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El cine argentino ha estado muy presente a lo largo de toda la edición del 46 Festival de Cine Internacional de Gijón, tanto en la sección oficial, con dos películas a concurso, como en otros apartados, como el homenaje a la directora Lucrecia Martel. Dos de los premios más importantes, el del jurado y el de la crítica han recaído sobre dos películas argentinas, Liverpool de Lisandro Alonso, y Una semana solos, de Celina Murga. El jurado del festival ha premiado a Liverpool por su cine "arriesgado, personal y sin concesiones". 'Una semana solos' llegó al festival apadrinada por el cineasta estadounidense Martin Scorsese.

Liverpool es una árida y lenta historia sobre un marinero que regresa, tras muchos años fuera, a su hogar, en un recóndito lugar de Tierra de Fuego, donde dejó varios asuntos pendientes. El anuncio del jurado ha sido recibido con aplausos por parte de la prensa. Según el jurado, la "elección fue difícil debido a una selección muy buena de películas" y Liverpool recibe el máximo galardón por su "autenticidad, por ser una película especial". El jurado ha estado formado por Julia Loktev, Malena Alterio, Alex Brendemühl, Sergio Wolf y Hannes Stöhr.

El premio especial del Jurado ha recaido en la pelicula francesa 35 shots of Rum, de Claire Denis. Por su parte el jurado joven ha preferido el documental animado Vals con Bashir, del director israelí Ari Folman, película que también ha obtenido el galardón a la mejor dirección artística. La película estadounidense Ballast ha obtenido galardones para sus tres intérpretes, que son actores no profesionales y nunca antes habían trabajado en una película. Tarra Riggs ha obtenido el premio a la mejor actriz y Michael J. Smith y Jim Myron Ross comparten el de mejor actor. El premio al mejor guión ha recaído en Stella, de Sylvie Verheyde. El premio al mejor director ha sido para Sergey Dvortsevoy, por Tulpan.

Love, de Cristian Solimeno, ha obtenido el premio al mejor cortometraje y Je veux voir y comparten el premio de No ficción / Documental. Los mejores largometrajes del premio Enfants Terribles (la sección de los más jóvenes) ha sido para The three investigators: The secreto f Skeleton Island y Des poupées et des anges.

Son cientos las películas que cuentan el difícil paso de la niñez a la adolescencia o al mundo adulto. Es un tema agradecido para la gran pantalla o para una novela, aunque no siempre se consiguen buenos resultados. Stella, de la directora francesa Sylve Verheyde, es una de esas películas que tratan este tema con acierto y sin grandes dramatismos.

Mediados de los años 70. París. Stella tiene 11 años y vive encima del bar que regentan sus padres. Un bar hostal de barrio, lleno de borrachos y gente de no muy buen vivir que ya forman parte de la familia y del medioambiente. Stella es como la mascota. Conoce a todo el mundo, participa de los bailes y del juego y se acuesta tarde. Es su mundo, es lo que conoce. Pero todo cambia cuando empieza a asistir a un nuevo colegio en el que se dará cuenta de que hay algo más allá que servir cervezas, jugar al billar o ver la televisión.

Sylve Verheyde ha hecho una película con tintes autobiográficos sobre el aprendizaje, sobre la apertura a la cultura, al mundo. Un mundo que “permite contestar a las preguntas de las que de niña no se tienen respuesta”, según Verheyde. La directora quería “que sintiésemos las sensaciones de una niña” y dejar a un lado a los adultos. “Quería que la película fuera empujada por una fuerza vital: la infancia y la esperanza”.

Stella ofrece dos mundos diferentes de los que se aprecian aspectos negativos y positivos. Por un lado está el bar, donde en un principio parece que sus padres son felices, todo es fiesta y diversión hasta que Stella se percata de que no todo es tan bonito. Por otro lado está la nueva escuela, donde Stella piensa que nadie la comprende hasta que descubre la amistad, la lectura, la enseñanza…. Stella vive desprotegida en un mundo de adultos.

Por cierto, Stella es la penúltima película que rodó Guillaume Depardieu antes de morir el pasado mes de octubre …

Un grupo de niños y adolescentes, de entre 7 y 14 años, se quedan solos una semana ya que sus padres se van de vacaciones. Un paraíso sin adultos para un grupo de chavales que viven en el micromundo de una lujosa y muy vigilada urbanización privada a las afueras de Buenos Aires. ¿Y qué es lo que hacen? Lo que cualquier niño, jugar y aburrirse. Este es el planteamiento de Una semana solos, de la directora argentina Celina Murga (ganadora del premio a la mejor dirección en el Festival de Venecia por Ana y los otros), que se presenta en la sección oficial del Festival de Cine de Gijón bajo el visto bueno de Martin Scorsese .

El origen de la película viene de una serie de noticias publicadas en diarios argentinos de un verano en el que muchas casas de estas grandes urbanizaciones de ricos rodeadas de un campo de golf fueron asaltadas. Gente que, en palabras de Celina Murga, “desea tener contacto con el verde. Pero es paradójico, ya que es una naturaleza artificial”. La película es un retrato de la infancia, sin grandes dramas, sin complicaciones, un día a día en el que somos observadores de cómo funcionan las mentes de estos niños. Aunque, como explica el coguionista y productor de la película, Juan Villegas (en la imagen junto a Murga), también se “habla del mundo de los adultos, aunque no salen”. Parece que no pasa nada, pero es todo tan cercano que el espectador no se aburre.

Celina Murga fue elegida a principios de este año para trabajar junto a Martin Scorsese a través de una beca. “Scorsese vio la película muy avanzada y le gustó mucho. Así que puso su nombre para presentarla”, dice Murga. Pero la beca en la que está trabajando es para otro proyecto, “una historia sobre un adolescente que mata a su padre”, donde lo importante será “el contexto social y familiar que le lleva a esta situación”.

Como parte de la beca, Murga asistió también al rodaje del último trabajo de Scorsese, Shutter Island, un drama/thriller psicológico en el que constató un gran “trabajo de construcción, una combinación de lo profesional y el espíritu de lo amateur”. Un ejemplo a seguir de “espíritu independiente y mucha energía”.

Sesión doble en la sección oficial del miércoles en el Festival de Gijón. Y sesión doble con paisajes llenos de lluvia, como Gijón. Una película chilena lenta, sin prisas, desesperante, y otra estadounidense, triste y con un toque de esperanza. La primera, un clásico de los festivales: cine contemplativo, que dirían algunos. La segunda, una ópera prima prometedora.

Caen las hojas. Llueve. Todo tiene su sonido. El tiempo pasa y la soledad no tiene piedad. Así es el ambiente en la pequeña isla del sur de Chile donde transcurre El cielo, la tierra y la lluvia, la película de debut del director chileno José Luis Torres Leiva, que se presenta en la sección oficial del festival asturiano. Al festival ha llegado avalada como la película chilena más premiada de 2008 y con el premio de la crítica del Festival de Rotterdam.

La soledad es tan latente en los cuatro personajes de la historia, que los sonidos que les rodean (las olas, el motor del barco, una hoja que cae de un árbol…) se intensifican. Apenas hay diálogo y poco a poco, muy lentamente, a través de los sonidos y de una espléndida fotografía vamos descubriendo los motivos que tienen cada uno para llevar una vida tan meláncólica rodeados de una naturaleza brutal. De El cielo, la tierra y la lluvia hay que destacar el atrevimiento de Torres Leiva para hacer algo diferente, que aguanta especialmente por la fotografía.

Quizá una de las tapadas del festival y que podría dar la sorpresa es la película estadounidense Ballast (la traducción literal sería lastre), del debutante Lance Hammer, que ya fue presentada a competición en Berlín y que se alzó con dos premios importantes en Sundance: el de mejor dirección y el de mejor fotografía. Precisamente la fotografía es uno de los puntos fuertes de esta historia sobre la desesperación y la familia, que se desarrolla en un entorno gris y plomizo del Delta del Mississipi. Otro de sus puntos fuertes es la creíble y comedida interpretación de actores no profesionales (se hizo un casting en la región del rodaje, a través de los miembros de una iglesia baptista).

El punto de partida de Ballast es un suicidio, a raíz del cual cambiará la vida de tres personajes (hermano, ex esposa e hijo) en un camino oscuro y desesperante que parece no tener un final de esperanza. Ballast es tristeza, es austeridad y es tan gris como los cielos del invierno del delta...