21 Abr 2014

LA VIRGEN DE LA ALDEA

Escrito por: JESÚS CUENCA CALERO el 21 Abr 2014 - URL Permanente

Marc Chagall

La Virgen de la aldea

1938-1942

Óleo sobre lienzo

102,5 x 98 cm

Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

Viendo el cuadro La Virgen de la aldea, pintado entre 1938 y 1942 resulta dificil vincularlo con esa época convulsa de la Segunda Guerra Mundial. Chagall se desvincula en su obra de la crítica social o el compromiso revolucionario y se centra en la tradición popular y las vanguardias. Así su vocabulario iconográfico está vinculado a sus vivencias personales arraigadas en la comunidad judía a la que perteneció en Vitebsk y a su formación en París a principios del pasado siglo. Chagall utiliza elementos de la realidad para relacionarlos, en un espacio libre de las leyes de la perspectiva.

La Virgen vestida de novia sostiene al Niño en sus brazos, rodeada de ángeles músicos, junto a una vaca que toca el violín, ingrávidos sobre un pueblo en la montaña.

Al igual que el Greco, Chagall hace visible esos seres celestiales que flotan, y donde al parecer los animales no tocan los instrumentos por casualidad, sino que participan de la "alegría de vivir". Son felices en el mas allá, mientras que en el más acá, en la época que fue pintado el cuadro, la guerra exterminaba a la población. Chagall nos muestra un espacio de felicidad en vez de una cruda realidad.

Comentario y fotografía JCuenca.

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18 Mar 2014

LA LLAVE DE LOS CAMPOS

Escrito por: JESÚS CUENCA CALERO el 18 Mar 2014 - URL Permanente

Magritte, René. LA CLEF DES CHAMPS. Óleo lienzo. 80x60 cm. 1936. Museo Thyssen-Bornemiza.

La pintura de Magritte es figurativa y expresa un realismo personal reconocible. Había comenzado dentro del estilo impresionista, pero fue el descubrimiento de la pintura metafísica de Chirico lo que determinó su carrera. Magritte es conocido como uno de los máximos exponentes del surrealismo. Mantuvo cierta relación con artistas surrealistas como Paul Éluard, Breton, Max Erns, Miró y Dalí pero Magritte fue independiente y persistió con sus ideas por encima de modas e intereses de grupo. Su obra se distancia del automatísmo de los surrealista de París para centrarse en las asociaciones de elementos, en las ideas, en los conceptos.

El cuadro La Clef des Champs de 1936 pintado de manera minuciosa y naturalista, nos muestra un paisaje exterior enmarcado por unas cortinas, vemos el interior con cristales rotos, con la particularidad de que estos trozos conservan la imagen del paisaje. Magritte nos invita a percibir la poesía y el misterio, pero sus imágenes estimulan la reflexión.

La ventana es un marco donde se encuadra lo que vemos, lo limita, pero también es una referencia entre lo cercano y lo lejano. Un diálogo entre lo interno y lo externo. Una imagen atemporal que podría estar asentada en nuestro presente sugiriéndonos que para ver la realidad hay que romper ese muro invisible que la manipula. La realidad no está entre cortinas, está ahí afuera, libre de interpretaciones ajenas, para que la descubramos por nosotros mismos.

Fotografía y comentario JCuenca.

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25 Ene 2014

ARLEQUÍN CON ESPEJO

Escrito por: JESÚS CUENCA CALERO el 25 Ene 2014 - URL Permanente

Pablo PICASSO. ARLEQUÍN CON ESPEJO. Óleo sobre lienzo. 100x81 cm. 1923. Museo Thyssen-Bornemiza.

El museo Thyssen-Bornemiza tiene una gran colección instalada en magníficas salas. En ellas se encuentran grandes obras, que de una manera cronológica nos lleva de la época del Gótico en el siglo XIII hasta el siglo XX. Pinturas de artistas que protagonizaron la historia del arte.

Paseándonos por la planta baja, dedicada al siglo XX encontramos Arlequín con espejo, un cuadro de Picasso. Una pintura donde una gran figura, con atuendo de acróbata y sombrero de dos picos se mira en un espejo.

Una radiografía de la obra desveló un autorretrato, y el arlequín es el autorretrato de un Picasso amante de la comedia, los saltimbanquis, e inquieto explorador en los estilos pictóricos.

Picasso vuelve al realismo, después de haber pasado por toda clase de cubismos. Plasmando en el lienzo una figura de líneas sutiles, complementada con pinceladas visible con poca materia. Todos los puntos de vista que necesitaba el cubismo se resuelven aquí en una figura plana donde el volumen cede para dar paso a la síntesis. Una manera de seguir interpretando la figura desde un clasicismo personal, en una Europa de entre guerras.


Comentario y fotografía JCuenca.

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01 Ene 2014

CUADROS DE MUSEO

Escrito por: JESÚS CUENCA CALERO el 01 Ene 2014 - URL Permanente

Visité el MNAC de Barcelona viendo obras del siglo XIX y XX. Fui deteniendome en cuadros que ya conocía de artistas tan reconocidos como Fortuny, Casas, Rusiñol, Picasso o Vayreda, y otros no tan renombrados que llamaron mi atención como Gimeno o Joan Ferrer Miró. A continuación expongo algunos comentarios sobre alguna de las obras.
EXPOSICIÓN PÚBLICA DE UN CUADRO. Joan Ferrer Miró.
Joan Ferrer Miró. EXPOSICIÓN PÚBLICA DE UN CUADRO. Óleo sobre lienzo. 60x85 cm. 1888.

Medalla de Oro en la Exposición Universal de 1888.

EXPOSICIÓN
PÚBLICA DE UN CUADRO
. Este cuadro fue medalla de oro de la Exposición
Universal de Barcelona de 1888. Se debe al pintor Joan Ferrer Miró,
nacido en Vilanoba y la Geltrú. Es una pintura donde muestra una serie
de personajes en diferentes aptitudes y con gran detalle. Observan en un
escaparate una obra que no podemos ver. Artur Ramon historiador de
arte, anticuario y galerista en su libro Nada es bello sin el azar,
pone en duda que el cuadro lo pintara él: "el cuadro es demasiado bueno
para un pintor menor, aunque a veces existen pintores de un solo
cuadro" y lo atribuye a otro pintor: Román Ribera, amigo de Ferrer. "¿No
será que Román Ribera pintó el cuadro que nos ocupa para que su amigo
Ferrer Miró lo firmase y lo pudiese presentar al concurso?", se pregunta
Artur Ramon. Como vemos en toda obra de arte puede haber dudas de
autoría, unas veces porque no va firmada, otras pese a la firma, la
calidad no corresponde con el artista. El ojo de un experto nos puede
sacar de dudas, o no.

FRANCESC GIMENO.
FRANCESC GIMENO. AUTORRETRATO. Óleo sobre cartón. Hacia 1925.

AUTORETRATO
de Francesc Gimeno. Fue uno de los artistas inclasificables, que no se
movía en los círculos artísticos y comerciales del momento. Su obra más
significativa, de carácter expresionista la hizo ya entrado el siglo
XX. El escritor Josep Pla le dedicó un "homenot" diciendo de él que era
un ser primitivo y anárquico y que creaba por instinto y fuera de las
corrientes y cultura de su tiempo. Su autorretrato me recordó uno de
Rembrandt del Rijksmuseum, por lo matérico y la expresión en sus
pinceladas y manchas. Lo aprecio por la libertad de su creación, por
estar por encima de corrientes estilísticas del momento y por hacer una
obra auténtica en su tiempo libre, fuera del trabajo habitual.

PICASSO
MUJER CON SOMBRERO Y CUELLO DE PIEL. Óleo lienzo.

61x51 cm. Año 1937.

LA MUJER CON SOMBRERO es el primer Picasso del MNAC. Fue
una dación en pago de impuestos de la empresa Abertis Infraestructuras.
Estas obras que
tantas veces hemos visto ilustrando Historias de Arte tienen
propietarios y acaban en Museos. El proceso para conseguir el Picasso duró un año según Narcís Serra, en
aquel momento presidente del patronato del MNAC. La pintura es un
retrato que el artista hizo a Marie-Thérèse por entonces su compañera.
Es un cuadro de pequeño formato de formas distorsionadas, entre lineal y
pictórico que me lleva a asociarlo con otras pinturas del museo, mucho
más antiguas, como el pantocrátor de Sant Climent de Taüll.

Comentarios y fotografías JCuenca.

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24 Dic 2013

FELIZ NAVIDAD

Escrito por: JESÚS CUENCA CALERO el 24 Dic 2013 - URL Permanente

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06 Dic 2013

EL ARCO DE TRIUNFO DE BCN

Escrito por: JESÚS CUENCA CALERO el 06 Dic 2013 - URL Permanente

El Arco de Triunfo de Barcelona, diseñado por Josep Vilaseca i Casanovas era la gran puerta, que a modo de bienvenida, daba entrada al gran recinto de la Exposición Universal de Barcelona de 1888. Las exposiciones eran consideradas como uno de los eventos más importantes del mundo donde cada país mostraba los abances tecnológicos y su poder económico e industrial.

El monumento diseñado para la ocasión de inspiración neomudejar tiene una rica ornamentación escultórica: Josep Reynés esculpió en el friso superior Barcelona recibiendo las naciones y Josep Llimona en el reverso el reparto de recompensas a los participantes de la exposición. En el lado derecho Antoni Vilanova hizo las alegorías de la Industria, la Agricultura y el Comercio, en el izquierdo Torquato Tasso las alegorías a las Ciencias y las Artes. Manuel Fuxa y Pere Carbonell crearon las Famas.

La exposición Universal fue un gran éxito para la ciudad y le dio prestigio mundial. Se hicieron importantes reformas urbanísticas, que a la vez fueron el motor de recuperación económica. Pero hubo voces críticas de políticos e intelectuales republicanos liderados por Valentí Almirall, que consideraban que era un evento organizado para mejorar la imagen de la monarquía borbónica centralista. Afirmando que sería perjudicial para los intereses de Cataluña.

Una de las cuatro esculturas femeninas: las Famas.

El Arco de Triunfo de Barcelona. Paseo Lluis Companys s/n

08010 Barcelona (Cataluña). Fotografía JCuenca.

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07 Nov 2013

CASTILLO Y TAUROMAQUIA

Escrito por: JESÚS CUENCA CALERO el 07 Nov 2013 - URL Permanente

En la actualidad el castillo de Valderrobres acoge exposiciones. Los grabados de la Tauromaquia de Goya es una de ellas. Goya asistía a los toros, conocía a los toreros y en estos grabados nos muestra la historia y las figuras del toreo, pero también el dramatismo de la fiesta. La intencionalidad de Goya sobre estos grabados se divide entre los que piensan que muestra la pasión que sentía por los festejos de los toros, y los que creen que es un alegato en su contra al mostrar la violencia del espectáculo. Goya fue un cronista de su tiempo y gran narrador visual. Al mismo tiempo que muestra los acontecimientos que vive, experimenta en su obra con la expresividad, así sus grabados muestran un realismo expresivo donde cabe la inventiva.

La exposición Tauromaquia: de Febreo a Diciembre de 2013.

Vale la pena también subir hasta aquí arriba por las vistas, y para ver los muros cargados de historia ya que su construcción podría remontarse al 1300.

Comentario y fotografías JCuenca.

El castillo y la iglesia de Valderrobres.

Muralla junto al puente medieval.

La impresionante figura del castillo caracteriza el perfil de Valderrobres.

En sus estancias se celebran diferentes exposiciones.

La actual es una exposición de grabados de Goya LA TAUROMAQUIA.

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24 Sep 2013

PINTURAS RUPESTRES DE LA FENELLASSA

Escrito por: JESÚS CUENCA CALERO el 24 Sep 2013 - URL Permanente

Las pinturas rupestres de La Fenellassa se encuentran en la base de un peñasco calizo a tan solo 50 cm del suelo, en la ruta del Parrissal junto a las aguas del rio Matarranya (Beseit). Son de estilo esquemático en rojo y representan hombres y cuadrúpedos. Este estilo va del Neolítico a la Edad de los Metales.

Fueron descubiertas en 1966 por C. Forcadell y estudiadas por A. Beltrán. En los primeros estudios se reconocieron hasta doce figuras, en la actualidad se conservan ocho. Es sorprendente como unas pinturas de unos cuatro mil años de antigüedad pueden conservarse a la intemperie, aguantando las crecidas del rio y como en menos de 50 años se pierden parte de ellas.

Las que se ven, fueron sometidas a limpieza y consolidación y están protegidas por medio de unas rejas metálicas que nos separan de ellas.

El observador puede tener dificultades en verlas por tratarse de unos colores muy ténues y cercanos al suelo cubierto de vegetación.


Comentario y fotografías JCuenca.


Dejo este enlace para saber más sobre pinturas de la zona y donde están incluidas éstas de la Fenellosa

El bellos psisaje de la ruta de El Parrissal donde podemos encontrar las pinturas de La Fenellassa.

Panel informativo con la reproducción de las pinturas.

Las pinturas rojas en la roca.

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01 Jun 2013

JARDÍN BOTÁNICO DE BARCELONA

Escrito por: JESÚS CUENCA CALERO el 01 Jun 2013 - URL Permanente


El Jardí Botànic de Barcelona está situado en la montaña de Montjuïc, entre el Castell i l'Estadi Olímpic Lluís Companys, sobre un terreno con fuertes desniveles y una superficie de unas 14 hectáreas.

Entre sus objetivos destaca la conservación y documentación del patrimonio natural de Catalunya, y también mostrar las principales comunidades vegetales de las regiones del mundo con clima mediterráneo.

Pasear por el jardín contemplando la variedad de especies mediterráneas y disfrutando de los colores de la primavera es un placer, me llamó especialmente la atención un gran ficus de tronco "barroco" y unas terrazas de flores multicolores, demás hay que añadir las magníficas vistas que se observan.

Las exposiciónes temporales son muy recomendables, "El regne vegetal" es del fotógrafo Paul den Hollander. Estructurada en tres ámbitos. En el primero Voyage botanique, fotografías de gran belleza del mundo de las plantas, donde las imágenes desenfocadas nos recuerdan la abstracción pictórica. A continuación Metamorphosis las fotografías se basan en el herbario del siglo XVII del Gabinet Salvador. El tercer ámbito está relacionado con el misterio de las plantas, The luminous Garden los campos electromagnéticos descubren una nueva mirada donde se muestra un patrón de luces propias y singulares del mundo de las flores.

La otra exposición temporal es sobre una Muestra de Bonsai.

JARDÍ BOTÀNIC

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11 Mar 2013

ESTUDIO PARA COMPOSICIÓN II de Kandinsqui

Escrito por: JESÚS CUENCA CALERO el 11 Mar 2013 - URL Permanente

Imágenes integradas 1

Sketch for Composition II (Estudio para composición II)

Es un cuadro de Kandinsky. Óleo sobre lienzo 97,5x131,2 cm.

The Solomon R. Guggenheim Museum. Nueva York.

Hace tiempo que lo vi y me fascinó su cromatismo, los rojos, los amarillos, los azules, los verdes. Enseguida lo relacioné con la gran expresividad del color de los pintores fauvistas. Vemos la herencia de este movimiento, pero no es un cuadro fauvista, - Kandinsky estuvo en París en 1907 donde conoció pinturas de este grupo y admiró según Vivian Endicott la obra de Matisse, Gauguin, Maurice Denis, Braque y Picasso, entre otros- la pintura se encamina hacia la abstracción.

De una rápida mirada, pensé en un cuadro abstracto, luego me di cuenta del contenido. En el cuadro se ven cuatro personajes erguidos, y otro que levanta un brazo, en el extremo inferior izquierdo. En el centro dos jinetes cabalgan sobre sus caballos. En la parte superior izquierda, un personaje se muestra con los brazos en cruz y a su derecha una persona agachada. En la parte inferior derecha, hay dos personas recostadas. Por encima de ellas se ven varias en actitudes diversas. Estos personajes están dentro de un paisaje, donde hay montañas, arboledas, rocas y olas. Aunque Kandinsky mantenía que Composición II se había pintado sin tema. -Califica a los cuadros llamados COMPOSICIONES como expresiones, súbitas, de carácter interno e inconscientes pero creadas según él "con lentitud extraordinaria y que analizo y trabajo larga y pedantemente después del primer esbozo" y más adelante dice "la última instancia, sin embargo, es siempre la sensibilidad y no el cálculo"

El cuadro está en esa línea entre abstracto y figurativo, aún ligado a la naturaleza externa "...y tomamos de ellas nuestras formas. Toda la cuestión está en como debemos hacerlo. Es decir, hasta dónde puede ir nuestra libertad en la transformación de estas formas y con qué colores puede combinarse."

El tema comenzará a no ser obstáculo para Kandinsky. La pintura no estará subordinada a la temática, sino que el color, los grafismos, las pinceladas, las texturas serán los máximos protagonistas. Fue también un gran conocedor de las corrientes intelectuales de su tiempo.

La idea de que en el arte ya no era necesario recurrir a ningún motivo figurativo, se le confirmaba con las lecturas de Worringer. Abstracción e intuición (1907). La música juega un enorme papel, en cuanto a reafirmar la idea de abstracción. Utiliza en sus escritos palabras como música interior, sonido interno, para emparentarlas con la pintura. Es un gran conocedor de músicos, Debussy, Mussorgsky, Schönberg.

"El sonido musical tiene acceso directo al alma" dice Kandinsky.

La libertad de Kandinsky fue hacia la representación de formas esquemáticas, para que el detalle no perturbase el efecto del conjunto. "La libertad puede ir hasta donde alcance la intuición del artista. Desde este punto de vista se comprende cuán necesario es el cultivo y el cuidado de esa intuición."

Notas:Del libro De lo espiritual en el arte.


JCuenca.

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Sobre este blog

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BOSQUE DE COLOR

Me gustaría hacer partícipe al visitante del blog de la pasión que siento por la pintura y como ésta surge mediante un proceso que tiene que ver con experimentación, búsqueda y observación.

La experimentación que me satisface es comprobar la interacción de los colores, cómo se relacionan unos con otros. Ver cómo la transparencia u opacidad del color (junto con la materia y el gesto de las pinceladas) van configurando una realidad próxima, reconocible e impregnada de subjetividad.

Busco una figuración que aluda al entorno y nos recuerde paisajes, personajes, objetos y atmósferas. No una realidad mimética en la forma, sino una realidad sentida emocionalmente.

El proceso de esta creación me aporta conocimiento, puesto que se basan en la observación de los elementos y su entorno, en el paso del tiempo y en las variaciones que se observan.

Además el blog contiene comentarios de lugares que he visitado, acompañados de algunas de mis fotos.
Reseñas sobre cuadros o pintores , con la pretensión de "sentirlos". También divulgo eventos de interés, ya sean exposiciones de arte u otros actos culturales.

ESPERO QUE LES AGRADE Y GRACIAS POR LA VISITA

Jesús Cuenca. Artista Plástico.Licenciado en Bellas Artes por la Facultad de Bellas Artes de La Universidad de Barcelona.

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