16Jul, 2009

MUDANZA DE MI BLOG

Escrito por: canfora1111 el 16 Jul 2009 - URL Permanente

He decidido mudar mi blog a una web específica de historia y arte. Esto se debe a diversas razones. Entre otras, destacan la mayor versatilidad que ofrece en comparación con este o la mejor adecuación a la pantalla de mi asus eee pc.
La dirección es:




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05Jul, 2009

Cartagena

Escrito por: canfora1111 el 05 Jul 2009 - URL Permanente

A partir del curso que viene trabajaré en el IES Juan Sebastián Elcano de Cartagena tras 11 magníficos años de mi vida en tierras extremeñas.
Hoy quisiera mostrar algunas imágenes de Cartagena, ciudad con un gran patrimonio histórico- artístico, hasta tiempos recientes olvidado, pero que paulatinamente se va poniendo en valor hasta el punto que 11 años después de haberme ido de allí, la ciudad está irreconocible.


Ayuntamiento


Teatro Romano


Palacio de Pascual Riquelme. Museo del Teatro Romano


Plaza Héroes de Cavite, junto al puerto

Puerto


Submarino Peral

Museo Nacional de arqueología subacuática

Modernismo
Gran Hotel


Casa Maestre


Palacio de Aguirre

Club de regatas

Casa Cervantes

Casa Pedreño

Autoridad Portuaria

Casino

Muralla de Carlos III

Universidad de Cartagena

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10May, 2009

PARADOJAS DEL ARTE CONTEMPORÁNEO

Escrito por: canfora1111 el 10 May 2009 - URL Permanente

De esta manera titulaba el pasado año (23 de febrero de 2008) el suplemento cultural de EL PAÍS, Babelia, un debate celebrado en ARCO y moderado por Antonio Muñoz Molina. El interesante debate se organizón en torno a las siguientes paradójas establecidas por el escritor:

1.- "La primera es que en arte la ruptura es la norma. Paradoja que plantea sus problemas, porque, para rebelarte contra algo, tienes que hacerlo contra un poder, que en este caso se ha disipado. Además la provocación requiere un establishment fuertemente establecido de gente dispuesta a sentirse provocada y escandalizada".

2.- "La segunda paradoja es que en vez de que la explicación nazca a partir de la obra, en muchos casos es la obra la que nace de la explicación. E incluso la explicación llega a cobrar más importancia que la obra, y en muchas ocasiones hasta llega a sustituirla. En la Bienal de Venecia de 2003, el Pabellón de España consistía en que no se podía entrar al Pabellón de España, en el cual no había nada. Y la próxima Bienal de São Paulo es una bienal en la que sólo hay explicación, no hay obras".

3.- "En tercer lugar, dado que la obra no habla por sí misma, sino que depende de la explicación, es muy importante quién da la explicación. Y aquí se produce también otra inversión, porque muchas veces la estrella no es el artista sino el explicador: el comisario, lo que llaman el curator", continuó Muñoz Molina. "La siguiente paradoja es que el museo es anterior al artista. Antes había una ecología del coleccionismo y del museo, que consistía en que había coleccionistas privados que compraban cuadros en las galerías, se arriesgaban; con el tiempo, esos coleccionistas legaban esas obras que habían comprado a los museos, ese tiempo había llevado a cabo un filtro, y el museo era el resultado final de ese proceso. Ahora, curiosamente, en muchos casos el artista existe porque existe el museo, porque, y hablo concretamente del caso de España, hay tantos museos de arte contemporáneo que es necesario llenarlos de artistas, de artistas que vayan acompañados de su explicación y de su correspondiente legitimación de esa explicación".

4.- "El último punto que resume todo es que la vanguardia se ha convertido en el arte oficial. Ahora se puede ir al Prado y ver el arte oficial, de gran aparato, de finales del XIX. El arte de gran aparato de ahora, de principios del siglo XXI, es siempre un arte de provocación, de un formato que no admite al coleccionista o al privado y que satisface la ambición del político que ha creado el museo. La suya es la ambición de la juventud, la ambición de tener artistas jóvenes, de esa expresión que se usa tanto, que es apostar por: apostar por lo nuevo, apostar por la ruptura, apostar por la novedad. Pero si la novedad es la norma, ¿cómo puede haber novedad?".

Lee el debate completo aquí.

Muñoz Molina resume bien el estdo en el que se encuentra el arte en las sociedades posmodernas. Esto se ve claramente en la segunda paradoja. La explicación es más importante que la obra misma. Esto está claro en el arte conceptual. Veamos un ejemplo:


¿ Esto qué es?. ¿Un enchufe?. No, parece ser que es arte conceptual . Se llama "Circuito Cerrado" de Wilfredo Prieto. Vale "sólo" 15.000 euros. según la responsable de la galería barcelonesa Nogueras-Blanchard :

"No es un timo. Me he pasado la feria explicando por qué es una obra de arte". Lo importante no es el objeto, sino la idea que hay detrás: es un cable que se enchufa a sí mismo, lo que anula el concepto". Lo que se adquiere con esos 15.000 euros es el derecho a reproducir ese gesto y a llamarlo un Wilfredo Prieto". Según parece " Wilfredo Prieto se une al arte conceptual o arte como idea desde el nuevo prisma que le brinda la desfachatez como pronunciamiento estético. El conceptualismo ortodoxo -allá en los sesenta-, enfatizó la idea y el proceso sobre el objeto. Wilfredo es un artista contemporáneo y como tal se suma a la tendencia ahora posconceptual que escapa a la especulación intelectual sobre la palabra, para gozar el arte como actitud y sus imbricaciones con lo social".

En mi opinión, ¿ Qué idea aporta este sujeto?. Esto es la prueba palpable del todo vale de cierta posmodernidad barata. Habrá quien diga que lo mismo hacía Duchamp con sus ready mades. Sin embargo, Duchamp pretendía provocar a lo establecido. Minar ciertos convencionalismos sociales. Hoy lo establecido subvenciona provocaciones que no provocan, porque como efecto de las vanguardias ya nada nos inmuta. Así, ante este vacío propio del postcapitalismo, sólo queda seguir viviendo en un pasado supuestamente provocador, que en realidad camufla la falta de ideas.

Estos artístas no critican. Viven del poder. Un ejemplo de crítica podrían ser Duchamp o Bárbara Kruger:



Esta obra fue un encargo del
MOMA (Museum of Modern Art) de Nueva York para las bolsas de la tienda del museo. Para publicitar el museo se buscó a la artista cuya obra reflexiona sobre las consignas mediáticas, la publicidad y las limitaciones que éstas imponen a las formas de representación. En este caso el consumo viene definido como la identidad moderna, parodiando la idea de Desacartes de "cogito ergo sum", en donde se identificaban conciencia y pensamiento. Porque es éste un encargo artístico que se aborda como un objeto publicitario la artista reflexiona sobre el valor del arte, que también es mercancía de consumo.

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10May, 2009

POSTIMPRESIONISMO

Escrito por: canfora1111 el 10 May 2009 - URL Permanente

EL POSTIMPRESIONISMO

Los pintores de esta tendencia coexistieron a fines del XIX con el movimiento impresionista en boga. Suponían una renovación, por lo que fueron rechazados. Su origen lo encontramos en la fuerte oposición que muestran al carácter fugaz de la representación impresionis­ta, por cuanto ésta capta sólo el aspecto superficial de los objetos en una visión momentánea, a tenor de la fugacidad de la luz solar, cambiante en cada momen­to. Estas criticas han de conducir a la búsqueda de un lenguaje artístico que supere la superficialidad de esta visión instantánea. Es el POSTIMPRESIONISMO, caracterizado por:

la recuperación de la importancia del dibujo.

la preocupación por captar la expresividad de las cosas (no sólo la luz). Consideran que es tan importante la forma como el contenido que quieren expresar a través de sus obras, buscando, ante todo, una pintura que exprese sensaciones interiores.

se acomete el análisis de las formas sobre las que la luz incide.

Hoy, con la perspectiva histórica adecuada, percibimos su verdadera importan­cia, pues sin ellos posiblemente la pintura de nuestro tiempo hubiera evolucio­nado en otra dirección. Así ocurre cuando consideramos la pintura de Cézanne, Van Gogh y Gauguin como los pintores más significativos del último tercio del siglo XIX, que marcan las directrices de la pintura contemporánea.

Por una parte, PAUL CÉZANNE (1839-1906), pretende un arte basado en figuras sólidas, buscando las formas geométricas que subya­cen de manera permanente en todos los objetos de la naturaleza. Una montaña puede ser esquematizada con una pirámide (LA MONTAÑA SANTA VICTORIA), un árbol con un cilindro, y un fruto con una esfera, pues, como dice el propio Cézanne, el pintor que sepa pintar un cono, un cilin­dro y una esfera, sabe pintar la naturaleza. En esta teoría se fundamentan algu­nos aspectos de la tendencia abstracta de la pintura contemporánea, como el Cubismo y otras posteriores. Otra muestra de esta geometrización de las formas lo tenemos en LOS JUGADORES DE CARTAS.

Frente a este criterio se halla la pintura concebida para adentrarse en el alma del espectador a través del medio cromático. Su máximo representante es VINCENT VAN GOGH (1853-1890). Los colores se convierten en medios expresivos, significantes, que van más allá de la sensación óptica de la realidad visual, pues lo que interesa es su significación y la emoción que se despierta en el espectador. A través del color plasma sus emociones, su aungustia. Las líneas son simplificadas, con pinceladas cursivas que parecen imitar acentos. Estas características se aprecian en sus obras LA IGLESIA DE AUVERS, LA HABITACIÓN DE VAN GOGH EN ARLES, LOS GIRASOLES o NOCHE ESTRELLADA.


Con PAUL GAUGUIN (1848-1903), se produce en la pintura contemporánea la ruptura con la tradición de las figuras y temas del mundo occidental, dando cabida a un mundo exótico como el de Tahití. La causa de esto es que Gauguin aborrecía la civilización, estando obsesionado por encontrar un mundo distinto en que los seres naturales (pertenecientes a un mundo primitivo sencillo, no contaminado por el progreso: el paraíso perdido) le permitieran componer cuadros que reconstituyeran una imaginería poética. Mundo que encontrará en la Polinesia, donde se refugiará. Mediante líneas y colores, preferentemente planos, se utiliza una nueva pers­pectiva en la que lo representado es el pretexto para cautivar al espectador con un nuevo lenguaje pictórico y una valoración de las composiciones y temas no enraizados en la cultura occidental. Extiende el color puro en superficies extensas, armonizando las masas cromáticas. Composiciones simplificadas, estáticas, con recuerdo a la pintura egipcia. A medio camino entre el Impresionismo y el Fauvismo. Ejemplo de su obra es ¿DE DÓNDE VENIMOS? ¿QUIÉNES SOMOS? ¿ADÓNDE VAMOS? o LA ORANA MARÍA.

En LA VISIÓN DESPUÉS DEL SERMÓN, representa un grupo de mujeres bretonas que contemplan una aparición: la lucha bíblica de Jacob con el ángel, que se desarrolla al fondo. El árbol central divide la composición diagonalmente en dos zonas claramente diferenciadas: la lucha representa el mundo sobrenatural y las bretonas que contemplan la pelea, el mundo real.

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10May, 2009

IMPRESIONISMO

Escrito por: canfora1111 el 10 May 2009 - URL Permanente

1 CONTEXTO HISTÓRICO

París fue el centro creador fundamental de la pintura a lo largo del siglo XIX. En esta capital residían y trabajaban artistas de todos los países y es en ella donde germinan y evolucionan los movimientos artísticos de la pintura contemporánea, sustituyendo en este sentido la importancia que tuvo Italia en las centurias anteriores. Triunfar en París suponía para un artista el reconocimiento oficial de su valía en el arte actual. La difusión de las nuevas corrientes pictóricas se realiza a través de múltiples talleres y exposiciones.

Sin embargo, la pintura del siglo XIX seguía estando determinada por la estética academicista y oficialista, representada por los pintores seguidores del neoclásicismo, que seguían defendiendo la superioridad de la línea sobre el color.

Además, el Salón (lugar destinado a la exhibición pública de obras de arte) seguirá dominado por unas directrices totalmente academicistas que producirán un aluvión de rechazos, apartando todo lo que llevara la marca de originalidad personal.

Aun así, el estado de ánimo revolucionario que dominaba el ambiente chocaba brutalmente con la realidad oficial. En medio de este contexto surgirá el movimiento impresionista como reacción a la estética academicista y oficialista, lo que les llevará a mantener una encarnizada lucha para ser reconocidos.

2 EL IMPRESIONISMO

Como contrapunto a los movimientos pictóricos desarrollados durante el XIX (neoclasicismo, romanticismo y realismo), al final del tercer cuarto del siglo surge el IMPRESIONISMO. Como consecuencia de los sucesivos rechazos a sus obras por parte del Salón, un grupo de autores decidió organizar una exposición colectiva privada en 1874. Fue allí donde CLAUDE MONET exhibió la famosa obra titulada “Impresión Sol naciente”, que dio origen al nombre de Impresionismo, impuesto con sentido despectivo por el crítico Louis Leroy. Aquella pintura aportaba dos novedades fundamentales, que se convertirán en características definitorias del movimiento impresionista:

supone una nueva concepción iconográfica de la realidad, ya que el tema no tendrá importancia. Las obras de estos pintores versaban sobre temas vulgares: unas regatas en un río, unas damas en un jardín, una estación de ferrocarril, etc. Por todo ello fueron llamados los “intransigentes”.

Aportaban también una distinta visión plástica de la realidad, basada en.

El descubrimiento de que los colores dependen de la percepción individual y de la luz. Su preocupación será plasmar como el carácter cambiante de la luz del día provoca cambios en la percepción que tenemos de los colores. Lo que tratan es de plasmar lo que perciben a través de sus sentidos.

Por ello, se concede enorme importancia al paisaje pintado al aire libre.

Tratan de reflejar como perciben el instante, la impresión que reciben. Reflejar la luz del instante será la obsesión de estos pintores, mostrando en diferentes series de cuadros el efecto cambiante de la luz solar en las diversas horas del día, así como en las diferentes circunstancias atmosféricas.

Lo hacen a través de pinceladas sueltas, yuxtapuestas, que sólo se funden en la distancia, en la retina del espectador. Esta novedad técnica de la aplicación de pequeñas pinceladas para producir un efec­to a cierta distancia, realmente ya se había iniciado en la pintura barroca de Velázquez, por ejemplo.

Así pues, para los impresionistas lo fundamental no es lo que pintan (el tema es secundario), sino cómo lo pintan.

Como antecedentes del Impresionismo podemos citar a los paisajistas románticos ingleses Turner y Constable, a los pintores realistas por su aproximación a una interpretación “realista” del paisaje, y a los trabajos de la escuela de Barbizon “au pleiu air” (al aire libre). Y no nos podemos olvidar como precedente del Impresionismo la obra de Goya “La lechera de Burdeos”, en la que el genial maestro busca el efecto de la pincelada suelta.

Sin embargo, la aceptación de la tendencia impresionista no fue inmediata, por lo que la ausencia de ventas provocó una auténtica miseria para algunos de sus practicantes. No será hasta 1887-1890 cuando pueda decirse que el Impresionismo es admitido. Entre 1890 y 1900 el éxito comercial lo consagrará.

EDOUARD MANET será el primero que evolucione, abandonando la estética academicista de sus primeras obras. Encabezará la escuela impresionista hasta 1870, en que el liderazgo será tomado por Monet. Pueden hallarse ya muchos de los fundamentos del impresionismo en su obra ALMUERZO SOBRE LA HIERBA. Aunque lejanamente, se inspira en el Concierto campestre de Giorgione, inter­pretado de forma realista. Sin embargo, lo que provoca un fuerte impacto en el público no es el tema, sino la visión de la luz y la composición que nos ofrece Manet. La luz se representa como una mancha tonal clara que contrasta violentamente con las zonas de sombra, mediante manchas de color yuxtapuestas y sin gradaciones. Lo que le interesa es reflejar la impresión de la luz sobre la escena.

Pero ya hemos dicho que CLAUDE MONET es quien verdaderamente define el impresionismo. Lo mismo que todos los pintores impresionistas, Monet se formó en el realismo, aunque tras evolucionar hacia el impresionismo, le será fiel hasta el fin de sus días. Monet nos muestra en diferentes series de cuadros como LA CATEDRAL DE ROUEN, ACANTILADOS, NINFEAS etc., el efecto cambiante de la luz solar en las diversas horas del día, así como en las diferentes circunstan­cias atmosféricas. Otras obras suyas son IMPRESIÓN, SOL NACIENTE (que dio nombre a la corriente pictórica impresionista de fines del siglo XIX) y LA ESTACIÓN DE SAINT- LAZARE.

AUGUSTE RENOIR (1841-1919) llevó el impresionismo a la figura humana, al desnudo femenino. No se interesa por el volumen, sino por el cromatismo, con un colorido voluptuoso. Gustó de pintar reuniones públicas, bailes y fiestas, como LE MAULIN DE LA GALETTE. Otra obra destacada suya es EL COLUMPIO en el que el estudio de la luz y el color son las notas características. El pintor utiliza una pincelada suelta para llamar la atención sobre los reflejos que el sol produce en las figuras, tanto de los hombres que observan, como de la muchacha, vestida de blanco, que se columpia de pie ante la mirada atenta de un niño.

EDGAR DEGAS prefiere los interiores al aire libre. Se consagra a pintar bailarinas ensayando y en escena. Detiene la luz en lo instantáneo y demuestra que el impresionismo no está reñido con la luz artificial. Se muestra interesado por el escorzo y el movimiento, reflejando una gran variedad de actitudes. Todas estas características se reflejan en sus obras LA CLASE DE DANZA y FINAL DE UN ARABESCO.

El principal representante del impresionismo español es JOAQUÍN SOROLLA, aunque aparece con retraso respecto al impresionismo francés, porque cuando nace Sorolla ya está en marcha el impresionismo. Nadie ha pintado como Sorolla el reflejo vidriado de los cuerpos mojados de los NIÑOS EN LA PLAYA.

3 EL NEOIMPRESIONISMO

La técnica impresionista determina la aparición, a fines del siglo XIX, del NEOIM­PRESIONISMO O PUNTILLISMO. Consiste en aplicar el color mediante puntos diminutos de color puro que se fundirán en la retina del espectador. Los colores se atomizan y son como pequeños puntos en el lienzo, tal como lo vemos actualmente en la pantalla de los televi­sores, obligando, por otra parte, a encontrarse a una cierta distancia para la debida percepción de la calidad de una obra. Estos cuadros semejan mosaicos. Pero se opondrán al impresionismo por su despreocupación por el volumen: renuncian a los perfiles. Esta tendencia tuvo una vida corta porque requería una paciente elaboración y una firme disciplina. Destacan Signat y SEURAT. De este último podemos destacar su obra LA TARDE DE DOMINGO EN LA ISLA DE LA GRANDE JATTE .

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10May, 2009

El Realismo

Escrito por: canfora1111 el 10 May 2009 - URL Permanente

Las tendencias realistas maduran en el seno del romanticismo. La disolución de la visión clásica que se opera en la primera mitad del siglo XIX y la liberación de la técnica pictórica contribuyen a romper la tradicional jerarquía temática. Ya no era preciso pintar a los héroes y a los dioses de la antigüedad o a los grandes personajes bíblicos para ser considerado un gran artista. Por el contrario, la atención se dirigía al paisaje, hacia los tipos populares (costumbrismo), hacia lo particular y perecedero. En toda esta actitud está la base del realismo que cristaliza como movimiento definido después de 1848.


Desde el punto de vista técnico la pintura del momento asume y acentúa las grandes conquistas románticas, utilizándose también las técnicas, cada vez más perfeccionadas, de reproducción impresa de la imagen.

Desde mediados del siglo XIX el mundo experimenta una gran transformación. La época de la gran industria ha nacido. Se está operando la segunda revolución industrial. Es la época del auge del colonialismo y la del surgimiento de una nueva clase social: el proletariado.

Las condiciones históricas han cambiado, sin embargo, de modo sustancial: la revolución de 1848 y la fuerza creciente de las fuerzas proletarias conlleva una agudización de la lucha de clases, obligando a muchos representantes del mundo artístico y literario a tomar partido ante los grandes problemas políticos y sociales. Muchos artistas se adhieren a la causa del socialismo, asumiendo como propios los sufrimientos y las aspiraciones de las clases desposeídas.

Frente al deseo de evasión del romanticismo, los artistas realistas acentúan su apego a la realidad presente; frente al subjetivismo, afirman el imperio de lo objetivo, de lo que está ahí y que no se puede ni debe soslayar. Hay, como puede verse, un claro impulso ético, un cierto deseo de transformar el mundo en el que les ha tocado vivir. Desde el punto de vista formal, la pintura resultante tiene mucho que ver con la reducción al plano del mundo exterior que se opera utilizando la cámara fotográfica.

Los temas son mucho menos heroicos y amables: campesinos embrutecidos por un trabajo agotador, emigrantes, lavanderas, picapedreros o simples paisajes pintados con el vehemente deseo de representar la realidad tal como se supone que es. El positivismo filosófico y científico, el socialismo, y la creciente revolución tecnológica están pues en la base de este movimiento.

Desde el primer momento el programa de estos artistas va a encontrar un ambiente de polémica y apasionamiento determinado a la vez por la temática y el tratamiento formal. Frente a los temas mitológicos se utilizan ahora los temas que provienen del pueblo con sus miserias, y lo hacen con una frialdad y con un vigor que deja estupefactos a los espectadores burgueses. La pincelada es firme y el contorno preciso, se huye por igual de la pasión romántica y del calculado equilibrio de los clásicos. La pintura tiene una clara voluntad de ruptura que se manifiesta simultáneamente en el terreno de las formas y en el de los contenidos. La lucha de clases alcanza al mundo del arte sin que fuera posible evadir el alineamiento con alguno de los dos bandos.

Mira la presentación:


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10May, 2009

Arte Romántico

Escrito por: canfora1111 el 10 May 2009 - URL Permanente

Con la caída de Napoleón y la consolidación de los regímenes políticos de la Restauración que intenta borrar de Europa cualquier vestigio de la Revolución Francesa, un movimiento cultural, el romanticismo, se convierte en bandera de las jóvenes generaciones que aspiran a encarnar en la política, la literatura, la filosofía y en todas la artes los principios revolucionarios que en 1814 quedan momentáneamente soterrados.

El romanticismo es, antes que nada, un grito de libertad. Individualismo, conversión de la intimidad en tema, representación subjetiva del paisaje, exaltación del pueblo son algunos de principios medulares de la nueva sensibilidad.

El romanticismo se difunde con el ímpetu de una revolución; el ansia de libertad impregna las polonesas de Chopin, los cuadros de Delacroix y los versos de Byron.

No se impuso sin resistencias esta explosión de libertad en el mundo artístico. En 1819 las obras de los románticos son consideradas como de mal gusto por los partidarios de la pintura neoclásica. Los prebostes del arte oficial, que consideraban que la misión del artista se reducía a la producción de armonías formales, no podían entender a un pintor como Delacroix que consideraba el arte como una vivencia poética.

Nos encontramos con un nuevo tipo humano que implica una relación arte-sociedad diferente. El artista deja de ser un doméstico del poder y esto favorece su esfuerzo para emanciparse de las directrices académicas. La pintura romántica rechaza las convenciones y, saltando sobre ellas, enlaza con los valores de la pintura barroca. Podemos destacar como signos característicos:

1.- La recuperación de la potencia sugestiva del color en detrimento del dibujo neoclásico; así se liberan las formas de los límites excesivamente definidos y se divorcia el arte pictórico del escultórico. Goya, que ha demostrado que un pintor no puede nunca desertar del color, se convierte en paradigma técnico.

2.- Con el cromatismo resucitan las luces vibrantes que refuerzan a las manchas en su tarea destructora de las formas escultóricas.

3.- Las composiciones dinámicas, cuyas líneas directrices están marcadas por las posiciones convulsas y los gestos dramáticos, contrastan con las formas quietas, verticales o sentadas, del neoclasicismo.

4.- El culto al paisaje no es sólo una inclinación sino también un recurso para desplegar colores luminosos y para encuadrar entre nubes eléctricas y oleajes furiosos los grupos humanos, con lo cual los objetos pierden su aspecto convencional para traducir, más allá de la dimensión visual, los estados de ánimo.

5.- Los temas de las revoluciones políticas o los desastres que señalan un enfrentamiento fatalista con la naturaleza definen la postura de los pintores, al lado de los escritores, políticos y filósofos en la edificación de un nuevo mundo.

El romanticismo podrá el sentimiento como punto de arranque de toda creación artística. La misma filosofía pregonaba la supremacía de la sensibilidad sobre el raciocinio, ya que las ideas no nacen con el sujeto, sino que se adquieren con la sensorialidad. El mundo antiguo comienza a pasar a segundo plano y la edad media a ocupar su puesto. Junto a ella se convierte el próximo oriente en tema preferido de los pintores franceses. Este interés por oriente se ve favorecido por la nueva empresa nacional francesa de la conquista de Argelia, y la rica policromía del pueblo árabe se convierte en el mejor antídoto contra el pobre colorido neoclásico.

Para ampliar información mira esta presentación de Tomás Pérez:


Video sobre la Obra de Delacroix:

Un interesante video, en francés sobre La Balsa del Medusa de Gericault:

Sobre Gaspar Friedrich:

Paisajistas Ingleses:

Constable:

Turner:

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21Abr, 2009

Arte Neoclásico

Escrito por: canfora1111 el 21 Abr 2009 - URL Permanente

Seguimos con el temario. Aunque de manera breve vamos a estudiar el Arte Neoclásico.
Éste es un estilo artístico que surge en
Francia en la segunda mitad del siglo XVIII. Aparece como consecuencia del cansancio ante las formas barrocas (muy recargadas ornamentalmente y repetidas hasta la saciedad). Este agotamiento coincide con el redescubrimiento (uno más) de la antigüedad clásica, gracias a las excavaciones que en esos momentos se estaban realizando en Herculano y Pompeya, las ciudades sepultadas por el Vesubio. Se difundirá apoyado por las Academias, que defendían el valor de las normas clásicas. Este estilo preconizará el ideal griego como punto de partida de toda belleza. Grecia es, mucho más que Roma, la inspiradora del Neoclasicismo.


La arquitectura neoclásica surge como reacción frente a las libertades y subjetividad de la arquitectura barroca. Se impone el racionalismo de las formas neoclásicas, que se inspiran en los principios de la arquitectura grecorromana. Triunfó ahora el orden dórico griego, con fuste acalanado; el templo helénico es imitado no sólo en iglesias, sino en toda clase de monumentos públicos. La base de la arquitectura neoclásica es la columna. Como en los buenos tiempos de Grecia, los frontones se rellenaron con estatuas. Pero la ciencia del espacio sigue siendo romana. No se supo prescindir de las bóvedas romanas. Predominó la imitación por encima de la invención, al estar convencidos de la superioridad del arte helénico. Ejemplo de esta arquitectura es la IGLESIA DE LA MADELEINE en París. En España, destacan Ventura Rodríguez y Juan de Villanueva (MUSEO DEL PRADO y OBSERVATORIO ASTRONÓMICO de Madrid).



La escultura neoclasica se inspira directamente en los modelos de la antigüedad, a través de las noticias literarias y las estatuas, relieves y restos conservados del mundo grecorromano. Destacan el francés Antonio Canova (VENUS ITÁLICA) y el danés Alberto Thorwaldsen (JASÓN).



Paralelamente, en las obras pictóricas neoclásicas se buscan los ideales que había formado el mundo clásico. El dibujo adquiere gran importancia, por influencia de la escultura (los valores plásticos se imponen a los pictóricos). Los temas, serenos y equilibrados, estarán inspirados en la historia grecorromana. Destaca Jacques Louis David (EL JURAMENTO DE LOS HORACIOS), poderosamente influyente, y su más importante seguidor, Jean Auguste Ingres (LA BAÑISTA DE VALPINÇON).

Sobre la influencia del Partenón en la arquitectura neoclásica ver este video:

Sobre Antonio Canova:

Thorvaldsen:

En pintura.
Ingres:

Jean Louis David:

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13Abr, 2009

Exposición de estatuas clásicas del British Museum en el MARQ de Alicante

Escrito por: canfora1111 el 13 Abr 2009 - URL Permanente

El Museo arqueológico de Alicante expone durante seis meses "La Belleza del cuerpo: Arte y pensamiento en la Grecia Antigua" . Se trata de un prestamo de piezas de arte clásico que realiza el British Museum.

Podemos ver un somero recorrido por la exposición en este video:

Visitad la web de la exposición. (hay que hacer clic en el título). Espero que os guste.

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18Mar, 2009

Presentaciones de Arte Barroco

Escrito por: canfora1111 el 18 Mar 2009 - URL Permanente

Pongo las presentaciones de escultura y pintura del Barroco (Son magníficas y se las debemos al profesor Tomás Pérez):

Escultura. Bernini.

Pintura: Caravaggio.

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Hola:
Mi nombre es Alfredo Rivero Rodríguez. Soy profesor de Geografía e Historia en el IES Juan Sebastián Elcano en Cartagena.

Durante los años 1998-2009 trabajé en Extremadura. Desde 2000 a 2009 en el IES Sierra la Calera de Santa Marta de los Barros en Badajoz (España).

En este blog iré poniendo cosas que considere interesantes sobre aquellos aspectos que me gustan:libros, actualidad, historia, arte, música o educación.
Se agradecen los comentarios críticos.

Saludos
Mi wiki: http://historiarte1.wikispaces.com/

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