De cine

Bajo el pretexto de un homenaje al género del spaghetti western y con el telón de fondo del racismo y la esclavitud en el sur de Estados Unidos dos años antes de que estallase la Guerra Civil estadounidense, Tarantino no decepciona. Django desencadenado es lo que se espera de él. Desde la banda sonora hasta las interpretaciones, pasando por las irrupciones sangrientas y violentas. Con ritmo pausado y diálogos certeros, Quentin Tarantino nos cuenta la historia del esclavo Django, que pasa a ser Django Freeman tras ser comprado, y liberado, por un cazarrecompensas que le necesita para hacerse con la cabeza de tres hermanos a los que Django conoce.

Mientras que en Malditos bastardos la historia se centraba en los avatares de varios personajes, aquí todo gira en torno a los dos personajes principales, interpretados por Jamie Foxx y por el (otra vez) excelente Christoph Waltz. En esta ocasión, se encuentran apoyados por las grandes interpretaciones de Leonardo DiCaprio y Samuel L. Jackson como los malos de la película, que tardan en aparecer pero aportan una variedad que que hacia la mitad del filme empezaba a echarse de menos.

En los más de 160 minutos de metraje da tiempo para pasar por algún bajón de ritmo (quizá sobra algo de cinta) pero la recta final, como sucede siempre con Tarantino, compensa los traspiés del camino. Como es costumbre en las películas de este director, merece mención a parte la banda sonora, en la que siempre pone especial cuidado y que cuenta con temas de Ennio Morricone y otras piezas rescatadas para la ocasión. Me quedo con la canción de los títulos de crédito iniciales:

En definitiva: si te gusta Tarantino, te gustará Django. Risas, buenos diálogos, sangre (mucha sangre; litros y litros de sangre), tiros, reflexión (el tema de la esclavitud está ahí siempre...). Y ese toque que hace únicas a sus películas. No será su mejor filme, pero mantiene el nivel en lo más alto.

No conecto con el mundo de Tolkien. Empiezo por ahí para que quede clara mi postura. No he leído los libros y no me gustaron las películas de El señor de los anillos. Me entretienen un rato, pero la extensión de las historias me termina aburriendo. Cuando se empezó a hablar del proyecto de Peter Jackson para volver a llevar a la pantalla otra de las historias de Tolkien, El hobbit, me temí lo peor: pasó de ser un par de películas a una nueva trilogía de casi tres horas cada filme, y ahí nos echamos a temblar tanto los iniciados en ese mundo fantástico como los escépticos.

Y la realidad no ha hecho más que confirmar los temores. La primera parte de la nueva trilogía estira una historia que quedaría perfecta en una película (vale, si quieren de tres horas; pero qué obsesión con hacer películas extremadamente largas...), pero que para que pueda tener tres entregas hay que alargar innecesariamente.

En la primera película tenemos la presentación de los protagonistas, con un Bilbo Bolsón bien interpretado por Martin Freeman, los 13 enanos (no demasiado enanos), el regreso de Gandalf, caras conocidas en el mundo de los elfos y muchos ogros. El mejor momento de la película se reserva para Gollum y una secuencia en la que compite con Bilbo utilizando adivinanzas como armas.

En definitiva: más de lo mismo. Un rencuentro con el mundo y los personajes de Tolkien y con los maravillosos paisajes de Nueva Zelanda. A quien le gustara El señor de los anillos, le gustará El hobbit. A quien estuviera harto de la Tierra Media, se puede ahorrar El hobbit (si puede resistirse a la presión social). Pero seguro que todos coinciden en que es demasiado larga. Pues pensad esto: aún quedan otras dos partes.

Los idus de marzo coincidían con el día 15 de ese mes según el calendario romano. Aunque eran días de buenos augurios, la fecha se hizo famosa porque fue el día en que fue asesinado Julio César gracias a una conspiración en la que participaron hombres de confianza del emperador como Bruto o Casio. La traición y la política, ya desde la época de Roma, van de la mano.

George Clooney vuelve a ponerse tras las cámaras como director para retratar precisamente ese lado oscuro de la política, la parte que no se ve, lo que queda fuera de foco y que termina siendo el que realmente mueve los hilos de lo que luego ocurre dentro de foco.

Ryan Gosling (sí, no paró durante el año pasado, y sí, aquí está mejor aún que en Drive) trabaja en la campaña electoral de uno de los candidatos (George Clooney) a las primarias del Partido Demócrata. Pero el idealismo del chico se da de bruces con un mundo turbio en el que siempre es bueno tener un as guardado en la manga por si acaso.

La cinta va ganando ritmo según pasan los minutos, pero queda lejos de ese otro retrato lleno de crudeza que mostró Clooney en Buenas noches y buena suerte. Los mejores momentos de Los idus de marzo llegan en la segunda parte del filme, cuando toma ritmo de 'thriller' y los protagonistas ponen sobre la mesa sus cartas en un juego en el que la línea que diferencia la lealtad de la traición en el juego político se hace cada vez más delgada.

Un reparto de lujo, que incluye, además de Gosling y Clooney, a Paul Giamatti, Marisa Tomei, Philip Seymour Hoffman y Evan Rachel Wood, mantiene a buen nivel la película, rodada con pulso pero que da la sensación de que podría haber tomado más vuelo del que finalmente toma.

Los idus de marzo es desesperanza, desilusión, traición, dureza... Un retrato cruel de la política, sobrio y sin compasión en el que destacan Gosling en la actuación y Clooney delante y detrás de las cámaras pero que deja la sensación de que podría haber tomado más altura aún de la que finalmente toma.

La piel que habito no es para todos. Tiene detractores que declaran a los cuatro vientos lo tonta y estrafalaria que es la película y otros que la adoran, posiblemente, por las mismas razones que los otros la odian. Pero también existe una opción más moderada: el justo término medio.

Partamos del reconocimiento de que Almodóvar es así: no puedes esperar una película convencional. Sus tramas siempre tienen sorpresas y momentos incluso grotescos vistos desde el punto de vista de una mente "normal". ¿Pero qué es normal?

En La piel que habito encontramos una historia de terror encubierta en la estética cuidada y minimalista de Almodóvar. Un cirujano obsesionado por la pérdida de su mujer y por encontrar un nuevo tipo de piel, una obsesión que va más allá, mucho más allá de lo que al principio aparentaba.

Elena Anaya se encarga de dar la réplica a Antonio Banderas con unos personajes atormentados por unas circunstancias injustas para los dos y con los que el director manchego juega como le apetece.

Al terminar la película puede dar la impresión de que se trata de una historia vacía, en la que solo se busca el efectismo del giro que encontramos en la segunda parte de la misma y sin mucho más. Pero también es verdad que es una historia cuidada, con explicación para todo (o casi todo), cuidada al milímetro y con una estética y una música que atrapan.

Drive es la última película de culto. No es para todo tipo de espectador. Te atrapará o te aburrirá soberanamente. Sus canciones retumbarán en tu cabeza o te habrás echado un sueñecito entre escena y escena.

Drive es oscura. Es cine escrito en frases cortas. Es cine negro y de acción. Es parca en palabras pero muy gráfica. Con un aire ochentero desolador.

Drive es Ryan Gosling, el nuevo chico de moda en Hollywood. Es el conductor sin nombre que lleva una chupa blanca con un escorpión en la espalda. Es el llanero solitario. Es el vecino de la puerta de al lado del que no sabes nada y del que te gustaría saberlo todo. Es silenciosa tensión y profundo dolor.

Drive es una historia de amor dentro de una historia de violencia dentro de una historia de mafiosos dentro de una historia nocturna dentro de una banda sonora. Es una sucesión de escenas de soledad, de dureza, algunas escenas brillantes y otras oscuras, pretenciosamente brillantes y pretenciosamente oscuras. Es palabras que no dicen nada y lo dicen todo.

Drive es la historia de un tipo dispuesto a todo a cambio de nada. ¿Eso ya nos suena? Claro, es la vida; es lo que debería ser la vida.

Drive te enganchará o te tirará por la puerta del coche en medio de la carretera yendo a toda velocidad. Cuidado con ella.

No es nada fácil protagonizar un biopic sobre un personaje vivo y que todo sean elogios. El público tiene demasiado fresca en la memoria la imagen de esa persona como para que cualquier persona venga a tratar de hacerse con el personaje. Pero a veces pasa.

En La dama de hierro (que se estrena el 5 de enero), Meryl Streep es Margaret Thatcher . ES Margaret Thatcher. Impresionante muestra de talento actoral para dar vida a la Primera Ministra de Reino Unido entre 1979 y 1990. Una actuación que coloca a la actriz en un puesto inmejorable para hacerse con todos los premios habidos y por haber. Para comprobarlo, aquí va el tráiler en versión original:

La dama de hierro llega a nuestras pantallas (5 de enero) ensalzada por la maravillosa actuación de Meryl Streep. El director Pyllida Lloyd trata de mostrarnos la vida y milagros de la Thatcher. Para ello nos sitúa en el tiempo actual, con una ex Primera Ministra que convive con sus fantasmas y sus recuerdos, a través de los que nos muestra la historia de sus ansias de cambiar el mundo y de liderar no solo el Partido Conservador, sino a todo el país.

Pero Lloyd cae en la trampa de hacernos pensar que es oro todo lo que reluce. Mientras veía la película en un pase privado para la presentación de la nueva web de los Cines Yelmo me llamó mucho la atención no los pocos defectos que podía señalar en esta mujer. Que era ambiciosa y dura es obvio, y no se oculta en la película. Pero el tratamiento que se hace de su personaje me parece demasiado bondadoso. La dama de hierro es más una hagiografía de Margaret Thatcher que un biopic.

Es quizá el principal defecto que se puede señalar en el filme. Pero la extraordinaria actuación de Meryl Streep de la iron lady en la edad actual y en la que tenía cuando gobernaba hace que nos olvidemos del resto de defectos. Y como ella es toda la película, hace que la cinta gane enteros con su mera presencia.

1982. Un extraterrestre se pierde en el planeta Tierra y para poder volver a su casa necesita la ayuda de unos niños.

1985. Un grupo de chicos se lanzan a la aventura en busca de un tesoro.

2011. Con un poco de aquí y un poco de allá, la dirección de J.J. Abrams y la producción de Spielberg renace el cine que en los 80 hizo soñar a los adolescentes de todo el mundo. Super 8 bebe de E.T. y de Los Goonies, bebe de la nostalgia de los 80, de películas de zombies caseras, de aventuras inesperadas en grutas seceretas y peligros desconocidos.

Super 8 es cine para nostálgicos, para los que ven una y otra vez esas cintas de antes y no se encuentran cómodos con unas gafas de 3D. Es cine de verano, de entretenimiento puro y duro, de sonrisas y de tocar la fibra sensible. Y, sobre todo, cine de aventuras como el de antes.

Tras una campaña de promoción potente en la que el misterio fue la principal baza (en los primeros avances solo veíamos un accidente de tren al estilo del accidente del vuelo 815 de Oceanic), el éxito de público y crítica ha sido rotundo. Super 8 juega sus cartas con seguridad y soltura y se apoya en un espectador nostálgico y que sabía qué se iba a encontrar en el cine cuando ya quedó resuelto tanto misterio.

El dúo J.J.Abrams-Spierlberg todavía tiene mucho que darnos, o eso esperamos. Una conexión que todavía tiene que mejorar para llegar al 10. A Super 8 le falta un punto para llegar a la perfección... O quizá es que hay una generación que queda en tierra de nadie, que ni siente esa nostalgia ochentera ni está en la edad de los protagonistas del filme para identificarse plenamente con ellos.

Entretenimiento, diversión, sonrisas, emociones... y nostalgia. Quizá, demasiada.

Con Nueva Orleans como marco de fondo, Tiana y el sapo regresa a la animación clásica de Disney. Una historia de princesas, príncipes encantados, sapos, animales que hablan, sueños, ilusiones, y música, mucha música. Y jazz, y blues. Que estamos en Nueva Orleans, en los años 20, cuando, como ahora, la música hacía vivir a una ciudad entera.

Nos reencontramos con los malos aliados con todas las fuerzas del mal imaginables y los buenos con las mejores intenciones del mundo. Animales que hablan y tocan la trompeta junto al realismo de las diferencias sociales y raciales de la ciudad. De hecho, Tiana, la protagonista, es negra. Y no es princesa, ni falta que le hace. Ahí está la magia de Disney para hacer que los sueños se vuelvan realidad.

Quizá se trate de un clásico menor, pero el encanto de volver a ver el estilo de animación de siempre con una historia más que entretenida y buenos diálogos hace que la experiencia merezca la pena. Cierto es que decae un poco hacia la mitad, pero la banda sonora consigue que nos olvidemos de los pequeños defectos que pueda tener el filme.

Bienvenidos a Nueva Orleans, una Nueva Orleans en la que el Katrina todavía quedaba muy lejos y en la que Tiana puede conseguir convertirse en una princesa.

No todos los superhéroes son iguales. De hecho, ¿por qué no va a poder ser cualquiera un superhéroe? Si lo es Batman, que no tiene ningún poder más que el dinero... Esa es la premisa desde la que el protagonista de Kick-Ass se lanza al mundo de los héroes enmascarados que van haciendo el bien y enfrentándose a malhechores por doquier. Lo malo es que no siempre salen las cosas como se esperaba, y cuando salen bien, las consecuencias pueden ser todavía más peligrosas.

La adaptación a la gran pantalla del cómic Kick-Ass fue una sorpresa para los amantes de esta novela gráfica y para los que no habían oído hablar de ella hasta entonces. Con buenas interpretaciones, un ritmo adecuado y una historia que engancha gracias a los guiños y el colorido de la puesta en escena, Kick-Ass se convierte en una película de superhéroes diferente en su primera mitad para terminar derivando en una clásica historia de búsqueda de venganza.

Lo mejor está en su puesta en escena descarada, ultraviolenta, no apta para cualquier público. Diversión, patadas y sangre a raudales en una fiesta visual que engancha hasta el final. Provocativa a veces, huye de los esterotipos burlándose de ellos y dandoles otra vuelta de tuerca.

Porque no todos los superhéroes son iguales.

Fue la flamante ganadora del pasado Festival de Sitges, y desde entonces ha sido más que complicado seguirle la pista más allá de sus participaciones en festivales. Quizá el tratarse de una película finlandesa no ha jugado a su favor. Lástima.

Rare exports: a Christmas tale cuenta la supuesta historia del verdadero Santa Claus. No el de Coca-Cola , sino el auténtico, una especie de monstruo que pegaba y maltrataba a los niños que habían sido malos. Un demonio devorador de niños que fue enterrado a centenares de metros bajo tierra. Pero un grupo de estadounidenses pretende llegar hasta Santa, que sobrevive congelado (algo así como dicen que pasa con Walt Disney) y resucitarlo. Pero un niño y tres hombres harán frente al malvado Santa y a sus elfos para conseguir salvar a los niños del mundo de una destrucción segura.

La historia puede ser más o menos enrevesada o creíble (al fin y al cabo, hablamos de fantasía y de una leyenda finlandesa). Y cuesta un poco entrar en la película, que empieza a un ritmo muy lento para desatarse la acción en la última media hora. Pero justamente ahí reside la gracia de Rare exports, además de en la fotografía y las interpretaciones: en la fantasía, en tratarse de un cuento de Navidad diferente.

Aunque el resultado final es bastante bueno, y queda un buen recuerdo de la película, quizá se nota demasiado que se ha estirado su metraje en el tramo intermedio en una historia que no daba para tanto. No obstante, el largo ha surgido de dos cortos: Rare exports inc. y Rare exports: the official safety instructions.

Curiosa película que no ha tenido la distribución que podría haber tenido y que demuestra que el cine que cada vez hay que tener más en cuenta el cine que nos viene del norte de Europa.