HISTORIARTE

De esta manera titulaba el pasado año (23 de febrero de 2008) el suplemento cultural de EL PAÍS, Babelia, un debate celebrado en ARCO y moderado por Antonio Muñoz Molina. El interesante debate se organizón en torno a las siguientes paradójas establecidas por el escritor:

Lee el debate completo aquí.

¿ Esto qué es?. ¿Un enchufe?. No, parece ser que es arte conceptual . Se llama "Circuito Cerrado" de Wilfredo Prieto. Vale "sólo" 15.000 euros. según la responsable de la galería barcelonesa Nogueras-Blanchard :

"No es un timo. Me he pasado la feria explicando por qué es una obra de arte". Lo importante no es el objeto, sino la idea que hay detrás: es un cable que se enchufa a sí mismo, lo que anula el concepto". Lo que se adquiere con esos 15.000 euros es el derecho a reproducir ese gesto y a llamarlo un Wilfredo Prieto". Según parece " Wilfredo Prieto se une al arte conceptual o arte como idea desde el nuevo prisma que le brinda la desfachatez como pronunciamiento estético. El conceptualismo ortodoxo -allá en los sesenta-, enfatizó la idea y el proceso sobre el objeto. Wilfredo es un artista contemporáneo y como tal se suma a la tendencia ahora posconceptual que escapa a la especulación intelectual sobre la palabra, para gozar el arte como actitud y sus imbricaciones con lo social".

En mi opinión, ¿ Qué idea aporta este sujeto?. Esto es la prueba palpable del todo vale de cierta posmodernidad barata. Habrá quien diga que lo mismo hacía Duchamp con sus ready mades. Sin embargo, Duchamp pretendía provocar a lo establecido. Minar ciertos convencionalismos sociales. Hoy lo establecido subvenciona provocaciones que no provocan, porque como efecto de las vanguardias ya nada nos inmuta. Así, ante este vacío propio del postcapitalismo, sólo queda seguir viviendo en un pasado supuestamente provocador, que en realidad camufla la falta de ideas.

Estos artístas no critican. Viven del poder. Un ejemplo de crítica podrían ser Duchamp o Bárbara Kruger:

Esta obra fue un encargo del MOMA (Museum of Modern Art) de Nueva York para las bolsas de la tienda del museo. Para publicitar el museo se buscó a la artista cuya obra reflexiona sobre las consignas mediáticas, la publicidad y las limitaciones que éstas imponen a las formas de representación. En este caso el consumo viene definido como la identidad moderna, parodiando la idea de Desacartes de "cogito ergo sum", en donde se identificaban conciencia y pensamiento. Porque es éste un encargo artístico que se aborda como un objeto publicitario la artista reflexiona sobre el valor del arte, que también es mercancía de consumo.

EL POSTIMPRESIONISMO

1 CONTEXTO HISTÓRICO

Las tendencias realistas maduran en el seno del romanticismo. La disolución de la visión clásica que se opera en la primera mitad del siglo XIX y la liberación de la técnica pictórica contribuyen a romper la tradicional jerarquía temática. Ya no era preciso pintar a los héroes y a los dioses de la antigüedad o a los grandes personajes bíblicos para ser considerado un gran artista. Por el contrario, la atención se dirigía al paisaje, hacia los tipos populares (costumbrismo), hacia lo particular y perecedero. En toda esta actitud está la base del realismo que cristaliza como movimiento definido después de 1848.

Desde el punto de vista técnico la pintura del momento asume y acentúa las grandes conquistas románticas, utilizándose también las técnicas, cada vez más perfeccionadas, de reproducción impresa de la imagen.

Desde mediados del siglo XIX el mundo experimenta una gran transformación. La época de la gran industria ha nacido. Se está operando la segunda revolución industrial. Es la época del auge del colonialismo y la del surgimiento de una nueva clase social: el proletariado.

Las condiciones históricas han cambiado, sin embargo, de modo sustancial: la revolución de 1848 y la fuerza creciente de las fuerzas proletarias conlleva una agudización de la lucha de clases, obligando a muchos representantes del mundo artístico y literario a tomar partido ante los grandes problemas políticos y sociales. Muchos artistas se adhieren a la causa del socialismo, asumiendo como propios los sufrimientos y las aspiraciones de las clases desposeídas.

Frente al deseo de evasión del romanticismo, los artistas realistas acentúan su apego a la realidad presente; frente al subjetivismo, afirman el imperio de lo objetivo, de lo que está ahí y que no se puede ni debe soslayar. Hay, como puede verse, un claro impulso ético, un cierto deseo de transformar el mundo en el que les ha tocado vivir. Desde el punto de vista formal, la pintura resultante tiene mucho que ver con la reducción al plano del mundo exterior que se opera utilizando la cámara fotográfica.

Los temas son mucho menos heroicos y amables: campesinos embrutecidos por un trabajo agotador, emigrantes, lavanderas, picapedreros o simples paisajes pintados con el vehemente deseo de representar la realidad tal como se supone que es. El positivismo filosófico y científico, el socialismo, y la creciente revolución tecnológica están pues en la base de este movimiento.

Desde el primer momento el programa de estos artistas va a encontrar un ambiente de polémica y apasionamiento determinado a la vez por la temática y el tratamiento formal. Frente a los temas mitológicos se utilizan ahora los temas que provienen del pueblo con sus miserias, y lo hacen con una frialdad y con un vigor que deja estupefactos a los espectadores burgueses. La pincelada es firme y el contorno preciso, se huye por igual de la pasión romántica y del calculado equilibrio de los clásicos. La pintura tiene una clara voluntad de ruptura que se manifiesta simultáneamente en el terreno de las formas y en el de los contenidos. La lucha de clases alcanza al mundo del arte sin que fuera posible evadir el alineamiento con alguno de los dos bandos.

Mira la presentación:

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Con la caída de Napoleón y la consolidación de los regímenes políticos de la Restauración que intenta borrar de Europa cualquier vestigio de la Revolución Francesa, un movimiento cultural, el romanticismo, se convierte en bandera de las jóvenes generaciones que aspiran a encarnar en la política, la literatura, la filosofía y en todas la artes los principios revolucionarios que en 1814 quedan momentáneamente soterrados.

El romanticismo es, antes que nada, un grito de libertad. Individualismo, conversión de la intimidad en tema, representación subjetiva del paisaje, exaltación del pueblo son algunos de principios medulares de la nueva sensibilidad.

El romanticismo se difunde con el ímpetu de una revolución; el ansia de libertad impregna las polonesas de Chopin, los cuadros de Delacroix y los versos de Byron.

No se impuso sin resistencias esta explosión de libertad en el mundo artístico. En 1819 las obras de los románticos son consideradas como de mal gusto por los partidarios de la pintura neoclásica. Los prebostes del arte oficial, que consideraban que la misión del artista se reducía a la producción de armonías formales, no podían entender a un pintor como Delacroix que consideraba el arte como una vivencia poética.

Nos encontramos con un nuevo tipo humano que implica una relación arte-sociedad diferente. El artista deja de ser un doméstico del poder y esto favorece su esfuerzo para emanciparse de las directrices académicas. La pintura romántica rechaza las convenciones y, saltando sobre ellas, enlaza con los valores de la pintura barroca. Podemos destacar como signos característicos:

1.- La recuperación de la potencia sugestiva del color en detrimento del dibujo neoclásico; así se liberan las formas de los límites excesivamente definidos y se divorcia el arte pictórico del escultórico. Goya, que ha demostrado que un pintor no puede nunca desertar del color, se convierte en paradigma técnico.

2.- Con el cromatismo resucitan las luces vibrantes que refuerzan a las manchas en su tarea destructora de las formas escultóricas.

3.- Las composiciones dinámicas, cuyas líneas directrices están marcadas por las posiciones convulsas y los gestos dramáticos, contrastan con las formas quietas, verticales o sentadas, del neoclasicismo.

4.- El culto al paisaje no es sólo una inclinación sino también un recurso para desplegar colores luminosos y para encuadrar entre nubes eléctricas y oleajes furiosos los grupos humanos, con lo cual los objetos pierden su aspecto convencional para traducir, más allá de la dimensión visual, los estados de ánimo.

5.- Los temas de las revoluciones políticas o los desastres que señalan un enfrentamiento fatalista con la naturaleza definen la postura de los pintores, al lado de los escritores, políticos y filósofos en la edificación de un nuevo mundo.

El romanticismo podrá el sentimiento como punto de arranque de toda creación artística. La misma filosofía pregonaba la supremacía de la sensibilidad sobre el raciocinio, ya que las ideas no nacen con el sujeto, sino que se adquieren con la sensorialidad. El mundo antiguo comienza a pasar a segundo plano y la edad media a ocupar su puesto. Junto a ella se convierte el próximo oriente en tema preferido de los pintores franceses. Este interés por oriente se ve favorecido por la nueva empresa nacional francesa de la conquista de Argelia, y la rica policromía del pueblo árabe se convierte en el mejor antídoto contra el pobre colorido neoclásico.

Para ampliar información mira esta presentación de Tomás Pérez:

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Video sobre la Obra de Delacroix:

Un interesante video, en francés sobre La Balsa del Medusa de Gericault:

Sobre Gaspar Friedrich:

Paisajistas Ingleses:

Constable:

Turner:

Seguimos con el temario. Aunque de manera breve vamos a estudiar el Arte Neoclásico.
Éste es un estilo artístico que surge en Francia en la segunda mitad del siglo XVIII. Aparece como consecuencia del cansancio ante las formas barrocas (muy recargadas ornamentalmente y repetidas hasta la saciedad). Este agotamiento coincide con el redescubrimiento (uno más) de la antigüedad clásica, gracias a las excavaciones que en esos momentos se estaban realizando en Herculano y Pompeya, las ciudades sepultadas por el Vesubio. Se difundirá apoyado por las Academias, que defendían el valor de las normas clásicas. Este estilo preconizará el ideal griego como punto de partida de toda belleza. Grecia es, mucho más que Roma, la inspiradora del Neoclasicismo.

La arquitectura neoclásica surge como reacción frente a las libertades y subjetividad de la arquitectura barroca. Se impone el racionalismo de las formas neoclásicas, que se inspiran en los principios de la arquitectura grecorromana. Triunfó ahora el orden dórico griego, con fuste acalanado; el templo helénico es imitado no sólo en iglesias, sino en toda clase de monumentos públicos. La base de la arquitectura neoclásica es la columna. Como en los buenos tiempos de Grecia, los frontones se rellenaron con estatuas. Pero la ciencia del espacio sigue siendo romana. No se supo prescindir de las bóvedas romanas. Predominó la imitación por encima de la invención, al estar convencidos de la superioridad del arte helénico. Ejemplo de esta arquitectura es la IGLESIA DE LA MADELEINE en París. En España, destacan Ventura Rodríguez y Juan de Villanueva (MUSEO DEL PRADO y OBSERVATORIO ASTRONÓMICO de Madrid).

La escultura neoclasica se inspira directamente en los modelos de la antigüedad, a través de las noticias literarias y las estatuas, relieves y restos conservados del mundo grecorromano. Destacan el francés Antonio Canova (VENUS ITÁLICA) y el danés Alberto Thorwaldsen (JASÓN).

Paralelamente, en las obras pictóricas neoclásicas se buscan los ideales que había formado el mundo clásico. El dibujo adquiere gran importancia, por influencia de la escultura (los valores plásticos se imponen a los pictóricos). Los temas, serenos y equilibrados, estarán inspirados en la historia grecorromana. Destaca Jacques Louis David (EL JURAMENTO DE LOS HORACIOS), poderosamente influyente, y su más importante seguidor, Jean Auguste Ingres (LA BAÑISTA DE VALPINÇON).

Sobre la influencia del Partenón en la arquitectura neoclásica ver este video:

Sobre Antonio Canova:

Thorvaldsen:

En pintura.
Ingres:

Jean Louis David:

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El Museo arqueológico de Alicante expone durante seis meses "La Belleza del cuerpo: Arte y pensamiento en la Grecia Antigua" . Se trata de un prestamo de piezas de arte clásico que realiza el British Museum.

Podemos ver un somero recorrido por la exposición en este video:

Visitad la web de la exposición. (hay que hacer clic en el título). Espero que os guste.

Pongo las presentaciones de escultura y pintura del Barroco (Son magníficas y se las debemos al profesor Tomás Pérez):

Escultura. Bernini.

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Pintura: Caravaggio.

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El Barroco ha sido un estilo, no sólo ignorado sino también despreciado por la historiografía de algunas épocas, a pesar de lo cual es uno de los más brillantes de la Historia del Arte. Especialmente en nuestro país, en el que el siglo XVII se manifiesta como un derroche de genialidad en todos los ámbitos de la cultura. Barroco es sinónimo de transgresión, inconformismo e inestabilidad cuyo origen habría que buscar en la crisis que sacudió a la mayor parte de los países europeos durante el siglo XVII.

El arte Barroco se origina en Italia a finales del XVI, alcanza su plenitud en el siglo XVII y se extenderá hasta principios del XVIII. Los países más exaltadamente barrocos fueron Italia, Alemania y España, con sus dominios americanos.

El término Barroco fue acuñado, a finales del XVIII y principios del XIX, con cierto sentido despectivo (“extravagante, estrambótico, la peste del gusto, arte decadente y corrompido”) por los partidarios del clasicismo y enemigos del recargamiento decorativo del siglo XVII. La palabra barroco tiene dos posibles orígenes, aunque se prefiere el primero:

a) del término portugués “barrueco” con el que se designan las perlas con forma irregular.

b) del griego “baros”, que se produce como pesadez (aludiendo quizás a los excesos decorativos que tendrá este estilo).Incluso en los comienzos del siglo XX se continuará ignorando el barroco o, a lo sumo, aceptándolo como un mal menor que sirvió de puente entre el clasicismo renacentista y el Neoclasicismo del siglo XIX.

Existen un conjunto de aspectos políticos, religiosos y culturales que conforman el CONTEXTO HISTÓRICO y permiten entender mejor este fenómeno:

El Barroco se va a desarrollar gracias a dos mecenas: la Iglesia y la Realeza, que en esos momentos se encuentran en una situación determinante:

a) la Iglesia Católica, tras la ruptura con los protestantes y después del Concilio de Trento, lleva a cabo la Contrarreforma. Irá renunciando a las naciones protestantes, pero establece una férrea disciplina moral en las que permanecen dentro del catolicismo. Actúa inteligentemente y convence con la evidencia de la posesión de la verdad. Esta verdad va a sustituir a la Idea de Belleza que había dominado el Renacimiento. El arte será, en países como Italia y España, el mecanismo de difusión de los valores religiosos perdidos. La pintura y la escultura reducen sus iconografías a unos temas que no demandan ninguna interpretación por parte del espectador. Al creyente, al pueblo, se le dará todo hecho, pero con una teatralidad tan deslumbrante que, cegado por los múltiples dorados y el complicado lenguaje visual, no dudará jamás. El poder moral y económico de la Iglesia Católica, en los Estados que le son fieles, es enorme. Esto le hace ser el más poderoso cliente del arte. Es importante considerar esto para comprender lo distinta que resulta la iconografía barroca de los países protestantes.

b) en los países de fuerte poder real (Francia y España, por ejemplo), el monarca actuará con el pueblo, como la Iglesia con los fieles, imponiéndoles una obediencia ciega a través de la convicción que procede del deslumbramiento de sus palacios y edificios de gobierno. El rey desempeña su poder absoluto por delegación divina, por lo que sus decisiones son prácticamente inapelables. El ejemplo del monarca se transmite a los altos cargos políticos, que tienen también sus palacios y ricas colecciones. El absolutismo traerá además el establecimiento de una Corte y una administración inmensa, lo que hará aparecer un nuevo tipo de ciudad: la capital de Estado. El diseño de estas nuevas ciudades volverá a potenciar el urbanismo, desatendido, en la práctica durante el Renacimiento. Incluso en las ciudades viejas se derriban barrios y se trazan plazas, creando magníficas perspectivas para las construcciones civiles o religiosas.

C) Durante este siglo se produce un extraordinario desarrollo de la literatura y, especialmente, del teatro. Muchos de los personajes de los cuadros de esta época parecen actores metidos en la piel de filósofos, dioses de la mitología clásica o santos, de la misma manera que muchas de las arquitecturas barrocas parecen grandes escenarios teatrales diseñados como fondos para importantes celebraciones (de ahí que se hable del barroco como de un arte teatral).

D) La naturaleza ocupa un importante papel en estos momentos, sobre todo porque el hombre descubre su debilidad ante el inmenso poder que encuentra en ella. Entre otros descubrimientos científicos de esta época, Kepler afirmó que los planetas describían en su recorrido una órbita elíptica y no circular como se creía previamente. La elipse es una de las formas que más se repiten en la arquitectura barroca y que demuestra que el Barroco tiene pretensiones bien distintas a las del estilo que le precedió, el Renacimiento, que prefiere el círculo, símbolo de la perfección. Se produce una disminución del antropocentrismo. El Barroco reivindica la grandeza, la autonomía, el misterio y el poder de la Naturaleza.

El Barroco es un período de grandes crisis, no sólo políticas (dificultades económicas de las monarquías) o religiosas, sino también porque es un período de enfermedades, hambrunas, pobreza, etc. Es un momento de decadencia e inseguridad que se refleja en el Arte a través de la búsqueda de lo inestable, de la ruptura del respeto por el ordenamiento de lo clásico, el dinamismo, la violencia y el tremendismo. Existe una generalizada sensación de pesimismo e impotencia ante una situación que parece desbordar al ser humano.

Además de las CARACTERÍSTICAS que se pueden deducir de los aspectos anteriores, las que señalamos a continuación son propias también del Barroco:

El punto de partida para analizar el barroco es que no va a suponer el progreso técnico en ninguna de las artes respecto a lo que había logrado el Renacimiento.

En arquitectura se mantiene el esquema del siglo anterior: columna con basa y capitel, entablamento y dintel o arco. En pintura se siguen representando las figuras con fingimiento (imitación) de la realidad, al que contribuyen la perspectiva lineal ahora más compleja, la perspectiva aérea y el claroscuro. En escultura se siguen los mismos principios figurativos y los mismos materiales, mármol y bronce principalmente.

Sin embargo, al agotarse a finales del siglo XVI las posibilidades expresivas del clasicismo, es una vez más el genio italiano el que logra apuntar nuevas direcciones a la expresión plástica. De nuevo la sensación viene a suplir a la razón. A la obra equilibrada y racional del Renacimiento viene a sustituirla la expresión desequilibrada del barroco: las curvas se imponen en la arquitectura y el realismo en la escultura y pintura. Es un arte brillante, ostentoso, en el que la decoración adquiere un valor primordial. Superando al Renacimiento, el barroco exalta la alegría de vivir, como algo sano y virtuoso.

Los grandes promotores del arte, papado y monarquías absolutas, conferirán al Arte un carácter funcional, ya que lo utilizarán para exaltar sus respectivos poderes mediante su brillantez y ostentación. Se valdrán del deslumbramiento que pueden provocar las Artes para así adoctrinar a las masas. De ahí la importancia de este complicado lenguaje visual, la teatralidad, los múltiples decorados..., que impiden dudar al espectador de que en ellos esté la “Verdad ” y el “Poder”.

El Barroco es pues una arte de los sentidos, que viene a suplir a la razón. La utilización de los símbolos para la transmisión de determinados mensajes oficiales convierte al Barroco en una cultura esencialmente simbólica. · Será la arquitectura quien gobierne la dirección plástica. Escultura y pintura se acogerán a ella, y se llega a una verdadera simbiosis de las artes: la percepción visual no sabrá distinguir donde empieza cada una. La arquitectura ocultará las estructuras fundamentales mediante enlucidos, relieves, ilógicos soportes, quebrando las cubiertas con fingidos cielos. La escultura fingirá transparencias etéreas, más propias de la pintura. Y la pintura imitará sólidas arquitecturas. Así se creará el riquísimo y peculiar nuevo lenguaje que caracterizará al barroco.

El Barroco supone una clara reacción frente al racionalismo renacentista. No se trata de un movimiento homogéneo, sino con una gran diversidad, debido a la pluralidad religiosa (escisión católica-protestante) y política (toma de conciencia de las nacionalidades), que se traduce en el campo de las Artes con la aparición de una serie de escuelas. Si el Renacimiento fue un estilo unitario en los distintos países europeos, el Barroco tendrá unas características más diferenciadas según se trate de países protestantes o católicos; porque igual que las doctrinas religiosas se endurecieron y distanciaron con el tiempo, otro tanto ocurrió con el arte, y así en el Barroco resulta imposible confundir las obras de los distintos países porque las diferencias son más marcadas y los contrastes más acusados. Un destacado ejemplo de esta heterogeneidad lo tenemos en Holanda, donde asistimos a la eclosión de una rica burguesía. Se generaliza el arte de uso privado. La “democratización” del arte es un hecho acreditado por la abundancia de ventas públicas, con mínima ganancia para los artistas. Existen tiendas donde el mercader de pinturas (el marchante) compra directamente a los pintores, almacena y vende. Con ello se produce un distanciamiento del pintor frente al cliente (las obras no son por encargo, sino que se adquieren en la tienda). Pero eso no va a significar una pérdida de calidad, sino todo lo contrario, ya que se va a producir en gran cantidad, con alta calidad y a bajos precios. La calidad no se reduce debido a la categoría del cliente y sobre todo del marchante, todo un entendido.

Para ampliar información:

Wikipedia

Introducción al arte barroco

Mira estos videos:

Arte Barroco:

Presentaciones:

Arquitectura Barroca (Tomás Pérez):

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Dejo las presentaciones sobre la pintura del Renacimiento.

Pintura del Cuattrocento:

Mira esta presentación elaborada por Tomás Pérez:

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Mira este video sobre el cuattrocento:

Sobre el Cinquecento, mira este otro video:

Ahora, mira estas presentaciones:

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Pintura Veneciana (Tomás Pérez):

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