11 Mar 2013

ESTUDIO PARA COMPOSICIÓN II de Kandinsqui

Escrito por: JESÚS CUENCA CALERO el 11 Mar 2013 - URL Permanente

Imágenes integradas 1

Sketch for Composition II (Estudio para composición II)

Es un cuadro de Kandinsky. Óleo sobre lienzo 97,5x131,2 cm.

The Solomon R. Guggenheim Museum. Nueva York.

Hace tiempo que lo vi y me fascinó su cromatismo, los rojos, los amarillos, los azules, los verdes. Enseguida lo relacioné con la gran expresividad del color de los pintores fauvistas. Vemos la herencia de este movimiento, pero no es un cuadro fauvista, - Kandinsky estuvo en París en 1907 donde conoció pinturas de este grupo y admiró según Vivian Endicott la obra de Matisse, Gauguin, Maurice Denis, Braque y Picasso, entre otros- la pintura se encamina hacia la abstracción.

De una rápida mirada, pensé en un cuadro abstracto, luego me di cuenta del contenido. En el cuadro se ven cuatro personajes erguidos, y otro que levanta un brazo, en el extremo inferior izquierdo. En el centro dos jinetes cabalgan sobre sus caballos. En la parte superior izquierda, un personaje se muestra con los brazos en cruz y a su derecha una persona agachada. En la parte inferior derecha, hay dos personas recostadas. Por encima de ellas se ven varias en actitudes diversas. Estos personajes están dentro de un paisaje, donde hay montañas, arboledas, rocas y olas. Aunque Kandinsky mantenía que Composición II se había pintado sin tema. -Califica a los cuadros llamados COMPOSICIONES como expresiones, súbitas, de carácter interno e inconscientes pero creadas según él "con lentitud extraordinaria y que analizo y trabajo larga y pedantemente después del primer esbozo" y más adelante dice "la última instancia, sin embargo, es siempre la sensibilidad y no el cálculo"

El cuadro está en esa línea entre abstracto y figurativo, aún ligado a la naturaleza externa "...y tomamos de ellas nuestras formas. Toda la cuestión está en como debemos hacerlo. Es decir, hasta dónde puede ir nuestra libertad en la transformación de estas formas y con qué colores puede combinarse."

El tema comenzará a no ser obstáculo para Kandinsky. La pintura no estará subordinada a la temática, sino que el color, los grafismos, las pinceladas, las texturas serán los máximos protagonistas. Fue también un gran conocedor de las corrientes intelectuales de su tiempo.

La idea de que en el arte ya no era necesario recurrir a ningún motivo figurativo, se le confirmaba con las lecturas de Worringer. Abstracción e intuición (1907). La música juega un enorme papel, en cuanto a reafirmar la idea de abstracción. Utiliza en sus escritos palabras como música interior, sonido interno, para emparentarlas con la pintura. Es un gran conocedor de músicos, Debussy, Mussorgsky, Schönberg.

"El sonido musical tiene acceso directo al alma" dice Kandinsky.

La libertad de Kandinsky fue hacia la representación de formas esquemáticas, para que el detalle no perturbase el efecto del conjunto. "La libertad puede ir hasta donde alcance la intuición del artista. Desde este punto de vista se comprende cuán necesario es el cultivo y el cuidado de esa intuición."

Notas:Del libro De lo espiritual en el arte.


JCuenca.

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10 Feb 2013

EL ARTE INVISIBLE

Escrito por: JESÚS CUENCA CALERO el 10 Feb 2013 - URL Permanente

Magníficas vistas de la ciudad de Barcelona desde el MNAC

"El museu explora. Obres d’art a examen"
El museo explora. Obras de arte a examen.

En esta exposición lo invisible también se muestra.

La superficie pictórica de un cuadro o un retablo, la textura de una escultura, el dibujo en un frágil papel es sólo parte de la obra, la más vistosa, pero quizás, la más pequeña comparándola con el proceso de crearla. Un retrato por ejemplo es también la preparación del soporte, el dibujo previo, las variaciones o arrepentimientos de éste, la elección de los pigmentos, las huellas del calco o cuadrículas, las pinceladas, la textura, todo forma parte del proceso. En esta muestra el mundo es al revés, la obra es el pretexto para indagar en lo que la hizo posible. No es lo visible lo que nos llama la atención, sino lo invisible revelado por medio de la observación, las técnica y el estudio.

La exposición comisariada por Mireia Mestre, cap de l’Àrea de restauració i conservació preventiva del MNAC, nos muestra una gran variedad de obras de diferente cronología, que tienen la característica de guardar en su interior los secretos del proceso de su creación. Así, en un recorrido ameno, con paneles explicativos y fotografías que acompañan cada obra, vamos descubriendo las distintas técnicas, materiales y herramientas que utilizaron los artistas para culminarlas.

Para conseguir gran precisión en las pinturas, dibujaban con ayuda de cuadrículas y luego lo trasladaban en otra escala a la tela o madera. Otro método como se puede ver en esta muestra es el calco.

Hay otras obras cuyas anotaciones ocultas bajo capas de pintura se hacen visibles al igual que las cuadrículas o el calco, gracias a técnicas como la reflectografía infrarroja.

En la exposición también se muestra un grupo escultórico que fue encargado a Campeny. Algunas de las figuras son huecas en la parte que corresponde a las vestimentas, hechas de lienzos encolados. Las radiografías nos muestran la estructura interna, y vemos placas y clavos que nos recuerdan a las radiografías actuales de fracturas reducidas, por otras placas y otros clavos.

Los rayos X también nos hacen visibles los cambios compositivos producidos en una obra, y ayudan con el complemento de otras técnicas, a descubrir la verdadera policromía que tenía una pieza, como en el caso de una cruz románica.

Hay obras que tienen reversos muy interesante como pueden ser anotaciones, firmas, dibujos o sellos que pueden servir para catalogarlas. Se muestra una pintura de Nonell y retablos góticos como ejemplos.

Siguiendo el recorrido, vemos obras de autores que han empleado técnicas poco conocidas como es el caso del fotógrafo Casals i Ariet que utilizó el bromóleo transportado.

También podemos ver otras técnicas como la pintura mural y también el pastel. Hay un magnífico retrato de La Tour a pastel sobre papel, o mejor dicho sobre trozos de papel encolado a una tela para nuestros ojos los trozos son invisibles debido a lo bien disimulado de las uniones.

La muestra es amplia y también podemos ver materiales conflictivos como papeles frágiles y rotos con el paso del tiempo como es el caso de un dibujo de Martí Alsina, o una obra de Gargallo de plomo y alma de madera, que con el paso del tiempo los materiales han mostrado su incompatibilidad. La exposición continúa con algunas piezas más , pero las dejo para que las descubra el visitante.

Hemos visto una muestra de obras cronológicamente de tiempos distantes que tienen en común un proceso donde las variaciones, anotaciones, cromatismos y estructuras, formaban parte de las capas subyacentes e invisibles y que gracias a técnicas diversas las hemos podido conocer. De esta forma nos facilita una mejor comprensión de la obra en su totalidad y por supuesto nos ayuda a sentirlas anímicamente.

Fecha del 23 de Novembre de 2012 - 24 de Febrer de 2013. MNAC

Entrada gratuita.

JCuenca.

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13 Ene 2013

MICROCOCHES DE BARCELONA

Escrito por: JESÚS CUENCA CALERO el 13 Ene 2013 - URL Permanente

L´ENGINY DE POSTGUERRA

MICROCOTXES DE BARCELONA

En esta exposición podemos ver una muestra de estos pequeños automóviles, que durante un tiempo corrieron por las calles de Barcelona, dando paso en 1957 al primer Seat 600 que se convirtió en el primer coche de masas.

El sector de la automoción en Barcelona se formó durante el primer tercio del siglo XX, y continuó gracias al ingenio de trabajadores y emprendedores que pudieron mantener el potencial productivo a pesar de las duras condiciones de la posguerra y el primer franquismo, en este contexto en los años cincuenta surgieron iniciativas para la producción de automóviles a precios asequibles, los microcoches.

Durante el recorrido por la exposición, los paneles informativos nos ilustran sobre: EL Referente del Hispano-Suiza, fábrica de automóviles que surgió en 1904 mediante la asociación de un empresario barcelonés y un ingeniero suizo. Sobre los coches de posguerra y el cambio aplicado para funcionar con gasógeno, combustible alternativo a la falta de petróleo. Sobre Las reticencias del Estado con el nacimiento del INI y el reparto de la industria por el Estado haciendo perder peso a Barcelona y Cataluña. Sobre El éxito de las motocicletas y como para satisfacer las necesidades de transporte surgieron las iniciativas de hacer coches con tecnología de moto y por fin los microcoches

Del 5 de diciembre de 2012 al 5 de marzo de 2013.

MUHBA Fabra i Coats, Espai Joan Bota.

Coleccionista Claudi Roca.

C/Sant Adrià, 20.

De martes a viernes, de 17 a 20 h, 2€

Sábado y domingo, de 11 a 14 h y de 16.30 a 19.30 h, gratuito.

Comentario y fotografías JCuenca.

La producción de motocicletas paso de 500 unidades en 1945 a cerca de 70.000 en 1955 en el conjunto del Estado.

David de 1955 (a la izquierda) La empresa David se convirtió en compañía de taxis, a ella se debe el color de los taxis de Barcelona

Delfín de 1956. Pequeña furgoneta para el transporte. (Colección Claudi Roca)

Furgoneta con parte de la carrocería de madera.

MT de 1954

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20 Dic 2012

FELICES FIESTAS

Escrito por: JESÚS CUENCA CALERO el 20 Dic 2012 - URL Permanente

JCuenca. FELICES FIESTAS LLENAS DE COLOR Y PRÓSPERO AÑO NUEVO

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07 Dic 2012

MACBA. Tan blanco........

Escrito por: JESÚS CUENCA CALERO el 07 Dic 2012 - URL Permanente

MACBA. Tan blanco...

Sigue tan blanco como el primer día , o eso es lo que me pareció y también transparente. A través de la fachada acristalada se veía numeroso público subiendo y bajando la rampa para acceder a las salas, era el 25 aniversario del MACBA y se celebraba una jornada de puertas abiertas.

Hay que huir del contenido como de una plaga. El arte de la primera globalización (8 noviembre 2012-junio 2013)

Era la exposición de una de las salas en la que entré. Me llamó la atención unas imágenes de Miró en un documental en blanco y negro. Estuve viéndolo un momento, y leyendo las notas en la pared. Al parecer el cineasta Pere Portabella tuvo la idea de proponer a Joan Miró que borrara el mural que había pintado sobre cristal en la sede del Colegio de Arquitectos de Catalunya en Barcelona. Éste aceptó y lo borró incluso tuvo ayuda por parte de los servicios de limpieza del edificio, que de eso sabían un rato. Se trataba de una acción efímera y las imágenes nos mostraban a Miró en esa acción "el gesto del pintor condensaba buena parte del debate que, en la década de los sesenta, se había articulado en torno al género de la pintura". Se cuestionaba el expresionismo abstracto, el nuevo modelo surgido en América a mediados del siglo XX, de una pintura que renunciaba a toda forma de representación. El contenido era la propia pintura, los estímulos que el pintor incorporaba mediante el gesto, el color, la materia o el goteo. Clement Greenberg uno de los críticos más influyentes del pasado siglo había sido el defensor de este nuevo modelo de pintura y con "hay que huir del contenido como una plaga" lo dejó sentenciado. Esta forma de entender el arte tuvo diferentes y variadas respuestas por parte de otros artistas, como muestra la exposición, así Robert Rauschenberg y Tàpies incorporaron a la superficie plana del cuadro el objeto, o Raymond Hains que mediante el décollage alude en su cuadro al mundo del consumo. Joan Hernández Pijuan está representado por una obra donde el contenido es el puro análisis cromática de sus pinceladas. La exposición sigue mostrando obras surgidas en el contexto de la globalización y tal como podemos leer en la hoja informativa del MACBA "Se inicia una vía muy fértil de artistas periodistas, artistas sociólogos y artistas poetas". El artistas se "especializa" pienso yo y el museo se convierte en el contenedor y legitimador de objetos artísticos. Así, podemos encontrar una piscina que tiene la cualidad de la variabilidad, parece ser que transfiere, como pude leer, de la posición vertical a la horizontal, además el color de sus piezas de plástico tiene significados y seguramente es una gran metáfora que mis pensamientos no me dejaron ver, pues mi preocupación era, quién debería restaurar la pieza en caso de perdidas, imaginé enseguida un fontanero artista. Me dí cuenta que si en la reacción al expresionismo abstracto habían pasado algunos años por parte de los artistas mi reacción hacia el objeto piscina, que además era la más grande fue inmediata.

Las corrientes artísticas del pasado siglo y del actual vienen articuladas mediante el discurso de críticos, curadores y comisarios que tienen un gran poder. Ellos deciden quienes son los artistas que encajan en su discurso. La transgresión, la poética, la cultura, la política, lo social, explican el mundo mediante las obras de los artistas que se mueven en estos campos, como no podía ser de otros modo. Es el poder de los artistas pero sin los artistas, para entenderlo es el poder del pueblo pero sin el pueblo. La clase política ya se encarga de gestionar nuestros votos, los medios de divulgar lo que conviene al sistema. Los comisarios e historiadores de peso de ordenar el puzle para que nos llegue en un discurso coherente y los artistas creadores pura mercancía y encantados de estar patrocinados por aquellos patrocinadores que pueden detestar en su discurso, y todos a la vez espectadores-consumidores del gran teatro del mundo. JCuenca.

Raymond Hains. Saint-Brieuc, França 1926 - París, França 2005.

Sin título, 1998. Papel sobre metall.

Joan Hernández Pijuan. Barcelona, España 1931 - 2005.

Comiols III. 1980. Óleo sobre tela.

y transparente.

Texto y fotografías JCuenca


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28 Oct 2012

ABISMO (Pintura)

Escrito por: JESÚS CUENCA CALERO el 28 Oct 2012 - URL Permanente

Detalle

ABISMO. 65x81. Acrílico lienzo. Año 2012.JCuenca

ABISMO.

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13 Oct 2012

"CABEZAS BRAZOS PIERNAS CUERPO" Fragmentación y detalle

Escrito por: JESÚS CUENCA CALERO el 13 Oct 2012 - URL Permanente


En la Fundació Antoni Tàpies de Barcelona, podemos pasearnos entre su obra que parece levitar, mientras miramos la temática de sus cuadros "Cabezas brazos piernas cuerpos" y la rodeamos para ver los perfiles y el reverso. A diferencia de la obra colgada en pared que solo nos muestra la cara trabajada, aquí podemos interrogarnos sobre la cualidad del soporte que contiene la obra.

En esta exposición de grandes formatos los soportes son de madera y muestran la forma y los signos recurrentes del artista, así como la carga de materia, de color, de brillo y de opacidad que dan contenido a sus cuadros. Presentar el cuerpo fragmentado y a gran escala, obedece a la idea de concentrarse en el detalle para favorecer en la contemplación profunda. Para Tàpies el interés por lo fragmentario y expansivo formaba parte de un mismo fenómeno.

Por detrás, la madera contrachapada pegada al bastidor continua siendo soporte esta vez de etiquetas enganchadas, placas metálicas, tornillos y la firma del maestro en rotulador. El perfil nos muestra el grosor del contrachapado pegado a los listones del bastidor y la "pastosidad" del polvo de mármol utilizado para conseguir la materialidad que da relieve a algunas partes figurativas.

Las obras en su fragmentación es una fuente de sugerencias, de asociaciones. El maestro nos invita a contemplarlas y completarlas en nuestra imaginación.

En esta exposición también se muestra en otras salas, obra sobre papel.

Cabezas brazos piernas cuerpo estará hasta el 4 de noviembre 2012 en la FUNDACIÓANTONITÀPIES.

Comentario y fotografías JCuenca.


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27 Sep 2012

LOS CUADROS QUE ILUSTRABAN TUS LIBROS

Escrito por: JESÚS CUENCA CALERO el 27 Sep 2012 - URL Permanente



Santa María del Fiore

Uffizi es el museo donde se encuentran la mayoría de joyas del Renacimiento. Si pasas por ahí verás los cuadros que ilustraban tus libros cuando estudiabas esa época gloriosa llena de artistas que vivían de los encargos de un clero poderoso, de banqueros, mecenas y príncipes o de los concursos que ganaban para desarrollar sus proyectos. Pusieron los ojos en las obras de siglos pasados, cuando Roma fue un Imperio. Vieron esculturas que expresaban las pasiones humanas, en todos los formatos y ellos se sentían capaces de repetirlas de re-nacerlas.

Fachada principal y campanario.

La pintura siguió los progresos mediante maestros que pintaban para cubrir las paredes de capillas y palacios o pintaban tablas con motivos religiosos, en técnicas que han llegado hasta nuestros días como el temple, el fresco o el óleo. Cada artista se servía del maestro anterior para dar un paso de perfección hacia un realismo enmarcado en una perspectiva recién descubierta y seguir por un clasicismo donde la proporción áurea ordenaba el mundo, y también sus cuadros.

Pintura mural de la Capilla Brancacci.

En arquitectura fue similar, si el Panteón de Roma era una arquitectura sublime, Brunelleschi fue capaz de emularlo al hacer en Santa María del Fiore una cúpula inmensa, más tarde Miguel Ángel en el Vaticano repetiría la proeza.

Estatua ecuestre de Fernando I

Los tres artistas sobresalientes del Cinquecento, fueron Leonardo, Miguel Ángel y Rafael.

Ellos verían las puertas del batisterio que había hecho Ghiberti y subirían a la linterna de la cúpula de Brunelleschi para ver la ciudad desde esa altísima atalaya. Mirarían desde alguna colina de la ciudad el río Arno bañado por esa luz crepuscular de los atardeceres. De las observaciones de obras anteriores y de la naturaleza surgirían las suyas.

Esculturas de la Fuente de Neptuno.

La pinacoteca de la que hablamos tiene obras de estos maestros. Me llamó la atención La Anunciación de Leonardo, pues creí que era un cuadro más pequeño. El jardín donde está el ángel esta lleno de flores pintadas con gran detalle. Hay numerosas obras de contemporáneos suyos como Botticelli y Ghirlandaio, que además coincidieron en el taller de Verrocchio, así como de pintores de anteriores generaciones, del Quattrocento. Si en el Louvre de París la estrella es la Gioconda en la galería Uffizi reina Botticelli con La primavera y El nacimiento de Venus.

Caballos de mar. Fuente de Neptuno.

Sin embargo estas pinturas no se exhiben en las mejores condiciones.

Los cuadros de gran formato, se están en una gran sala con focos altos y están protegidas por un grueso cristal verdoso. Los reflejos en el vidrio y la iluminación no contribuyen en la contemplación de las pinturas y los detalles se pierden. Los personajes de la Primavera en el jardín cubierto de flores, que me recordaron el jardín de la Anunciación de Leonardo, conviven con invitados anónimos y puertas de entrada reflejados, como parte de la composición.

Otras salas están sin aclimatar y las obras expuestas, en este caso retablos góticos soportaban altas temperaturas y ventilación deficiente. las ciudades cada vez se parecen más a los parques temáticos, donde los turistas deambulan de una iglesia a un museo, mercado o cualquier lugar reflejado en una guía, para ver en malas condiciones las obras después de soportar largas colas y pagar un precio alto por entrar.

Comentario y Fotografías JCuenca


Rio Arno


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14 Ago 2012

MARTE TIENE MAR Y ARTE

Escrito por: JESÚS CUENCA CALERO el 14 Ago 2012 - URL Permanente

Tengo la impresión que los científicos de la NASA en su búsqueda de arcillas que se formarían en un entorno húmedo en el pasado, se parecen a los economistas neocom obsesionados con el déficit mientras en su entorno se derumban familias y empresas con los recortes. Deberían levantar la vista y mirar lo evidente. La economía va mal por seguir sus consejos. En el rigor científico de las misiones planetarias, los científicos de la NASA, mandan artefactos a lugares marcianos, selectamente escogidos para que les confirmen lo que se proponen, no encontrar nada. Hay más lugares interesantes en Marte a nivel de paisaje y estructuras como demuestran las fotografías de anteriores misiones, pero la obsesión es encontrar arcillas húmedas. El arte hace tiempo que descubrió vida en Marte y la ciencia hoy en día solo es rigor sin intuición. JCuenca


Artículo al cual dió lugar mi comentario Estamos llegando a Marte

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14 Jul 2012

EXPOSICIÓN JUNTO A LA PLAYA

Escrito por: JESÚS CUENCA CALERO el 14 Jul 2012 - URL Permanente

Nueva exposición. PAISAJE DEL TEMPLO Y EL BOSQUE.

Uno de los mayores antídotos contra la crisis es el ARTE. En contra
del "pensamiento único" que nos quieren imponer el Arte ofrece múltiples miradas sobre la realidad. Los
pintores contamos con una gran variedad de materiales, entre ellos pinceles, espátulas, colores, papel y
lienzos para contar nuestra visión,
mientras el poder cuenta con los "medios de comunicación" para configurar la suya. De
esta manera logra imponer con nuestra aprobación medidas que van en
nuestra contra. Recortar la cultura es una agresión a nuestro futuro, por eso volver a
exponer es una apuesta de futuro.

La exposición que muestro en uno de los Espacios de la Sala Anna Barcons, (Al lado de la playa de Coma-ruga. Avd Europa 8, el Vendrell. Tarragona) está relacionada con la naturaleza. Las
pinturas hacen alusión a la conexión entre los elementos del paisaje
urbano, el aire la tierra, los árboles y las torres del templo. La figuración se aleja del mimetismo de la forma y se centra en la vibración del color para sentirlo anímicamente.
Las superposiciones de los elementos forman planos de color
en un lenguaje pictórico expresionista.

Me gusta que la pintura hable por sí sola. Un gesto, una mancha,
juegan con el azar y dibuja formas cargadas de sorpresas. Como las nubes
que cambian de forma y color según el viento. De esta manera se inicia
un diálogo entre lo casual y lo determinado por mí. El proceso del
cuadro sigue un recorrido de combinaciones, de añadidos, de raspados,
hasta que la materia y los colores me sugieran el paisaje que busco, un
paisaje que convierta la selva de asfalto en un bosque de colores.JCuenca.

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Sobre este blog

Avatar de JESÚS CUENCA CALERO

BOSQUE DE COLOR

Me gustaría hacer partícipe al visitante del blog de la pasión que siento por la pintura y como ésta surge mediante un proceso que tiene que ver con experimentación, búsqueda y observación.

La experimentación que me satisface es comprobar la interacción de los colores, cómo se relacionan unos con otros. Ver cómo la transparencia u opacidad del color (junto con la materia y el gesto de las pinceladas) van configurando una realidad próxima, reconocible e impregnada de subjetividad.

Busco una figuración que aluda al entorno y nos recuerde paisajes, personajes, objetos y atmósferas. No una realidad mimética en la forma, sino una realidad sentida emocionalmente.

El proceso de esta creación me aporta conocimiento, puesto que se basan en la observación de los elementos y su entorno, en el paso del tiempo y en las variaciones que se observan.

Además el blog contiene comentarios de lugares que he visitado, acompañados de algunas de mis fotos.
Reseñas sobre cuadros o pintores , con la pretensión de "sentirlos". También divulgo eventos de interés, ya sean exposiciones de arte u otros actos culturales.

ESPERO QUE LES AGRADE Y GRACIAS POR LA VISITA

Jesús Cuenca. Artista Plástico.Licenciado en Bellas Artes por la Facultad de Bellas Artes de La Universidad de Barcelona.

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