que se refiere a retratar la lucha cotidiana. Eso por no hablar del final.

Esta tarde me tocó hacer un encuentro digital con El Langui. No lo conocía y me ha parecido una persona de gran inteligencia y sensibilidad. Una persona que comparte con el personaje de su película la voluntad de superarse cada día gracias a su arte. Un fenómeno de tío, vaya. Aprovechando las circunstancias, les metí un camarazo a él y al director. (En cuanto encuentro una conexión a Internet decente, lo subo)

En serio, se estrena a principios de noviembre y merece mucho la pena. Y para terminar, una pregunta, ¿Por qué ‘El patio de mi cárcel’ compite en la sección oficial y no ‘El truco del manco’?

Primeros abucheos de San Sebastián para la nueva película de Jaime Rosales. ‘Tiro en la cabeza’ es una película radical que no quiere contar, quiere mostrar, observar, realizar un estudio etnográfico sobre el mal. Cámaras con teleobjetivos observan a un hombre que a través de esos ojos mecánicos es un objeto de observación más. Como una patata o una jirafa. Saca dinero del cajero, compra una revista, liga, mata a dos Guardias Civiles. No hay discurso más allá que él que marca el espíritu etnográfico. No hay argumento más allá que grabar lo que ese hombre realiza en un lapso de tiempo. Sin modificar su entorno, sin forzar situaciones, sin juzgar.

Es una película radical porque no toma partido. No hay buenos, ni malos, ni grises. Sólo hay hechos, sin ideologías, sin idiomas, sin palabras. Es incómoda porque es dura de ver. Requiere la entrega total del espectador para jugar a reportero del National Geographic en medio de la ciudad y, encima, con un terrorista. Es polémica porque Jaime Rosales da un paso al frente en la destrucción de la narración cinematográfica para construir una no-historia sin artificios, sin luz, sin existencia dramática. Es apasionante porque plantea preguntas sin respuesta aparente: ¿Se puede observar el terrorismo sin tomar partido? ¿El mal es objetivo? ¿A quién habla un experimento fílmico así?

“Esto es un timo”, “Pero mira que es arrogante el director”, “’La soledad’ tenía un pase, pero esto…” A mí me ha parecido lo más interesante en lo que llevamos de festival y los corrillos que se formaron a la salida del pase de prensa en el Teatro Principal de San Sebastián no hicieron más que mostrar aquello de que el arte tiene romper, sacudirte, irritarte, pero nunca dejarte indiferente.

Mañana es la rueda de prensa y me muero de ganas por escuchar a Rosales. Se lo van a comer vivo, pero espero que tenga tiempo para explicarse. Muy grande.

Nota: Antes de la proyección de la película, la organización del Festival leyó un comunicado en euskera, castellano e inglés condenando los últimos atentados de la banda terrorista ETA.

Sin tiempo para comer, me arrastro otra vez al María Cristina para encontrarme con parte del equipo de la película ‘El niño con el pijama a rayas’. Una película basada en el best-seller homónimo del irlandés John Boyne (foto) que ha sido rebautizada en las aguas del Kursaal con ‘El niño con el pijama a la moda’ por eso de que la ciudad está tomada por el póster de la película y hay hasta triciclos turísticos con imágenes de la película sobre el exterminio judío. La película se presenta en la sección oficial pero fuera de competición y la película ha sido recibida con tibieza.

La novela tiene su encanto. Es entretenida y bonita. Vamos, un caramelito para el metro en el trayecto entre el trabajo y casa. La película, distribuida por Disney, respeta la historia original, incluso el final, pero le falta garra. Le falta ese toque visual que nos cuente un cuento, que nos lleve a la cabeza de Bruno, que la imagen, y no la palabra, sea la que nos haga tragarnos que una rejita separaba el horror de la inocencia. Salí de su proyección con la sensación que un director italiano, de esos que saben subir la música justo en el momento adecuado, lo habría bordado.

Otra mesa redonda para hablar con el director de la película Mark Herman, y con el escrito de la novela John Boyne. Sería la hora, después de comer, pero los dos se mostraron un tanto espesos a las preguntas que les hicimos. Por partes:

Mark Herman, director:

- “Todas las razones por las que me decían que no tenía que hacer la película eran para mí razones por las que hacer la película.”
- “Los últimos 20 minutos de ‘La vida es bella’ me irritaron. ¿Cómo es posible que tenga un final feliz una película sobre el Holocausto.”
- “En su momento, leí una versión inicial de la novela y pensé: ‘Esto no hay manera de llevarlo al cine.’”
- “Si la película fuera en alemán, no estaríamos aquí en Donostia presentando la película.”

John Boyne, escritor:

- “Para mí era importante que la película tuviera una identidad independiente. Cuando fui a ver la película, pagando por cierto, fui a verla como un espectador más.”
- “Me gusta ver que la película ha respetado los aspecto que para mí son importantes del libro. Por ejemplo, al final, que los dos niños se den la mano.”
- “Creo que es una película muy buena.”
- “Me gusta mucho la novela histórica pero me gustaría hacer algo contemporáneo, divertido. El problema es que no tengo ideas.”

Y para terminar, la frase más lapidaria en lo que llevamos de festival cortesía de Mark: “No se trata de una película sobre Alemania, se trata de una película sobre la raza humana.”

Algo así me hubiese gustado contestarle a una compañera venezolana freelance que me comunicó mientras se marchaban las celebrities a sus aposentos que "en los blogs sólo se publican tonterías". Mona, los blogs no son sobre tonterías. Los blogs pueden ser sobre frivolidades pero nunca sobre tonterías.

El sábado toca, por fin, atracón de cine. En el menú: lo nuevo de Makhmalbaf hija 2, 'Frozen River' y 'Acné', una película que ha entusiasmado al mismísimo Jorge Drexler. Ya les contaré.

La Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de España vuelve a sorprendernos con su lista de películas que selecciona para que opten al premio de la Academia de Hollywood en la categoría de ‘Mejor Película de Habla no Inglesa’. Sorpresa por la falta de riesgo en la toma de decisiones y, sorpresa, por volver a incluir una película que no está estrenada en nuestro país y, sorpresa al cuadrado, por volver a ser una película del director José Luis Garci.

Que las películas españolas más oscarizables que se han estrenado en nuestro país sean las tres seleccionadas, no se lo cree nadie. Cualquier amante del cine te dará una lista de tres películas nacionales muy superiores en cuanto a calidad y rentabilidad que la fofa adaptación de ‘Los girasoles ciegos’, la bonita y multipremiada ‘Siete mesas de billar francés’, y ‘Sangre de Mayo’, la nueva película de José Luis Garci de la que exceptuando los miembros de la Academia, el resto de los mortales no podemos opinar puesto que no se ha estrenado, el pase de prensa no se ha realizado y el estreno en salas está previsto para el 3 de octubre. Fecha en la que ya se habrá anunciado la película española candidata al Oscar.

Pero esta extraña situación en la que parece que la Academia planea muy arriba, sobre la industria, los amantes del cine, el público y la prensa ya se dio el año pasado con la inclusión de ‘Luz de domingo’, también de Garci, en la lista de películas seleccionadas para el Oscar. En la prensa, nadie la había visto. Entre el público, nadie la había visto. Los de la Academia, al parecer, sí. Sin poner en entredicho la profesionalidad del equipo de la por otra parte majísima Ángeles Gonzáles Sinde, ni el interés, muy discutible, de las películas del director José Luís Garci, en Alta Definición nos preguntamos lo siguiente:

- Desde que en 1986 la Academia se encargara de nominar a la película que va a los Oscars, cuatro veces ha sido una película de José Luis Garci. Eso no por hablar de las veces que ha sido finalista como es el caso hoy. En términos de credibilidad y de legitimidad, ¿le conviene a la Academia tanta ‘coincidencia’ con una sola persona?

- Todos estamos de acuerdo que las películas que van a los Oscar no tienen que ser demasiado arriesgadas tanto en su forma como en su contenido. Pero, ¿no habría que mojarse un poco más?

Nada como ganar un Oscar para que todo el mundo te haga más caso. Sin quitarles ni una pizca de mérito, el éxito cosechado por los hermanos Coen a principios de año en la ceremonia de los Oscar con No es país para viejos, ha hecho que su nueva película, Burn after reading (Quemar tras su lectura podría ser la traducción literal), se sitúe al frente de la taquilla estadounidense en su primer fin de semana de estreno.

Y no solo eso, sino que además los 19,4 millones de dólares que la película ha ganado suponen un récord para una película de los hermanos. El mejor estreno de los Coen fue en 2006 con Ladykillers, protagonizada por Tom Hanks, que consiguió 12,6 millones de dólares.

Burn after reading, protagonizada por George Clooney, Brad Pitt y John Malkovich es una comedia de espías. En Alta Definición ya os adelantamos hace tiempo el primer tráiler de la película. Pinta bien, muy bien.

Burn after reading se estrenará en España el 10 de octubre de 2008

Berlusconi tiene muchas cualidades, entre la que destaca el saber defender a sus amigos más íntimos. Eso por un lado. Por otro lado, se acerca el Festival de Cine de Roma, y la película de Oliver Stone W., una biografía sobre el actual (por poco tiempo) presidente de EE UU, George W. Bush, no inaugurará el festival como estaba previsto.

Ahora juntemos estos dos planteamientos. Conclusión: al primer ministro italiano no le "agrada" la película, en la que supuestamente su amigo Bush no sale muy bien parado, según informa La Repubblica . Supuestamente decimos, ya que su director y protagonista están cansado de decir que más de uno se va a llevar una sorpresa… ¿Bajada de pantalones del festival? ¿Casualidad quizá? ¿Criterio cinematográfico?

¿Algo que decir?

Alta Definición estará por el Kursaal relatando diariamente la sobredosis donostiarra de cinefilia, glamour y pintxos. A unos días del festival, tomamos el pulso a lo que se comenta en el mundillo del cine del certamen con más prestigio del panorama cinematográfico español.

Al rojo vivo:
- La presentación en la sección oficial de la nueva película de Jaime Rosales ‘Tiro en la cabeza’ .
- La sección oficial, en general, presenta títulos muy interesantes . Lo nuevo de Kim Ki Duk, Kore-eda, Winterbottom, Burman...
- La ausencia de Penélope Cruz en la presentación de ‘Vicky Cristina Barcelona’ y la presencia de Javier Bardem post-linchamiento mediático. La película es mediocre así que todos a tirar de cotilleos…

Caldeado:
- La sección ‘Perlas de otros festivales’ con lo mejorcito de allí pero aquí: Los Coen, Woody Allen, ‘Entre les murs’…
- La presencia en el festival de la actriz Meryl Streep para recoger su premio Donostia . Esperemos más de lo que se quedó Demi Moore el año pasado (horas).
- La visita del actor cómico Ben Stiller junto a Robert Downey Jr. para presentar la divertidísima y nada inocente ‘Tropic Thunder’ . Un regalo para cinéfilos sin complejos.
- La presencia española a concurso y las secciones oficiales. Desde cine personal-comercial-religioso (‘Camino’) hasta prometedoras óperas primas (‘Amateurs’, ‘El cant dels ocells’, ‘El brau blau’…). Seguro que en el palmarés cae algo.

Ni frío ni calor:
- Leonor Watling, cantante, actriz e icono de la modernidad española, jurado de la sección oficial junto a Jonathan Demme o Nadine Labaki.
- La sección ‘Cine en movimiento’ que presenta cinco películas en busca de productor / distribuidor en una iniciativa digna de elogio.
- La sección ‘Horizontes Latinos’ con lo mejor de la industria cinematográfica latinoamericana y, por lo tanto, con el cine más fresco de la actualidad.

Frio:
- El premio Donostia a Antonio Banderas. Además de la película inaugural...¿Era necesario más?
- Las retrospectivas dedicadas al cine negro japonés (completísima) y al cine de Terence Davies (interesantísima).
- El Festival de Toronto comiéndole el terreno no sólo a San Sebastián sino que también a Venecia.