De cine

Si algo nos enseña la película La duda (2008) es la importancia de los actores y del trabajo actoral.

La película nos lleva a un colegio dependiente de una parroquia católica en el Bronx neoyorquino en 1964, justo un año después de que Kennedy fuera asesinado. El filme es una adaptación de la obra de teatro que el propio director de la película, John Patrick Shanley, escribió y con la que consiguió varios premios Tony. El hilo argumental es sencillo (podríamos decir que es lo de menos). Nos habla de la conciencia, de la duda, de no saber si actuar o no, de dilemas, más que religiosos, morales. Y de temas tan de actualidad y controvertidos como la pederastia en la Iglesia. Pero lo más importante aquí, más allá del tema (que podría haber dado para un desarrollo mucho más complejo) es quiénes se encargan de ponerse en el papel de los personajes principales.

Nos encontraremos en la pantalla con la monja directora del colegio interpretada por Meryl Streep, una actriz que vuelve a demostrar que en su carrera quedan por delante todavía varios Oscar que recoger. También nos encontramos con otro de los actores de moda y más valorados del momento, Philip Seymour Hoffman, en el pellejo del cura sobre el que recaen unas sospechas infundadas. Y, por último, nos encontramos a una joven monja que se debate entre la duda y del deber moral, interpretada por una gratamente sorprendente Amy Adams (en su momento se habló mucho de ella como la única que podía arrebatar el Oscar a nuestra Pe).

Poco más hace falta. Si tienes tanto talento entre manos y además sabes manejar los hilos del tiempo y el ritmo de la película, el resultado va a ser una cinta que merece la pena ver. Más allá de lo que supone de reflexión moral, nos quedamos con las interpretaciones de estos tres monstruos de la escena, dos de ellos consagrados y otro que dará mucho que hablar.

Seguimos con la colección de clásicos imprescindibles. De la mano de Howard Hawks y con la inestimable colaboración de Cary Grant y Rosalind Russell, nos encontramos inmersos en el mundo del periodismo más agresivo, en el que todo vale, prácticamente, por conseguir una exclusiva.

Para la periodista que protagoniza esta historia, su trabajo, del que ya se iba a retirar para pasar a ser una mujer casada (estamos en 1940, espero que esto no ocurra hoy en día), termina siendo más importante que la familia y el amor y acepta a cambio de una jugosa cantidad de dinero escribir un último artículo, una entrevista con un hombre que al día siguiente iba a ser ejecutado injustamente para intentar así salvarle de la pena de muerte.

A ritmo de comedia, Hawks nos traslada a la redacción de un periódico y a la sala donde los periodistas se reúnen en el juzgado para tratar de tener y trasladar a su periódico la última hora (o los rumores que llegan, o lo que ellos imaginan que ha pasado: todo vale). Diálogos alocados, unos encima de otros, conversaciones cruzadas, acciones en diferentes niveles que nos obligan a mantener la atención al 100%, y unas interpretaciones impecables.

Sólo unos pocos años después, Billy Wilder hizo un remake que, como su predecesora, se convirtió en clásico: Primera plana. Aunque la historia que se narra en sí atrae, está claro que sin la colaboración de los actores y directores que se han encargado de estos personajes no seguiríamos considerando estas dos películas clásicos imprescindibles de la comedia.

¿Puede estar el Santo Grial en plena Quinta Avenida de Nueva York? Puede...

En una ciudad rodeada de lujo y derroche, donde nadie parece preocuparse por nadie, nadie mira arriba y cada cual sólo se mete en sus propios asuntos, un locutor de radio se ve inmerso en una historia en la que los valores de los caballeros medievales y la búsqueda del amor y del Santo Grial dan sentido a la vida. Una especie de Don Quijote del siglo XX que por territorio, en vez de la Mancha, tiene la maravillosa y mágica ciudad de Nueva York.

El rey pescador se basa en una leyenda artúrica para construir una fábula en la que vemos aparecer ante nuestros ojos el otro mundo que rodea a una ciudad como Nueva York. Un mundo aparte en el que los vagabundos luchan por vivir el día a día, en el que los locos puede que no estén tan locos como parece. Un mundo del que, en buena parte, somos culpables, pero que también nos puede salvar.

Terry Gilliam se valió en esta ocasión, además del entorno de la ciudad de Nueva York, de un destacable Jeff Bridges para interpretar el papel del locutor de radio hundido en una crisis que le lleva a la autodestrucción y de un impecable Robin Williams como el loco vagabundo que vive en un mundo medieval, un mundo creado para olvidar el dolor y en el que todo es posible. Además de grandes secundarios, como las dos mujeres que acompañarán la historia de estos dos "caballeros" del siglo XX.

Quizá demasiado sentimental en algunos puntos, la película es una bonita fábula sobre las miserias y grandezas del ser humano. No siempre las cosas son como querríamos, pero hay que encontrar fuerza o el apoyo exterior para conseguir salir de ese hoyo en el que nos hemos metido sin darnos cuenta. Y para ello, qué puede haber mejor que un vals en plena Gran Central Station o tumbarse desnudo en medio de Central Park.

Nos lo trajo ElPaís.com en exclusiva. Ya queda menos...

Empiezo a escuchar las recomendaciones, y Drácula, de Bram Stoker, la versión que de la novela sobre el vampiro más famoso de la historia dirigió Francis Ford Coppola, se encuentra en muchas de las listas de las mejores películas de la historia.

El objetivo era ser fiel a la historia original, al libro de Stoker, a la verdadera historia de ese príncipe, conde o lo que sea que, tras la muerte de la mujer que amaba, decidió pasarse al lado oscuro y dejar de luchar del lado del cristianismo. Basada en la historia de Vlad "el empalador", llamado así por la forma en que mataba a sus enemigos, la historia de Drácula se convirtió en un mito de la literatura romántica, gótica e incluso de aventuras.

Francis Ford Coppola se sirvió para su versión de un excelente Gary Oldman para sostener sobre sus hombros toda la fuerza de un personaje misterioso, aterrador y atrayente a partes iguales. Sin embargo, si lo que se pretendía realmente era una adaptación fiel al libro, la película queda lejos de conseguirlo. Coppola nos entretiene con las visiones eróticas que sufren los poseídos por la fuerza infernal de Drácula y sus vampiresas. Mucho erotismo, implícito y explícito, que no formaba parte de la historia original, mucho más encaminada a la historia de aventuras que al goticismo de Coppola.

Pero no podemos negar que, como película de vampiros con ambientación gótica, consigue lo que pretendía. La sangre corre a raudales del cuello de la joven Lucy. Winona Ryder y Keanu Reeves representan a la perfección la parejita inocente y un tanto atontada que termina cayendo en las redes del maléfico conde. Pero la palma, junto con la interpretación de Gary Oldman, se la lleva el siempre magnífico Anthony Hopkins como el profesor Van Helsing. Cierto, una vez más, no es como me lo imaginé al leer el libro, pero me gustó igualmente.

Visualmente es brillante e impactante, con una puesta en escena cuidada y una banda sonora espectacular, a juego con el resto de la película. Coppola consigue grandes logros en muchos aspectos de la película, pero, eso sí, es su propia versión del mito de Drácula, no la de Bram Stoker, por mucho que diga.

Ese aire experimental que tienen las películas que se ruedan con la cámara al hombro suele gustar. Y si la película pertenece al género del terror, el resultado es mucho más efectivo. Ya habíamos visto películas con este mismo estilo, como la sumamente inquietante El proyecto de la bruja de Blair, en la que internet y el boca oreja hizo que se difundiera como la pólvora, o la más reciente Monstruoso, con un Nueva York destruido por un extraño monstruo que no deja nada en pie.

En España no podíamos ser menos. Pero también aportamos nuestro punto original y diferente. [REC], dirigida por Jaume Balagueró y Paco Plaza, huye de los espacios abiertos y lleva la cámara a la escalera de un bloque de pisos, con un vecindario la mar de variopinto en el que una extraña enfermedad se está extendiendo rápidamente. Pronto sabremos que no se trata de una enfermedad, sino de una especie de virus que infecta los cuerpos humanos y hace que ataquen a los demás, en una actitud antropofágica realmente curiosa.

En Sitges triunfó, los Goya reconocieron su valía, y el público acudió a las salas para demostrar que, cuando se hace cine inteligente y bien hecho, da igual que sea español o estadounidense, la gente va a verlo. Ha llegado a cruzar fronteras, con remake estadounidense, Quarantine. Incluso ya circula en internet el trailer de la segunda parte, [REC]2.

Una película inquietante, con trazas de humor negro, que anima a ver la segunda parte y hace que tengamos todavía fe en que hay futuro para el cine, español o de la nacionalidad que sea.

El 18 de junio de 2010 llegará a las pantallas estadounidenses la tercera parte de Toy Story. Con motivo del estreno de Up en Estados Unidos, se ha hecho público el trailer de Toy Story 3. Los juguetes volverán a cobrar vida y Pixar volverá a hacer caja, y muy sonora, como es de esperar dado el éxito de las anteriores entregas. De hecho, en esta época en que las trilogías están tan de moda, era raro que no se hubiera preparado ya la tercera entrega de las saventuras de Woody y Buzz Lightyear. Y además, ahora llegan en 3D. Diversión asegurada, aunque aún haya que esperar.

Aunque ahora el gobernador Arnold Schwarzenegger no sea el protagonista, Terminator ha vuelto. Una versión renovada y mejorada ha regresado para poner en jaque a las fuerzas de la resistencia. Y el resultado es más que aceptable.

En el año 2018, el líder de la resistencia humana contra Skynet y los Terminators, John Connor (Christian Bale), tendrá que hacer frente a una nueva oleada de violencia por parte de estos robots. Sin embargo, la lucha se verá alterada por la aparición de Marcus Wrigh (Sam Worthington), cuyo último recuerdo es estar en el corredor de la muerte y que no sabe qué ha sido de él desde entonces y cómo es que sigue con vida. Bueno-malo o malo-bueno, quién sabe. A todo esto, Connor, a parte de salvar a la raza humana, deberá salvarse a sí mismo, ya que está ahí para evitar la muerte de su propio padre (en esos tiempos un chico bastante más joven que él) y, con ello, su propia muerte, por supuesto.

Sí, quizá el argumento es demasiado enrevesado, e incluso en algunas partes suena a repetido y a cliché. Pero lo importante aquí no es lo que se cuenta, sino cómo se cuenta. La acción trepidante es la protagonista verdadera de toda la película. Un puñado de buenos actores son los encargados de llevarla a escena, pero lo verdaderamente importante es ver esas explosiones, tiros, peleas y persecuciones donde los humanos deben demostrar que la cabeza está para algo más que para llevar sombreros.

Los guiños a las anteriores películas de la saga tampoco podían faltar. El clásico "volveré" hace que el público sonría. Pero el verdadero momento cumbre llega con la breve y esperada aparición del propio Schwarzenegger, el mítico Terminator, en todo su esplendor. No dice nada, eso sí, pero sus escasos 15 segundos en pantalla son suficientes.

Quizá no sea una obra de arte, pero entretiene que da gusto. Mucha acción y muy rápida que puede que haga que el argumento y los diálogos no sean todo lo buenos que podrían haber sido. Pero en Terminator, eso es lo de menos. Lo importante es que evitemos que los robots se apoderen del planeta y acaben con la vida humana.

Nos volvemos a adelantar a lo que va a venir y, como en este blog somos seguidores de Woody Allen y sus neoyorquinas películas, y de Guy Ritchie y sus comedias de acción, allá van los trailers de sus dos próximas películas.

El realizador neoyorquino estrenará este verano Whatever works, donde vuelve a situar sus personajes en las calles de la Gran Manzana para contar una historia de relaciones entre personas de diferentes generaciones.

Por otra parte, también está en internet el trailer (incluso en español) del próximo proyecto de Ritchie, Sherlock Holmes. Aunque todavía no se sabe mucho sobre la película y el trailer tampoco diga demasiado sobre su trama, ya se puede empezar a ver la estética que tendrá y el tono gamberro de la misma. Pongo el trailer en versión original subtitulada, para escucharles mejor.

Es una de las comedias mejor valoradas de la historia del cine, todo un clásico. Frank Capra consiguió una gran película, apoyado especialmente en Cary Grant y un guión muy bueno, aunque quizá con demasiados giros que convierten a la historia en prácticamente interminable. Pero qué más da, es Arsénico por compasión.

Un crítico de teatro recién casado (por cierto, el papel de la mujer, Priscilla Lane, bien podría haber sido suprimido, porque no aporta demasiado...) y a punto de irse de luna de miel llega a la casa de sus tías a dar la noticia cuando descubre que sus dulces e inofensivas tías se dedican a "ayudar" a hombres mayores y solos en este mundo a pasar al otro mundo, con una colección ya de 12 muertes a sus espaldas, cadáveres todos ellos enterrados en el sótano de la casa, el "canal de Panamá" para su hermano que se cree el presidente Roosevelt. Todo se complica aún más cuando llega el hermano pródigo, un fugitivo acompañado por un cómplice y otro inesperado visitante.

Buena parte de la comicidad, a parte de en el humor negro que suponen los cadáveres, viene de parte de las muecas y gestos de Cary Grant al ir descubriendo la verdad sobre sus tías. Un tanto histriónico, pero es lo que debía hacer. Al fin y al cabo, Arsénico por compasión fue primero obra de teatro, y eso se ve bien en la película: un escenario prácticamente único, personajes que van y vienen a través de puertas y ventanas, y un movimiento escénico en la película muy parecido al que podríamos ver en el teatro.

Otros personajes son igualmente destacables: las "inocentes" y bondadosas tías, que todo lo hacen por compasión, el presidente Roosevelt que cava incansable el canal de panamá y se asombra de la epidemia de fiebre amarilla que asola la zona, el hermano Johnatan, una especie de Frankestein irreconocible para sus familiares e igualmente siniestro, el "doctor" y cómplice de éste Einstein...

Por eso, aunque tenga ciertos puntos flojos y una trama demasiado enredada en algunos momentos, todo se termina perdonando por el valor que tanto argumento como puesta en escena como interpretaciones suman al total.