De cine

Pónganse en situación: embajada de Estados Unidos en Teherán convertida en prisión en la que los iraníes retienen como rehenes a estadounidenses pidiendo a cambio que les devuelvan al Sah para juzgarlo en su país. Fue la crisis de los rehenes de Irán, entre noviembre de 1979 y enero de 1981. Mientras los manifestantes tomaban la embajada, seis diplomáticos consiguieron escapar por la puerta de atrás y permanecieron refugiados en la casa del embajador de Canadá. Pero la situación se estaba poniendo cada vez más fea y había que intentar sacarlos como fuera del país. La CIA baraja varias ideas para llevar a cabo el rescate. Ningún plan parece demasiado bueno. Pero Tony Méndez se le ocurre algo totalmente descabellado: fingir que están rodando una película en Irán y que esos seis diplomáticos son parte del equipo de rodaje.

Aunque todo esto parezca fruto de la imaginación de la mente enrevesada de algún guionista de Hollywood, sucedió tal cual. Y Ben Affleck se ha puesto por tercera vez detrás de las cámaras para contar esta historia en Argo.

Argo es una cinta rodada sin grandes pretensiones aparentemente, pero que apunta muy alto (ya suena en las primeras quinielas de candidatos a los próximos Oscar). Con el mismo Affleck como protagonista, combina tensión, suspense y bastantes risas, más de la que cabría esperar en una película de esta temática. En cuanto a actores, destacan secundarios como un genial Alan Arkin , el siempre eficiente John Goodman o uno de los hombres de moda en la televisión, Bryan Cranston (Walter White en Breaking Bad).

Un filme que puede gustar al público adulto más variado, con su toque justo de patriotismo pero sin caer en la 'americanada' insultante y ese punto cómico de la crítica del propio Hollywood. En definitiva, Argo es la película que confirma a Ben Affleck como un director con pulso, mejor detrás de la cámara que delante de ella, y que sabe elegir bien sus trabajos.

Esta película no la podrás ver en el cine en España. Estaba previsto su estreno para la última semana de octubre, pero la distribuidora se ha echado para atrás y ha decidido que vaya directamente a DVD. Y el caso es que, después de haber visto la película (como buenamente he podido), y tras haber superado la rabia por no poder ir a ver una película que quería ver en pantalla grande, entiendo la decisión. Entiendo que es una película que solo atrae a un tipo de público muy específico y que seguramente no habría sido rentable en taquilla. Aun así da rabia que te obliguen a buscarte la vida para poder ver una película (que, por otra parte, en Estados Unidos se estrenó en abril, hace medio año).

Si a pesar de las dificultades, eres de esos que no se dan por vencido y quieres ver qué tiene esta película de la que tanto se ha hablado y que en Sitges gustó tanto, te recomiendo no indagar demasiado sobre ella. De hecho, no deberías leer a partir del próximo párrafo. Y, sobre todo, no veas el tráiler. Sus creadores la vendían como una vuelta de tuerca más al género. Se la ha comparado con Scream en ese afán por vulnerar las reglas que del cine de terror. Sin embargo, más que sustos, The cabin in the woods (La cabaña en el bosque en España) provoca muchas carcajadas. Una película solo para aficionados al cine de terror y de fantasía (los muy fans la disfrutarán más todavía): olvida tus prejuicios y déjate llevar.

Una de las virtudes de esta cinta es hacerte creer que vas a ver una cosa cuando lo que te encuentras es otra. Empezamos con un grupo de jóvenes que van a pasar un fin de semana en una cabaña aislada en el bosque. Esperamos sustos, gritos, muertes, sangre. Y lo tenemos (sustos y gritos pocos; sangre, bastante más). Pero a la vez entendemos por qué eso de la vuelta de tuerca al género: también pronto vemos que, en realidad, estos chicos están en una especie de reality, un de Show de Truman hardcore, digamos. Cuando ya por fin tenemos todas las cartas sobre la mesa y sabemos a qué estamos jugando, vuelven a juntarlas, barajean y dejan caer las cartas otra vez. Los clichés sobre el cine de terror y de fantasía juntos, mezclados y agitados. Y todavía falta alguna sorpresa.

Una locura absoluta que nos obliga a dejar los prejuicios a un lado desde el principio. Cuando todo este desquicie termina y volvemos a pensar sobre lo que acabamos de ver, nos damos cuenta de que ahora no vemos la película de la misma forma que al principio. Echamos de menos más sustos y gritos, pero la locura final nos compensa. Han jugado con nosotros. Y nos ha gustado que lo hagan. Pero también reconocemos entonces que, ojo, no es una película para todo el mundo. Y por eso nos gusta.

Otra opción es que te parezca una memez absoluta. Perfecto. Ya lo dije: no es para todos los públicos.

¿Y si una noche, de repente, sin avisar, cayera del cielo un bicho rarísimo? ¿Y si al rato cayeran muchos más? ¿Y si un grupo de adolescentes que acaba de asaltar a una chica (vecina de ellos) se encontrara con el primer bicho, lo mataran y eso desencadenara un ataque alienígena brutal en su barrio? Suena raro, muy alocado. Casi a película de serie B. Sí. Así es Attack the block, una gamberrada inglesa que consiguió el premio del público del pasado Festival de Sitges.

Los creadores de Zombies Party y Scott Pilgrim contra el mundo (con eso ya está todo dicho...) dejan volar la imaginación y dan una vuelta de tuerca a lo que en Súper 8 era un grupo de "niños bien" viviendo la aventura de su vida. Aquí, los protagonistas han crecido en un barrio peligroso, están acostumbrados a vérselas con traficantes de drogas y a llevar armas y no se amedrentan ante los extraños recién llegados. Los extraterrestres a los que tienen que hacer frente no son sofisticados alienígenas con poderes misteriosos: son simples bichos con forma de mono gigante negro y peludo y con dientes verdes que brillan en la oscuridad. Tal cual. Pero los extraños invasores no han elegido el mejor lugar del mundo para caer...

Con un ritmo vibrante, una dosis importante de sangre, alguna tripa que otra, una buena dosis de humor y un reparto muy adecuado, Attack the block se convierte en un buen entretenimiento a ritmo de una banda sonora que engancha.

Eso sí: que nadie espere reflexiones profundas ni grandes efectos especiales. Las virtudes del guion residen en los golpes de humor y en la forma desenfadada y directa de mantenernos enganchados a la historia desde el arranque hasta el final. Y en la inteligente construcción de los personajes, los protagonistas y los secundarios. Lo de los efectos especiales increíbles se lo dejamos a Spielberg, J.J. Abrams y compañía. Aquí tenemos solo una de las pequeñas sorpresas del año, una gamberrada hecha peícula alocada, perfecta para arreglar una tarde tonta de domingo.

Christopher Nolan nos ha dejado una trilogía sobre El caballero oscuro para el recuerdo. Sin embargo, el cierre de su reinterpretación de Batman no deja el buen sabor de boca de los anteriores filmes. Batman Begins nos acercaba a un Batman más humano que en otras versiones con una película más profunda y oscura que marcaba el camino que seguiría el director. Sin embargo, el golpe de efecto llegó con El caballero oscuro gracias al riesgo de recuperar al Joker y acertar con el actor y el momento. El caballero oscuro se convirtió en leyenda incluso antes de ser estrenada: después se confirmó como una de las mejores películas del siglo XXI.

Y así llegamos al final de la trilogía, con las expectativas por las nubes, como es obvio. En La leyenda renace nos encontramos con dos horas y 40 minutos de metraje del que fácilmente se podría cortar media hora larga y que termina mejor que se desarrolla, aunque con secuencias brillantes.

La historia se retoma ocho años después del final de El caballero oscuro, con Batman retirado y recluido en su mansión y un villano, Bane, que quiere no sé sabe muy bien qué ni por qué, pero que, con su voz de Darth Vader, lidera un ejército que se enfrenta a la policía y que pide a los ciudadanos de Gothan que se liberen de sus cadenas y tomen el mando del lugar en una especie de vuelta de tuerca a Occupy Wall Street muy a tono con los momentos actuales. Sin embargo, el verdadero objetivo de Bane, obvio, es Batman en una historia que quiere volver sobre el argumento de Batman Begins para cerrar el círculo.

Además, tenemos a catwoman. El anuncio de que Anne Hathaway sería quien se encargaría de dar vida de nuevo a la ladrona creó muchas dudas, pero Hathaway ha salido más o menos victoriosa del reto.

El caballero oscuro: la leyenda renace tiene momentos brillantes, claro. Pero el recuerdo de su precedente y el desarrollo de la cinta nos deja la sensación agridulce de que podría haber estado mejor. Es lo que tienen las expectativas por las nubes...

Entretiene a ratos, sí; pero a Nolan le pedíamos algo más.

La piel que habito no es para todos. Tiene detractores que declaran a los cuatro vientos lo tonta y estrafalaria que es la película y otros que la adoran, posiblemente, por las mismas razones que los otros la odian. Pero también existe una opción más moderada: el justo término medio.

Partamos del reconocimiento de que Almodóvar es así: no puedes esperar una película convencional. Sus tramas siempre tienen sorpresas y momentos incluso grotescos vistos desde el punto de vista de una mente "normal". ¿Pero qué es normal?

En La piel que habito encontramos una historia de terror encubierta en la estética cuidada y minimalista de Almodóvar. Un cirujano obsesionado por la pérdida de su mujer y por encontrar un nuevo tipo de piel, una obsesión que va más allá, mucho más allá de lo que al principio aparentaba.

Elena Anaya se encarga de dar la réplica a Antonio Banderas con unos personajes atormentados por unas circunstancias injustas para los dos y con los que el director manchego juega como le apetece.

Al terminar la película puede dar la impresión de que se trata de una historia vacía, en la que solo se busca el efectismo del giro que encontramos en la segunda parte de la misma y sin mucho más. Pero también es verdad que es una historia cuidada, con explicación para todo (o casi todo), cuidada al milímetro y con una estética y una música que atrapan.

Santos Trinidad aparece en pantalla ya con unas copas de más. Y sigue bebiendo y bebiendo hasta que se descontrola. De ese descontrol nace No habrá paz para los malvados, la película de Enrique Urbizu que ha sido la vencedora de los premios Goya de este año.

Es cine negro, buen cine negro, de ese que o te gusta o no le pillas el punto. De ese del que, en cuanto te despistas, pierdes el hilo y ya no te reenganchas. Del cine contado con ritmo pausado y seguro hasta llegar al momento final en el que todo estalla.

José Coronado se mete en la piel de ese policía corrupto, alcohólico, perdido, dejado. ¿O es Santos Trinidad el que se mete en la piel de Coronado? Una fusión que le ha valido el reconocimiento de público y crítica y que termina siendo lo mejor de la película.

Quizá esperaba más de lo que finalmente es No habrá paz para los malvados, pero reconozco que es una buena película, quizá algo complicada de seguir en algunos momentos y que te hace sentir incómodo. Es decir, como debe ser este tipo de filmes. Lo raro sería que fuera sencilla una película sobre asesinatos, investigaciones, trapicheos varios, contrabando y otros delitos que es mejor no desvelar. Cine que no es para todo el mundo pero que es buen cine.

En 1999 sorprendió en los cines El proyecto de la bruja de Blair, una película de terror que con un presupuesto que rondaba los 22.000 dólares llegó a recaudar más de 200 millones de dólares. Una excelente campaña de marketing con la que lograron que se hablara de la película en todas partes y el tirón que estos filmes tiene entre el público adolescente hizo que las salas se llenaran para ver lo que parecía una película grabada por unos estudiantes que desaparecieron en un bosque mientras grababan un documental.

La misma idea, o muy parecida, la repitió el director Oren Peli en 2007 con Paranormal activity. De nuevo, cámara al hombro o en el trípode, tenemos una supuesta cinta casera en la que el miedo no viene por los sustos y las vísceras que vemos, sino por lo que no vemos, o por lo que nos hacen creer que vemos.

Una joven pareja decide comprarse una cámara y grabar lo que ocurre por la noche en su habitación mientras ellos duermen para intentar aclarar de dónde vienen los ruidos y fenómenos extraños que notan. Según investigan en Internet (oh, gran fuente de sabiduría) y según les dice un medium, lo más seguro es que se trate de un demonio que persigue a la chica. Sí, tal cual. Es decir, una historia de fantasmas clásica pero con una pequeña vuelta de tuerca.

El tema inquieta, es obvio. Pero inquieta si quieres que te inquiete. Igual que sucedía con El proyecto de la bruja de Blair, el no ver nada claro tiene sus pros y sus contras. Son películas que cuentan con que la participación psicológica del espectador. El que no esté predipuesto a pasar miedo, se quedará frío.

Personalmente, me dejó fría El proyecto de la bruja de Blair y, a pesar de las expectativas, me ha vuelto a dejar fría Paranormal activity. ¿Las secuelas de ser una adicta a Scream y Saw? Quizá.

Los fans del terror psicológico, de ese que se te mete en el cuerpo hasta llegar a los mismísimos huesos, están de enhorabuena. La saga de Paranormal activity parece estar en pleno despegue gracias al éxito en taquilla de la tercera parte. ¿Hasta dónde llegarán? Que tiene sus seguidores es obvio. Y la curiosidad nos llevará a los demás a seguir viéndolo.

Por cierto, en serio, ¿esta gente pasó tanto miedo en ese pase de la película? ¿No están sobreactuando un poquito?

A cualquiera le puede dar miedo la oscuridad. Escuchar un ruido en medio de la noche cuando estamos solos. Sentirnos indefensos, impotentes. Es el miedo psicológico real, el miedo a algo que le puede ocurrir a cualquiera. Porque en todas partes hay locos.

Jaume Balagueró deja a un lado los efectismos y los momentos sangrientos que provocan los zombis o infectados de REC para retratar un mundo más oscuro, el del terror en un vecindario cualquiera. El portero de un edificio (Luis Tosar) sobrevive a duras penas día a día sin ningún motivo para intentar ser feliz. Pero sus obsesiones le arrastran a una espiral de maldad en la que cualquier inocente puede verse envuelto solo por cruzarse en su camino. La noche es su territorio, y la casa de una de las vecinas, su lugar de operaciones.

En Mientras duermes no tenemos sustos (bueno, uno, y esperado), no tenemos vísceras, no tenemos música que nos haga presagiar lo peor. Encontramos la realidad ante nuestros ojos. El terror a algo que puede ocurrirnos a cualquiera. El miedo a que un loco se cuele en nuestra casa y vaya usted a saber qué hará.

En Mientras duermes también tenemos la oportunidad de volver a disfrutar con uno de los malos encarnados por Luis Tosar. Parece que este tipo de papeles le busquen, los borda. Sin recurrir a gestos, a sobreactuaciones, a voces impostadas. Un portero de edificio sin más, como el que puedes tener en tu piso. Bueno, esperemos que no exactamente igual...

Cuando en 1968 George A. Romero se lanzó a hacer una película de zombies con un presupuesto más que modesto y usando unos efectos especiales al estilo casero no se podía ni imaginar que estaba creando una de de las películas clásicas de terror que todavía hoy es revisionada como película de culto.

Ahora todo en ella nos suena a conocido. Por supuesto. Pero en su momento, nada de lo que vemos en La noche de los muertos vivientes se había visto antes. Ni tanta casquería, ni tanta sangre, ni tantos zombies y con un negro en plan héroe, lo nunca visto en Estados Unidos en aquel momento. Precisamente por eso, por lo que supuso de originalidad y por ciertas escenas inolvidables, sigue siendo una referencia en el subgénero del cine de zombies.

Desde la primera escena, en la que vemos a dos hermanos yendo a visitar la tumba de su padre, entendemos la situación: los muertos están cobrando vida (vaya usted a saber por qué) y la única opción es correr y huir. Así, en una casa en medio del campo se van reuniendo unos cuantos supervivientes de la extraña "enfermedad" o lo que sea que está afectando a los muertos (y que se intenta medio-explicar en el filme) y que hace que se coman a los vivos sin compasión. La tensión entre los presentes no tardará en empezar a hacerse patente: cada vez más muertos vivientes fuera intentando entrar en la casa; una mujer en estado de shock; diferentes posturas ante lo que deben hacer; la claustrofobia de no poder salir ni ver escapatoria... Así hasta llegar a los grandes momentos finales.

Divertida y terrorífica orgía de casquería, gritos y jarabe de chocolate que todavía nos sigue entreteniendo, aunque ahora también nos arranque alguna que otra sonrisa de condescendencia.

Cuando Orson Welles se encontraba en su mejor momento creativo y cuando Rita Hayworth ya se encontraba entre las grandes estrellas de Hollywood gracias a Gilda, y mientras todavía estaban casados, el director de Ciudadano Kane nos regaló La dama de Shanghai, una película que fue considerada menor en su producción cuando, en realidad, de "menor" tiene muy poco. En La dama de Shanghai encontramos grandes diálogos, grandes actuaciones y, en general, cine negro de calidad.

Welles da vida a un marinero que queda prendado de Hayworth cuando la casualidad quiere que se la encuentre por Central Park. No le quedará más remedio que aceptar su oferta para viajar con ella y su marido en su yate, tras lo que las cosas se van complicando con falsos asesinatos, asesinatos reales, falsos culpables y culpables reales. Una historia algo intrincada que se anima en la segunda parte del filme y que está llevado a escena con agilidad y precisión, como acostumbra a hacer Welles. Sobre todo, con precisión: cada cámara, en su sitio; cada plano, milimétrico; todo bajo control.

Para muestra, la famosa secuencia de los espejos deformantes que marca el final de la película. Una de las escenas más inquietantes y logradas de la cinta. Es lo que ocurre cuando se ve la vida através de unos cristales deformantes, como en el callejón del Gato en el que nació el esperpento de Valle-Inclán. Porque todo en la vida es esperpético, todo en la vida y en la muerte.

Recurriendo a la metáfora que utiliza el personaje de Welles, una historia de tiburones sedientos de poder y de sangre que, en medio de su locura, terminan arrancándose la piel unos a otros hasta matarse entre ellos. Ay, qué duro es ser tiburón...