De cine

Reírse de lo más serio. Eso es lo que pretende Tropic Thunder. Hay que tener valor para burlarse de cosas tan sagradas como el patriotismo americano, los veteranos de guerra, las películas bélicas, el mundo del cine, los actores y el método actoral... Pues Ben Stiller lo ha hecho, y a público y crítica le ha gustado mucho.

Un humor más serio de lo que parece a simple vista y con múltiples lecturas. Eso es lo que esperamos cuando vamos a ver una comedia, no sólo risas sin más. Y en este caso Stiller lo consigue. Pero además no está solo. Aunque en el cartel de la película (que vi por todas partes en Nueva York y se me metió en el subconsciente sin remedio) se presenten como protagonistas a Ben Stiller, Robert Downey Jr. y Jack Black (una mezcla que había que ver obligatoriamente), el casting incluye a Tom Cruise en un papel en el que se ríe de él mismo (una especie de productor o magnate millonario gordo y feo que termina haciendo un baile desmadrado que bien podríamos haber visto encima de un sillón en el programa de Oprah...), Matthew McConaughey como el representante que quiere satisfacer todas las peticiones de su representado, y Nick Nolte como un veterano de guerra un tanto peculiar.

Lo mejor para mí entre tanta estrella, una vez más, es Robert Downey Jr. En el papel de australiano rubio de ojos azules que se mete en la piel de un negro y no sabe salir de él tiene las mejores líneas de la película (atención a la teoría sobre el grado de subnormalidad de los personajes para poder ganar un Oscar). Necesitamos más duelos Stiller-Downey Jr.

Políticamente incorrecta, nos gusta justamente por eso. Porque los carteles promocionales levantaron ampollas en Estados Unidos, porque no se entendieron en algunos sitios las caricaturas-personajes, porque mete el dedo en la llaga en muchas cosas. Porque es inteligente, vamos.

La situación actual en Brasil da para mucho, para hablar mucho, para hacer mucho y para mucho cine, cómo no. De vez en cuando hay películas que salen de su circuito habitual y saltan al mercado cinematográfico. Esta vez ha sido el turno de Tropa de élite , que ha triunfado en Brasil y fuera de Brasil.

A parte del éxito de una película brasileña, algo que ya de por sí es destacable, lo que más llama la atención es lo que la historia de la cinta refleja. En un mundo dominado por los narcos y en el que los policías se han pasado al lado contrario mediante de la corrupción, sólo parece haber salida a través de un pequeño grupo de elegidos, esa tropa de elite que hará lo que haga falta por cumplir las misiones que tengan. Si hay que torturar, se tortura; si hay que matar, se mata.

El debate social está servido: ¿el fin justifica los medios? Nunca. Pero, ¿hasta qué punto estas películas pueden dar a entender que sí, que todo vale por conseguir el objetivo? Sin duda, el cine influye en la población, sobre todo si es cine que se ve masivamente. Por eso, el fenómeno social que esta película provocó en Brasil ha sido igual o más importante que el éxito de la película.

Tropa de élite da miedo. No da miedo tanto por lo que se ve, que ya es suficientemente cruel, sino por lo que supone: estas cosas existen, es la vida diaria de miles de personas. La droga, la policía corrupa, las torturas, asesinatos, y no sólo en las clases bajas, sino que la clase media y medio-alta también ve sus manos manchadas de sangre por ser quienes financian todo este mecanismo a través de la compra y consumo de la droga, como se insiste en la película.

Una cinta para reflexionar, impactante visualmente en muchos momentos, y bien narrada, que merece la pena ver para conocer qué ocurre en esos rincones de los que casi nada sabemos.

Con la última película hasta el momento de la saga de Batman ha ocurrido un hecho curioso: se convirtió en una leyenda antes de estrenarse. Muertes, accidentes, detenciones, una extraña maldición parece rodear a la película. Y la leyenda, inevitablemente, surgió.

Pero, ¿habría merecido la pena convertir esta película en un mito? Eso sólo se podía saber una vez visionada la cinta. Sin embargo, para sorpresa de todos, sí, lo merecía. El caballero oscuro no se ha quedado atrás como película y está a la altura del mito que ha visto crecer entorno a ella.

Nadie duda de que la muerte de Heath Ledger facilitó mucho las cosas: es la mejor publicidad que nadie podía imaginar. Cuando los productores se enteraran de la noticia, reaccionarían lamentándolo en un primer momento, para luego pasar a tener en los ojos dos dibujos con una ese mayúscula y dos líneas verticales cruzándoles. Y lo mismo con el accidente de Morgan Freeman o la detención de Christian Bale. Así es la vida.

Sin embargo, la película y su director, Christopher Nolan, han respondido con contundencia. Para empezar, nos saltamos las introducciones tediosas de Batman Begins, donde la película tarda demasiado en arrancar, demasiados preliminares. Nolan tiene ahora la tranquilidad y la seguridad de haber andado ya este camino, conocer los personajes que se tratan (o bien por la entrega anterior o por anteriores películas), y la experiencia que da haber hecho mucho y buen cine.

Pero, sobre todo, Nolan ha estado ayudado por un equipo de actores que no desfallece en ningún momento. Cada personaje es tratado como se merece. Pero hay uno que se ha hecho con la película. No haría falta mencionarlo, pero es lo justo: el Joker, una nueva versión del Joker que se aleja del que interpretó Jack Nicholson y que nos lleva al lado lunático y psicópata de un personaje que da mucho miedo. Gestos, tono, caracterización... todo. Un nuevo Joker que renace de sus cenizas y en el que Ledger nos deja posiblemente su mejor interpretación, una especie de regalo póstumo. Y lo mejor es que no hace falta saber de cine para valorarlo.

Se habla de un Oscar póstumo. No sé, creo que hay que demostrar que hay otras formas de ganar un Oscar que no sean interpretando a un psicópata asesino. Pero no me parecería tan descabellado. Lo merecería. Él y la película, posiblemente la mejor de la saga. Todo un regalo veraniego.

Un buen título no asegura una buena película, y viceversa. Y, en este caso, el título se le queda grande a una floja película que promete mucho y muestra poco: Antes que el diablo sepa que has muerto . Hay ideas, hay actores, hay un hilo del que se podía tirar, pero no se desarrolla ninguno de esos presupuestos.

Dos hermanos se ven "forzados" a asaltar la joyería de sus propios padres en lo que parecía un atraco sin problemas, sin perdedores y sólo con ganadores. Sin embargo, todo se complica y nada será tan sencillo como a priori parecía. Unos personajes atormentados irán desfilando ante nuestros ojos en una historia narrada con diferentes saltos en el tiempo y cambiando la perspectiva de un personaje a otro.

Tiene ideas: en cuanto ves el modo en que se va a narrar la historia, te haces ilusiones. Saltos en el tiempo, vueltas atrás, saltos adelante, cambio de perspectiva para explicar lo ocurrido... Pero lo que se anunciaba en los primeros veinte o treinta minutos termina por perderse en la profundización en unos personajes que no tienen más para dar que oscuridad y tenebrosidad.

Tiene actores: Philip Seymour Hoffman, Ethan Hawke y Marisa Tomei. Sus grandes posibilidades se pierden en la sombra en que se convierte la película tras una hora.

Tiene un hilo del que se podía tirar: la historia se podía haber desarrollado de mil formas, retorcer, introducir giros, e incluso contar una historia cotidiana y sencilla pero con más profundidad y con más movimiento. Pero todo se pierde en el intento y no llega a ninguna parte. Incluso parece exagerada la solución que buscan estos dos hermanos para sus problemas (¿por qué no asaltar otra joyería, evitando poner en riesgo a tus propios padres?).

La película arranca con la frase "ójala pases media hora en el cielo antes que el diablo sepa que has muerto". Demasiado buena para esta película.

Ha vuelto Indiana Jones . Y lo ha hecho por la puerta grande . Se ha hecho de rogar, eso sí, pero la espera ha merecido la pena.

Es verdad que la edad no perdona, pero Indiana Jones no sería Indiana Jones sin Harrison Ford. Lo demás puede cambiar, pero él no. Su medio sonrisa, sus miradas, su aire despreocupado... Ahora ha pasado de acompañarle su padre a hacerlo su hijo. Ha pasado de luchar contra los nazis a hacerlo contra los rusos. Pero el espíritu de aventura sigue intacto, que es lo importante.

Ruinas mayas, personajillos mitad hombres-mitad monos, hormigas con un hambre descomunal, impresionantes persecuciones a pie, en moto, en coche e incluso en coche-barca, viajes entre lianas, luchas de esgrima con los adversarios cada uno en un todoterreno... No le falta de nada. Ni siquiera el toque fantástico que también acompaña siempre a las aventuras de Indiana Jones.

Una película que entretiene, que te atrapa y que te hace sonreír al recordar viejos tiempos, aquellos en los que te enamoraste de Indiana Jones, en los que soñabas con coger un látigo y un sombrero y salir en busca de aventuras, en los que querías ser arqueólogo sólo por ser como Indy (lógicamente, la arqueología no es así, pero es parte del cine, todo es diferente). El resto de personajes nos da igual, la mirada sólo se dirige a Indiana Jones para no olvidar su figura en mucho tiempo, por si no volviéramos a verlo en pantalla grande.

A pesar de que se le puedan sacar algunas pegas (en el final hay dos cosas que podrían ser criticables), hay que mirarlo con los ojos con los que vimos Indiana Jones y el arca perdida, la primera película de la saga, y no cuestionarnos si eso realmente podría pasar. No quiero desvelar nada, pero hay que verlo con perspectiva y otorgando ciertas concesiones, como hicimos en el resto de películas.

El éxito de taquilla ya está conseguido, y también que todos volvamos a salir del cine tarareando el tema principal de la película. Y, si Indiana Jones quiere volver dentro de unos años, no voy a ser yo quien se lo impida.

Saliéndome un poco de mi línea de escribir sobre películas que he visto, esta vez, y como todos estamos deseando ver la nueva película de Indiana Jones , vamos a ir calentando el ambiente con el trailer, para empezar a disfrutar desde ya de la peli que se estrena el viernes que viene.
Veremos si colma nuestras espectativas, aunque lo van a tener complicado... Aunque Spilberg siempre es sinónimo de buen cine de entretenimiento. El peligro en este caso es que nuestras espectativas sean superiores a la película. Pero, en cualquier caso, habrá que verla para poder juzgar.

Otra de superhéroes. O eso es lo que se puede pensar cuando vamos a ver Iron Man . Sin embargo, no es del todo verdad. En una época en la que está de moda llevar a la gran pantalla todos los personajes que triunfan en las viñetas, Iron Man nos ofrece otra versión de las películas de superhéroes y, sobre todo, otra forma de interpretar a un superhéroe.

Tony Shark (que será Iron Man) es un multimillonario vividor, totalmente despreocupado por lo que su multinacional de fabricación de armamento está provocando, sólo centrado en vivir lo mejor posible, rodearse de mujeres e ir de fiesta. Pero todo cambia cuando en un viaje a Afganistán (en el cómic hay otras versiones, como Vietnam), una milicia le toma prisionero y le obligan a construir uno de sus misiles, momento que aprovecha para hacerse un traje que, junto con el motor que le mantiene con vida, le ayudará a huir de la cueva donde está. A partir de ese momento, su vida cambia y decide terminar la construcción de armas y centrarse en el desarrollo de esa tecnología que será él mismo y que permitirá hacer el bien en el mundo, algo que no sentará muy bien a su socio, Obadiah Stane.

A parte del argumento, más o menos trillado, lo que hay que destacar en este filme es la interpretación que Robert Downey Jr . hace de Tony Shark. Robert Downey Jr., un actor que nos tiene demasiado bien acostumbrados, se fusiona con su personaje y mantiene su interpretación a lo largo de toda la cinta. Los gestos, el aspecto físico, todo en el actor encaja con el personaje a la perfección. Se entienden mutuamente. La evolución por la que pasa en la película, desde el vividor empedernido, el prisionero, el ser humano reconvertido, el reconocimiento final... Todo eso ya lo ha vivido Robert Downey Jr. Por eso entiende tan bien a Tony Shark.

Secundado por otra ristra de buenos actores (Terrence Howard, Gwyneth Paltrox, Jeff Bridger), Robert Downey Jr. nos vuelve a regalar una interpretación para el recuerdo. Nada se le puede echar en cara. ¿Que siempre se interpreta a sí mismo? Bueno, pero lo borda.

“Esas cosas pasaron. Fueron gloriosas y cambiaron el mundo, y luego la jodimos en la jugada final”. Es la frase con la que termina la película La guerra de Charlie Wilson , la historia real de la mayor guerra encubierta de la historia. Un congresista norteamericano, ayudado por un espía y por una de las mujeres más ricas de Estados Unidos, pretende dar un golpe definitivo a los rusos en plena Guerra Fría haciendo que los afganos les hagan frente tras su invasión en los años 80 y consigan echarles. Un gol al comunismo que significa un punto a favor de Estados Unidos, aunque el resto del mundo no se puede enterar de que les están ayudando, porque eso significaría pasar de una guerra fría a una guerra de verdad.

Tom Hanks se mete en el papel de ese congresista, mujeriego, alcohólico, consumidor de drogas, nada convencional, al que más de uno debe favores y que se sirve de ellos para hacer la guerra por su cuenta, literalmente. Se trata de una película que siempre tiene presente que todos los que la ven saben cómo acabó todo (Estados Unidos entrena, arma y apoya a los mismos afganos que años después darían el mayor golpe a las raíces del capitalismo jamás dado atacando las Torres Gemelas). Es una película que quiere, y logra, dejar al espectador con mal sabor de boca cuando termina y se presencia la impotencia de ese congresista y el sabio espía tras quedarse solos y sin dinero para invertir en una tierra dejada de la mano de Dios.

Más allá de una buena película, donde todo queda explicado y donde cada uno cumple su papel de forma adecuada, La guerra de Chalie Wilson hace reflexionar sobre la importancia de tomar una decisión, sobre todo cuando se está hablando de decisiones políticas, y especialmente cuando estás jugando con la vida de las personas. La moraleja es mucho más importante que la película en sí. Afganistán y la guerra de Irak están de moda en el cine norteamericano, un cine claramente destinado a triunfar más allá de sus fronteras y a mover conciencias.

En definitiva, La guerra de Charlie Wilson se trata de una cinta mucho más seria de lo que a priori pudiera parecer viendo el trailer. Pero, a pesar de que el espectador se encuentre algo diferente a lo que esperaba, no termina decepcionado, porque la ironía de la película es tan fuerte que le llega hasta lo más hondo.

Y Tim Burton volvió a sorprender. Tras adaptar un musical de Stephen Sondheim y contando con sus actores fetiche, Burton se marca en esta ocasión ni más ni menos que un musical gótico con Sweeney Todd. El barbero diabólico de la calle Fleet .

Altas dosis de sangre, venganza y, sobre todo, mucha canción y música, consiguen una vez más sorprender al espectador, que permanece enganchado a la historia desde el primer minuto hasta el final. Con una estética y colorido que parece sacado de La novia cadáver y una historia que conjuga vísceras y ese humor negro que no puede faltar en las películas de Burton, nada es como podíamos esperar. Johnny Depp demuestra que no sólo es un actor tan grande y maravilloso como estrambótico, al que le quedan como a nadie los personajes más extraños que podamos imaginar, sino que se arranca a cantar asombrando al personal. Algo parecido ocurre con Helena Bonham Carter.

Además de contarnos la historia de la venganza de un barbero que perdió a su familia porque otro hombre (más poderoso que él) se encaprichó de su mujer, Sweeney Todd también nos deja escenas y canciones memorables, como aquella en la que Depp y Bonham Carter piensan qué personas y profesiones sabrán mejor en sus empanadas de carne. Aunque la película pierde fuelle a partir de ese momento (que, por otra parte, era difícil de superar), la historia discurre hacia su final con gran acierto, haciendo que el espectador siga atado a la butaca para saber cómo terminará todo.

Una sangrienta venganza que, como suele ocurrir en las mejores tragedias, se sirve mejor en frío, aunque sin que termine de enfriarse del todo, con ese punto de pasión que es tan importante en la vida. Y que con tanta facilidad sabe llevar a escena Johnny Depp y de la que tan bien se sabe aprovechar Tim Burton.

Juno se ha convertido en la sorpresa de esta edición de los Oscar, como el año pasado lo hiciera Pequeña Miss Sunshine. Una película, a priori, menor, de la que no se había oído hablar apenas, que se cuela entre las candidatas al premio a la Mejor Película del año, además de otras tres candidaturas. Sin embargo, como ocurriera con su predecesora, tras sus nominaciones en los Oscar se empieza a hablar de la película en todas partes.

Juno es una chica de 16 años que, cosas de la vida, por querer tener nuevas experiencias, se queda embarazada. En la película vemos todo el desarrollo de la gestación de su bebé, las complicaciones que le traerán, los problemas a los que, a sus 16 años, tendrá que hacer frente, decisiones que a cualquier persona madura le costaría tomar y que ella afronta sin aparentes dificultades. Este es uno de los puntos negativos de la cinta, el nivel de madurez que presenta esta chica, aunque también es lo que la convierte en diferente al resto de chicos de su edad (si no, ¿por qué se iba a hacer una película sobre ella?).

Pero también cuenta con un guión excelente, buenos diálogos, una estética que no pretende nada más allá de contar la historia de Juno, una película natural como la vida misma. La naturalidad y sencillez con que todo discurre consigue que el espectador salga de la sala de cine tranquilo y contento consigo mismo. No hay duras reflexiones sobre el aborto (¿o sí?) ni se cuestiona qué ha desencadenado una situación como esa. Son cosas que pasan, y ya está. Además, hay que destacar la interpretación de Ellen Page, una joven actriz que ya pudimos ver como la temible y sádica "caperucita" de Hard Candy, y que apunta alto en el mundo de la interpretación.

La banda sonora, que también está triunfando en medio mundo, acompaña a Juno en sus idas y venidas en unos escenarios llenos de color, en su inmersión de lleno en un mundo que le queda demasiado grande pero en el que consigue manejarse gracias a la ayuda de sus padres, quienes no la regañan por lo que ha ocurrido, ni convierten la situación en un trauma, sino que ayudan a su hija a enfrentarse con sus propios medios al problema. Sin embargo, Juno sigue siendo una chica de 16 años, y por eso decide dar en adopción a su bebé a una pareja que se anuncia en una revista para adolescentes y tiene un teléfono con forma de hamburguesa.

En definitiva, una naturalidad sorprendente en el cine americano. Esa es la principal baza de Juno, además de la buena labor de sus guinistas, actores, banda sonora y director. Un soplo de aire fresco en la cartelera de cine.