20 Feb 2012

Ebrio de mujeres y pintura - Película

Escrito por: viestal el 20 Feb 2012 - URL Permanente

Una película que recomiendo: <<Ebrio de mujeres y pintura>>
Chihwaseon, Dir. Im Kwon-taek, 2002

La vida de un pintor famoso en Corea, que precisamente se debatía entre las mujeres, el alcohol y la pintura. Película "artística" de esas que nos llegan de vez en cuando por aquí y tanto gustan a los que gustan del cine solo los fines de semana. Pero para qué mentirnos, esta sí es bonita e interesante. No es una de esas que nos proporcionarán dos horas de entretenimiento desenfrenado, porque de historia más bien poca. La película sigue algunos pasajes de la vida de Jang Seung-Up, desde su desarrollo hasta su enigmática desaparición, mediante el uso de unas imágenes exquisitamente logradas y que obligan al espectador a establecer una relación con la obra bastante diferente a la que solemos adoptar. En lugar de esperar que se nos cuente algo, se nos exige que abandonemos toda expectativa y nos limitemos a observar con la mente vacía, cual experiencia zen. Sólo así podremos apreciar la obra como debería ser, porque no mantiene una estructura narrativa convencional. Piensen en la actitud que hay que tener ante Elephant, por ejemplo, y me entenderán. Muy bella e interesante. Tal vez no de pasiones arrebatadas, pero sí otra clase de cine que es saludable ver. Para dejar descansar la mente de tanto palabrerío.

[chihwaseon.jpg]

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16 Nov 2010

Copia Certificada

Escrito por: viestal el 16 Nov 2010 - URL Permanente

"Copia certificada"

Título : Copia certificada. Dirección y guión: Abbas Kiarostami. Países: Francia e Italia. Año: 2010. Género: Drama. Interpretación: Juliette Binoche, William Shimell (James Miller), Jean-Claude Carrière

Esta es la historia de un encuentro entre un hombre y una mujer en un pequeño pueblo italiano en el sur de la Toscana. El hombre es un autor británico que acaba de terminar una conferencia. La mujer, de Francia, posee una galería de arte. Esta es una historia universal que podría ocurrirle a cualquiera, en cualquier lugar.

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14 Nov 2010

Séraphine Louis (Séraphine de Senlis)

Escrito por: viestal el 14 Nov 2010 - URL Permanente

(1864-1942)


seraphine1
Les grappes de raisin (h. 1930)

Séraphine Louis, también conocida como Séraphine de Senlis, fue una pintora francesa de dramática y difícil existencia. Nació en la localidad de Arsy en el seno de una familia muy humilde. Su madre falleció el día que Séraphine cumplia un año y su padre cuando todavía no había cumplido los siete.

Desde su infancia, Séraphine se vio obligada a trabajar como pastora y, desde los diecisiete, como limpiadora en diferentes casas acomodadas de la ciudad de Senlis.

Las pocas horas que el trabajo le deja libres, Séraphine vive recluida en su modesto domicilio pintando. No tiene formación académica, ni referencias estilísticas. Tampoco nadie conoce sus cuadros, generalmente de motivos vegetales, caracterizados por la intensidad del color.

En 1912 un hecho casual se cruza en la vida de Séraphine Louis. Aquel año el coleccionista de arte alemán Wilhelm Uhde fija su residencia en Senlis, tranquila población cercana a París, y Séraphine Louis comienza a trabajar en su casa como limpiadora.

Wilhelm Uhde, casado con Sonia Delaunay, estaba especialmente interesado en aquel momento por los pintores que él mismo calificaba como "primitivos modernos" como Henri Rousseau (artista al que había dado a conocer en los círculos más avanzados). En cierta ocasión, y sin saber que se trataba de obras pintadas por su propia asistenta, admiró alguno de los cuadros de Séraphine. Tras averiguar quien era su autora, Uhde decidió apoyar el trabajo como pintora de Séraphine Louis.

Cuando parecía que Séraphine podía convertirse en una artista de éxito, la desgracia volvió a cruzarse en su vida. En agosto de 1914 estalla la I Guerra Mundial y Wilhem Uhde debe de abandonar Senlis y regresar a Alemania. Se abre entonces un largo paréntesis en la trayectoria pictórica de Séraphine que se prolongará hasta 1927. Aquel año, con Wilhelm Uhde de nueva en Francia, Séraphine expone en Senlis y comienza a abordar cuadros de gran formato y mayor ambición compositiva.

Definitivamente integrada en el círculo de los "primitivos modernos" que promociona Uhde, en 1929 Séraphine participó en la importante muestra de "Los pintores del corazón sagrado" que tuvo lugar en París. Como consecuencia, la pintora comienza a gozar de un reconocimiento que se materializa en la comercialización de su obra. Por desgracia, Séraphine no administra bien el éxito y dilapida con facilidad estos ingresos.

La Gran Depresión de 1929 afectó con fuerza a las ventas de las obras de arte. Una de las perjudicadas fue la obra emergente de Séraphine Louis. Quizás como consecuencia de ello, la pintora se vio sumida en un proceso depresivo que la llevó a ingresar en el hospital psiquiátrico de Clermont en enero de 1932. Séraphine Louis no volvió a pintar más.

Mientras Séraphine permanece ingresada en el hospital, sus cuadros siguen exponiéndose en muestras colectivas fundamentales de aquellos años como "Los primitivos modernos" de París (1932), "Los maestros populares de la realidad", que la presentó en Nueva York (1937-1938) o "Los primitivos del siglo XX" de París (1942).

Ajena a su éxito internacional, Séraphine Louis murió en el hospital psiquiátrico de Villers-sous-Erquery el 11 de diciembre de 1942.

seraphine2
Flores y frutas (h. 1920)
seraphine3
Jarrón de hojas (h. 1929)

Sobre la vida y la obra de Séraphine Louis en 2008 se rodó la película "Séraphine" dirigida por Martin Provost.

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13 Nov 2010

Cómo están sujetas las alas a la espalda de los ángeles

Escrito por: viestal el 13 Nov 2010 - URL Permanente

Por Tiresias

*********************************

En "Cómo están sujetas las alas a la espalda de los ángeles" Craig Welch lleva a los espectadores dentro de un mundo surrealista, meticulosamente diseñado para cumplir con un misterioso protagonista y su visitante de otro mundo. En esta exposición surrealista, nos encontramos con un hombre, obsesionado con el control. Su intrincada manipuladora de artefactos sin embargo, aislar, como su ciencia analiza y reduce. ¿Cómo son exactamente las alas atadas a la espalda de los ángeles? En este mundo inventado drenado de la emoción, donde todo pasa por las propuestas de resolución, que se cepilla por anhelos indefinida. Si es capaz de trascender sus obsesiones y temores es el meollo de la cuestión. Una película sin palabras.

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18 Oct 2010

Federico Fellini

Escrito por: viestal el 18 Oct 2010 - URL Permanente

FEDERICO FELLINI

(Rímini, 1920 - 1993) "Nací, vine a Roma, me casé y entré en Cinecittà. No hay nada más". En efecto, la biografía de Fellini es muy sencilla y, a partir de un cierto momento, coincide casi perfectamente con la realización de su obra. (...)
Tras diez años de trabajo como guionista, Lattuada lo asciende a codirector de Luci del varietà. En esta película y en la siguiente, Lo sceicco bianco, su verdadera opera prima, Fellini encuentra la fuente de inspiración en las formaspopulares y los espectáculos callejeros. Desde ese momento, su vida sedesarrolla dentro de losdecoradosartificiales que construye en Cinecittà, salpicada de premios (entre ellos cinco oscars, uno a toda su carrera), reconocimientos en todo el mundo, períodos más o menos largos de reflexión y de trabajo en el plató. (...)

El operador Ubaldo Arata contaba indignado que Fellini, ayudante de dirección de Rossellini, ponía "la cámara a la altura de la joroba", lo que rompía el punto de vista clásico. Para Fellini, el ver está ligado al sentido etimológico del "mirar" y del "mostrar", que adopta ante las cosas una especie de estupor primitivo. Cada vez que le ocurrre el ver algo que no ha visto antes la visión tiene para él un valor de "milagro" De repente, como un prestidigitador, hace nacer una historia de una visión personal. Cada tema, figura, personaje, motivo comienza a fermentar y a vincular la memoria autobiográfica con la memoria colectiva. (...)

En I vitelloni, primera vuelta a Rímini, a una realidad conocida, la estructura narrativa ya sufre unaimportante descomposición: una sola historia se descompone encinco vivencias minimales, distintas e intercambiables. A partir de La strada, las trayectorias de Gelsomina y Zampanò son ya fruto de una inmersión en el inconsciente. Fellini asume el punto de vista de su protagonista obteniendo una imagen del mundo y de la realidad en forma de espectáculo mágico, misterioso y fascinante, y logrando convertirlo en elespectáculo del mundo, con su incesante mezcolanza de elementos cómicos y tristes, dramáticos y patéticos, de desilusiones y esperanzas, casi confundiéndose con el mundo del espectáculo. (...) La música de sus películas es de Nino Rota, que inventa,sobre todo en este momento, motivos en los que las imágenes parecen fijarse y que parecen destinados a convertirse en elementos que inmediatamente evocan el espíritu de la película. Los motivos de La strada y de Il bidone (obra que hoy aparece como clave del universo felliniano en tanto que prefigura la estructura y modos narrativos y estilísticos de La dolce vita) y la experimentación de algunas formas de relato y de construcción de las situaciones emocionales confluyen en Le notti di Cabiria, la demostración de que su universo se expande, libera energía creativa sin perder las experiencias anteriores, mostrando un pleno dominio de todos los elementos narrativos. La dolce vita, completada a finales de 1959 es el punto de inflexión de toda su obra. En ese momento se produce, en la confrontación con sus propias imágenes, una operación parecida a la de los maestros americanos del action painting: sin destruir el objeto, se implica en un sentido casi físico, deja que la propia energía vital confluya con las imágenes. (....)Grandioso fresco social y cinematográfico, La dolce vita es una obra puente: cierra una fase del cine italiano e inaugura una nueva era, no exenta de tensiones, en el cine internacional. (...)
Los años sesenta representan para Fellini el momento de máxima expansión creativa. Logra dominar una película en todos sus aspectos y concebirla casi como una emanación de su propio cuerpo. En compañía de Flaiano, Guerra, Zapponi… realiza una serie de obras que dan vida a fantasmas recurrentes y obsesivos que, en un primer momento, con Otto e mezzo, se liberan hacia lo alto y después asumen, poco a poco, funciones inferiores y parecen transmitir mensajes cada vez más contagiados de muerte.

De La dolce vita en adelante, Fellini defiende su integridad creativa y la integridad de su mundo con todos los medios a su alcance, lo que le cuesta momentos de crisis y de pérdida de energía. Obra abierta, obra dentro de la obra, Otto e mezzo trata de registrar, desde el interior del flujo creativo, la complejidad, el misterio, las crisis, la impotencia y la potencia del hacer artístico mediante los signos de multitud de ángeles custodios culturales y artísticos. (...) Fellini entra en su obra, no mueve a los personajes desde fuera, como Visconti: en cada película parece que una parte de su energía vital atravesara la pantalla. (....)

El desdoblamiento de la personalidad se aborda en Giulietta degli spiriti, en la que, gracias al color, Fellini libera más aún sus instintos visionarios y las figuras procedentes del inconsciente y de la imaginación colectiva. La asunción de un punto de vista femenino y la atracción cada vez más fuerte por el mundo de lo irracional y la parapsicología no son aceptadas pacíficamente por la crítica. (...)

Satyricon, I Clowns, Roma y Amarcord constituyen un bloque de invención figurativa y narrativa que reune y celebra, de la forma más fastuosa, formas y figuras, similares y nuevas, del imaginario felliniano y componen un conjunto de creatividad excepcional, que aflora bajo la sombra de la enfermedad y de las primeros miedos ctónicos, hasta ahora no valorados como se merecen en lo que aportan de novedoso a la búsqueda visual y expresiva. Con Amarcord, Fellini enseña a enfrentarse sin miedo a la presencia inquietante de la historia colectiva nacional, a explorarla en cuanto patrimonio común. (...)

A los ojos de la crítica del momento, que no lo aprecia ni desde la derecha ni desde la izquierda, Fellini parece llegar, en la segunda mitad de los años sesenta, a un punto muerto de pura repetición. El mismo director, tras Toby Dammitt, y en las obras sucesivas, en especial Casanova, parece empezar a verse como "un contable, un playboy de provincias que cree haber visto pero ni siquiera ha nacido, que ha dado la vuelta al mundo sin existir, que ha atravesado la vida como un fantasma errante". La escena para él comienza a cubrirse cada vez más de un velo fúnebre. Parece asistir a una serie repetida y variada de ceremonia de adioses. A partir de Prova di orchestra, la imaginación del último Fellini, sin perder nada de su creatividad, gravita siempre hacia guiones que tienen que ver con finales, despedidas. (...)

Desde los primeros años setenta la mirada del director se dilata, pero se dilatan también las figuras en el espacio: prevalece cada vez más una especie de gigantismo, la puesta en escena de un enorme museo viviente, de un album de figuras de proporciones desmesuradas y "monstruosas". De película en película se construye un hipertrofiado parque de atracciones y su cámara hace moverse a los personajes como sobre una montaña rusa, dando una sensación de improvisación y exaltación. Siente ahora la vida de sus personajes y se deleita, por ejemplo en Ginger e Fred o en La voce della luna, en verlos bailar, pero parece también como si esta vida se escapara y que el desarrollo caótico de lo real dominara permanentemente la escena. Hay quien ha querido ver en Prova de orchestra, La città delle donne, E la nave va, Ginger e Fred, La voce della luna, variaciones metafóricas sobre la situación política de Italia, sobre la sensación de inminente colapso del sistema, sobre la pérdida de capacidad comunicativa, sobre el triunfo de los rumores y de un caos irreversible.

El velo fúnebre que poco a poco se extiende sobre la escena felliniana nace también del proceder sincrónico, de catástrofe en catástrofe, hasta alcanzar dimensiones apocalípticas. E la nave va, por ejemplo, predice la llegada del íncubo nuclear y sugiere, mediante sólo dos elementos, el hombre y el rinoceronte, una version minimal del arca de Noé. Es el fin del mundo, que Italo Calvino señala como uno de los temas más recurrentes del último Fellini. De entre sus películas, E la nave va es quizá la más explícita en este sentido, pero también la que menos quiere imponer este tipo de pathos.

Como si todos hubiéramos comprendido que el fin del mundo es nuestro habitat natural y no pudiéramos imaginarnos una forma distinta de vivir. Aunque durante más de una década Fellini se enfundó los hábitos de una Casandra mediática, también tuvo la capacidad de seguir confiando en el futuro del cine y en la posibilidad de hacer películas y de conseguir encontrar siquiera un punto de fuga y de salvación, una isla en la que refugiarse junto con sus personajes y continuar dando vida a los fantasmas de su imaginación.

Autor:Gian Piero Brunetta, en Dizionario dei registi del cinema mondiale, Einaudi, 2005.

Fuente:http://www.mcu.es/cine/docs/MC/FE/NotasalaProgr2007/junio2007dore_fellini.pdf

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29 Sep 2010

ALICIA EN EL PAIS DE LAS MARAVILLAS

Escrito por: viestal el 29 Sep 2010 - URL Permanente

http://www.franceskeevilart.com.au/images/Jane%20Stapleford%20-%20alice%20(Large).jpg
Pintora Jane Stapleford

“Alice was beginning to get very tired of sitting by her sister on the bank, and of having nothing to do: once or twice she had peeped into the book her sister was reading, but it had no pictures or conversations in it, “and what is the use of a book,” thought Alice, “without pictures or conversation?”

Alice´s Adventures in Wonderland, Lewis Carroll

licia empezaba ya a cansarse de estar sentada con su hermana a la orilla del río, sin tener nada que hacer: había echado un par de ojeadas al libro que su hermana estaba leyendo, pero no tenía dibujos ni diálogos. «¿Y de qué sirve un libro sin dibujos ni diálogos?», se preguntaba Alicia.


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24 Sep 2010

Eleanor Powell and Fred Astaire Best Tap dancers ever!

Escrito por: viestal el 24 Sep 2010 - URL Permanente

Gracias, Arty

El año es 1940. Eleanor Powell lleva un vestido cerrado muy discreto, muy propio de la época. Fred Astaire luce su
acostumbrada elegancia.
La voz que relata es la de Frank Sinatra y al expresar su admiración, sabe que es testigo de un hecho único.

http://www.ontapdancing.com/Photo%20Gallery%20Images/VanFest2.jpg
Zapatos de baile de Eleanor Powell

Está considerada la mejor interpretación de baile jamás filmada, hecha en un solo tirón, sin cortes en la filmación. Nunca más volvieron a bailar juntos.

La cancion es "Begin the Beguine" de Cole Porter,
del año 1935...

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29 Ago 2010

Conocerás al hombre de tus sueños - Woody Allen

Escrito por: viestal el 29 Ago 2010 - URL Permanente

Dir.: Woody Allen. Int.: Antonio Banderas, Naomi Watts, Josh Brolin

http://peliculas.labutaca.net/wp-content/uploads/2010/05/conoceras-al-hombre-de-tus-suenos-cartel.jpg

Amor, sexo, humor y traiciones. Las vidas de varios personajes cuyas pasiones, ambiciones y angustias tendrán como consecuencia todo tipo de conflictos que irán desde la locura hasta el peligro. Esta comedia dramática gira en torno a diferentes miembros de una familia, sus variadas vidas amorosas y sus intentos de solucionar sus complicados romances.

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17 Ago 2010

Juan Salvador Gaviota - En memoria de mi padre

Escrito por: viestal el 17 Ago 2010 - URL Permanente

En memoria de mi padre, Luis Paredes Ortega... mi viajero del espacio. Siempre en mi corazón, papìto.

(gracias, Arty)

Película sobre el libro de Richard Bach con el mismo título, originalmente en inglés

Juan Salvador Gaviota (Español)
9 partes de aproximadamente 10 minutos c/u en Youtube

Esta es una película dedicada al Juan Salvador Gaviota que todos llevamos dentro.

Los diálogos comienzan luego del min. 11 y están en español. Las canciones por Neil Diamond en inglés.


Los enlaces:

9 - http://www.youtube.com/watch?v=25ohC862UfE

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18 Abr 2010

Odette una comedia sobre la felicidad

Escrito por: viestal el 18 Abr 2010 - URL Permanente

Esta tarde he estado viendo Odette una comedia sobre la felicidad. En realidad quería dormir un rato, descansar, porque esta tarde quería terminar un cuento en el que llevo unos días trabajando, un cuento sobre dos amantes que al besarse se... bueno, aún no saben lo que les pasa al besarse y creo que sería un poco obsceno que se enteraran al leerlo en este blog, demasiada vida propia aquí, pensarían y estarían en lo cierto. Pero no, no me he dormido. He buscando entre las películas que ponían y me he quedado con Odette, pensando que su carácter liviano me ayudaría a conciliar el sueño y en un principio creí que lo iba a conseguir pero enseguida he abierto los ojos al ver como Odette sobrevuela las calles de su pequeño pueblo y se reprende, Odette, calmate, para volver a poner los pie en el suelo.

Odette trabaja en unos grandes almacenes, vive con una extraña familia, el hijo peluquero, la hija emparejada con un extraño ser que vive entre la abulia y la exasperación, tiene colecciones de muñecas, su casa es un tanto kitch, su dormitorio está adornado con un póster de dimensiones gigantescas donde dos sombras se besan contra la luz crepuscular de un sol iridiscente. Trabaja además en casa arreglando los adornos de las bailarinas del folies bergère, asiste a toda la trupe, los cuida, vela por ellos. Aparentemente la vida de Odette es una vida anodina.

Mientras en París el escritor Balthazar Balsan asiste en televisión a una de las peores críticas sobre su obra. Un crítico enervado por los argumentos de Balthazar le acusa, entre otras cosas, de que escribe para cajeras, dependientas, peluqueras. Que escribe, en definitiva, para Odette.

Las vidas de los dos se cruzan cuando el escritor se refugia en casa de Odette deprimido. Él lo tiene todo para ser feliz pero no lo es. Ella aparentemente no tiene muchas cosas para ser feliz, pero lo es al abrigo afectuoso de sus hijos y del recuerdo de un malogrado esposo, su Antoine.

No sé por qué me han entrado unas ganas terribles de escribir sobre Odette. Es una película extraña, entre la ironía y la incredulidad. Al buscar en google el nombre del director Eric-Emmanuel Schmitt no he encontrado otros precedentes en su obra, al contrario, es un hombre de teatro, ensayista, novelista. Es por ejemplo el autor del libro El señor Ibrahim y las flores del Corán cuya adaptación cinematográfica llevó a cabo en 2003 François Dupeyron.

Odette posiblemente no sea una gran película, pero el personaje de Odette me ha emocionado. Tiene una estética cercana a los episodios de Pipi Langstrump y cierto aire a lo Amelie y, por qué no, tiene igualmente ciertas escenas que recuerdan a Dreyer, como Jesús ascendiendo unas dunas con un travesaño de madera a cuestas. De repente me he visto riendo, sonriendo, asistiendo a algo feliz, cuando hay tan pocas cosas aparentemente felices últimamente en el mundo. Contra todas mis convicciones sobre el amor, Odette despliega una serie de argumentos que no comparto pero que he disfrutado, porque Odette, la película y el personaje, no impone su discurso sino que lo ofrece, no quiere que tú pienses como ella, no es un adoctrinamiento, pues siempre deja abierta la puerta a la ironía, a que pensemos que todo es una broma infinita.

Odette, dependienta de unos grandes almacenes, madre, viuda, creyente, un día se desmaya y al abrir los ojos se encuentra con Balsan que ha aprendido, como si hubiera ido al psicólogo, que lo primero que uno tiene que hacer en la vida, para ser feliz es conocerse a sí mismo y aceptarse.

Al final se compran una casa en la playa y ascienden a la luna.

http://salondelospasosperdidos.blogspot.com/2010/04/odette-una-comedia-sobre-la-felicidad.html

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