De cine

Bajo el pretexto de un homenaje al género del spaghetti western y con el telón de fondo del racismo y la esclavitud en el sur de Estados Unidos dos años antes de que estallase la Guerra Civil estadounidense, Tarantino no decepciona. Django desencadenado es lo que se espera de él. Desde la banda sonora hasta las interpretaciones, pasando por las irrupciones sangrientas y violentas. Con ritmo pausado y diálogos certeros, Quentin Tarantino nos cuenta la historia del esclavo Django, que pasa a ser Django Freeman tras ser comprado, y liberado, por un cazarrecompensas que le necesita para hacerse con la cabeza de tres hermanos a los que Django conoce.

Mientras que en Malditos bastardos la historia se centraba en los avatares de varios personajes, aquí todo gira en torno a los dos personajes principales, interpretados por Jamie Foxx y por el (otra vez) excelente Christoph Waltz. En esta ocasión, se encuentran apoyados por las grandes interpretaciones de Leonardo DiCaprio y Samuel L. Jackson como los malos de la película, que tardan en aparecer pero aportan una variedad que que hacia la mitad del filme empezaba a echarse de menos.

En los más de 160 minutos de metraje da tiempo para pasar por algún bajón de ritmo (quizá sobra algo de cinta) pero la recta final, como sucede siempre con Tarantino, compensa los traspiés del camino. Como es costumbre en las películas de este director, merece mención a parte la banda sonora, en la que siempre pone especial cuidado y que cuenta con temas de Ennio Morricone y otras piezas rescatadas para la ocasión. Me quedo con la canción de los títulos de crédito iniciales:

En definitiva: si te gusta Tarantino, te gustará Django. Risas, buenos diálogos, sangre (mucha sangre; litros y litros de sangre), tiros, reflexión (el tema de la esclavitud está ahí siempre...). Y ese toque que hace únicas a sus películas. No será su mejor filme, pero mantiene el nivel en lo más alto.

¿Y si una noche, de repente, sin avisar, cayera del cielo un bicho rarísimo? ¿Y si al rato cayeran muchos más? ¿Y si un grupo de adolescentes que acaba de asaltar a una chica (vecina de ellos) se encontrara con el primer bicho, lo mataran y eso desencadenara un ataque alienígena brutal en su barrio? Suena raro, muy alocado. Casi a película de serie B. Sí. Así es Attack the block, una gamberrada inglesa que consiguió el premio del público del pasado Festival de Sitges.

Los creadores de Zombies Party y Scott Pilgrim contra el mundo (con eso ya está todo dicho...) dejan volar la imaginación y dan una vuelta de tuerca a lo que en Súper 8 era un grupo de "niños bien" viviendo la aventura de su vida. Aquí, los protagonistas han crecido en un barrio peligroso, están acostumbrados a vérselas con traficantes de drogas y a llevar armas y no se amedrentan ante los extraños recién llegados. Los extraterrestres a los que tienen que hacer frente no son sofisticados alienígenas con poderes misteriosos: son simples bichos con forma de mono gigante negro y peludo y con dientes verdes que brillan en la oscuridad. Tal cual. Pero los extraños invasores no han elegido el mejor lugar del mundo para caer...

Con un ritmo vibrante, una dosis importante de sangre, alguna tripa que otra, una buena dosis de humor y un reparto muy adecuado, Attack the block se convierte en un buen entretenimiento a ritmo de una banda sonora que engancha.

Eso sí: que nadie espere reflexiones profundas ni grandes efectos especiales. Las virtudes del guion residen en los golpes de humor y en la forma desenfadada y directa de mantenernos enganchados a la historia desde el arranque hasta el final. Y en la inteligente construcción de los personajes, los protagonistas y los secundarios. Lo de los efectos especiales increíbles se lo dejamos a Spielberg, J.J. Abrams y compañía. Aquí tenemos solo una de las pequeñas sorpresas del año, una gamberrada hecha peícula alocada, perfecta para arreglar una tarde tonta de domingo.

Christopher Nolan nos ha dejado una trilogía sobre El caballero oscuro para el recuerdo. Sin embargo, el cierre de su reinterpretación de Batman no deja el buen sabor de boca de los anteriores filmes. Batman Begins nos acercaba a un Batman más humano que en otras versiones con una película más profunda y oscura que marcaba el camino que seguiría el director. Sin embargo, el golpe de efecto llegó con El caballero oscuro gracias al riesgo de recuperar al Joker y acertar con el actor y el momento. El caballero oscuro se convirtió en leyenda incluso antes de ser estrenada: después se confirmó como una de las mejores películas del siglo XXI.

Y así llegamos al final de la trilogía, con las expectativas por las nubes, como es obvio. En La leyenda renace nos encontramos con dos horas y 40 minutos de metraje del que fácilmente se podría cortar media hora larga y que termina mejor que se desarrolla, aunque con secuencias brillantes.

La historia se retoma ocho años después del final de El caballero oscuro, con Batman retirado y recluido en su mansión y un villano, Bane, que quiere no sé sabe muy bien qué ni por qué, pero que, con su voz de Darth Vader, lidera un ejército que se enfrenta a la policía y que pide a los ciudadanos de Gothan que se liberen de sus cadenas y tomen el mando del lugar en una especie de vuelta de tuerca a Occupy Wall Street muy a tono con los momentos actuales. Sin embargo, el verdadero objetivo de Bane, obvio, es Batman en una historia que quiere volver sobre el argumento de Batman Begins para cerrar el círculo.

Además, tenemos a catwoman. El anuncio de que Anne Hathaway sería quien se encargaría de dar vida de nuevo a la ladrona creó muchas dudas, pero Hathaway ha salido más o menos victoriosa del reto.

El caballero oscuro: la leyenda renace tiene momentos brillantes, claro. Pero el recuerdo de su precedente y el desarrollo de la cinta nos deja la sensación agridulce de que podría haber estado mejor. Es lo que tienen las expectativas por las nubes...

Entretiene a ratos, sí; pero a Nolan le pedíamos algo más.

Acción casi sin respiro, diversión, alguna que otra risa y mucho entretenimiento. Los Vengadores no se quedará en tu memoria, quizá no sea la mejor película de superhéroes, pero como entretenimiento merece un 10.

El argumento es lo de menos. Cualquier excusa es buena para juntar a un buen puñado de superhéroes, muchos de ellos ya con sus propias películas y con secuelas en camino para aprovecharse todavía más de la fiebre de los últimos años, o de la década, por las películas de superhéroes. En esta ocasión los elegidos son el Capitán América, Iron Man, Thor, la Viuda Negra, Hulk y Ojo de Halcón, con el profesor Nick Furia a los mandos, todos ellos personajes de Marvel. El malo (también, lo de menos) es Loki, hermano del dios Thor. La Tierra, en una situación desesperada. La única opción de salvación: reunir a los superhéroes para que, sumando sus poderes y dándoles donde más les duele, en su ego, consigan derrotar a las fuerzas del mal.

Lo dicho, lo de menos es el argumento. Lo mejor es ver una coreografía tal de tortas, explosiones y golpes en la gran pantalla. Y chistes que funcionan. Y un personaje y un actor con tanto carisma que se come a todos los demás, Iron Man/Robert Downey Jr. Un blockbuster, típico cine palomitero para pasar el rato, por supuesto. Pero entretenimiento del bueno. Y para toda la familia. Y con un reparto lleno de caras conocidas. ¿Se puede pedir algo más?

Una película para disfrutar y dejarse llevar. Nada más. Nada menos.

Santos Trinidad aparece en pantalla ya con unas copas de más. Y sigue bebiendo y bebiendo hasta que se descontrola. De ese descontrol nace No habrá paz para los malvados, la película de Enrique Urbizu que ha sido la vencedora de los premios Goya de este año.

Es cine negro, buen cine negro, de ese que o te gusta o no le pillas el punto. De ese del que, en cuanto te despistas, pierdes el hilo y ya no te reenganchas. Del cine contado con ritmo pausado y seguro hasta llegar al momento final en el que todo estalla.

José Coronado se mete en la piel de ese policía corrupto, alcohólico, perdido, dejado. ¿O es Santos Trinidad el que se mete en la piel de Coronado? Una fusión que le ha valido el reconocimiento de público y crítica y que termina siendo lo mejor de la película.

Quizá esperaba más de lo que finalmente es No habrá paz para los malvados, pero reconozco que es una buena película, quizá algo complicada de seguir en algunos momentos y que te hace sentir incómodo. Es decir, como debe ser este tipo de filmes. Lo raro sería que fuera sencilla una película sobre asesinatos, investigaciones, trapicheos varios, contrabando y otros delitos que es mejor no desvelar. Cine que no es para todo el mundo pero que es buen cine.

Drive es la última película de culto. No es para todo tipo de espectador. Te atrapará o te aburrirá soberanamente. Sus canciones retumbarán en tu cabeza o te habrás echado un sueñecito entre escena y escena.

Drive es oscura. Es cine escrito en frases cortas. Es cine negro y de acción. Es parca en palabras pero muy gráfica. Con un aire ochentero desolador.

Drive es Ryan Gosling, el nuevo chico de moda en Hollywood. Es el conductor sin nombre que lleva una chupa blanca con un escorpión en la espalda. Es el llanero solitario. Es el vecino de la puerta de al lado del que no sabes nada y del que te gustaría saberlo todo. Es silenciosa tensión y profundo dolor.

Drive es una historia de amor dentro de una historia de violencia dentro de una historia de mafiosos dentro de una historia nocturna dentro de una banda sonora. Es una sucesión de escenas de soledad, de dureza, algunas escenas brillantes y otras oscuras, pretenciosamente brillantes y pretenciosamente oscuras. Es palabras que no dicen nada y lo dicen todo.

Drive es la historia de un tipo dispuesto a todo a cambio de nada. ¿Eso ya nos suena? Claro, es la vida; es lo que debería ser la vida.

Drive te enganchará o te tirará por la puerta del coche en medio de la carretera yendo a toda velocidad. Cuidado con ella.

A pesar de ser una más de ladrones, de esas que abundan hoy en día (robos en casinos, en bancos, crímenes aparentemente perfectos en las que los malos pasan a ser los buenos), Ben Affleck se pone tras la cámara (y delante de ella) para narrar con buen hacer las vidas de unos personajes grises implicados en un robo en una ciudad gris.

The Town, ciudad de ladrones usa como excusa los robos y las escenas de acción para centrarse en las relaciones personales entre dos ladrones, la hermana de uno de ellos y la novia (y víctima del robo con el que arranca la historia) del otro. Affleck deja claro en esta película que se le da mejor dirigir que actuar: su inexpresividad quita brillo a un casting que está más que a la altura de la situación.

Sin embargo, queda una ligero sentimiento de vacío tras ver la cinta, la sensación de que le falta algo, una pizca de alma, algo que te agarrara más dentro. Como película de acción, bien, como podría haber probado a salirse un poco de las normas, ir un poco más allá de lo que se esperaba que ocurriera en cada momento...

Affleck tendrá que seguir investigando en el mundo de la dirección, pero apunta maneras. The Town es una buena muestra de ello. Una de ladrones y de personas. Para tener en cuenta.

No todos los superhéroes son iguales. De hecho, ¿por qué no va a poder ser cualquiera un superhéroe? Si lo es Batman, que no tiene ningún poder más que el dinero... Esa es la premisa desde la que el protagonista de Kick-Ass se lanza al mundo de los héroes enmascarados que van haciendo el bien y enfrentándose a malhechores por doquier. Lo malo es que no siempre salen las cosas como se esperaba, y cuando salen bien, las consecuencias pueden ser todavía más peligrosas.

La adaptación a la gran pantalla del cómic Kick-Ass fue una sorpresa para los amantes de esta novela gráfica y para los que no habían oído hablar de ella hasta entonces. Con buenas interpretaciones, un ritmo adecuado y una historia que engancha gracias a los guiños y el colorido de la puesta en escena, Kick-Ass se convierte en una película de superhéroes diferente en su primera mitad para terminar derivando en una clásica historia de búsqueda de venganza.

Lo mejor está en su puesta en escena descarada, ultraviolenta, no apta para cualquier público. Diversión, patadas y sangre a raudales en una fiesta visual que engancha hasta el final. Provocativa a veces, huye de los esterotipos burlándose de ellos y dandoles otra vuelta de tuerca.

Porque no todos los superhéroes son iguales.

En realidad, No es país para viejos ya podía considerarse un western, por lo que Valor de ley (True grit) sería de hecho la segunda incursión de los hermanos Coen en un género bastante abandonado últmamente y que se ha convertido en uno de los dos westerns más taquilleros junto a Bailando con lobos.

Sin embargo, la película de los Coen que recupera el clásico protagonizado por John Wayne y que tantos elogios ha recibido allá por donde ha ido y que consiguió ser la segunda película con más candidaturas de los pasados Oscar, se fue a casa como la gran derrotada, sin ninguna estatuilla.

Una muy buena realización en general, con un ritmo más o menos apropiado (algo lento en ocasiones, pero tengamos en cuenta que es un western) y una fotografía que te transporta a otros lugares, en los que tenemos tierra y tierra que recorrer por delante. Y un grupo de actores a la altura de las circunstancias, con Jeff Bridges como líder indiscutible en otro de sus memorables papeles.

Pero le falta algo. Una pizca de emoción, quizá. Algo que te enganche más allá del arranque. Me deja con ganas de más, de profundidad, de conocer mejor a los personajes, de que realmente me atrape. Yo a los Coen les pido algo más. Que me cuenten una historia completa y no me quede con la sensación de haber visto grandes momentos sueltos.

No soy muy de westerns, quizá por eso no me ha llegado Valor de ley. Eso sí, merece la pena el visionado para juzgar por uno mismo.

Cuenta la leyenda que, en los tiempos en los que el ejército de Napoleón se afanaba por conquistar España, un joven armado tan solo de un tambor consiguió parar al ejército al que nada ni nadie se le ponía por delante. Con la ayuda del eco de las montañas de Montserrat y el sonido de su tambor, los franceses tuvieron la sensación de que se acercaban miles de tamborileros, por lo que se batieron en retirada.

Sin embargo, en la película Bruc, el desafío se explica en cuestíon de segundos y a modo de flashback esta leyenda (u otra versión un poco diferente a la que viene en la Wikipedia, por la que el ruido del tambor provoca una avalancha de piedras en las montañas que acaba con los franceses).

Daniel Benmayor, el director de Bruc, prefiere deleitarse en imágenes de las montañas de Montserrat, vistas espectaculares, sí, pero que restan intensidad a una historia de aventuras y acción que prometía más de lo que finalmente es. Un joven, Juan José Ballesta (que ahora encontramos hasta en la sopa en el cine español), se convierte en el objetivo del ejército francés, que no puede permitir que la única derrota de sus filas quede sin el castigo correspondiente. La venganza será terrible, pero el joven Bruc decide plantarles cara, echarse a la montaña y empezar una guerra de guerrillas en la que el único guerrillero es él.

A priori, una historia interesante, con malvados como deben ser, malos, y con un héroe en su sitio, pero que no tiene la intensidad que podría haber tenido y, sobre todo, desaprovecha una bonita leyenda para centrarse en el lirismo paisajístico catalán.