Alta definición - Tu blog de cine

El cine argentino ha estado muy presente a lo largo de toda la edición del 46 Festival de Cine Internacional de Gijón, tanto en la sección oficial, con dos películas a concurso, como en otros apartados, como el homenaje a la directora Lucrecia Martel. Dos de los premios más importantes, el del jurado y el de la crítica han recaído sobre dos películas argentinas, Liverpool de Lisandro Alonso, y Una semana solos, de Celina Murga. El jurado del festival ha premiado a Liverpool por su cine "arriesgado, personal y sin concesiones". 'Una semana solos' llegó al festival apadrinada por el cineasta estadounidense Martin Scorsese.

Liverpool es una árida y lenta historia sobre un marinero que regresa, tras muchos años fuera, a su hogar, en un recóndito lugar de Tierra de Fuego, donde dejó varios asuntos pendientes. El anuncio del jurado ha sido recibido con aplausos por parte de la prensa. Según el jurado, la "elección fue difícil debido a una selección muy buena de películas" y Liverpool recibe el máximo galardón por su "autenticidad, por ser una película especial". El jurado ha estado formado por Julia Loktev, Malena Alterio, Alex Brendemühl, Sergio Wolf y Hannes Stöhr.

El premio especial del Jurado ha recaido en la pelicula francesa 35 shots of Rum, de Claire Denis. Por su parte el jurado joven ha preferido el documental animado Vals con Bashir, del director israelí Ari Folman, película que también ha obtenido el galardón a la mejor dirección artística. La película estadounidense Ballast ha obtenido galardones para sus tres intérpretes, que son actores no profesionales y nunca antes habían trabajado en una película. Tarra Riggs ha obtenido el premio a la mejor actriz y Michael J. Smith y Jim Myron Ross comparten el de mejor actor. El premio al mejor guión ha recaído en Stella, de Sylvie Verheyde. El premio al mejor director ha sido para Sergey Dvortsevoy, por Tulpan.

Love, de Cristian Solimeno, ha obtenido el premio al mejor cortometraje y Je veux voir y comparten el premio de No ficción / Documental. Los mejores largometrajes del premio Enfants Terribles (la sección de los más jóvenes) ha sido para The three investigators: The secreto f Skeleton Island y Des poupées et des anges.

26 perros salvajes y enfurecidos recorren una calle a toda velocidad arrasando con todo. Buscan al director de cine israelí Ari Folman. Y es un sueño. Es una pesadilla con la que comienza Vals con Bashir, de Ari Folman, un documental animado (con estética de cómic) sobre la Guerra del Líbano de 1982 y las matanzas de Sabra y Chatila, y que ha sido la última película a competición de la sección oficial proyectada en el Festival de Cine de Gijón. Y sin duda, una de las favoritas.

Folman narra la pesadilla que supusieron aquellas matanzas, llevadas a cabo en los campos de refugiados de Líbano por las milicias cristiano-falangistas tras el asesinato del líder libanés Bashir Gemayel. Matanzas que, cómo se cuenta en la película, fueron permitidas por el Ejército israelí y que acabaron con la vida de entre 800 y 2000 personas.

La película se vertebra a través de la memoria de Folman. Más bien de su no memoria. Folman no recuerda nada de aquella época, cuando con 18 años formaba parte del ejército que entró en Beirut. A través de varias entrevistas con antiguos compañeros de armas y especialistas, va remendando las lagunas de su memoria histórica. Y lo hace intentando ser lo más fiel posible a lo que pudo ser aquella matanza, sin ocultar la crítica a su propio país, aunque sin exagerarlo tampoco.

Pensando en las grandes películas de animación de los últimos tiempos, no hace falta llegar a los asombrosos niveles técnicos de Wall E o a la creatividad absoluta de Persepolis para hacer una pequeña obra de arte, en lo que a animación se refiere. Vals con Bashir tiene la estética de un cómic moderno y es obra de David Polonsky . Con dibujos sencillos y atmósferas envolventes, sin fuegos artificiales, el trabajo de Polonsky carga con gran parte del peso de la película. La historia del horror de una guerra, carga con el resto.

Vals con Bashir se estrenará en España el 13 de febrero de 2009

Son cientos las películas que cuentan el difícil paso de la niñez a la adolescencia o al mundo adulto. Es un tema agradecido para la gran pantalla o para una novela, aunque no siempre se consiguen buenos resultados. Stella, de la directora francesa Sylve Verheyde, es una de esas películas que tratan este tema con acierto y sin grandes dramatismos.

Mediados de los años 70. París. Stella tiene 11 años y vive encima del bar que regentan sus padres. Un bar hostal de barrio, lleno de borrachos y gente de no muy buen vivir que ya forman parte de la familia y del medioambiente. Stella es como la mascota. Conoce a todo el mundo, participa de los bailes y del juego y se acuesta tarde. Es su mundo, es lo que conoce. Pero todo cambia cuando empieza a asistir a un nuevo colegio en el que se dará cuenta de que hay algo más allá que servir cervezas, jugar al billar o ver la televisión.

Sylve Verheyde ha hecho una película con tintes autobiográficos sobre el aprendizaje, sobre la apertura a la cultura, al mundo. Un mundo que “permite contestar a las preguntas de las que de niña no se tienen respuesta”, según Verheyde. La directora quería “que sintiésemos las sensaciones de una niña” y dejar a un lado a los adultos. “Quería que la película fuera empujada por una fuerza vital: la infancia y la esperanza”.

Stella ofrece dos mundos diferentes de los que se aprecian aspectos negativos y positivos. Por un lado está el bar, donde en un principio parece que sus padres son felices, todo es fiesta y diversión hasta que Stella se percata de que no todo es tan bonito. Por otro lado está la nueva escuela, donde Stella piensa que nadie la comprende hasta que descubre la amistad, la lectura, la enseñanza…. Stella vive desprotegida en un mundo de adultos.

Por cierto, Stella es la penúltima película que rodó Guillaume Depardieu antes de morir el pasado mes de octubre …

Lionel, un conductor del metro de París, y su hija universitaria Josephine viven felizmente en un barrio de clase obrera de París. En el mismo edificio viven Gabrielle y Noe. Los cuatro, que han vivido siempre ahí, forman una especie de familia. Pero el tiempo pasa y las sombras de la jubilación y de la emancipación cambian sus vidas… Potencialmente, suena a drama, pero 35 shots of rhum (la traducción sería 35 chupitos de ron) se queda en un cuadro de retazos de estas cuatro vidas que bien podrían ser la de cualquiera.

No hay grandes traumas, pero si profundos sentimientos que hay que ir adivinando al ritmo de los trenes del metro en el que se mueven los protagonistas. Claire Denis, que ya tuvo una retrospectiva en Gijón en 2005, demuestra sensibilidad en todos los frentes, en especial en la cercanía de los personajes.

También se pudo ver en la jornada del jueves la única presencia española del certamen en la sección oficial, eso sí, fuera de competición. Las dos vidas de Andrés Rabadán, de Ventura Durall, está basada en el ‘asesino de la ballesta’ y en su vida en prisión y en el psiquiátirico y cuenta incluso con su participación en el guión. Rabadán mató a su padre al dispararle tres flechas con una ballesta en 1994. Al frente del reparto están Álex Brendemühl, Clara Segura y Mar Ulldemolins.

En Alta Definición te recomendamos el reportaje que publicó el suplemento Domingo de EL PAÍS el 27 de abril de 2008, firmado por Elsa Fernández-Santos:

Un grupo de niños y adolescentes, de entre 7 y 14 años, se quedan solos una semana ya que sus padres se van de vacaciones. Un paraíso sin adultos para un grupo de chavales que viven en el micromundo de una lujosa y muy vigilada urbanización privada a las afueras de Buenos Aires. ¿Y qué es lo que hacen? Lo que cualquier niño, jugar y aburrirse. Este es el planteamiento de Una semana solos, de la directora argentina Celina Murga (ganadora del premio a la mejor dirección en el Festival de Venecia por Ana y los otros), que se presenta en la sección oficial del Festival de Cine de Gijón bajo el visto bueno de Martin Scorsese .

El origen de la película viene de una serie de noticias publicadas en diarios argentinos de un verano en el que muchas casas de estas grandes urbanizaciones de ricos rodeadas de un campo de golf fueron asaltadas. Gente que, en palabras de Celina Murga, “desea tener contacto con el verde. Pero es paradójico, ya que es una naturaleza artificial”. La película es un retrato de la infancia, sin grandes dramas, sin complicaciones, un día a día en el que somos observadores de cómo funcionan las mentes de estos niños. Aunque, como explica el coguionista y productor de la película, Juan Villegas (en la imagen junto a Murga), también se “habla del mundo de los adultos, aunque no salen”. Parece que no pasa nada, pero es todo tan cercano que el espectador no se aburre.

Celina Murga fue elegida a principios de este año para trabajar junto a Martin Scorsese a través de una beca. “Scorsese vio la película muy avanzada y le gustó mucho. Así que puso su nombre para presentarla”, dice Murga. Pero la beca en la que está trabajando es para otro proyecto, “una historia sobre un adolescente que mata a su padre”, donde lo importante será “el contexto social y familiar que le lleva a esta situación”.

Como parte de la beca, Murga asistió también al rodaje del último trabajo de Scorsese, Shutter Island, un drama/thriller psicológico en el que constató un gran “trabajo de construcción, una combinación de lo profesional y el espíritu de lo amateur”. Un ejemplo a seguir de “espíritu independiente y mucha energía”.

Sesión doble en la sección oficial del miércoles en el Festival de Gijón. Y sesión doble con paisajes llenos de lluvia, como Gijón. Una película chilena lenta, sin prisas, desesperante, y otra estadounidense, triste y con un toque de esperanza. La primera, un clásico de los festivales: cine contemplativo, que dirían algunos. La segunda, una ópera prima prometedora.

Caen las hojas. Llueve. Todo tiene su sonido. El tiempo pasa y la soledad no tiene piedad. Así es el ambiente en la pequeña isla del sur de Chile donde transcurre El cielo, la tierra y la lluvia, la película de debut del director chileno José Luis Torres Leiva, que se presenta en la sección oficial del festival asturiano. Al festival ha llegado avalada como la película chilena más premiada de 2008 y con el premio de la crítica del Festival de Rotterdam.

La soledad es tan latente en los cuatro personajes de la historia, que los sonidos que les rodean (las olas, el motor del barco, una hoja que cae de un árbol…) se intensifican. Apenas hay diálogo y poco a poco, muy lentamente, a través de los sonidos y de una espléndida fotografía vamos descubriendo los motivos que tienen cada uno para llevar una vida tan meláncólica rodeados de una naturaleza brutal. De El cielo, la tierra y la lluvia hay que destacar el atrevimiento de Torres Leiva para hacer algo diferente, que aguanta especialmente por la fotografía.

Quizá una de las tapadas del festival y que podría dar la sorpresa es la película estadounidense Ballast (la traducción literal sería lastre), del debutante Lance Hammer, que ya fue presentada a competición en Berlín y que se alzó con dos premios importantes en Sundance: el de mejor dirección y el de mejor fotografía. Precisamente la fotografía es uno de los puntos fuertes de esta historia sobre la desesperación y la familia, que se desarrolla en un entorno gris y plomizo del Delta del Mississipi. Otro de sus puntos fuertes es la creíble y comedida interpretación de actores no profesionales (se hizo un casting en la región del rodaje, a través de los miembros de una iglesia baptista).

El punto de partida de Ballast es un suicidio, a raíz del cual cambiará la vida de tres personajes (hermano, ex esposa e hijo) en un camino oscuro y desesperante que parece no tener un final de esperanza. Ballast es tristeza, es austeridad y es tan gris como los cielos del invierno del delta...

De la Bélgica más escondida y surrealista a las tensas e hipócritas aulas de un colegio privado estadounidense pasando por un barrio obrero de Londres lleno de inmigrantes polacos. Éste fue el viaje de la jornada del martes en el Festival de Cine de Gijón, que sigue presentando películas de calidad entremezcladas con enormes platos de arroz con bogavante, fabes con almejas o cabrito con patatines.

Eldorado es la película que Bélgica presentará a la próxima edición de los Oscar. Es una roadmovie de perdedores en las que dos personajes que tienen más en común de lo que parece, un vendedor, poco social, de coches americanos de colección y un yonqui un tanto perdido, recorren carreteras secundarias de Bélgica en un Chevrolet a ritmo de guitarra retro (cortesía de Renaud Mauyer). Escondida tras la etiqueta de comedia, se encuentra una película triste en la que dos personajes inadaptados encuentran un punto de unión en un viaje hacia la frontera con Francia. Bouli Lanners, el director de la película, que también interpreta al personaje principal ya pasó por Gijón, y con éxito, al llevarse el premio del festival en 2005 con su primer largo, Ultranova.

Somers Town, que compite en la sección joven Enfants Terribles, es un oasis refrescante entre tanta película triste y oscura. Pensada en un principio como un corto de promoción del Eurostar (el tren que une por un túnel Inglaterra y Francia), al final surgió una película de las que cuando abandonas la sala, sales con la sensación de que te han alegrado el día. Somers Town es una historia bonita y tierna de dos adolescentes, un inmigrante polaco cuyo padre lo único que hace es trabajar y emborracharse con los amigos y otro inglés, que se ha fugado de casa y no tiene donde vivir, que comienzan una amistad. Somers Town, rodada en blanco y negro, está dirigida por Shane Meadows y protagonizada por el joven Thomas Turgoose, los artífices de This is England.

Y una de las películas más comentadas en Gijón y candidata en firme a llevarse el premio (según se comenta entre vaso de sidra y vaso) es Afterschool, del neoyorkino Antonio Campos, una inquietante reflexión sobre la culpa ambientada en un colegio/internado bien de Nueva Inglaterra. Bob tiene 13 años y a pesar de llevar dos en el colegio, siente que nadie le respeta. Su vía de escape es Internet y la posibilidad de ver vídeos porno o clips de 30 segundos de peleas de instituto. En el colegio se apunta a una actividad extracurricular (after school)de audiovisuales. A través de una cámara, el medio perfecto para formar parte de algo sin implicarse, será testigo de varios hechos que cambiarán su vida y la de sus compañeros. Debido a lo que ocurre (no damos más explicaciones para no destripar), los diferentes personajes tendrán sentimientos de culpabilidad, tanto por haber sido parte de la acción como por no haber sido capaces de hacer algo… Afterschool está bien, ofrece puntos de vista nuevos sobre temas ya tratados cientos de veces (sexo, violencia, drogas...) y deja un regustillo inquietante que en ocasiones, y desde la distancia, recuerda a Elephant de Gus Van Sant.

Y hoy, entre la lluvia y el frío y la ausencia de Jordi nos esperan dos películas más de la sección oficial: Ballast y El cielo, la tierra y la lluvia.

Guilio Andreotti tenía que ser contado en una película. Terrorismo, mafia, el Vaticano, corrupción, poder…Todo confluye, todo está conectado. Y el director Paolo Sorrentino se aventura en filmar al político más influyente de la vida política italiana de la era pre-Berlusconi con ironía, ritmo y sobrada inspiración visual. Ver ‘Il divo’ es como asistir a un capítulo largo de la serie ‘The West Wing ’ rodado por Paul Thomas Anderson mientras estaba de vacaciones en Italia y bien cocido de Chianti.

La película se centra en el último gobierno de Andreotti. Justo cuando su poder empieza a ser contestado por la magistratura y cuando su asalto a la presidencia se aborta justo después del asesinato del juez Giovanni Falcone por parte de la mafia. Un momento en el que Andreotti tiene que hacer frente a las causas pendientes con la justicia, ¿conectado o no con la mafia?, con su propia memoria, ¿hizo todo lo posible para que las Brigade Rosse no asesinaran a Aldo Moro?, y, sobre todo, con la historia.

Secuencias imposibles (la llegada del equipo asesor de Andreotti para formar gobierno a lo spaghetti-western), referencias al Fellini más extravagante (la fiesta batucada del nuevo gobierno), interpretaciones tan exageradas como crueles (brillante Toni Servillo), valiente uso de la música (techno-rock y electro ochentero para juicios y asesinatos), puñaladas estéticas (la cena del equipo asesor a lo ‘La última cena’ de Da Vinci o el monopatín-coche-bomba de Falcone)…

Un artefacto montado al milímetro para destrozarte las corneas con una realidad tan difícil de ver como de creer, un artefacto cronometrado al milímetro para estallar en las salas y preguntarte, ni más ni menos, cómo es posible que algo así sucediera en Europa. Puede que si no estás al corriente de la vida política italiana no te enteres de mucho. Pero aún así, esta apasionante película es una estilizada y extravagante reflexión sobre la sed de poder y su consiguiente soledad crónica.

Un artefacto que demuestra que el cine italiano está vivito y coleando. Un cine que quiere conservar su capacidad de inocular molestas preguntas a la sociedad para que esta tome sus propias conclusiones. Un cine nos hace preguntar para cuando una película española sobre los últimos acontecimientos políticos capaz de exponer preguntas y no dar respuestas. ¿Para cuándo una película en España sobre la España de Felipe González y los GAL? ¿Para cuándo una película en España sobre la España de José María Aznar y el 11M?

¿Para cuándo?

Avanza el Festival de Cine Europeo de Sevilla con las pulsaciones a ritmo de crucero después del huracán Saviano con una sección oficial que no está dando muchas satisfacciones. Hoy, la hoja de reclamaciones habría que pedirla por la modernez anquilosada de la coproducción franco-islandesa ‘Back soon’ y, sobre todo, por el desternillante dramón finlandés ‘Black ice’.

‘Back soon’ (foto) es una bonita indulgencia de la Iceland Film Commission destinada al consumo de potenciales turistas del país. En una historia sobre una poetisa-camella que decide dejar el negocio del tráfico de drogas para dedicarse a sus hijos aunque para realizar ese objetivo tenga que salvar a su hermano suicida, a un estudiante de doctorado francés (el cuadro de la foto) y a un pato (que se ha tragado su móvil con la agenda de yonkis). En esta comedia están todos los tics con los que comemos cada vez que se nos habla de Islandia: Paisajes bonitos, gente molona, fiesta, Sigur Rós y, claro, borbotones de civilización. Según su directora, la francesa Sólveig Anspach, la película cuenta entre su reparto con los dos actores más famosos de Islandia y es ‘la película que yo quería hacer’. Enhorabuena. Funciona mejor como documento de la Islandia pre-hecatombe financiera que como comedia cool.

Pero lo mejor de la mañana estaba aún por venir. La finlandesa ‘Black ice’ (foto) es una película sobre la infidelidad pero, también, sobre el feminismo de manual, la venganza y el kárate. Ella (foto derecha) descubre que Él (digno de una buena castración química) le pone los cuernos con una estudiante de arquitectura (izquierda). Ella decide entonces abordar a la estudiante de arquitectura por curiosidad, primero, venganza, después, y culpa, más tarde. Todo con el catálogo de diseño de interiores nórdico de rigor y un discurso tan evidente como pasado. Eso de, según su actriz principal, hacer una película en la que “las mujeres son sujetos, no objetos”. Ojo a la escena de la exploración uterina pre-rollito lésbico o de las escenas de artes marciales. Una propuesta que de tan truculenta, previsible y manida es desternillante. Una delicia que sería lo más una tarde de sábado de resaca por televisión. Una película con seis premios Jussi de la Academia del Cine Finlandés.

Esta noche la programación parece que levantará cabeza con la proyección de una de las películas europeas más esperadas del año: ‘Il divo’ (Video arriba). Y no se confundan, no se trata del grupo de tenores-pop-gay . Se trata de la vida de Giluio Andreotti, Presidente del Consejo de Ministros italiano en tres ocasiones, máxima figura del Partido Democristiano Italiano y, para muchos analistas, el personaje clave para entender la vida económica y política italiana de la post-guerra y de las supuestas conexiones de la clase política italiana con la mafia. Una película bomba que ha obtenido cinco nominaciones a los Premios del Cine Europeo (incluido Película y Actor) y el Premio del Jurado en la pasada edición del Festival de Cannes. 'Gomorra', 'Il divo'... ¿Quién dijo que el cine italiano estaba muerto?

Por cierto, me confirman que Rosario viene a presentar película al festival.

Mientras los acreditados que quedamos en Donosti nos acercamos en solitario a la Playa de La Concha en plan Antoine Doinel en ‘Los 400 golpes’ para buscar algo, no sabemos muy bien qué, al fondo de la arena, donde las olas rompen y no hay que pensar más en entrevistas, encuentros digitales, saraos o premios absurdos, me despido de esta hermosa ciudad que desde que llegué me regaló nueve días de sol, diez días de trabajo infernal, grandes películas, algún amigo nuevo y demasiados pintxos.

Mientras el espíritu de Paul Newman nos lleva a todos a salir de esa misma playa, mirar al frente y recordar con la sonrisa puesta, esa sonrisa tan tonta que se queda en medio de la penumbra del cine y que nadie ve pero que sólo nosotros sabemos que existe, todas las sensaciones que en esa misma sala oscura hemos tenido durante esta semana en la que ha habido de todo, todavía se oye el eco de un palmarés que no ha dejado contento a casi nadie y del paso por la alfombra fuscia de grandes nombres del cine mundial como John Malkovich, Meryl Streep o Miguel Ángel Silvestre.

Mientras todo esto se acaba, me despido de ustedes hasta el próximo Festival de San Sebastián o, si lo prefieren, hasta el próximo Festival de Sitges que empieza en unos días y estaremos por el Mediterráneo haciendo un poco lo mismo. Me despido de ustedes con la satisfacción de haber tenido muchísimos lectores que me han apoyado. Me despido de ustedes con las ganas de volver a hacerlo mejor el año que viene, a ser posible a dos manos con mi compañero Alvaro Pérez que sólo un bloguero es poco para tanto festival, y con la certitud de que ha sido un buen certamen y que ha sido un honor compartirlo con ustedes.

En el apartado de agradecimientos, permítanme agradecer a las siguientes personas su trabajo y apoyo durante mi cobertura del Festival para ELPAIS.com:

- A todos los compañeros de Prisacom en especial a Toño, Álvaro, Javier, Borja y Eli.
- A la organización del Festival.
- A todas las sacrificadas agentes de prensa, y en especial a Sandra, Cecilia, Trini, Rocío, Nuria, Lilianne y, Yolanda, por considerarme prioridad cuando no era prioridad.
- A Ángel por el momentazo surrealista del festival con ‘El truco del manco’ a cuestas, el portátil a cuestas y, sobre todo, el cansancio a cuestas.
- A Nicolás por el momento fan y por hacerme sentir como la Meryl Streep de los blogs.
- A Eñaut por el momento bokata de txistorra.
- A todos los sospechosos habituales: Andoni, Antonio, David y Óscar.
- A Pau.
- A Jaime Rosales por su película, discurso y honestidad.
- A Melissa Leo por pensar en mí.
- A David Foster Wallace por sus libros.
- Y sobre todo, a los que me han leído y se han reído un poco.

El año que viene más.

¡Agur!