De cine

Érase una vez una niña que vivía en un mundo muy, muy lejano. La niña vivía con su papá, pero a veces tenía que sobrevivir varios días sola en su cabaña en un pequeño poblado. Su mamá se había ido nadando hace tiempo, pero cuando se sentía mal, hablaba con ella, y eso le hacía sentirse mejor. La niña, su papá y el resto de habitantes del poblado vivían alejados de la civilización, marginados por ella en un terreno pantanoso y peligroso. La vida era más o menos sencilla hasta que papá se puso malo y vino la gran tormenta, que dejó todo el poblado inundado e hizo que muchos animales y plantas murieran. Además, unas bestias prehistóricas salieron del hielo en el que se conservaban y se pusieron en marcha hacia el poblado. La vida ya no fue tan fácil. Pero había ratos buenos. Sobre todo cuando llegaba la magia.

Bestias del sur salvaje es una pequeña fábula que se ha colado entre las candidatas al Oscar (con cuatro nominaciones). De hecho su protagonista, la niña del párrafo anterior, opta al premio a la Mejor actriz principal. Es la actriz más joven de la historia en estar en esa lista (tiene solo 9 años, 6 cuando rodó la película). Y es puro amor. La niña Quvenzhané Wallis (Hushpuppy en la película) es toda la película. Ella y una banda sonora envolvente que te traslada a un mundo diferente en el que da igual que no haya argumento y que pasen cosas que no entiendes. Te puedes relajar, mirar, disfrutar y dejarte llevar. Con eso es suficiente.

Si sintoniza contigo, será una película que te emocionará y llegará al corazón sin saber bien por qué. Eso sí, no intentes encontrar un motivo a todo; simplemente, déjate llevar. A veces, las mejores cosas no tienen explicación. Solo pasan y ya está. Relájate y disfruta de la película como si fueras una niña de 6 años que vive alejada de la civilización moderna. Como si fueras Hushpuppy.

No es fácil hoy en día hacer una comedia romántica y que nada huela a lo mismo de siempre. Lo sencillo es caer en el cliché, en el chico conoce chica, chico y chica se quieren pero no chico no quiere comprometerse con chica, chica llora, chico se arrepiente y comprende sus sentimientos, chico y chica terminan juntos. Y mientras, alguna que otra gracieta y diálogos rápidos para provocar la risa.

Eso es lo sencillo. Pero no es fácil que una comedia romántica (o dramedia, para ser más exactos) te sorprenda. Y El lado bueno de las cosas, o bien por sus personajes, o por la historia, o las circunstancias varias, lo consigue. Claro que hay un chico conoce chica y todo eso. Pero aquí, en el fondo, lo importante no es eso. Lo importante es la historia de superación, de fuerza de voluntad, lo que nos ha ocurrido a todos aunque no estemos enfermos, lo que nos podría pasar a ti y a mí. Porque a los seres humanos nos cuesta horrores rehacer una vida que se ha convertido en añicos de repente.

Para El lado bueno de las cosas funcionará (espero, tengo fe en vosotros) el boca a boca. Porque cuando terminas de verla quieres decir a todo el mundo que la vea, quieres que todos se enamoren de esta pequeña joya. Y funcionará que tenga ocho nominaciones a los Oscar (entre ellas, el cuarteto principal de Mejor película, Director, Actor y Actriz protagonista). Y funcionan ellos. Funciona Bradley Cooper, que te emociona y te hace reír cuando toca; funciona Jennifer Lawrence, para mi sorpresa; incluso funciona Robert De Niro, que puede dar rienda suelta a su tendencia a la sobreactuación en algún momento pero que está más contenido de lo habitual en la mayor parte de la cinta.

Todo funciona en esta película. Rebosa ternura y emoción por los cuatro costados, pero sin llegar al empalago. Y rebosa optimismo. Una historia sencilla, bien narrada (que no es nada sencillo) y que te deja con tan buen sabor de boca que solo quieres recomendarla a todo el mundo.

Soy consciente de que no he contado mucho sobre el argumento ni sobre los personajes. Es mejor así. Dejaos sorprender. y vedla. Hacedme caso. Enamoraos de El lado bueno de las cosas.

Partamos de que Los Miserables no es una película para todo el mundo. Tienes que reunir varios requisitos: primero (e imprescindible), tienen que gustarte los musicales, pero los musicales de verdad, los de todo el rato cantando; segundo, tienes que sintonizar con el Romanticismo, con ese que va más allá del amor, el de las revoluciones, el de los sentimientos radicales, el de "sufro tanto que me voy a matar"; tercero, lleva preparados los pañuelos. Estás advertido.

Tom Hooper vuelve a la gran pantalla tras el éxito de El discurso del rey con otra producción de época. El reto de llevar al cine la versión teatral-musical de la obra de Victor Hugo era tal que las expectativas estaban altísimas, a lo que ayudaron también los primeros tráilers.

Siglo XIX. Francia. Los ecos de la Revolución Francesa todavía resuenan en los oídos de los jóvenes parisinos. Jean Valjean (Hugh Jackman) es un exconvicto que ha conseguido hacerse un hueco en la alta sociedad parisina pero que no consigue escapar de su anterior yo, el preso 24601 con el que se obsesionó el inspector Javert (Russell Crowe). La salvación de Valjean llega en forma de niña, hija de una empleada despedida de su fábrica textil (Anne Hathaway).

Por delante tenemos dos horas y media (quizá demasiado tiempo) en las que da igual que se vea la película en versión original o doblada: en la versión doblada solo hay cinco o seis frases en castellano, el resto está todo en versión original subtitulada. Uno de los puntos fuertes del filme está en las interpretaciones. Hugh Jackman sabíamos que iba a brillar gracias a su voz y a su físico, aunque quizá por eso esperaba algo más. Anne Hathaway ganará el Oscar por un largo e intenso primer plano de más de dos minutos con sufrimiento saliendo por todos sus poros mientras canta I dreamed a dream. Russel Crowe es quizá el más flojo vocalmente pero su presencia y su porte compensan sus carencias; ponedme un malo con carisma y caeré rendida: a sus pies, señor Crowe.

Mi parte "menos favorita" (que no quiere decir que no me gustara) es la historia de amor entre Cosette y Marius. Amanda Seyfried y Eddie Redmayne se quedan a medio camino (para mí; para otra gente, Redmayne ha sido uno de los descubrimientos de la película). No así Samantha Barks, Éponine, la otra, a la que el chico no hace caso pero daría su vida por él. Fantástico el On my own de esta actriz curtida en la versión teatral del musical en Londres interpretando este mismo papel. Por último, una pareja cómica que desentona en medio de tanta intensidad y tanto drama: Sacha Baron Cohen y Helena Bonham Carter haciendo los papeles que tan bien saben interpretar pero cuyas escenas chirrían.

Los primeros planos sacan partido de las interpretaciones musicales de los actores, con el sonido grabado directamente en el plató. Es decir, no se doblaron a sí mismos grabando las canciones en un estudio, como se suele hacer en los musicales, sino que Hooper prefirió que los intérpretes cantaran mientras actuaban y ese es el sonido que oímos.

No es para todos los públicos; hay que saber a qué se va. Pero una vez dentro y dispuesto a disfrutar, déjate llevar y goza, que hay motivos para ello. No será una película de 10, pero sí es una gran experiencia y llega al corazón.

¿Montamos una revolución? ¿Nos enamoramos? ¿Cambiamos el mundo? Me apunto.

Shame es la historia de un adicto al sexo, un hombre que lleva su culpa y su dolor en silencio, sin poder controlar una necesidad que es superior a él, que le avergüenza pero no puede domar. También es la historia de la soledad en la gran ciudad, el dolor de la desesperanza, de encontrarse sin apoyos y sin ser capaz de mantener una relación normal con los otros, ni siquiera con su familia.

El director Steve McQueen desnuda a sus personajes (por fuera, claro, y por dentro) para mostrar los dobleces del dolor: la interpretación de 'New York, New York' más triste que se pueda escuchar; una carrera nocturna por la ciudad que, supuestamente, nunca duerme; miradas furtivas en el metro; sexo sin compromiso casi en todas sus variantes posibles...

El peso de la película recae en la tremenda pareja protagonista: un inmenso Michael Fassbender del que podemos disfrutar en todo su esplendor, desnudo integral incluido (oh, sí) y Carey Mulligan, que ilumina la pantalla con su mirada triste e intrigante. Dos de los actores de moda que aquí interpretan a dos hermanos distanciados y perdidos pero vinculados por la sangre y por la soledad.

Shame provoca, atrae, no da opción a la redención, no muestra el camino de la recuperación. Nos deja conteniendo el aliento una y otra vez a partir de secuencias dolorosas. Porque a veces no hay opción para el final feliz.

Los clásicos están para reinventarlos, para volver a ellos una y otra vez y darle otra vuelta. El director Cary Fukunaga lo ha hecho con Jane Eyre, la novela de Charlotte Brontë. Charlotte fue la primera de las hermanas Brontë en publicar una novela (algo que en aquel tiempo no solían hacer demasiadas mujeres). Y aquella primera experiencia literaria fue, precisamente, Jane Eyre, en la que recoge vivencias personales (la experiencia interna en el colegio) y situaciones imaginadas.

Tras su paso por el orfanato y con una infancia más que difícil, Jane (Mia Wasikowska) pasa a trabajar para Edward Rochester (Michael Fassbender) como institutriz de una niña. Rápidamente, el dueño de la casa se fija en ella y la relación entre los dos va cambiando poco a poco, mientras que Jane va dándose cuenta de que tanto Rochester como la casa guardan tantos secretos por dentro como parece por fuera.

Una buena adaptación que cuenta con excelentes y pasionales interpretaciones (Wasikowska fue todo un descubrimiento en In Treatment que se ha consolidado gracias a la Alicia de Tim Burton y papeles como este; de Fassbender poco más se puede añadir: uno de los hombres de moda en Hollywood) y con una bella fotografía que nos traslada a los páramos que pueblan aquellas tierras y los corazones de sus personajes. Suena cursi, sí, pero estas historias siempre tienen un punto cursi sin el que no serían lo mismo. Quizá, solo un pero: cuesta un poco entrar en la historia por los saltos temporales; pero en cuanto uno se ubica, todo va sobre ruedas.

Película muy recomendable para los fans de las adaptaciones literarias, para los fans de las hermanas Brontë, para aquellos a los que os gusten las historias clásicas y para los fans de Fassbender, claro.

Se ha convertido en la película de habla no inglesa más taquillera de la historia. Por algo será. Esta película francesa busca el gran público con un relato que roza el cine social pero se adentra sin reparos y de lleno en la comedia a partir de una historia basada en hechos reales y que, a priori, poco tiene de graciosa: un tetrapléjico perteneciente a la aristocracia y millonario contrata para cuidarle a un inmigrante que vive en un barrio marginal y que su madre acaba de echar de casa.

Intocable muestra desde el humor la relación de estos dos hombres, tan diferentes a priori pero que tienen una conexión especial que desarrollarán rápidamente y sin complejos. Lo mejor de este filme no es que los espectadores se puedan reír de situaciones en las que en realidad lo más sensato sería llorar. Lo mejor no es que sus 110 minutos de duración se pasen en un suspiro. Lo mejor es la interpretación de sus dos protagonistas. La química entre los personajes y los actores hace que la historia funcione. El guion lo pone fácil, por supuesto, pero buena parte del mérito está en ellos. Dos personajes con dobleces, como debe ser, pero con los que el espectador congenia de modo inmediato.

Intocable es una película dirigida al público de grandes salas, sí. Y ahí reside precisamente su mérito. Hay que celebrar que una historia con un gran guion, unas interpretaciones excelentes y una factura cuidada llegue a tener tanta repercusión.

En definitiva, cine francés que bien podría ser hollywoodiense, una historia amable pero con alma, una comedia que tiene por protagonista a un tetrapléjico. Y una película que se entiende igual en su país de origen que en cualquier otra parte del mundo. Altamente recomendable. Para todos los públicos. Y difícil que te decepcione.

Una última recomendación: si vas a verla, no veas ni el tráiler. Déjate sorprender.

- ¿Cómo se dice: mi hermano tiene una novia encantadora?
- Mon frère a una copine charmeur
- Y ¿Cómo se dice: me gustaría ser mi hermano?

Sin estar entre las mejores películas de Billy Wilder, Sabrina es una delicia. Una comedia romántica de las de antes. Es Audrey Hepburn es todo su esplendor. Y un duelo interpretativo entre Humphrey Bogart y William Holden por el que merece la pena revisar una película cuyo remake parece casi una cinta diferente.

Sabrina es la hija del chófer de una familia adinerada que pasa su adolescencia enamorada del hijo menor de la familia, que se da a la buena vida yendo de chica en chica sin preocuparle el futuro. Tras pasar un tiempo en París, la elegancia de Sabrina provocará sin querer un enfrentamiento entre los dos hermanos por su amor.

La historia es sencilla, pero precisamente en su sencillez reside su encanto. Y en la actuaciones de los tres protagonistas, especialmente la de Audrey Hepburn, en uno de esos personajes que parecen hechos a la medida para ella, todo elegancia y dulzura.

En pocas palabras: quizá no sea la mejor película de Wilder; quizá tampoco sea la mejor película de sus protagonistas; pero Sabrina tiene algo, tiene el encanto de la sencillez, de la ternura. Sabrina tiene magia.

Hugo Cabret es un joven huérfano que vive en una estación de trenes parisina manteniendo en funcionamiento el reloj principal. A diario, la estación está habitada por personas que van y que vienen, pero también por personas que se quedan, que trabajan ahí y conviven unas con otras. Pero Hugo está obsesionado con un autómata que su padre quería reparar, para lo que necesita una llave con forma de corazón. Lo que no se imagina es que ese misterio le llevará al origen de la mayor fábrica de sueños: el cine.

A La invención de Hugo, la última creación de Martin Scorsese, le falta algo para llegar a emocionar. Dicen que le falta alma. Le falta despegar antes, le falta que empaticemos más con los personajes. Y, aunque es una parte importantísima de la cinta, le sobran planos para lucir el 3D en el que está grabada. La película está basada en la novela gráfica de Brian Selznick y ha conseguido cinco premios Oscar, todos ellos a aspectos técnicos, además de haber sido la cinta con más candidaturas de este año. Que algo tiene es evidente.

Pero entre este homenaje al cine y a uno de sus pioneros, Mèlies, y el homenaje al cine en blanco y negro y mudo que era The Artist hay una importante diferencia: una emociona y la otra no. La francesa tiene algo que nos llega al corazón, que nos enternece. El filme de Scorsese reluce, brilla, incluso a veces deslumbra. Pero le falta algo. Nos pasamos más de media película esperando a que arranque, a que llegue la emoción, a que nos toque la fibra. Hay pequeños momentos en que lo consigue, pero no suficientes. Lástima que haya dado con otro gran homenaje al cine que nos ha llegado al corazón.

Años 60, Missisipi. Una sociedad racista en la que las negras cuidan a los hijos de las blancas mientras los hijos de las negras son cuidados por otras personas. Una sociedad que destierra y castiga a las personas que defienden la igualdad de derechos de blancos y negros.

Basada en el libro de igual nombre, Criadas y señoras (The help en la versión original) es una historia de mujeres, de actrices. Ellas defienden un guion y una película que busca emocionar pero que tiene poca o ninguna novedad. La historia de una mujer (Emma Stone: ¿por qué te dejaste hacer eso en el pelo?) que quiere hacerse un hueco en el mundo de la literatura y del periodismo y que decide escribir sobre la sociedad en la que vive mostrando los testimonios directos de las criadas de las señoras de la zona y las situaciones a las que ha dado lugar el racismo.

Puede dar algo de pereza la historia, pereza justificada. Pero las actuaciones, sobre todo las de Jessica Chastain, Viola Davis y Octavia Spencer, todas ellas candidatas al Oscar este año, salvan una historia en la que el resto suena a conocido. Eso sí, no se puede negar que da lo que ofrece: una historia que invita a la reflexión (aunque no demasiado), un homenaje a las mujeres que sufrieron aquellas circunstancias (y que, quizá en otra forma, siguen sufriéndolo día a día) y que da como resultado una película más que decente con oportunidades de lucimiento a sus protagonistas con interpretaciones llenas de matices y de sentimiento.

Una gran interpretación de George Clooney, como nos tiene acostumbrados en los últimos tiempos, en camisa hawaiana corriendo y angustiado por las calles y playas de Hawai. Más o menos ese es el resumen de Los descendientes, la película que consiguió el Globo de Oro al Mejor Drama este año. Realmente, resulta difícil, incluso imposible, pensar que este año no se haya producido en Hollywood ningún drama mejor que este filme. Imposible.

Los descendientes es una historia de sentimientos, que pretende tocar la fibra. Es verdad que puede que lo consiga, pero lo hace con una historia sin apenas argumento que sigue un momento especialmente crucial en la vida de un hombre (Clooney), protagonista y centro de todo en la película. Casualidades del destino, su vida cambia en el momento en que su mujer se queda en coma tras un accidente en lancha y él y sus primos deben decidir qué hacen con el último terreno virgen hawaiano que les queda de la herencia de sus tatarabuelos.

Mientras, cómo no, este hombre que nunca ha ejercido realmente como padre tendrá que hacerse cargo de sus dos hijas, que afrontan la tragedia de diferente forma. Además de hacer frente a un secreto que le ocultaba su mujer y que será determinante en las decisiones que tenga que tomar en esos días. Todo esto con música hawaiana de fondo y muchas camisas de flores.

Está claro que el objetivo de esta historia es el lucimiento de George Clooney. No hay mucho más. A la cinta le sobra metraje por todas partes y le falta sustancia. Pero Clooney demuestra no solo que sabe actuar muy bien, sino que lo sabe hacer incluso en camisa hawaiana.

Más allá de la interpretación de Clooney, queda poco. Sí, es una película sobre sentimientos, sobre cómo puede cambiar la vida en poco tiempo y sobre cómo afrontarlo. Pero Los descendientes sabe a melodrama de sobremesa, poco más. ¿Merece la pena? Ver a Clooney siempre merece la pena. Pero poco más.