Alta definición - Tu blog de cine

Ya toca regresar al Madrid post-corazonada y me marcho de Sitges con el regusto de haber visto una gran película. ‘Mr. Nobody’ es el último y más ambicioso trabajo de belga Jaco Van Dormael. Una fascinante y apabullante ópera high-fi para hablar de la muerte, el espacio y el tiempo. Ahí es nada. El hombre más viejo del mundo (Jared Leto) recuerda su vida pensando en las posibles vidas que habría tenido si en vez de haber hecho A, hubiera hecho B. Y lo hace en una cascada de maravillosos hallazgos visuales que por momentos restan claridad a la propuesta de este brillante realizador que crea imágenes como Magritte pinta cuadros: directos al corazón, sin razón pero también sin compasión. Muy recomendable y, esperemos, que encuentre distribución en España.

La que tampoco parece tener compasión es la realizadora Marina de Van. Pero compasión hacia el espectador. Presentaba el morboso encuentro entre Monica Belucci y Sophie Marceau en esta película sobre “los secretos de la identidad”. Una mujer (Marceau) un buen día se empieza a transformar en otra mujer (Bellucci). Plantemiento que pondrá palote a muchos pero que en su puesta de largo en el Auditori se transformó en una fallida y forzada película. Como el personaje del editor le dice a la Marceau al principio de la película: “Su obra es larga, aburrida y demasiado descriptiva”. Pues eso.

Horas antes, Jaume Collet Serra presenta ‘La huérfana’. Una película que sin bien no es nada, NADA, original tiene bastante interés por diversas razones. Por un lado tiene a una protagonista, la niña Isabelle Fuhman, que será un must en tu próxima fiesta de Halloween. Muy chunga la niñita de mierda y menudo estilismo, tía. Y, por otro lado, Collet-Serra es el único director español que trabaja en Hollywood que no es un-director-español-que-trabaja-en-Hollywood. A ver si me entienden:

Este catalán cogió sus bártulos a los 18 años y se largó a EEUU a realizar su sueño: trabajar en Hollywood. Empezó en publicidad, rodó incluso una campaña para Obama en la que aparecían, entre otros Leonardo di Caprio y Steven Spielberg, para después ser nominado a los Razzies por su ‘House of wax’ que contenía, entre otras perlas, la primera actuación de Paris Hilton en el cine. Ahora justamente es Di Caprio quien le produce su última producción y prepara otra con Liam Neeson. Un ejemplo más de la fuga de cerebros del cine español, en particular, y del talento español, en general. Tomen nota señores del Gobierno que 'brain drain' casa con 'imigración' y con 'desencanto'. Tomen nota.

Domingo en Sitges y parece que las aguas vuelven a sus infecciosos cauces después de las emociones de la jornada de ayer. Ya saben, el huracán ‘Crespúsculo’ volvió a azotar esta placentera localidad costera en forma de torbellinos de adolescentes hiper-excitadas e hiper-ventiladas. La excusa: la presentación de dos clips de la película ‘Luna nueva’, secuela de la mencionada ‘Crespúsculo’ y, sobre todo, la presencia de uno de sus actores, Jamie Campbell.

El año pasado la presentación del tráiler de la primera parte provocó una avalancha de niñas amantes de lo fantástico que cambió súbitamente las tornas sexuales de este festival. Ellas también pueden ser frikis como el que más y orgullosas están de ello. El año pasado se me ocurrió tildarlas en este blog de ‘chonis’ y posteriormente el alud de comentarios ofensivos en la red me hizo reconsiderar tal apelativo. Pues bien, después de realizar otro trabajo de campo más, me desdigo. No son chonis, son pijas. Y, cuidado, están organizadas.

Viernes, 12 de la noche, inmediaciones del Auditori. Grupos de fans acampan para conseguir una de las 1200 entradas que la organización distribuirá para asistir al evento. Sábado, 8 de la mañana, inmediaciones del Auditori. Las fans ya rodean el hotel. Vienen de toda Cataluña pero también de Pamplona, de Murcia, de Madrid... En autobuses, en los coches de los padres, en Cercanías, a pie... “¿¡Para un traíler me has traído aquí?!?!” dice una madre resentida. Sábado, 11 de la mañana, entrada del Auditori. Las afortunadas con pase se agolpan en la entrada armadas de cámaras de fotos, ejemplares de ‘Luna nueva’ y mucho amor. Jamie Campbell está al caer. Auditori, 1 de la tarde. Llega Jamie Campbell. Un chaval de 20 años al que se le vio antes en ‘Sweeney Todd’ y que en ‘Luna nueva’, dicen, tiene una línea de diálogo. Pero da igual. Está bueno, sonríe y consigue el éxtasis deseado. Si no vean:

Auditori, 1 y media de la tarde. Las 1200 butacas del recinto están ocupadas por los primeros coletazos de una sexualidad que se prevé muy activa. Pendientes de perlas como lunas, calculadas sacudidas de flequillos al aire, primeros flashazos como disparos… Y llega Jamie. Una pena que Jaume Balagueró y Paco Plaza no estuvieran allí pues varias habrían sido las ideas para la tercera parte de su REC. Un espectáculo que viví en el epicentro del tsunami y que hoy por hoy ha sido la escena de histeria en su sentido freudiano más espectacular que he vivido y, definitivamente, la escena más inquietante que he visto en este festival del horror. Gemidos, aullidos, aplausos, suspiros, venga otra foto, venga otro 'GUAPO', las madres también, incluso algún chaval y, en la secuencia elegida por la distribuidora, su protanista absoluto y chulazo de moda entre las no-chonis, Robert Pattison, se quita su camisa negra gratuita y elegantemente para así descubrir su fibrado torso. Eran felices. Se estrena en noviembre.

Aunque la tarde también dio mucho que metabolizar. Primero ‘Grace’ de Paul Solet jugó a hacer terror con la maternidad siguiendo la estela de ‘La semilla del diablo’ de Free Polanski! pero en gore y mind fucker. Una madre da a luz a un niño muerto pero no está muerto, está vivo y se alimenta de sangre y la madre, claro, muy madre ella le busca sus biberones de sangre. Elegante, desagradable y, a la postre, una interesante y chungista revisitación de las teorías feministas más Women Studies. Prohibida a embarazadas. De verdad.

Y si el nivel de ralladura mental quedó alto con la película americana, tuvimos que viajar a Grecia para rizar el rizo del absurdo y jugar con el potencial terrorífico de la semiología con 'Canino' ('Dogtooth'). Una casa, los padres y los tres hijos post-adolescentes. Solo puede salir el padre. Los hijos viven aislados, rodeados de muros y se amoldan a las reglas y los sentidos dictados por los padres sin ningún contraste con el exterior. ‘Tecla’ significa ‘coño’, ‘coño’ es ‘lámpara’, ‘gato’ es ‘un animal sediento de humanos’, Frank Sintatra es el abuelo que canta a la unidad familiar, ‘la piscina’ es ‘el mar’, la violencia es un juego y las relaciones sexuales entre hermanos... también.

La inoculación en la célula familiar de una cinta VHS con ‘Rocky’ acelera el desastre en la película que habrían rodado Eugène Ionesco y Jean Baudrillard después de tragarse todo Michael Haneke. Dividió a la crítica mientras despertó el humor más negro del público que aplaudió de forma entusiasta el asesinato del gato con una podadora o las maravillosas VHS-hostias del padre. Una obra tan singular como perturbadora. Probablemente, no la mejor pero sí la más original y suculenta de la sección oficial de Sitges 09.

Desde ayer hasta el 10 de octubre, en Sitges nadie podrá escuchar tus gritos. El Festival de Cine de Catalunya, o Sitges a secas, celebra su 42 edición y los gritos los pondrán los homenajes a Alien, las fans de Crepúsculo, algún crítico sin dietas y, claro, la extensa programación de este festival que mima tanto la hemoglobina y las vísceras. Pero, vayamos por partes.

Anoche se inauguró el festival con unos gritos hors-oeuvre. Era el pase de REC2, la segunda parte de la excelente REC que a estas alturas ya sabréis todos, frikis que sois todos unos frikis, que “mola mucho pero no mola tanto como la primera”, y al final de la presentación de los maestros Balagueró y Plaza, salieron al escenario unos señores vestidos de payasos. “Parecía una pieza de La Cubana” dijo Corbacho al respecto. Pues bien, eran unos ex-empleados de la productora de REC2, Filmax, reclamando a Julio Fernández, el jefazo de Filmax, unos impagos. Una historia fea muy acorde a los tiempos que corren...

Recuperados del susto, y de las hordas de taconazos y americanas del Massimo Dutti que se avalanzaron sobre los anoréxicos canapés del cocktail de bienvenida, amanecemos con ‘Hierro’. La ópera prima de una de las esperanzas del corto español: Gabe Ibáñez. ¿Os acordáis de aquel corto, ‘Máquina’, sobre la vagina dentuda que trituraba cosas en un México DF muy oscuro y Lynchiano? Pues bien, en su puesta de largo Ibáñez usa otra historia sobre feminidades problemáticas en la que Elena Anaya se desmelena en la isla que da título a la película.

Formalmente la película es impecable con una apuesta estética de lo más interesante: planos retocados digitalmente en los que el espectador se mete en la desquiciada cabeza del protagonista, secuencias bajo el agua, panorámicas sobrecogedoras y tal... Además de los muy cool planos volcánicos canarios que aquí vimos el año pasado en todo su esplendor en la infecta película de Michel Houellebecq o que los críticos estatales tuvieron la posibilidad de destrozar en la última de Almodóvar. Pero, a pesar del riesgo estético y de los esfuerzos de Elena, atención fans y detractores, sale en el 95% de los planos, la película se queda en un pretencioso "quiero y no puedo hacer algo original". La historia, amigos, al final por mucho que tengas un director de fotografía súper enrollado y erudito y un productor súper compresivo y comprometido por la autoría, lo importante es contar algo. Lo que sea, pero ALGO.

Algo parecido le pasa a la segunda película en sección oficial de la mañana: ‘Thirst’. Antecedentes. Park Chan Wook es un director que pone de los nervios a la crítica más mórbida. Violento, ‘moderno’, retorcido, ambiguo, esteticista… Vamos, un must en los Festivales de todo el mundo que parió hace años su obra maestra, la todavía insuperable ‘Oldboy’. Y puede que este sea su problema. Las que vinieron después, ‘Lady Vengeance’, ‘I am Cyborg’ y la que ocupa está crónica no cumplen las expectativas depositadas en él. Son estas películas de impecable factura pero de dudoso interés más allá de su ya familiar exotismo.

En ‘Thirst’ un cura se convierte en vampiro y se deja seducir por una niñata mucho menos inocente de lo que parece en un principio. Una de vampiros sin colmillos, con otro esfuerzo de producción impecable, con un valor seguro en el reparto, Song Kang-ho, algunos golpes de humor desternillantes pero, tristemente, sin interés, sin chispa, sin garra. Esta noche el realizador recibe La Maquina Del Temps a su carrera que esperemos retome el esplendor de la ya mencionada 'Oldboy' o aquella primeriza 'Joint Security Area'. Pero esta tarde Miike y Tsai Ming Liang. Ñam.

Ahora que Ángel Sala ya anunció el palmarés de esta edición de Sitges, ahora que todos empezamos a calentar las maletas para irnos por fin a casa, ahora que después de una buena siesta nos arrastraremos a las fiestas de rigor para celebrar que hemos sobrevivido a 10 días de duro trabajo relatando mutilaciones, violaciones y asesinatos en masa... Ahora que rebobinamos y nos damos cuenta que nos hemos dejado algunas cosas en el tintero, reciclamos unas historias que si bien no ocuparon el lugar que debían, las destacamos a modo de festiva conclusión.

1. Si actualmente hay una plaga en Sitges, no es de zombies a pesar del éxito del Zombie-Walk de ayer (ver foto más abajo). La plaga de este año en Sitges es culpa del maestro japonés de la animación Hayao Miyazaki y de su última creación: 'Ponyo en el acantilado' . Una historia que si bien ha decepcionado un poco (¿Demasiado para niños incluso para adultos muy niños?), nos ha regalado la canción-ladilla del año. Delen al play si se atreven pero no hemos escuchado nada más diabólicamente pegajoso en el anime desde... Heidi.

2. La Eastpack zombie-walk se confirmó ayer como el encuentro lúdico-festivo-friki que necesitaba el Festival de Sitges.

Para que se hagan una idea es como si en el Orgullo Gay, en vez de pluma, los participantes perdieran miembros del cuerpo y en vez de house bailaran garage o rockabilly. O, para los que nunca han disfrutado con el Orgullo Gay, una muestra de atrocidades físicas de lo más divertido y festivo. Bravo por la iniciativa y esperemos que no sólo en Sitges, también en otras ciudades de España, haya más.

3. De las muchas películas que hemos visto, muchas son dignas de pasar directamente a la papelera de reciclaje de nuestro cerebro (y no pensamos en 'Martyrs', por dios...) Sin emargo hay algunas que tal vez habrían merecido más atención de la que han recibido. Una de ellas es 'Synécdoque, Nueva York' de la que ya hemos hablado aquí. La otra es la desternillante y emocionante 'JCVD' de la que Versus ya ha comprado los derechos de distribución. Pero, sobre todo, si hay una película que merece ser vista y re-vista, la película 'amor a primera vista' del festival, esa es 'Let the right one in'.

Un película de vampiros, sí, pero también sobre el bullying, la infancia, el amor y la soledad rodada con inusitada sobriedad y elegancia por Tomas Alfredson. Algo así, como el traje de Giorgio Armani que necesitaban las películas de vampiros y una maravillosa inyección de sangre fresca en un género necesitado de ideas.

4. Y ya que hablábamos de 'Martyrs', la película que mareó a este redactor y por la que un espectador vomitó durante un pase, decir que esta película schock es, justamente, la película schock de este año, que al año que viene en vez de haber una película en la que despellejan viva a una pobre mujer, pues habrá una película en la que despellejen vivas a dos mujeres mientras un grupo de skin heads les hacen un montón de barbaridades sexuales y, claro, la cámara lo captará todo, todito, muy cerca.

¿Para qué sirve 'Martyrs'? ¿Para que una panda de descerebrados aplauda las escenas más insoportables? ¿Para avanzar en la linea de lo soportable en una sala de cine? El 'cine tortura' es un callejón sin salida igual que el cine pornográfico.

El año que viene más y mejor.

Al final fue la segunda película de Jennifer Lynch la que logró el consenso del jurado del Festival Internacional de Cine de Catalunya-Sitges 2008. Ángel Sala, director del certamen, anunció en rueda de prensa el palmarés de esta edición que ha concedido su máximo galardón a la segunda película de la hija de David Lynch, productor ejecutivo de la película.

Surveillance narra la investigación por parte de dos agentes del FBI de una sangrienta carnicería realizada en un pueblo perdido de Estados Unidos. El jurado también premió la dirección del coreano Kim Jee-woon por su homenaje al spaghetti-western de The good, the bad, the weird y concedió el premio especial de jurado a la película británica Eden Lake. Ninguna de las tres películas españolas a concurso en sección OFICIAL FANTASTIC COMPETICIO resultó premiada.

Las quinielas funcionaron y el jurado de la 41 edición del Festival de Cine Fantástico de Sitges decidió premiar al cine negro de la hija de uno de los grandes. Jennifer Lynch presentaba la terrorífica y cómica investigación de dos agentes del FBI, interpretados por los actores Bill Pullman y Julia Ormond, de un sangriento crimen cometido en la carretera de un pequeño pueblo norteamericano. Una película que según la directora trataba originalmente sobre brujas y de la que la crítica especializada ha resaltado su ambiente claustrofóbico, el dominio de la directora de las claves del thriller e, incluso, las similitudes argumentales con el Rashomon de Akira Kurosawa.

El jurado también quiso destacar en el palmarés la dirección del realizador coreano Kim Jee-Woon por su hiperquinética e inspirada creación en el homenaje al spaghetti-western ambientado en la Manchurría de los años 30 de The good, the bad, the weird. El premio especial del jurado fue para la película británica Eden Lake del realizador James Watkins. Una taquillera y polémica película que narra las atrocidades que comenten un grupo de adolecentes a una joven pareja de vacaciones. También ha premiado el guión de la película griega Tale 52, la versión terrorífica del día de la marmota de Atrapado en el tiempo y a los actores Brian Cox(Red) y Semra Turan (The fighter) que recibieron el premio a mejor actor y actriz respectivamente. El premio del público ha sido para Blindness, la adaptación al cine de la novela Ensayo sobre la ceguera de José Saramago a cargo del realizador brasileño Fernando Meirelles.

En cuanto a las películas españolas, ninguna de las tres presentadas a concurso (Santos, Sexykiller y Prime Time) lograron un premio en una edición que entregó el premio a la mejor película europea a una de las favoritas tanto por el público como por la crítica: La película sueca Let the right one in. Una preciosa historia de amor entre una joven vampiro y un chaval que cautivó por su sensibilidad, sobriedad y, sobre todo, por inyectar sangre fresca al género de vampiros.

Entre los otros premiados, destacar el premio Meliés de Plata a la mejor película europea a la, en mi opinión, guarrada de 'Martyrs', el Premio Casa Asia a la mejor película asiática a 'The chaser' y, por último, el Premio de la Crítica a la película de animación 'The Sky Crawlers'.

Y, dados los problemas que parece han tenido los miembros del jurado de la sección oficial en llegar a un concenso, déjales un feedback sobre su trabajo:

Charlie Kaufman es muy grande por tres razones. La primera, por ser de los pocos guionistas conocidos y reconocidos en una profesión condenada sistemáticamente al oscurantismo. La segunda, por haber creado alguno de los guiones más sobresalientes de los últimos diez años en películas como ‘Olvídate de mí’, ‘Cómo ser John Malkovich’ o ‘Adaptation’. Y la última, y tal vez la más importante, por seguir siendo un artista muy humilde.

No había más que verlo esta mañana en el buffet-desayuno del Hotel Meliá. Un lugar, por cierto, excelente para las localizaciones de un corto de arte y ensayo sobre la industria cultural española, su sistema digestivo y el peso del estrellato. Ahí estaba, decía, en un rincón, pequeñito como es él, con su pelo alborotado, con un donut en la mesa, restos de fruta y la mirada perdida en algún lugar de su mente. Una mente en la que a muchos nos gustaría perdernos rollo John Malkovich.

- “Por cierto Charlie, ¿Viste la película de Jean Claude Van Damme?”
- “Pues no. Pero me han dicho que está muy bien.”
- “Sí. Tiene un rollo tipo tu John Malkovich. Creo que te gustará.”
- “Ya. ¿La ponen hoy?”

Pero esta mente genial no ha venido a Sitges a comer donuts. Ha venido a presentar su última obra ‘Sinécdoque, Nueva York’ (foto arriba). Una película que ha despertado grandes amores y grandes odios. Yo me posiciono entre los primeros por las siguientes razones:

- Kaufman retoma su tema favorito: El arte de escribir y/o el arte de vivir y/o el arte de vivir de la escritura y/o el arte de escribir la vida. Con mucho arte.
- Kaufman lo hace subrayando más que nunca sus referentes tanto en el forma y como en el contenido: Antonin Artaud, Harold Pinter y, sorpresa, Lorca.
- Además de la referencia explícita a ‘La casa de Bernarda Alba’, una cita del poeta español se aplica a la perfección a esta película: “El teatro es la poesía que se levanta del libro y se hace humana.Y al hacerse, habla y grita, llora y se desespera. El teatro necesita que los personajes que aparezcan en escena lleven un traje de poesía y al mismo tiempo que se les vean los huesos, la sangre.”
- Se trata de una película creada más para ser leída que para ser vista. Leída muchas veces, pensada otras más.
- Tiene secuencias de gran belleza como la casa en llamas, el tatuaje de rosas, la fábrica de teatro…
- Phillip Seymour Hoffman borda su papel como la mayoría del reparto

En la rueda de prensa que ofreció, un poco nervioso por la tibia recepción que había tenido su película, confesó que todo arte es una sinécdoque. Que todo arte toma un poco de la realidad sensorial para proyectarlo hacia arriba, hacia el espectador, hacia nuestras mentes. Por ello, por tener que partir de un punto limitado desde el principio formal y sensorialmente, todo arte está condenado al fracaso. “El mío también”, dice. Ojalá todos los fracasos fueran como los suyos.

Otto es un zombie que no come carne humana. Harto del campo, decide irse a la gran ciudad, a Berlin, a conocer gente nueva. Otto es un zombie gay que ve todo rosa y el protagonista de una película experimental dirigida por una excéntrica artista underground empeñada en hacer una película de gente no muerta pornográfica y política. Otto es también el protagonista de la nueva provocación de Bruce La Bruce: ‘Otto or up with dead people’.

Jean Claude Van Damme fue una joven estrella de Hollywood para después convertirse en rey del VHS y, más tarde, en decadente actor con problemas de todos los tipos. Jean Claude Van Damme es el actor que jamás creías que te haría llorar pero que emociona y divierte en su última película ‘JCVD’. Una mezcla entre ‘Cómo ser John Malkovich’ y ‘Tarde de perros’ que convierte a ‘The muscle from Brussels’ en el desternillante mártir postmoderno que el friki católico que llevamos dentro necesita.

Y sin bien un zombie anarco-gay no tiene mucho que ver con la autoparodia de Van Damme, ambas comparten la sana y artísticamente ingeniosa empresa de reírse del género, ya sea sexual o narrativo, para crear nuevas formas en las que articular un discurso que, en el caso de Otto, habla sobre la necesidad de mantener la individualidad en la sociedad de consumo o, en el caso de ‘JCVD’, de la necesidad de mantener la cabeza muy fría en la sociedad del espectáculo.

Otto es el nuevo personaje-bala del director Bruce La Bruce y, para los amantes del género de terror, un paso más en la evolución de la especie zombie. Si ya con los infectados de ’28 semanas después’ dimos un paso adelante en la actualización simbólica de estos descerebrados seres, en ‘Otto’ La Bruce introduce la sexualidad y el género y los amasa con un poco de ideología anti-sistema, radical, contestataría (usted dirá), pornografía y referencias cinéfilas. El resultado es la película más vanguardista en su representación de los muertos vivientes de la actualidad y la prueba de que el día que Bruce La Bruce deje el low-cost el mundo se pondrá a temblar.

El caso de ‘JCVD’ es menos transcendente en sus intenciones pero no menos efectivo en el objetivo que se marca. Ni más ni menos que reivindicar la figura del actor y experto en kickboxing Jean Claude Van Damme. Y lo hace creando un juego de espejos fílmico a lo ‘Cómo ser John Malkovich’ en él que el actor regresa a su Bruselas natal después de dejar a su matrimonio en manos de abogados y a su carrera al borde del olvido pero, por casualidad, el belga es víctima de un atraco a una sucursal de correos y su vida cambia. ¿O no? ¿Había pensado alguna vez que el intérprete de ‘Blanco humano’ le podría hacer llorar? Pues en ‘JCVD’, lo logra además hacerle reír y, sobre todo, pensar sobre la fama y sus monstruos

Dos ejercicios de estilo muy recomendables.

Al cine coreano le pasa lo mismo que a Internet. Hablar del cine producido en ese país no es hablar del futuro del cine asiático, es hablar del más sorprendente, vital y rentable presente del cine mundial a pesar de que muchos programadores, críticos o periodistas no se quieran dar cuenta de ello. Y, cuando se habla de ello, se habla con mucho entusiasmo, un poco de ignorancia y la sensación de que hay que hablar de ello puesto que es el tema del que hay que hablar. Sin embargo en Sitges, y en eventos como el BAFF o el Festival de San Sebastián, tanto Internet como el cine coreano son una realidad tan pesada como que la economía mundial se va al carajo o que este año la programación oficial está un poco flojilla.

Hemos tenido la oportunidad de ver en la Sección Oficial tres películas de este país (tres y un tercio si contamos el capítulo de Bong Joon-Jo en ‘Tokyo!’) demostrando una vez más la vitalidad de una industria que puede presumir de crear productos culturales rentables Y de indudable identidad artística. La última película en ser presentada ha sido esta mañana, se llama ‘The Chaser’ y la realiza el primerizo Na Hon-Jin. Un taquillazo en su país para la historia de un chulo exdetecive de policía que al investigar la desaparición de una de sus ‘chicas’ descubre que el culpable es un pobre desgraciado que se dedica a descuartizarlas y a enterrarlas en su jardín.

Con la vista puesta en el Bong Joon-Ho de ‘Memories of a Murder’ y el Park Chan-wook de ‘Oldboy’, Na Hong-jin construye un thriller apasionante donde en cada giro argumental hay que abrocharse el cinturón, donde sus personajes son tan cercanos que parecen del barrio, donde el virtuosismo técnico no ensombrece la narración. Una gran película de la que Warner Bros está preparando un remake en Estados Unidos y que pone en el mapa de los directores coreanos a subrayar a este joven que en la rueda de prensa de la película no tuvo reparos en afirmar que “si no fuera director de cine, no sería nada difícil volverme psicópata”.

Otra de las películas en corenao destacadas de esta edición es ‘The good, the bad, the weird’ de Kim Jee-woon. El director de la excelente ‘A bittersweet life’ rueda una reverencia al spaghetti-western de toda la vida ambientado en la Manchuria de los años 30. Y lo hace poniendo la vista en el pastiche hiperquinético de Quentin Tarantino pero, al igual que el director de ‘The chaser’, dotando a su narración de suficiente entidad como para trascender el homenaje a los referentes de género y realizar un virtuoso ejercicio que divierte, entretiene y, sobre todo asombra.

El arranque de esta película es de lo mejor que se ha visto este año en Sitges. Un tren desbocado, un águila, un bandolero, más bandoleros, aún más bandoleros...
Aunque también están a la altura su desbordante diseño de producción (ojo al plano secuencia del poblado) y una persecución final que con los ojos puestos en el Steven Spielberg de Indiana Jones, Kim Jee-woon logra una de las persecuciones más espectaculares, grandiosas y, a la postre, cansina que hemos podido ver. Un ejercicio de estilo sólo a la alcance de un director con enorme talento para utilizar los últimos avances en cine digital al servicio de la narración y de la diversión.

Pero si hablábamos de realidades pesadas, una de ellas es que en Sitges es el único lugar de España que puedes desayunar y hablar, a veces un tanto violentamente, sobre las cualidades del cine asiático, en general, y coreano, en particular. La receta de una película coreana resultante de mi ingestión de pan con tomate mañanera sería entonces:

- Policías corruptos e ineptos.
- Mujeres angelicales, y/o prostitutas, a las que se les hace pasar muchas tropelías.
- Violencia extrema con escenas de tortura y violaciones además de una patológica fijación por los martillos.
- Humor negro, negrísimo, a modo de bálsamo entre las escenas de violencia extrema.
- Guión referencial con la tradición de género occidental aunque ajustado a la cultura coreana.
- Metraje extenso, muchas veces excesivo.
- Virtuosismo técnico con lo último en tecnología digital.
- Gran éxito de taquilla en su país, y objeto de culto en las estanterías de DVD en el nuestro.

De la prensa, del público, del premio… Abel Ferrara ha venido a Sitges con ganas de guerra. Se ha labrado fama de director maldito a pulso con obras tan perturbadoras como ‘Teniente corrupto’ o ‘Funeral’. Eso por no hablar de las leyendas urbanas que circulan sobre su vida. ¿Pose? ¿Autenticidad? Abel Ferrara está cansado, se pasa las manos por cara ante cada pregunta, te pide menos preguntas estúpidas, te pide más atención, te pide toda la atención.

Abel Ferrara ha presentado fuera de competición un excelente documental titulado ‘Chelsea on the rocks’. Un reportaje-punky que explora las leyendas que circulan en torno a otro gran personaje de Nueva York: El hotel Chelsea. Escenario de las historias que han marcado una ciudad y parte del imaginario colectivo postmoderno. Sid y Nancy, Milos Forman borracho, sexo, drogas…

Pero Abel se sigue quejando de la poca gente que había en su pase de prensa, de la gente que abarrotaba el pase de ‘Rocknrolla’, de la falta de atención de los medios, de Sarah Palin ("¡Menuda zorra!")... Y sobre todo de Werner Herzog. “Le voy a hacer daño”, amenaza cuando le preguntas sobre el remake que está preparando el alemán de su ‘Teniente corrupto’. “Ya le gustaría a Nicolas Cage parecerse en algo a Harvey Keitel”, dice.

Abel Ferrara se pasea por la piscina del Meliá encorvado, cansado, de vuelta de todo, dando la vuelta a todo. Incluso el Premio Maquina del Temps que el Festival le ha dado le sabe a poco. Termina su discurso de agradecimiento, sale del Auditorí y se lo da al regidor. Algunos dicen que al camarero del bar del Hotel. Algunos, incluso, afirman que el premio que le han dado se puede comprar en esa misma barra por 125 euros. Más historias. Abel se queja y da igual.

Abel nos presenta a su novia. Dice que no puede pensar en el futuro. Que para eso ya está su novia. Por eso se encierra en el pasado. Quiere rodar una precuela de ‘King of New York’, quiere seguir hablando de lo que mejor conoce: Las calles. Le preguntas, y te pregunta, te mira y escurre la mirada, le sonríes y se descojona. Abel se queja y que se queje mucho más.

Michel Houellebecq es un hombre renacentista. Es un excelente poeta, un polémico novelista (‘Ampliación del campo de batalla’, ‘Las partículas elementales’…), interesante ensayista , ha hecho un magnífico disco con sus escritos (‘Présence Humaine’), incluso tanteó con la fotografía (‘Lanzarote’). Pero, a tenor de lo visto esta mañana en Sitges, Michel Houellebecq tiene que dejar el cine. Ya. La adaptación al cine de su novela ‘La posibilidad de una isla’ , está dirigida por él mismo, co-escrita con Fernando Arrabal y el resultado no puede ser más cargante, pretencioso y decepcionante.

De la novela ‘La posibilidad de una isla’ queda la trama sobre el clonaje humano, las referencias a Aldous Huxley y el ambientillo ‘tour operator’. Por el camino se ha perdido el humor negro, la historia madrileña y almeriense y, sobre todo, la chispa. Esa capacidad de seducción que tiene Houellebecq al hablar de la basura de nuestra cultura. Y que nos guste.

Como leí enuna crítica francesa sobre la película, puede que Houellebecq sea controvertido como novelista, pero como director de cine no tiene nombre. Eso sí, la película tiene un pase por eso de ver a Benidorm convertida en personificación del turismo más cheap y capital mundial de la decadencia postmoderna.

Por ahora, lo peor del Festival de Sitges en un festival donde hasta lo peor es divertido.

PD: La primera foto la hemos puesto de prueba. Prueba de que: 1. Houellebecq ha puesto el ojo en una cámara durante el rodaje. 2. Que tenía a gente ayudándole. 3. Que esto no tiene nombre.