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ENTREVISTA CON LORENZO MIJARES, TEATRO DE HEMOFICCIÓN

2011-05-27T15:09:48+00:00

por Héctor Martínez Sanz, en Madrid en Marco

Lorenzo Mijares, dramaturgo, director, actor, promotor cultural y artístico, dirige actualmente la Compañía de Teatro de Hemoficción con sede en Barcelona, representando las obras vanguardistas del género de la Hemoficción del escritor Juan Trigos en España y Europa a través de los Festivales de Teatro de Hemoficción, que se encuentran en su IV Edición. Ha recibido numerosos premios entre los que se cuenta el Trofeo Eugene Ionesco en la II Edición de los Premios Niram Art celebrada en Madrid en 2010.

Madrid en Marco: Querido Lorenzo, te agradecemos infinitamente tu atención para nuestra Revista. La última vez que te vimos, a comienzos de diciembre, recibías el “Premio a la Celebridad España 2010” aquí en Madrid. Celebridad de España siendo de México es un poco extraño. ¿Lo ves como un reconocimiento español a todo tu esfuerzo puesto en este país?

Lorenzo Mijares: Sin duda lo es. El premio me lo otorgan aquí por mi labor en España. También debo decir que para una comunidad como la rumana, en España es fácil valorar el esfuerzo que supone para un extranjero conseguir logros importantes fuera de su país. Esto, un inmigrante lo sabe, y por esta razón yo lo he recibido como un doble reconocimiento a mi trabajo. Estoy doblemente agradecido.

MM: Precisamente, muchas veces te hemos oído decir en las funciones que la Hemoficción es un regalo que traéis de México para España y la humanidad. ¿Corresponde la acogida del público al regalo?

LM: Nunca agradeceremos bastante a Beethoven por sus sinfonías ni a Dostoyevski por Los Hermanos Karamásov y siempre nos quedaremos cortos con Shakespeare ante el descomunal regalo que nos hizo solo con Hamlet. Pero lo que sí te puedo asegurar es que el impacto de la Hemoficción siempre es brutal.

MM: Ahora mismo la Compañía de Hemoficción tiene su residencia en Barcelona y pasa también varias temporadas en Madrid. El III Festival de Teatro de Hemoficción recorrió España y Europa, por Turín, Roma. Como teatro de vanguardia tiene una proyección espectacular, más que un teatro convencional. ¿A qué lo achacas?

LM: Yo lo atribuyo a la universalidad del arte. La Hemoficción es profundamente Mexicana pero al mismo tiempo es universal y atemporal, no conoce fronteras. Este año hemos ido a Nueva York con enorme éxito. Estaremos en Ravensburg, Alemania, iremos a Bucarest…..¡y será apenas el IV Festival!

MM: No voy a pedirte que nos des una definición de Hemoficción, pero sí que nos hables sobre uno de sus principios fundamentales: “el crimen es un modo de purificación, forma de aligerar el peso de la culpa y una forma de alcanzar el mayor grado de conciencia”.

LM: No lo sé. Tú lo reconoces en tu pregunta como uno de sus principios fundamentales. Yo no lo sé. Sólo sé que los seres humanos, mirados a profundidad, somos de terror. El egoísmo, la avaricia, la codicia, la miseria, la mezquindad, la incapacidad de afecto, la envidia y el odio están más presentes de lo que nadie quiere aceptar y basta sólo un poco de seriedad para verlo sin dificultad. Lo que ocurre es que asusta admitirlo. Es muy jodido verlo y mucho más lo es cuando tiene que admitirlo uno mismo. Es más “fácil” jugar a ser generosos y bondadosos. La Hemoficción juega sin vergüenza y sin pudor con eso que somos y nos sumerge en ficciones cargadas de profundidad y de una veracidad aterradora que, gracias al creador, también están llenas de poesía y belleza.

MM: Para Antonin Artaud: “Esta crueldad, que será sangrienta en el momento que sea necesario, pero no de manera sistemática, puede ser identificada con una especie de pureza moral severa que no teme pagar a la vida el precio que sea necesario”. No ya en tanto que actor, sino como director, ¿Cuánto de Atonin Artaud hay en la Hemoficción y cuánto hay en ti de ambos?

LM: Yo amo a Artaud y siempre he respetado sus grandes ideas sobre el teatro y el arte. Y sé que nací para ser (hacer) Hemoficción. Espero con esto responder a tu pregunta. ¿Cuánto hay en mí de ambos? Me parece que somos un mismo espíritu, por ello Artaud fue a México a buscarnos y ya nos encontramos. Yo siempre he sabido que lo único importante es el refinamiento cultural del que habla Artaud, el crecimiento espiritual, eso nos humaniza y con esto podemos dejar algo mejor el mundo a los que vienen. Es mi única responsabilidad.

MM: Juan Trigos es el creador del movimiento de Hemoficción. Él se purifica escribiéndolo. Tú lo diriges y lo representas. ¿Te sientes el brazo ejecutor del crimen? ¿Cómo es esa purificación en ti tras actuar?

LM: (Risas) ¡Veo que te gusta la sangre! Yo no sé hasta que punto he digerido la Hemoficción. O debo decir, si terminaré de digerir las obras que he llevado a la escena. Sí soy el brazo ejecutor en tanto que la Hemoficción me ha exigido una congruencia cruel y despiadada, de la que habla también Artaud, pero te puedo decir que gracias a esa crueldad es que he conseguido crecer como persona y como artista. Cada representación me hace acumular fuerza y certeza. El crecimiento es interno. En este sentido sí soy brazo ejecutor. Yo siempre digo a mis aprendices que un actor crece sobre el escenario en la medida en que alcanza congruencia bajo el escenario. Ahí está la verdadera purificación en mi experiencia.

MM: De hecho, cuando recogías el Trofeo Eugene Ionesco en la 2ª Edición de los Premios Niram Art (junio 2010), decías: “suelo funcionar mejor en un personaje [de Hemoficción] que dentro de éste que ven ahora. Por eso me refugio en el arte”. ¿Es también Lorenzo Mijares un personaje de Hemoficción?

LM: No. Yo soy hijo de mis progenitores y a ellos agradezco, soy hijo del medio en el que crecí, de mi país, de la cultura y educación que recibí de mis padres, de esas precisas cosas que me ocurrieron…. y en mi búsqueda incansable, entre teatro, fiestas, libros, copas, fugas, huidas y diversos revolcones, encontré el sentido de mi vida al reconocerme en la Hemoficción, “choque brutal”, pero no como un personaje sino, más bien, como un apendice motríz de esa elevadísima poesía dramática.

MM: Es un teatro de lo grotesco, esperpéntico, cruel, donde el crimen es consecuencia y el acento recae más sobre su origen: convenciones sociales dentro de la familia, por ejemplo. No es el dolor físico, sino moral, psicológico, que causa la sociedad y que todos sufrimos. ¿Cómo es posible expresar algo tan inmaterial en un espacio escénico?

LM: No lo sé. Por eso amo la Hemoficción desde que me inicié con Déjame que te mate para ver si te extraño. Porque Juan Trigos, con la Hemoficción, lo consigue como yo siempre lo deseé. Desde que era yo un niño siempre quise encontrar un caldero en que aflorara sólo la verdad entre tanta putrefacción, entre tanta contradicción, entre tanta hipocresía, entre tanta y tanta mierda. ¿Cómo conseguirlo? ¿Cómo decir la verdad sin sucumbir en tantas contradicciones? Yo no lo sé, pero en la Hemoficción lo he encontrado.

MM: En un artículo describí la Hemoficción como “herejía socio-civil”. ¿Te parece ajustada la expresión?

LM: Se queda corta, muy corta. El arte es sublime. Y siempre, cualquier definición se quedará corta. La Hemoficción está viva.

MM: Ahora hablo como espectador. En cada representación hay una especie de magia, de velo invisible que va cayendo. El público pasa del rechazo a la curiosidad, a la risa y a la seriedad en un vaivén de emociones, hasta la identificación con lo que acontece. Es una continua provocación irrespetuosa al “respetable” –permíteme la expresión para el juego de palabras-, un golpearle sin pausa. ¿Podríamos decir que la verdadera víctima de cada representación es el público? ¿Es necesaria la catarsis en la audiencia para el éxito de la representación?

LM: Yo anhelo que así sea. Para mí lo es. Cada representación es una aventura emocional desconocida y grandiosa. Y deseo profundamente que lo sea para quien lo comparta conmigo. Pero ¿necesaria? Para mí la representación es un éxito por el hecho mismo de hacerla. Llevar a cabo una representación de Hemoficción es un éxito. Para mí lo es, para aquéllos con quienes comparto la escena. A mí me transforma internamente, a mí me ayuda a ser mejor ser humano, me hace más pleno y eso pretendo enseñar a mis pupilos y compartirles siempre. A mí me ayuda a agradecer a la vida y compartir apasionadamente lo que más amo hacer, que es Hemoficción. Eso ya es para mí un gran regalo. Si además el público lo comparte, pues más feliz y más agradecido estoy.

MM: ¿Se trata de catarsis individuales, colectivas o ambas?

LM: Ambas. Maravilloso.

MM: Una de las obras, sin duda, más aplaudidas y reverenciadas es “Contra-sujeto”… Para mí resulta paradigmática de toda la Hemoficción teatral. En tu opinión, ¿a qué crees que se debe el éxito de “Contra-Sujeto”?

LM: Es un monólogo que te tiene mucho más que atento durante casi dos horas. Esto ya es insospechado…..es un “tur de force” y además un reto enorme para cualquier actor. Trece personajes de lo más variopintos. Supongo que ahí radica el éxito descomunal que esta obra tiene. Un actor haciendo trece personajes durante casi dos horas.

MM: Sin embargo, la obra de Juan Trigos que te hechiza, que te produce una colisión es Déjame que te mate para ver si te extraño, en 1999… tanto como para fundar la Compañía de Teatro de Hemoficción y promover esta vanguardia en España y el mundo desde entonces… ¿Qué ocurrió en 1999?

LM: (Risas)… pues en pocas palabras te cuento. Con Déjame que te mate para ver si te extraño supe que tendría que renunciar a todo para dedicarme profunda, profesional y seriamente al arte. Y eso. Ahhhhhhh!!!! Ser artista alrededor de una charla de café es fácil, hasta prestigio te da… pero la congruencia que pide el arte!!!!! Me ha resultado muy difícil. Escuchar sólo a mi intuición. Hacer oídos sordos a todas las voces familiares, de amigos, dejar la vida estable, la economía estable, las comodidades… en fin, lo establecido. Supe que tendría que dejar de jugar al “director consentido y favorecido que vive un poco del cuento” para comprometerme seriamente con mi trabajo. Y bueno, llevo apenas doce años de haber sufrido este choque brutal y maravilloso.

MM: En tu “Manifiesto” afirmas algo que hoy nos resulta extraño a todos: “Debo confesar que el primer resistente a la Hemoficción fuí y he sido yo, me avergonzaba de solo pronunciar la palabra durante años, además me dolía, me incomodaba, me irritaba, me violentaba, me molestaba enormemente, me ha dolido hasta lo más profundo”. ¿Por qué?

LM: Porque me daba vergüenza. ¿Hemoficción yo? Me decía. Me parecía poco para mí. (Risas)… claro… para mi tonto ego inflado. Vengo de la escuela de los directores que son dramaturgos, y aunque nunca he creído en ello (sé que es vulgar y pretencioso)… lo tenía metido en el culo….¿¡Cómo YO sometido a una dramaturgia!? Y por otro lado me golpeaba el hecho de venerar (-porque en el arte, si se quiere ser alguien, hay que tener la capacidad de venerar a otro artista). Y venerar a un muerto es sencillo, pero ¡a Juan Trigos!, ¡Un vivo! Difícil. A mí me costó mucho trabajo reconocer su grandeza. Hoy me siento absolutamente privilegiado y elegido de ser el pionero de esta vanguardia cultural pero hube de doblegar a mi propia estupidez.

MM: No obstante, ahora eres su profeta…

LM: Humilde emisario de esta voz divina… (Risas)… y me divierto lo indecible!!!

MM: Para terminar, recordaremos a nuestros lectores una frase que repites incesantemente junto a otras que ya hemos citado: “La Hemoficción ha llegado hasta aquí para quedarse”. Confiamos en que no solamente la Hemoficción, sino también Lorenzo Mijares venga a Madrid y se quede con nosotros. Gracias por lo que haces, Lorenzo.

LM: Gracias a ti por darme nuevamente la oportunidad de compartir esto que amo tanto. Y seguiré diciendo: La Hemoficción es un concilio espiritual con nuestra madre patria España.

ENTREVISTA CON LA ARTISTA RAQUEL PARTNOY por Eva Defeses, Niram Art 20

2009-11-26T00:22:53+00:00

Raquel Partnoy

RAQUEL PARTNOY es pintora, ensayista y poeta argentina de origen judío.

Nacida en Argentina, concurrió al taller del pintor, muralista y maestro Demetrio Urruchúa en Buenos Aires. Reside en Washington, D.C. desde 1994.

Su obra ha sido expuesta en 70 exposiciones individuales y en 100 muestras grupales en Argentina y en los Estados Unidos. Partnoy ha dado talleres de arte mural para adolescentes en Latin American Art Center in Washington, D.C.

Sus exhibiciones individuales en los Estados Unidos incluyen:

Studio Gallery 1995;

Washington Convention Center,The Women Expo 1995;

DC Jewish Community Center 1996;

Embassy of Argentina 1997, 2003, y 2008;

Bnai Brith Klutznick National Jewish Museum 1997;

Parish Gallery, Washington D.C. 1999;

Goucher College, Baltimore 2001;

Martin Luther King Library, Washington D.C. 2003;

University of Wisconsin, Milwaukee 2005;

Latino Art Museum, Pomona, CA 2006.

Partnoy ha recibido varios subsidios de la D.C. Commission on the Arts and the National Endowment for the Humanities y ha sido reconocida por importantes críticos de arte en Argentina y los Estados Unidos. Su obra puede encontrarte en museos y colecciones privadas en ambos países. Ha dado conferencias invitada por universidades e instituciones sobre: Pintura social en Argentina, El arte mural en Argentina, Mujeres y Tango, y sus experiencias personales durante la dictadura militar en Argentina.

Su obra ha sido incluída en: Arte al Día Documenta 87: La Plástica Norteamericana, Buenos Aires, Argentina; The Tribe of Dina: A Jewish Women Anthology – Irena Klepfisz & Melanie Kaye, United States; Religious Imagination and the Body: A Feminist Analysis – Paula M. Cooey, United States.

Sus ensayos “Silent Witness” y “Surviving Genocide” fueron publicados en Women Writing Resistance-Essays on Latin American and the Caribbean, Jennifer Browdy de Hernandez, ed. South End Press, 2004, y en The Jewish Diaspora in Latin American and the Caribbean: Fragments of Memory, Kristin Ruggiero, ed. Sussex Academic Press, UK, 2005.

E.D. Tu obra es un universo íntimo, lleno de cosas vividas por ti o por alguien cerca de ti, pero al mismo tiempo pierde este toque personal para representar la historia del pueblo judío y la historia más reciente del pueblo argentino. Es una visión femenina, tal vez triste, poética, pero siempre fuerte, una visión que parece venir de la obscuridad del pasado. La voz callada de las mujeres judías de todos los tiempos y de las mujeres oprimidas de todos los pueblos parece hablar en tus cuadros. Hablemos de tu cuadro “Generación Va”…tal vez es ahí donde comienza tu historia…

R.P. Sí, precisamente en Generación Va…comienzo a contar la historia de mi familia. Esta pintura integra la serie De la Vida que está inspirada en la Eclesiastés. En ella no sólo me interesa preservar las memorias de mi familia sino también destacar los aspectos positivos y negativos de la vida y cómo, a pesar del tiempo y las penurias pasadas, las generaciones se van sucediendo. Luego, en Las Ventanas de la Vida enfatizo el tema de la esperanza y de qué manera mi abuelo y su hermano con sus respectivas familias, 25 personas en total, deciden emigrar de Crimea, Rusia en 1913, dejando atrás el horror y la discriminación del Zar en contra del pueblo judío, y llegar a Argentina donde hallarían un mejor futuro para sus familias.

Raquel Partnoy - Generación Vá

En Generación Va…retrato la figura de mi abuela Raquel, un temperamento sensible y fuerte a la vez, que aún criando nueve hijos nunca escatimó esfuerzos para salir en aquellas noches blancas de Rusia y atender los partos de las mujeres del lugar. De pequeña solía mirar su retrato en el álbum familiar siempre tratando de imaginar cómo transcurrió su vida en tierras tan lejanas y admirando su fortaleza al emprender un viaje hacia una cultura tan diferente a la suya, con tantos hijos y alejándose de seres y cosas queridas. Siendo la menor de una familia muy numerosa, con infinidad de primos y primas, no tuve la suerte de conocerla ya que falleció antes de que yo naciera. Mi abuelo vivió en nuestra casa pero no hubo gran comunicación entre nosotros ya que él no hablaba español y yo cuando tenía seis o siete años de edad no hablaba el idish, aunque lo entendía bastante bien.

E.D. En Argentina, sufriste la persecución de la dictadura; la pesadilla de la Segunda Guerra no acabó para los miles de judíos que habían buscado refugio en Argentina. Del terror en el que vivió tu familia y tantas familias argentinas hablas en la serie “Sobreviviendo el Genocidio” y “Vivencias”, pero no sólo de este terror sino también del sufrimiento de los millones de judíos en el Holocausto. Hablas mucho sobre la importancia de hacer llegar el mensaje…

R.P. Mi mensaje es un legado que recibí de mi madre y qué, consciente o inconscientemente, se fue transmitiendo a mi hija y nietas. Cuando mi madre llegó a Argentina con su familia ya tenía 17 años de edad, de manera que los recuerdos de todo lo padecido en Rusia estaban frescos, y así permanecerían por el resto de su vida. Sin embargo, cuando reunía a sus nietos para relatar las historias de su pueblo natal, ella sólo contaba los buenos momentos pasados con sus ocho hermanos en su casa cerca del río Dnieper y también los excitantes preparativos en vísperas de las festividades judías. Luego, guardaba silencios cuyos motivos yo no alcanzaba a comprender. Tuvieron que transcurrir años hasta que, por medio de lecturas, pude entender la magnitud de lo sufrido por las familias judías durante aquellos años. Todo su sufrimiento despertó en ella un sentido de rebeldía ante la injusticia que luego heredarían sus descendientes. Para aquellos primeros inmigrantes la vida no fue fácil, en Argentina siempre hubo antisemitismo. Después de largos años de persecución e injusticia en sus países encontraron en esta nueva tierra una similar discriminación. Protagonizados por el gobierno y la policía, y apoyados por la prensa reaccionaria, ya en 1910 se originaron en la ciudad de Buenos Aires episodios antigremialistas y antisemitas donde los judíos soportaron el primer pogromo. Luego en 1919, en la llamada Semana Trágica, se produjeron acontecimientos similares. Por aquella época había textos escolares donde se enseñaba que los judíos eran echados de sus tierras porque “monopolizaban” el trabajo de otra gente. Algunas compañías de teatro presentaban obras de carácter antisemita. Esta atmósfera no decreció con el tiempo, ya que hace algunos años se originaron ataques a organismos judíos importantes y recientemente profanación de tumbas. Durante los años de dictadura en Argentina (1976-1983) si la persona secuestrada por el ejército era judía sufría mayores torturas.

Tanto en mis series de pinturas Vivencias, Ropas y Sobreviviendo el Genocidio, como en los ensayos y poemas sobre los mismos temas, describo aspectos de esa etapa tan nefasta para nuestro país cuando decenas de miles de personas, la mayoría jóvenes, fueron secuestradas, torturadas y asesinadas por el gobierno militar. Nuestra familia, al igual que tantas familias argentinas, quedó destrozada. Mi hija, Alicia, y su esposo fueron secuestrados y llevados a campos de concentración donde permanecieron “desaparecidos” durante cinco meses antes de ser llevados a distintas prisiones por dos años y medio. Su hija Ruth de un año y medio quien fue testigo del secuestro de su madre, perpetrado por las fuerzas armadas en su hogar y en forma salvaje, quedó vulnerable a ruidos intensos e impresionada ante la vista de gente uniformada. Ese día ella fue dejada con vecinos y luego vivió en nuestra casa hasta que mi esposo y yo, mediante la ley de Derecho de Opción y luego de presentar pedidos en muchas embajadas de Buenos Aires, conseguimos que sus padres fueran aceptados como exiliados en Estados Unidos. Luego de reunir a Ruth y su madre en el aeropuerto internacional ellas partieron para ese país. Daniel, mi hijo, quien no pudo soportar la angustia padecida por nuestra familia durante esos largos y tremendos años, comenzó a sufrir de depresión y en 1983 se suicidó. Tenía 25 años.

E.D. “Cuando miro retrospectivamente veo que la mayoría de mis series de pinturas reflejan mis raíces y mis vivencias. Al llegar mis padres a una edad avanzada me regalaron su samovar porque de acuerdo a las tradiciones judías tiene que legarlo el hijo menor. Con el samovar vinieron a mi hogar todas las memorias familiares las que decidí preservar en mis pinturas.” „Mi madre me regaló el album familiar y allí encontré inspiración para crear la serie de pinturas Las Novias. Todas aquellas antiguas y ya ajadas fotografias con tristes rostros, novias nostálgicas con forzadas sonrisas me contaban historias, historias de amor pero también de persecución y exilio.” Son tus própias palabras en las que defines la esencia de tu pintura: tus raíces y estos 2 mundos que coexistían: el amor del hogar y el terror de la persecución, la vida y la muerte. ¿Cuál es el papel de la mujer en este estado de tensión?

R.P. El papel de las mujeres dentro de nuestra familia ha sido, y sigue siendo, el de no permanecer en silencio ante el genocidio cometido en nuestro país. A través del arte, este elemento imperecedero de expresión y de lucha, mediante la pintura y la literatura hemos dejado testimonio de este hecho nefasto en la historia de Argentina. Las tres generaciones: mi hija, mi nieta y yo, juntas o separadamente, hemos dado charlas en universidades e instituciones para relatar nuestras vivencias. Se han publicado libros con nuestros cuentos, poemas, pinturas y ensayos, también antologías con nuestros aportes. Sabemos perfectamente que es deseo de los asesinos que cometen tremendos crímenes contra la humanidad que se guarde silencio, que se olvide. ¿Cómo olvidar? Imposible borrar de nuestra memoria el exterminio de millones de judíos en el Holocausto, episodio en el cual nuestra familia perdió seres queridos.

Cuando comencé a investigar para comenzar la serie de pinturas Sobrevivientes del Genocidio y escribir un ensayo sobre el mismo tema, noté similitud entre los procedimientos usados en el genocidio perpetrado en Argentina y el Holocausto. En ambas tragedias humanas las víctimas eran sacadas a la fuerza de sus hogares o lugares de trabajo por militares o fuerzas paramilitares. Después de destruir o robar todas sus pertenencias eran llevadas a campos de concentración donde sólo eran reconocidas por números; luego las sometían a toda clase de torturas para finalmente ser asesinadas. Pinté esta serie inspirada en testimonios de sobrevivientes de ambos eventos. Al exhibir esta muestra en octubre de 2008 en la Embajada Argentina en Washington al cumplirse 25 años del retorno de la democracia en nuestro país, era tanta la similitud de los temas que sólo leyendo las notas que acompañaban esas pinturas el público podía saber a qué episodio se referían.

E.D. En tu obra, la MUJER es el personaje principal. Rescatas figuras familiares del álbum de tus antepasados, hablas de mujeres argentinas artistas (en la serie „Mujeres, Musas y Artistas”), retratas los más importantes personajes bíblicos femeninos. La serie „Mujeres de la Biblia” se centra en 12 episodios protagonizados por mujeres en la Biblia: Eva, Ruth, Miriam, Esther, Las Hijas de Lot etc. Hablemos sobre ellas, las „primeras mujeres”. ¿Cuál es la historia que más te gustó? ¿La figura femenina con que te identificaste? ¿Cúales fueron los elementos de interés que encontraste en cada una de ellas?

R.P. Tanto en las mujeres de mi álbum familiar, como en las Mujeres de la Biblia, en Mujeres del Tango y en Mujeres, Musas y Artistas, siempre tuve el deseo de rescatar a todas ellas del olvido en que siempre estuvieron sumergidas. En mi vida fueron muy importantes las figuras de mi abuela y de mi madre, quien también era artista y de quien conservo dibujos y pequeñas esculturas. Ambas mujeres ya sea por la época que les tocó vivir o porque nadie le daba importancia a sus talentos personales, dedicaron sus vidas sólo a sus hogares, sus hijos, sus esposos. En los movimientos de arte siempre fue más importante el rol de la mujer como musa inspiradora en obras famosas que como artistas. En Mujeres, Musas y Artistas – pintura y ensayo, retrato las vidas de mujeres artistas de diversa época y latitud que fueron eclipsadas por sus esposos o amantes en un mundo del arte en el cual fueron siempre ignoradas. Muchas de ellas tuvieron que esperar décadas hasta que fueron reconocidas como artistas excepcionales. A través de las letras del tango encontré las historias de aquellas mujeres, muy jóvenes la mayoría de ellas, que habiendo nacido y vivido en la extrema pobreza de los conventillos y confiando en las falsas promesas de una vida mejor, eran llevadas para actuar como artistas en cabarés y terminaban ejerciendo la prostitución en un mundo del cual ya era difícil escapar. Al pintar y tratar de rescatar estas historias, he querido destacar el submundo en que cayeron estas mujeres empujadas por un entorno de abuso y discriminación.

Recuerdo que empecé con mucho entusiasmo a buscar en la biblia nombres de mujeres y que luego sólo conseguí reunir una docena de ellas, todas con personalidades apasionantes. Elegí trabajar con acrílico y collage de telas para realizar esta serie porque consideré que los pocos pasajes bíblicos donde sobresalían sus historias merecían una mayor riqueza de materiales. Es así que en estos trabajos expreso mi interpretación y admiración por estos personajes, como es al pintar a Eva embarazada, a Esther en su majestuosa postura, a Ruth destacando su figura sobre la de Boaz, a Miriam en su mundo pleno de vida y color, o los cuerpos entremezclados de Lot y sus hijas.

E.D. ¿Cúales son tus referencias en la pintura, qué artistas te gustan más?

R.P. Nunca me han interesado las corrientes artísticas sino las tendencias individuales donde el artista expresa su visión de la realidad. Por ello me identifico con el silencioso universo de los expresionistas quienes, en soledad, han plasmado en sus obras su amor por la humanidad, aún al destacar sus aspectos más dolorosos. En mis comienzos me impactaron las llamadas Pinturas Negras y Los Caprichos de Goya, como así también el fantástico mundo de El Bosco. Siempre he admirado la cruda belleza en las obras de Soutine, Munch, Kokoschka, Van Dongen, Ensor, Klimt, Schiele, Rouault, Grosz, El pintor judío Ben Shan, cuya obra tuve la oportunidad de conocer en el Museo Judío de New York, me impresionó profundamente por su carácter humano y social.

Siento respeto por las personalidades y magníficas obras de Carlos Alonso, Ricardo Carpani y Juan C. Distéfano, artistas que al igual que Raquel Forner, Lino E. Spilimbergo, Juan Carlos Castagnino, Antonio Berni y Demetrio Urruchúa han sido pilares que no sólo fundamentaron y fortalecieron el arte argentino, sino que han dado ejemplo de dignidad humana. El vasco Urruchúa, como afectuosamente se lo llamaba, fue mi maestro. Luchador infatigable contra la injusticia, las dictaduras y el horror de las guerras ha dejado plasmado su temperamento en su obra pictórica. En su taller, ubicado en un viejo conventillo del barrio San Telmo, ciudad de Buenos Aires, dictaba clases de arte y vida. Psicólogo nato, su preocupación mayor era desarrollar la personalidad del alumno, su condición le permitía ver más allá de los estudios que le llevábamos ya que en el taller no se pintaba. Realmente era fascinante escuchar las críticas que, sentado en su viejo sillón, nos hacía a cada alumno. Inflexible, duro a veces, nos señalaba el camino interior a seguir. Y cuando veía en nuestros trabajos que emprendíamos el itinerario correcto, como premio, nos mandaba a ver la mejor obra de teatro que se daba en la ciudad.

E.D. ¿En qué trabajas ahora?

R.P. Mi última serie de pinturas “Más allá de mis ventanas”, expuesta en Argentina en 2007, es una visión crítica de Washington ciudad en la cual vivo con mi esposo hace 15 años. En ella quise reflejar lo que acontecía más allá de mis ventanas, panorama ampliado por las noticias y también por lo que no se decía en las noticias pero que, de una u otra manera, fue trascendiendo. Algunos de los temas que tomé para esta serie fueron: corrupción, discriminación, indiferencia, violencia, desinformación, invasión. En 2008 comencé la serie “Dupont Circle Circus” en la cual estoy trabajando actualmente y que tal vez integre a la anterior ya que su tema principal se refiere a Dupont Circle, el barrio donde resido y la plaza que lleva el mismo nombre. Esta plaza es realmente un circo donde se pueden encontrar a diario diversas actividades: marchas de protesta, siempre con la celosa policía custodiando; grupos pidiendo fondos para niños enfermos de malaria en África, ante la indiferencia del público; latinos tocando sus tamboriles, que siempre resultan molestos para los demás concurrentes; y en los bancos de esa plaza los eternos homeless, las personas sin casa que abundan en la ciudad de Washington.

E.D. ¿Crees que ya ha cambiado la percepción „las mujeres no pintan” en el mundo del arte o aún queda mucho por hacer?

R.P. La mujer ya probó sus alas y ha demostrado que puede volar tan alto como el hombre. En la actualidad vemos cómo se destacan dentro de sus profesiones como científicas, médicas, escritoras, cineastas, periodistas, políticas y otras áreas, sin dejar por ello de ser excelentes madres y esposas. Por el contrario, al enriquecer su personalidad desarrollando otras actividades aporta a su hogar un mayor caudal de experiencias que beneficia al grupo familiar. En las últimas décadas la mujer ha ido ganando espacios en el mundo del arte gracias a los movimientos feministas. Han creado organismos, asociaciones, museos exclusivamente para la mujer, han publicado historias del arte desde el Renacimiento donde incluyeron nombres de artistas que permanecieron olvidadas durante siglos, también se han ocupado de artistas contemporáneas en diversas publicaciones. Sin embargo, en un universo que ha sido siempre organizado por y para el hombre aún quedan resabios que será necesario eliminar para que la mujer tenga los mismos derechos y oportunidades que el hombre en todas las áreas de la vida diaria.

Pienso que la mujer artista de todos los tiempos tiene que adoptar una actitud optimista, rechazar todo prejuicio o crítica adversa que pueda originar su quehacer artístico, no dar importancia a reglas preestablecidas de carácter sexista o racista y continuar creando siempre confiada en su talento y trabajo. El camino del arte y la creatividad es demasiado excitante como para que alguien o algo interrumpa nuestra marcha.

E.D. Muchas gracias, Raquel

Publicado en la Revista Niram Art Nº 20 / 2009

Más:

http://www.raquelpartnoy.net/

http://raquelpartnoy.wordpress.com/

http://rpartnoypoema3.wordpress.com/

http://rpartnoydialogos1.wordpress.com/

http://www.defesesfinearts.net46.net/1_46_Raquel-Partnoy.html

Entrevista de Eva Defeses con la fotógrafa Rosa Reis y el escultor Joao Duarte, Artistas Portugueses en la entrega de los Premios MAC 2009, Lisboa, 2009.

2009-10-15T22:25:34+00:00

Video realizado por Defeses Fine Arts PR Agency com o apoio da revista Niram Art, Madrid.

Entrevista de Eva Defeses com a fotógrafa Rosa Reis e o escultor Joao Duarte, Artistas Portugueses na entrega dos Premios MAC 2009, Lisboa, 2009.

Interview with the Portuguese artists Rosa Reis (photographer) and Joao Duarte (sculptor) at the 2009 Awards ceremony of the Movement for Contemporary Art, Lisbon, Portugal.

Video by Defeses Fine Arts PR Agency, Madrid with the support of Niram Art Magazine

Entrevista de Eva Defeses con Álvaro Lobato de Faria sobre el arte portugués

2009-10-15T22:20:08+00:00

Entrevista de Eva Defeses con Álvaro Lobato de Faria, Dir. Coord. y fundador de MAC Lisboa (Movimiento del Arte Contemporáneo) y con Joana Gomes (Dir. MAC)

Video realizado por Defeses Fine Arts PR Agency con el apoyo de la revista Niram Art, Madrid.

Entrevista con el pintor Romeo Niram (en alemán)

2009-10-15T22:48:17+00:00

BERLIN: Kerstin Ahlers im Gespräch mit Romeo Niram

„Wenn du heutzutage als Künstler nicht in Berlin bist, existierst du nicht“

http://www.planet-bpm.com/en/home-bpm/art/493-berlin-kerstin-ahlers-im-gespraech-mit-romeo-niram.html#comments

Romeo Niram

Romeo Niram wurde im Jahr 1974 in Bukarest geboren. Er studierte Malerei an der Universität der Schönen Künste in Bukarest. Im Jahr 1997 verließ er Rumänien und hielt sich seitdem in der Türkei, in Deutschland und in Portugal auf. Seit 2007 lebt er in Spanien.

Als seine wichtigsten Werke werden die Zyklen Ensaio sobre a lucidez (2006) und Brâncuşi: E=mc² (2007) bezeichnet, welche in Personalausstellungen in Portugal und Spanien präsentiert wurden. Neben seiner künstlerischen Tätigkeit ist er in verschiedene Projekte zur Förderung der rumänischen Kultur sowie zur Herstellung künstlerischer und kultureller Beziehungen zwischen Rumänien, Israel, Spanien, Portugal und Deutschland eingebunden.

Herr Niram, wie haben Sie den Weg zur Malerei gefunden?

Ich begegnete der Kunst in der achten Klasse bevor ich 14 Jahre alt wurde. Der Maler Corneliu Baba besuchte den Zeichenunterricht einer ruhmlosen und unbekannten Schule, an der ich Schüler war.

Kurz darauf suchte ich regelmäßig nach der Schule, aber auch wenn ich eigentlich in der Schule hätte sein müssen, das Atelier des Malers auf. Dort sah ich ein Bild, das noch in Arbeit war. Dieses Bild faszinierte mich und verwandelte mich für die nächsten zwei Jahre in einen disziplinierten und entschlossenen Schüler des Malers. Ich war davon gefesselt jene Magie, eine Welt nur mit einem Pinsel zu kreieren, zu erobern. Ich war hingerissen von dem Mysterium, durch welches die hässlichen Farben von der Palette über den Pinsel des Malers auf eine dreckige Leinwand gelangten und sich in ein Bild verwandelten, welches mit der Realität konkurrierte. Es wurde eine schönere Welt als die reale geschaffen. Ohne die Begegnung mit Corneliu Baba, hätte ich die Welt der Kunst vielleicht nie betreten. Wahrscheinlich hätte ich den Weg zur Physik eingeschlagen. Heute würde ich mich viel klarer in einem Physiklaboratorium sehen als in einem Atelier. Aber es ist zu spät. Ich kann nichts anderes…

Sie haben in verschiedenen Ländern (Israel, Türkei, Rumänien, Deutschland, Spanien und Portugal) gelebt und ausgestellt. In welchem Sinne sind Reisen und Aufenthalte im Ausland für das Werk eines Künstlers oder für seine Bekanntheit wichtig?

Als Künstler berühmt zu sein ist keine Priorität. Es gibt Fußballspieler, die viel populärer sind als der Maler Franz Ackermann, oder Fernsehstars berühmter als der Physiker Stephen Hawking, oder Boxer beliebter als der Schriftsteller José Saramago. Für das Leben der Kunstwerke jedoch kann man die Kunstwelt nicht auf ein Stadtviertel reduzieren, man muss sie persönlich kennen lernen. Indem man die Welt kennen lernt, wird sie die Werke kennen lernen. Ich weiß wie der Fußballspieler David Beckham aussieht, aber ich weiß nicht auf welcher Position er spielt. Jedoch, ohne mich gut an die körperlichen Formen des Künstlers Franz Ackermann erinnern zu können, kenne ich sein faszinierendes Werk sehr genau. In 30 Jahren wird der Schatten des englischen Fußballspielers nur eine lokale Erinnerung sein, aber das Licht der Werke des Deutschen Franz Ackermann wird in den Museen der Welt thronen. Das Kennenlernen der Welt führt zur Anerkennung und zum Wiedererkennen der Werke. Das ist das Wesentliche des künstlerischen Selbstexils, gelebt von Picasso, Modigliani, Dali, Brâncuşi, Ernst (Max), Rubens etc.

Gibt es bestimmte Gründe, warum Sie sich für eben diese Länder entschieden haben?

Die kulturellen Kontraste zogen mich an. Ich versuchte das Labyrinth des menschlichen Denkens malerisch zu „beschreiben“. Der Ort an dem ich provisorisch anhielt, um bestimmte Bilder zu malen, oder der Platz, dessen Architektur ich nutzte, oder die Person, die ich als „Subjekt“ wählte, sind nicht relevant, sondern die Erfahrung der letzten Reise hinter jedem Bild.

Haben die Reisen Ihre Kunst beeinflusst? Finden sich die verschiedenen Kulturen in Ihrem Werk wieder?

Reisen sind von entscheidender Bedeutung. Begegnungen mit anderen Horizonten bereichern uns nicht unbedingt, aber sie helfen uns beim Aufbau einer eigenen, kohärenten und klaren Sprache. Wie die menschliche Erinnerung sich bruchstückartig manifestiert und wir, in ihrer Basis, ein eher abstraktes Denken haben, können uns die scheinbar verstreuten Einflüsse labyrinthisch zur Entwerfung eines einheitlich konstruierten Werkes führen, paradoxerweise, aus verbündeten Fragmenten. Zum Beispiel habe ich in Deutschland vor einem Bild von Franz Ackermann die Lösung der Sprache eines Bildes gefunden, an welchem ich in Lissabon arbeitete. Es ging um die politische Myopie von Eliade[1]. Ackermann „zeigte“ mir die Grammatik seiner Sprache, indem er mir indirekt offensichtlich suggerierte, welche Abänderungen ich meiner Sprache bringen könnte, um fähig zu sein, die Besessenheit oder die Loyalität von Mircea Eliade für seinen Mentor, Nae Ionescu[2] auszudrücken. Dabei steht nicht die Darstellung der Beziehung zwischen Mircea Eliade und Nae Ionescu im Vordergrund, sondern das „Ausleihen“ aus dem Werk des deutschen Malers, um das Konzept der Loyalität oder der Besessenheit malerisch umsetzen zu können. In dem „Selbstbildnis“ Albrecht Dürers von 1500 (Alte Pinakothek, München) zum Beispiel, kann die Tatsache, dass der Künstler sich selbst malte, indem er das Gesicht Jesu andeutete, sekundär sein. Vorrang hat der Einfluss der italienischen Renaissance, aufgrund der Tatsache, dass Dürer sich zu dieser Zeit in Italien aufhielt.

Sie haben auch in Deutschland ausgestellt. Wo und was haben Sie ausgestellt und wie wurde Ihre Kunst dort aufgenommen?

Von 1998 bis jetzt hatte ich das Privileg, fünf Mal in Deutschland auszustellen, und zwar in Berlin und Köln. Ich mochte die Stadt Köln sehr und ich mag sie immer noch. Ich verbrachte die Abende damit, alleine am Ufer des Rheins spazieren zu gehen. Bevor ich die Stadt besser kannte, orientierte ich mich immer an der Domspitze. Die ersten Bilder, die in Deutschland ausgestellt wurden, sind aus einer frühen Schaffensphase, die ich heute nicht wieder erkenne. Diese Bilder waren eine Suche. Für mein Niveau zu jenem Zeitpunkt, in welchem Maße man auch immer von einem Niveau sprechen kann, hatte ich eher Erfolg auf dem Markt. Ich habe die Mehrheit der Arbeiten verkauft ohne jedoch ein wesentliches Echo von Kollegen derselben „Zunft“ zu bekommen. Die Arbeiten erreichten nicht das Niveau der Künstler aus Deutschland. Sie waren weit davon entfernt. Zu dieser Zeit war ich ein Laie im Gegensatz zu den Kollegen aus Berlin und Köln, ein Schüler am Anfang seines malerischen Schaffens.

Welche Meinung haben Sie über Deutschland als Standort für Kunst?

Deutschland bot mir eine „Lehrstunde“ wie ich sie bis heute in keinem anderen Land bekommen habe. Wir sollten nicht vergessen, dass Berlin seit mehr als 20 Jahren das Weltzentrum für zeitgenössische Kunst ist. Die Giganten der Kunst „wohnen“ heute in Berlin. Ich fühlte mich wie ein Lehrling in einer Welt von Meistern, von Beherrschern des zeitgenössischen künstlerischen Konzeptes. Besonders, weil ich noch am Anfang des Weges stand, als ich Deutschland betrat. In allen Gruppen war ich der Jüngste von allen. Somit ist es für mich nicht wichtig wie die Deutschen mich aufgenommen haben, sondern was ich von ihnen bekommen habe.

Gibt es einen deutschen Maler, der Ihnen besonders gefällt?

Meiner Meinung nach ist Franz Ackermann mit Abstand der wichtigste heute lebende bildende Künstler. Seine Installationen betrachte ich mit Bewunderung, ohne dass ich mich vollkommen von ihnen überzeugen lasse. Durch seine Malerei jedoch hat sich der deutsche Künstler einen verdienten Platz in der Galerie der „Klassiker“ gesichert. Franz Ackermann ist der „Picasso“ von heute.

Sie haben die Zeitschrift Niram Art als eine Plattform zur Kommunikation zwischen Künstlern und Galeristen gegründet. Im letzten Jahre haben Sie einen weiteren Raum der Begegnung mit dem Namen Espacio Niram Bar & Lounge geschaffen. Sehen Sie Schwierigkeiten bezüglich der Kommunikation zwischen Künstlern und Galeristen oder zwischen den Künstlern untereinander?

Heutzutage steht die Kunst jedem zur Verfügung. Der Luxus stellt nicht mehr den Zugang zu den Geheimnissen der Kunst dar (nur in der Bedeutung vielleicht). Die Kontaktaufnahme zwischen Künstlern und den Vertretern der Galerien ist relativ einfach. Die Schwierigkeit findet sich eher in der Verfügbarkeit und Möglichkeit des Künstlers auszustellen. Es gibt Platz für jeden, jedoch der Wunsch dort auszustellen, wo du das Bedürfnis verspürst präsent zu sein, zieht eine Unruhe in der Arbeit mit sich.

Man braucht eine dritte Entität, die dem Künstler den Zugang zu den Galerien vermittelt, ihn also von den administrativen Anstrengungen entbindet. Das ist die Rolle einer Kunstzeitschrift. Sie soll informieren, bei der Kontaktaufnahme helfen und eine Unterstützung für die Ausstellung sein. Die Zeitschrift gehört mir nicht mehr, sie hat einen neuen Besitzer, aber sie organisiert weiterhin mit Erfolg Ausstellungen, sie erleichtert den Austausch, bietet Unterstützung an und vor allem stellt sie Künstler in einer unzugänglichen Welt der Kunst vor. Die Bar & Lounge Espacio Niram setzt das Projekt der Kunstzeitschrift in einer aggressiveren und weniger virtuellen Form fort, indem sie Möglichkeiten physischer Begegnungen bietet.

An welchem Projekt arbeiten Sie gegenwärtig? Was sind Ihre Pläne für die Zukunft, auch hinsichtlich Ihrer Ausstellungen und Projekte in Deutschland?

Ich habe ein neues Projekt, welches mit einem Auftrag seitens der königlichen Garde Spaniens „Reales Tercios“ zusammenfällt. Ich hatte in einer Zeichnung ein Konzept begonnen, in welchem ich im selben „Universum“ die klassische Kunst (Renaissance) mit dem Surrealismus und dem Abstrakten verschmelzen lasse. Der General und Präsident der königlichen Garde „Reales Tercios“ José Manuel Fuentes Cabrera bat mich um ein Bild, auf dem der Kronprinz Filipe und die Prinzessin Letizia dargestellt werden sollten. Ich habe in diesem Bild die schon erwähnte Verschmelzung von Renaissance, Surrealismus und Abstraktem umgesetzt (erinnernd an Leonardo da Vinci, Salvador Dali und Constantin Brâncuşi). In Berlin werden in Zukunft auch einige Projekte verwirklicht, weil ich weiß, dass ich nicht sehr lange der Versuchung seitens der Kunstwelt Berlins widerstehen werde. Wenn du heutzutage nicht in Berlin bist, existierst du nicht.

[1] Mircea Eliade (1907-1986) war rumänischer Religionswissenschaftler, Philosoph und Schriftsteller.

Nicolae C. Ionescu (1890-1940) war rumänischer Philosoph, orthodoxer Theologe, Universitätslehrer und Journalist. Es war Lehrer von Mircea Eliade.