11 Nov 2013

Lady Dadá, Doppeltgänger y Sweet Art en el I Salón Neo-simbolista de Madrid

Escrito por: defesesfinearts el 11 Nov 2013 - URL Permanente

El I Salón Neo-simbolista tiene lugar en el marco de la V Semana Gótica de Madrid durante todo el mes de noviembre en el Museo de Arte y Tradiciones Populares de la Universidad Autónoma de Madrid, La Corrala. La exposición colectiva, que trata de evocar el ambiente de los salones parisinos a finales del XIX, se desarrolla bajo el lema “Por la belleza y el espíritu en el arte”.

El evento, organizado y patrocinado por la Secretaría de Estado de Cultura del Gobierno de España y por las asociaciones Besarilia y Mentebre para SMG, contó con el comisario de la exposición, Pedro Ortega Ventureira, que abrió una conferencia de inauguración sobre el arte en la sociedad actual. La exposición propone un recorrido temático alrededor del imaginario Simbolista, reformulado en el siglo veintiuno: la nueva visión sobre la doncella, el viaje al mundo de la noche, la reinterpretación de motivos bíblicos, la vuelta a los malditos, la vía para la transformación, el viaje al mundo del sueño y para concluir el eclipse del arte underground en la contemporaneidad.

Entre los artistas participantes, se encuentran Iván M.I.E.D.H.O., Raúl Moreira y Epi Neuraska, que a través de sus obras dieron su visión particular sobre el mundo de las artes.

El artista M.I.E.D.H.O. asistió y participó con varias de sus obras pertenecientes a su último trabajo Doppeltgänger: Sweet Art: Eminescu y Verónica, Lady Dadá y Regnägtleppod. Iván M.I.E.D.H.O. en anteriores ocasiones ya ha trabajado en sus obras el trasfondo de Mihai Eminescu, considerado el poeta nacional rumano. En esta obra nueva podemos ver al artista, interpretando a Eminescu en su época más oscura y dolorida, simbolizando la locura, y al modelo femenino en el papel de Verónica Micle, amor e inspiración del poeta.

En la obra Sweet Art: Eminescu y Verónica el artista trabaja el trastorno bipolar, enfermedad que sufrió el poeta Mihai Eminescu. En palabras de Ana Isabel Díaz Plaza: “El artista M.I.E.D.H.O. Recurre al doppelgänger para simbolizar la participación de otros en nuestras vidas, la influencia de nosotros en todo aquello que nos rodea, creando una cultura en continua expansión y globalización. (…) Además del simbolismo no puede dejar de destacarse la calidad técnica de la obra que supone el resultado de la fusión de la fotografía y la pintura, creando una obra única cuyos límites se diluyen”.

Las obras de la exposición fueron seleccionadas por un jurado formado por Pedro Ortega Ventureira, historiador de arte (UAM), el Dr. Miguel Salmerón Infante (UAM), Ana Isabel Díaz Plaza (UAM) y por la Dra. Lourdes Santamaría Blasco (UMH).

La exposición está abierta a todos los públicos en el Museo La Corrala de Madrid - Calle Carlos Arniches, 3-5, 28005 Madrid- , desde el 31 de Octubre hasta el 30 de Noviembre de 2013.

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23 Oct 2013

Salud mental y exposición de arte – Lisboa

Escrito por: defesesfinearts el 23 Oct 2013 - URL Permanente

En el contexto de las iniciativas culturales para combatir el estigma, la El Programa Nacional Portugués de Salud Mental promueve la exposición de obras de arte realizadas por personas con enfermedad mental en las áreas de pintura, escultura y fotografía. La exposición es comisariada por Álvaro Lobato de Faria, Director Coordinador del Movimiento de Arte Contemporáneo MAC – Lisboa.


 SALUD MENTAL Y EXPOSICIÓN DE ARTE - LISBOA

La muestra que hace parte de una base nacional más amplia, fijada ahora en un catálogo, comenzó a ser expuesta en Oporto, en conmemoración del Día Mundial de la Salud Mental / 2013 en el Museo Nacional de Soares dos Reis, y va a tener continuidad en el Museo de Oriente de Lisboa.

La inauguración de la exposición será presidida por el Ministro de Salud de Portugal, Don Paulo Macedo, el Jueves 24 de octubre a las 18:30 horas, y la exposición quedará abierta hasta el 3 de noviembre.

Viajes en grupo tienen entrada gratuita, si se reserva previamente a través del museo.

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24 Jul 2013

El pintor Romeo Niram premiado en Israel

Escrito por: defesesfinearts el 24 Jul 2013 - URL Permanente

La Soberana Orden Militar y Hospitalaria de San Juan de Jerusalén, más conocida como La Orden de Malta, ofreció los Premios Yakir HaShevet a los artistas y personalidades judías que más destacaron durante el año pasado, por su contribución al desenvolvimiento de las relaciones culturales bilaterales entre Israel y Rumania. La gala de los Premios Yakir HaShevet tuvo lugar en Israel, durante la Quinta Edición del Festival de los Judíos Originarios de Rumanía, organizada con el apoyo del Gobierno de Rumanía y de la Televisión Nacional.

El artista plástico judío Romeo Niram fue uno de los premiados, por su contribución a la promoción de la cultura en la diáspora y su apoyo a los jóvenes artistas.

Romeo Niram Awarded Yakir HaShevet Award in Israel

El premio fue levantado por el galerista madrileño Antonio Calderón de Jesús, quien viajó a Tiberias, Israel, en representación del artista. Romeo Niram reside en España desde varios años y, además de su actividad artística, es el fundador de la Editorial Niram Art y del Espacio Niram de Madrid.

Entre los premiados, se encuentran artistas y actores Nicu Nitai (actor, director), Rozina Cambos (post-mortem), Itzak Bareket (actor and poet), Geta Munte (actriz), Sandra Sade (actriz), y Tricy Ambramovici (actriz) y también políticos, como Colette Avital, diputada, Michael Harish, antiguo Ministro de Comercio del Estado de Israel o personalidades como Iuju Orenstein, director financiero del Museo de Israel de Jerusalén.

El festival tuvo lugar en la ciudad de Tiberias, Israel, al final del mes de Junio del 2013.

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14 Jul 2013

El pintor Romeo Niram premiado en Israel

Escrito por: defesesfinearts el 14 Jul 2013 - URL Permanente

La Soberana Orden Militar y Hospitalaria de San Juan de Jerusalén, más conocida como La Orden de Malta, ofreció los Premios Yakir HaShevet a los artistas y personalidades judías que más destacaron durante el año pasado, por su contribución al desenvolvimiento de las relaciones culturales bilaterales entre Israel y Rumania. La gala de los Premios Yakir HaShevet tuvo lugar en Israel, durante la Quinta Edición del Festival de los Judíos Originarios de Rumanía, organizada con el apoyo del Gobierno de Rumanía y de la Televisión Nacional.

El artista plástico judío Romeo Niram fue uno de los premiados, por su contribución a la promoción de la cultura en la diáspora y su apoyo a los jóvenes artistas.

Romeo Niram Awarded Yakir HaShevet Award in Israel

El premio fue levantado por el galerista madrileño Antonio Calderón de Jesús, quien viajó a Tiberias, Israel, en representación del artista. Romeo Niram reside en España desde varios años y, además de su actividad artística, es el fundador de la Editorial Niram Art y del Espacio Niram de Madrid.

Entre los premiados, se encuentran artistas y actores Nicu Nitai (actor, director), Rozina Cambos (post-mortem), Itzak Bareket (actor and poet), Geta Munte (actriz), Sandra Sade (actriz), y Tricy Ambramovici (actriz) y también políticos, como Colette Avital, diputada, Michael Harish, antiguo Ministro de Comercio del Estado de Israel o personalidades como Iuju Orenstein, director financiero del Museo de Israel de Jerusalén.

El festival tuvo lugar en la ciudad de Tiberias, Israel, al final del mes de Junio del 2013.

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02 Jul 2013

Nueva muestra de la Asociación Judía de Artistas Plásticos de España

Escrito por: defesesfinearts el 02 Jul 2013 - URL Permanente

El martes 2 de julio, a las 19.30 horas, se inaugura la nueva exposición que organiza la Asociación Judía de Artistas Plásticos de España (AJAPE) en Barcelona. Los pintores Andrea Mindell Cohen, Adolfo Mizrahi y Susana Peses expondrán sus pinturas en la librería Call Barcelona, en la antigua judería de Barcelona (C/ Sant Honorat, 9), del 2 al 30 de julio, en los horarios habituales de la librería. Con la AJAPE colaboran Jabad Lubavitch Barcelona y Tarbut Sefarad.

ANDREA MINDEL COHEN

Nace en Vancouver, Canadá, en el seno de una familia sefaradí originaria de Melilla, en el sur de España. Tras finalizar sus estudios secundarios, pasará por diferentes escuelas de arte de Canadá y también de Italia, donde permanece una temporada. Finalmente completa su formación en la prestigiosa escuela de arte y diseño Otis Parsons, de Los Angeles, donde obtiene su licenciatura en Bellas Artes en 1996.

Gracias al programa educativo que recibe, su trabajo se especializa en el diseño de moda y también se adentra con profundidad en el mundo de las bellas artes.

En el año 2000 Andrea se traslada a España, concretamente a la ciudad de Barcelona, donde se concentraría especialmente en la búsqueda de nuevas posibilidades en el arte y el diseño.

En el año 2000 se traslada a Tel Aviv, Israel, donde permanecerá una larga temporada. Su fascinación por la vida urbana de Tel Aviv y su arte callejero la conducen a crear una de sus series artísticas más recientes,”Tel Aviv: la vida”.

Posteriormente vuelve a Barcelona, donde actualmente vive y trabaja.

ADOLFO MIZRAHI MAWAS

Es Arquitecto Superior, graduado en la Escuela de Arquitectura y Urbanismo, Universidad de Buenos Aires (Argentina). También es psicoterapeuta acreditado por la Federación Española de Asociaciones de Psicoterapeutas.

Adolfo Mizrahi nació en Buenos Aires y comenzó sus experiencias como pintor mientras estudiaba en la Facultad de Arquitectura de Buenos Aires. Posteriormente, ya en Barcelona, donde vive desde 1986, continuó sus practicas en el mundo de la plástica en el “Taller Tecla Sala” de L´Hospitalet.

Su técnica consiste en la expresión espontánea pintando y repintando tantas veces como el cuadro lo pide “en un constante dialogo entre el consiente y el inconsciente. Los temas son diversos, inclinándose a los colores absolutos con una sorprendente resolución de las formas que asombran por sus inquietantes resultados.”

A partir de 1994, cuando expuso sus obras en el Aula de Cultura La Florida, Ajuntamiento de L ?Hospitalet , realizó diversas muestras. Entre ellas destacamos en 1998 una colectiva en la Asociación de Relaciones Culturales Cataluña – Israel; en el 2001, en la Galeria Renoir, de Barcelona; en el 2005 expone en la Galería de Arte Legal, en Buenos Aires, y en la misma ciudad, en el 2006, en la Feria de Arte Contemporáneo. Ya en el 2007 participa de una exposición colectiva en el Tecla Sala, de L´Hospitalet.

SUSANA PESES WASSERMANN

Nacida en Buenos Aires, Argentina, vive en Barcelona desde el año 1988.? Es licenciada en Psicopedagogía por la Universidad de Buenos Aires y licenciada con grado en Psicología, Ministerio de Educación y Ciencia, Madrid.

Sobre su obra nos dice la artista: “Yuxtapongo imágenes y materiales para hablar de lo inexorable del tiempo, matriz silenciosa que no cede en su intento de recordarnos el origen. Superposiciones de papel estampado, dibujado, pintado, en blanco convierten los vacíos en sentidos e intentan conseguir una trama de superficies táctiles en la que las imágenes flotan pactando entre ellas su propio recorrido tantas veces impredecible…”.

Entre sus numerosas exposiciones destacamos: en 1992, Galería Wassermann, Buenos Aires; en 1999, Maragall Edicions, Barcelona; en 2001, Fragments, Galería Taller e Hipòtesi, ambas de Barcelona; en el año 2002, en Arte-Zocodobar (Toledo); el mismo año, en Roberto Martin, Arte Contemporáneo, Buenos Aires. En el año 2003 expone nuevamente en Barcelona en la galería Janina Born y en el 2003 muestra “Arte y Memoria, Historias de Emigrantes” en el Institut Français.? En el 2008 realiza la muestra “Lugares” en la galería Sargadelos de Barcelona y ese mismo año expone en la Galería Silvia Sennacheribbo, también de Barcelona.

Más info: Tarbut Sefarad

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18 Abr 2013

Michel Houellebecq, exclusivo en español

Escrito por: defesesfinearts el 18 Abr 2013 - URL Permanente

La editorial Niram Art presentará el próximo día 23 de abril de 2013 el libro Michel Houellebecq, diálogos con Fabianni Belemuski, exclusivo en español. El lanzamiento tendrá lugar en la Facultad de Filosofía de la Universidad Complutense, dentro de la Semana del Libro 2013 organizada por la Comunidad de Madrid.

La obra, una conversación entre el autor de El mapa y el territorio y el periodista Fabianni Belemuski, aparecerá en primicia en español y posteriormente será traducida al francés, al inglés, al alemán y al rumano.

La portada del libro es un retrato de la artista catalana Rita Martorell, cuya obra gira en torno al rostro humano.

Michel Houellebecq es el escritor francés más traducido de la actualidad. Ha conseguido llamar la atención de la crítica y ha conquistado a los lectores con obras tan irreverentes como Las partículas elementales o La posibilidad de una isla, verdaderos éxitos en Francia y en toda Europa.

Ganador del Premio Gouncourt, máximo galardón literario en Francia, el escritor estuvo en Madrid entre el 17 y el 23 de diciembre de 2011 donde recibió el premio Niram Art de literatura, un reconocimiento a toda su trayectoria.

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Defeses Fine Arts PR Agency
Representante Editorial Niram Art – Madrid

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18 Feb 2013

EL HOMBRE QUE HACE REÍR por Héctor Martínez Sanz

Escrito por: defesesfinearts el 18 Feb 2013 - URL Permanente

Prólogo del libro de aforismos “El Traje de Adán—Escondido detrás de las palabras ” de DOREL SCHOR

Niram Art Editorial

A todos nos han contado un chiste y hemos reído. Todos hemos escuchado algún sarcasmo y se nos ha escapado una carcajada. Todos oímos alguna vez una ironía por la que cambiamos la mueca seria por la sonrisa. Y aun así, no estaríamos en disposición de comprender qué sea el «humorismo».

Consideramos a todo lo anterior nacido del humor y creemos que cuanto nos haga reír habrá de tener su origen en aquél. Asaltar por sorpresa a alguien, emergiendo de la oscuridad o de un ángulo muerto, también provoca risa –excepto, quizás, en el asaltado-, y, en general, jugarle una mala pasada a cualquiera, engañarlo para que caiga en una trampa que consideramos graciosa como quitarle la silla o atarle los cordones, nos divierte del mismo modo. A lo último lo llamamos «broma», y es bien diferente del chiste, del sarcasmo y de la ironía, aunque produce el mismo resultado de la risotada. Obviamente, pensamos que tiene su origen igualmente en el humor. Adjudicamos a cosas tan diferentes una misma madre, sólo por su consecuencia.

Cuando en situaciones parecidas a las anteriores, alguien no ríe, decimos que «no tiene sentido del humor». Si alguien no quiere entrar al trapo, dirá que «no está de humor». E incluso, en un grado mayor, si está enfadado, decimos que está «de mal humor» o «con un humor de perros».

Es, pues, claro que el «humor» se describe como un estado de ánimo pasajero, interno y externo, como reacción a una percepción de la realidad. En tanto que sentido, es una percepción del exterior, cual son el sentido de la vista, del oído, del tacto, del gusto y del olfato; una percepción condicionada por una buena o mala predisposición, que genera un estado interno cuya manifestación física acontece en nuestros labios, a veces, acompañada de un sonido. Convendremos, sin embargo, en que esta descripción cuasi científica del «humor» apenas tiene gracia. Es más, se la quita toda. Tampoco parece tener que ver con el «humorismo».

Escribía Pirandello, auténtico clásico en estos menesteres del humorismo, que «el humorismo consiste en el sentimiento de lo contrario, producido por la especial actividad de la reflexión»[1]. Es decir, no consiste en algo tan automático como la torpeza de quien se da de bruces contra el suelo, ni en el sutil juego lógico de la ironía, ni en la acritud del sarcasmo, ni en la simpleza del chiste. En el humorismo tiene un papel fundamental la reflexión. Tal y como yo mismo lo definiera hace años: «no se trata de reírse a carcajadas como si de chistes vanos se tratará, sino de reír agudamente tras haber sentido y visto el hondo sentimiento trágico de todo lo que somos y hemos inventado. Reír, no como consuelo resignado, sino como rapapolvo entre nosotros, restregando la verdad en nuestras indolentes caras, reconociéndola en ese profundo dolor que, paradójicamente, nace del humor»[2]. El reír del humorismo proviene del «sentimiento de lo contrario» de Pirandello, que para mí es un «sentimiento trágico». Pero no creamos que se trata a secas del «reír por no llorar». De hecho, en el humorismo ocurre, más bien, que la lágrima se vuelve risa no por enmascaramiento, sino por una metamorfosis reflexiva, una «lesión del cerebro que impone esa especial visión de las cosas» por la que «miráis sus ojos y están húmedos, pero mientras, sonríen sus labios»[3]. Añadamos la definición que, al comentar sobre Antonio Machado, da Dámaso Alonso: «rictus de amargura: el chiste»[4].

Ahora bien, ¿es que el humorismo es un intrincado complejo que precisa de ser desentrañado intelectualmente para ser tanto realizado como comprendido? Es evidente que no. La experiencia nos enseña que, prácticamente, surge de sopetón y reímos de inmediato. El estado de ánimo con que nos sacude dura más que el fugaz destello de la humorada misma. Es un dardo lanzado, pequeño, breve, en busca de una diana. Tiene tanto de precisión como de velocidad. Y tan admirable es la habilidad de quien lo crea como la habilidad de quien lo percibe. Su tiempo es exacto y exige una escrupulosa coordinación. Un segundo de más en lanzarlo o en recibirlo y perderá todo su efecto. Ocurre sólo en un momento dado, y pasado éste, pasados con él la oportunidad y su sentido, como supo ver Kant: «Es necesario notar que en esta especie de casos la bufonería debe contener siempre alguna cosa que pueda producir por un momento la ilusión; es por lo que cuando la ilusión se disipa, el espíritu se queda atrás para experimentarla de nuevo»[5]. Además, como para Baroja, el humorismo acierta o yerra, y es fruto del conjunto de improvisación, intuición, invención e instinto, que tiene en su seno los anhelos de lo nuevo y lo porvenir[6]. Por esto que W. Fernández Flórez lo definiera llanamente como «una posición ante la vida» resumiendo la definición de Ruggero Bonghi: «agria disposición para descubrir y expresar lo ridículo de lo serio y lo serio de lo ridículo humano»[7].

Caigamos en la cuenta de la especificidad humana del humor. Señala Bergson justo al comienzo de La risa que «fuera de lo que es propiamente humano, no hay nada cómico (…) si algún otro animal o cualquier cosa inanimada produce la risa, es siempre por su semejanza con el hombre, por la marca impresa por el hombre o por el uso hecho por el hombre»[8]. ¿Por qué es el hombre el único animal que ríe? Hazlitt afirmaba que esto se debía a que «es el único que descubre la diferencia entre lo que las cosas son y lo que debieran ser»[9]. Es más, Hazlitt no dice que solamente el hombre ría, sino que es también el único que llora. La definición de Hazlitt se ajusta a nuestro planteamiento: el hombre ríe y llora porque sólo él sabe del ser y del deber ser, de la alegría y del dolor. Sólo el hombre sabe, llevado al límite, que debe morir, y mira a la realidad con la socarrona sonrisa del humorista que ha captado el humano ridículo depositado en sí mismo y en las cosas. El hombre ríe, sí… y también hace reír.

En nuestro caso son dos los hombres que nos hacen reír en El traje de Adán. Por un lado, el escritor humorista israelí Dorel Schor, y por otro, el conocido caricaturista Constantin Ciosu. Ambos son la demostración de la inmediatez del humorismo, ya por la palabra, ya por la imagen. Combinados, son la demostración de que el humorismo, además de humano en tanto que estado de ánimo, es humano por su forma de producción artística. El hombre, al fin y al cabo, además de ser el único animal que ríe y llora, es el único animal que escribe y dibuja.

Hemos dicho que el humorismo es expresable por la palabra, a través del dardo de que hablábamos líneas arriba, es decir, la brevedad del aforismo. Es el humorismo literario, y no podría haber mejor género que el aforístico, dado que éste último siempre se toma en relación a una profundidad e intuición del pensamiento, a una sentencia sabia. ¿Qué duda cabe que Nietzsche o Cioran nadaban entre las aguas de la filosofía y del humorismo? No deja de ser curioso que quien introdujera el término «aforismo» fuera un médico, el viejo Hipócrates, allá por el s. III y s. II a.C. Bien nos viene el médico, pues leíamos antes en W. Fernández Flórez que el humorismo era el resultado de una lesión cerebral. Y, efectivamente, el aforismo, más que adoctrinar o afirmar lapidariamente, es el diagnóstico de una enfermedad incurable: el contrasentido del hombre y su realidad.

El aforismo bien hecho es aquél ante el cual asentimos o sonreímos porque encierra una profunda verdad humana. Lo captamos ipso facto porque nos involucra e identificamos en él algo que raya en lo absurdo de la vida. De igual modo reímos al vernos sorprendidos por la sencillez y concisión con los que tal honda verdad se expresa. Así es como leemos los donaires de Schor en este libro, como por ejemplo la receta ética «para una moral saludable, toma unas dosis de escepticismo». Y lo leemos con la misma intensidad que las varias páginas de una novela o el argumento de un ensayo. Quizás por ello se ha escrito que «un aforismo es una novela de una sola línea»[10].

Dorel Schor brilla en un género cual es éste, bien conocido en España por haber sido cultivado incansablemente. No sólo el inmenso refranero, la larga lista de proverbios y dichos que sacamos a pasear para contestar al mundo, muy sanchopancescos, sino la destreza de nuestros literatos en el arte de arrojar sobre la realidad metáfora, filosofía y humor juntos y en tres palabras. Es la definición de la greguería de nuestro Gómez de la Serna (metáfora y humor), para quien «la actitud más cierta ante la efimeridad de la vida es el humor. Es el deber racional más indispensable y en su alcachofa de trivialidades, mezclada de gravedades, se descansa con plenitud. (…) El humorismo es una anticipación, es echarlo todo en el mortero del mundo, es devolvérselo todo al cosmos un poco disociado, macerado por la paradoja, confuso, patas arriba»[11]. No olvidemos al pontevedrés Julio Camba, agudo comentador de crónicas parlamentarias, de quien me gusta recordar un pasaje de inversión de la mesotes aristotélica, por venir bien a la definición del aforismo: «Hay muchas maneras de entender las cosas, y sólo hay una de no entenderlas»[12]. Es evidente que grandes figuras del humorismo y la frase corta fueron nuestras glorias del Siglo de Oro. Precisamente, allí habitó Baltasar Gracián quien, con acertada fortuna para el acervo español, dio carta de naturaleza al género aforístico del humor al escribir «lo bueno, si breve, dos veces bueno; y aun lo malo, si poco, no tan malo»[13], siendo la máxima misma ejemplo de su contenido. Y no muy lejos le andan Cervantes y Quevedo, éste último con el lema conceptista compartido con Gracián de «decir mucho con poco». Tampoco es menos el Siglo de Plata –que en realidad sólo es un tercio-, con los noventayochistas a la cabeza –si obviamos el mencionado vanguardismo ramonista y demás-, en poetas como Antonio Machado cuya vejez la describía en el pareado «se pintan panza y joroba / en la pared de mi alcoba»[14], al que podría responder la siguiente de Dorel Schor: «Todos envejecemos… Dios tampoco se siente muy bien». Hay de esto por tierra española un sinnúmero de ejemplos, y más fuera de la literatura, para no dejar de mencionar a los fallecidos Miguel Gila, Luis Sánchez Polack, alias Tip, y José Luis Coll.

No sólo por la palabra. Hemos dicho que también por la imagen se despliega El traje de Adán. El humorismo gráfico de Constantin Ciosu tiene tanto de relámpago como el aforismo de Schor. Son sus cincuenta caricaturas, arriesgando la expresión, el dibujo aforístico, pues comparte con aquél los mismos rasgos de las cinco íes -improvisación, intuición, invención e instinto-. Ya en una entrevista en la que le preguntaban de dónde le venían sugeridos los temas para las caricaturas, él respondía «realmente no tengo ni idea. Si lo supiera, los buscaría allí». Surjan de donde surjan, las imágenes sin palabras, atravesarán al lector-espectador del mismo modo que el aforismo, ya sea desde la posición metapictórica, con referencias a los contrastes entre el cubismo y la Mona Lisa, o la familia que en el museo se detiene ante El grito de Munch, así como una galería de retratados en la historia del arte –y autorretratados, pues ahí está Velázquez en su pose de Menina- ante una televisión; ya sea, como en otros casos, acercándonos más al humorismo social, a la cotidianeidad de los individuos y a la actualidad de las costumbres y los tópicos.

La historia de este género es igualmente larga y en ella destacan nombres como el de Hogarth y, más claramente, Daumier. En España tampoco nos quedamos cortos en nuestra historia reciente, con los conocidos Antonio Mingote, Antonio Fraguas de Pablo –Forges-, Paco Ibáñez o el malogrado José Escobar. Los dos últimos, historietistas de una realidad social entre, por citar ejemplos, la difícil comunidad de vecinos de 13 Rue del Percebe y la fe del mendigo Carpanta. Forges, quien nos contara nuestra historia forgesporánea. Y Mingote, instalado en la Real Academia, santo y seña de la viñeta española contemporánea. Por cierto, estos otros dos últimos coincidentes en la famosa revista La Codorniz. Es a Mingote al que más aproximaría yo la obra de Ciosu en este libro, con el trazo curvo y las redondeces de las figuras, aunque Ciosu mantenga más la proporcionalidad de las formas frente al español.

Por otro lado, es destacable en el dibujo de Ciosu la ausencia verbal, en el sentido de que «el dibujo sin palabras tiene una mayor creatividad e invención de estilo que el dibujo que alterna con lo verbal: su comicidad está más realizada porque es enteramente visual, porque deslumbra al destinatario y lo sorprende»[15]. Una creatividad que se basa, al mismo tiempo, en la sencillez y austeridad de los elementos para favorecer su contraste y la inmediatez del impacto visual en el receptor. De hecho, la palabra ausente en Ciosu, la escribe Schor. Y esa palabra en El traje de Adán no es un complemento ni un intermediario, sino que mantiene un protagonismo equilibrado con la viñeta, el mismo equilibrio que existe entre los dos autores, Schor y Ciosu. Su unión es perfecta, diferenciando los distintos códigos del humor verbal y el gráfico.

Lo dicho nos lleva hacia el título y el subtítulo de la obra: El traje de Adán. Escondido detrás de las palabras. ¿Cómo entender el subtítulo? ¿Qué se oculta? Me recordaba, teniendo en cuenta que hablamos de humorismo judío, el interesante análisis que de éste realizó Theodor Reik, quien afirmaba «los chistes judíos sirven (…) para ocultarse uno mismo detrás de ellos. El humorismo judío oculta tanto como lo que revela»[16]. Una revelación y un ocultamiento que acontecen en la palabra y en la viñeta. Así, observamos cómo gráficamente Ciosu representa en la portada a un hombre adulto que descubre con su bastón y bajo su sombra la figura de un niño, acaso el niño interior del anciano. Escena bastante habitual en los paseos de los ancianos el ir con el bastón echando a un lado las hojas de árboles o cualquier desperdicio debajo del cual se esconde y se espera encontrar algún tesoro. Igual sucede detrás de los aforismos verbales, donde late un botín inteligible. «Es el humorismo en la sabiduría y la sabiduría en el humorismo, lo que los judíos han rescatado, generación tras generación, de la experiencia de sus propias vidas y de las ajenas»[17], continúa Reik. Es la esencia del humorismo, sea este verbal o gráfico, introducir subrepticiamente ese sentido inteligente y sabio, el cual descubrimos velado tras nuestra sombra, esto es, una vez que ya está en nuestro interior.

Ahora bien, ¿Cuál es la especificidad de este humorismo? Señala Reik que «Dios le ha prohibido al judío de nuestros tiempos expresar sus experiencias trágicas en una forma que conmueva a un mundo hostil o, en el mejor de los casos, indiferente. Pero al conferirle al judío el don del humorismo, su Dios le otorgó el poder de hablar acerca de lo que sufre»[18]. Esto es, el humorismo parece manifestarse como un don divino que recibe el judío para expresar y a la vez ocultar la experiencia trágica. Justamente es el aspecto que recalca el maestro de Reik, Sigmund Freud: «Los chistes que sobre los judíos han sido hechos por personas no pertenecientes a su pueblo son generalmente brutales chanzas en las que todo chiste es ahorrado por el hecho de constituir siempre el judío para los extraños una figura cómica. También los chistes de los judíos sobre sí mismos conceden este hecho, pero su mejor conocimiento de sus verdaderos defectos y de la conexión de éstos con sus buenas cualidades, así como la participación de la propia persona en lo criticable, crean la condición subjetiva de la elaboración del chiste, muy difícil de establecer en otro caso»[19]. El humorismo judío se comporta como la fuente de expresión del conocimiento de la misma identidad y cultura judías pues «con frecuencia se dicen en broma las cosas más ciertas y sensatas»[20]. No quiere decirse que sea exclusividad judía esta conjunción entre humor y seriedad, sino que «detrás de la fachada cómica aparece no sólo algo serio, que también está presente en el humor de otros pueblos, sino el horror desnudo»[21]. Éste horror desnudado, que yo he venido a llamar varias veces «tragedia», es la especificidad del humorismo judío.

De esta forma, yendo del subtítulo al título de la obra, encontramos el cariz de chanza seria, cierta y sensata. ¿Qué es «el traje de Adán»? Antes de la desobediencia a Dios, ninguno, su pura y nuda carne, su desnudo; después, la pequeña hoja de higuera con la que, ridículamente, quieren el primer hombre y la primera mujer ocultar sus desnudas vergüenzas. Incluso, ridículamente, se esconden de un Dios omnipresente dentro de su propio Paraíso. La escena es risible, en verdad, pero las implicaciones serán horrorosas para la especie humana. Véase entonces cómo la hipérbole que transforma la «hoja» en «traje» supone, acto seguido de comprenderla, la retórica de la antítesis vestido-desnudo. Detrás de las singulares hojas de higuera moderna que son las palabras y los dibujos dentro del pseudo-paraíso terrenal en el que vivimos, se esconden esas vergüenzas, esa desnudez del hombre. En las hojas de higuera existe la doble lectura del intento de ocultación y su manifiesto fracaso; en los aforismos y dibujos de Schor y Ciosu se revelan la pretensión del ser humano de enmascararse y su infructuoso resultado. Para su efectividad «el chiste tiene que hacer surgir algo oculto o escondido»[22].

El humorismo que se desprende en las páginas que el lector está a punto de leer y contemplar no se fundamenta en un acto meramente lúdico, en la diversión y placer del juego semántico incongruente y ambiguo, sino que su importancia, como asegurara Azorín radica «en la historia del desenvolvimiento humano; haciendo la historia de la ironía y del humor, tendríamos hecha la sensibilidad humana y consiguientemente la del progreso, la de la civilización. La marcha de un pueblo está en la marcha de sus humoristas»[23]. Afirmación ésta del literato que, siendo cierta para todo pueblo, más lo es, como hemos visto, para el pueblo judío.

Es un honor para mí el prologar y haber enmarcado el discurso de esta simbiosis entre el aforismo humorístico de Dorel Schor y el humor gráfico de Constatin Ciosu. Y si lo he hecho de forma tan poco graciosa, sepa el lector que no ha sido por falta de humor, sino, como en las bodas, por no deslucir a la novia al llevarla hasta el altar. Aunque ante estos dos grandes genios, más que deslucirlos a ellos, se hubiera visto que no soy yo percha para este traje de Adán.

H.M.S

Madrid, noviembre de 2011




[1] Pirandello, Luigi, Esencia, caracteres y materia del humorismo, en Ensayos, Madrid: Guadarrama, 1968. También en CIC (Cuadernos de información y comunicación), 2002, 7, 95-130.

[2] Martínez Sanz, Héctor, Comentarios a Unamuno y a aquéllos que quisieron ser como dioses, Madrid: Editorial Antígona, 2006.

[3] Fernández Flórez, Wenceslao, El humor en la literatura. Revista de América, V. 10 nº 28-30, abril 1947, pp. 28-32.

[4] Alonso, Dámaso, Cuatro poetas españoles. Madrid: Gredos, 1962.

[5] Kant, Inmanuel, Crítica del juicio: seguida de las observaciones sobre el asentimiento de los bello y lo sublime, § LIII. Trad. Alejo García Moreno y Juan Rovira. Introducción J. Barni. Madrid: Ed. Carlos Bailly-Bailliere, 1876.

[6] Baroja, Pío, La caverna del humorismo. Madrid: Caro Raggio, 1986, pp. 63-75. También en CIC, 2002, 7, 131-138.

[7] Citado por Pirandello, Luigi, Op. Cit. CIC, p. 98.

[8] Bergson, Henri, La risa. Buenos Aires: Losada, 1939 [6ª Edición, 2003]

[9] Hazlitt, William, Lectures on the English Comic Writers. London: Taylor and Hessey, 1819.

[10] Sukhorukov, Leonid S., All About Everything. UK: Pen Press Pub., 2005.

[11] Gómez de la Serna, Ramón, Gravedad e importancia del humorismo. En Buckley, R; Crispin, J. (Selección y comentarios): Los vanguardistas españoles (1925-1935). Madrid: Alianza, 1973. pp. 167-176. Originalmente publicado en Revista de Occidente, Madrid: Febrero de 1928. pp. 348-360.

[12] Camba, Julio, La ciudad automática. Madrid: Espasa Calpe, 1932.

[13] Gracián, Baltasar, Oráculo manual y arte de prudencia. [Ed., int. y notas Emilio Blanco] Madrid: Cátedra, 1995

[14] Machado, Antonio, La luna, la sombra y el bufón, II. En Nuevas canciones, CLVII, Obras Completas, Tomo I, Edición Crítica de Oreste Macrì y Gaetano Chiappini, Barcelona: RBA, 2005.

[15] Chamorro Díaz, Martha C., El humor gráfico desde una perspectiva retórica. Icono 14 Revista de Comunicación Audiovisual y Nuevas Tecnologías, nº 5.

[16] Reik, Theodor, El humorismo judío. Buenos Aires: Candelabro, 1976. Justamente, subraya Reik que «hablando con propiedad, los chistes judíos impresos están incompletos. En realidad hay que oírlos y verlos. Su transmisión no es sólo verbal. Los gestos y la expresión del rostro, así como la modulación de la voz del relator, son partes esenciales de la narración. Estas anécdotas no son sólo contadas, sino también representadas, y cuando se habla de su lenguaje, hay que pensar también en esos factores externos», lo cual justifica la fusión de palabra e imagen en El traje de Adán.

[17] Ibíd.

[18] Ibíd.

[19] Freud, Sigmund, El chiste y su relación con lo inconsciente. Madrid: Alianza, 2000.

[20] Reik, Theodor, Op. Cit.

[21] Ibíd.

[22] Fischer, Kuno, Über den Witz: ein philosophischer Essay. Klöpfer & Meyer, 1996. Citado por Sigmund Freud, Op. Cit.

[23] Martínez Ruíz «Azorín», José, Clásicos y modernos. Madrid: Renacimiento, 1913.


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06 Nov 2012

¿Por qué Baruch Elron es Baruch Elron?

Escrito por: defesesfinearts el 06 Nov 2012 - URL Permanente

Jueves, el 8 de noviembre 2012, a las 12:30 horas, tendrá lugar una conferencia sobre la vida y la obra del artista plástico Baruch Elron, en el Salón de Conferencias de la Facultad de Ciencias de la Información (Univ. Complutense de Madrid), organizada por la Editorial Niram Art.

Intitulado “¿Por qué Baruch Elron es Baruch Elron?”, el evento cuenta con la presencia de Prof. Dr. Fernández Vigo Ramos, Prof. Dr. Jorge Saraiva, Prof. Dr. Antonio Sequeiros, Prof. Dr. José Granados García, Prof. Dr. Roberto Ángel Rubio y Prof. Dr. Javier Rodríguez Crespo.

Baruch Elron (1934 – 2006) fue un pintor israelí, nacido en Bucarest, en una familia de lengua y tradición sefardíes, descendiente de judíos originarios de España. Su obra, con fuerte influencias surrealistas, pertenece al realismo fantástico y continúa la tradición de los grandes maestros europeos. Sin embargo, su pintura se puede entender mejor como un puente entre dos mundos, el Oriente y el Occidente. Su lenguaje pertenece a la mística judeo-cristiana y su expresión artística nos recuerda el Renacimiento italiano. El mensaje de su obra es profundamente optimista, lleno de confianza en el ser humano y el futuro esperanzado de la humanidad.

Elron emigró a Israel en 1963, después de graduarse por la Academia de Bellas Artes de Bucarest.

Baruch Elron comenzó a exponer en Tel Aviv y luego en Nueva York (1967), Montreal, Toronto (1969). Entre 1974-75 participó a la Feria Internacional de Arte de Dusseldorf y de Colonia. Se siguieron varias exposiciones personales en casi todas las ciudades grandes de Alemania y en museos alemanes como El Museo de Arte de Solingen, el Museo Gustav Lubke Hamm.

Además de Alemania, tuvo exposiciones personales en Francia, Holanda, Austria, Italia, Bélgica, Croacia, Estados Unidos, Israel y muchos otros países.

En 1998, Israel le otorgó el Premio Jubileo para su actividad cultural y artística.

Ha sido Presidente de la Unión de Artistas Plásticos de Israel.

Baruch Elron falleció en el 2006, dejando muchos cuadros por acabar. Exposiciones retrospectivas Baruch Elron tuvieron lugar en Israel, Mónaco, Francia, Rumanía. En el año 2011, cuadros de Baruch Elron estuvieron presentes en la exposición colectiva internacional “El espíritu del arte” en Londres, en Viena y en el 2012 en el Salón de Otoño de París.

Su obra se encuentra en innúmeros museos y galerías de arte del mundo y también en colecciones particulares importantes.

________________________________________________________________

Lugar: Salón de Conferencias de la Facultad de Ciencias de la Información – Edificio Nuevo (Univ. Complutense de Madrid) – metro Ciudad Universitaria

Fecha y hora: Jueves, el 8 de noviembre 2012, a las 12:30 horas

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20 Jun 2012

Niram Art Presenta El Movimiento Arte Contemporáneo de Lisboa

Escrito por: defesesfinearts el 20 Jun 2012 - URL Permanente

Para festejar el 18º Aniversario de la galeria portuguesa MAC, la Editorial Niram Art de Madrid presentará en Lisboa, en el día 26 de Junio 2012, el libro de crítica de arte “Movimiento Arte Contemporáneo de Lisboa” por Héctor Martínez Sanz, Fabianni Belemuski y Diego Vadillo López, en la presencia de los 3 autores, de Antonio Calderón de Jesús, el coordinador del proyecto y de Miguel Ángel Segovia Galán, el director de la Editorial Niram Art.

Niram Art Facebook


La edición es coordinada, supervisada y organizada por Antonio Calderón de Jesús, asesor de arte.

Se trata de una incursión en la historia y los artistas representados por MAC Lisboa, una institución fundada por Álvaro Lobato de Faria , galerista y promotor cultural portugués.

A su vez, la galeria MAC -Lisboa organiza la inauguración de una exposición colectiva y las festividades de Entrega de los Premios MAC 2012 (pieza escultórica realizada por el escultor portugués Santos Lopes), ofrecidos a los artistas y entidades del mundo artístico que más se evidenciaron durante el año 2011-2012.


Sobre los autores:

Héctor Martínez Sanz (Madrid, 1979) es licenciado en Filosofía y Letras por la Universidad Complutense de Madrid y Diplomado en Literatura por la Sociedad Cervantina de Madrid. Profesor titular de Filosofía, Lengua y Literatura en Madrid, es autor de: Comentarios a Unamuno y a aquéllos que quisieron ser como dioses (Ed. Antígona, 2006), Por un horizonte de niebla en la colectiva de poesía Con versos, fragmentos de una antología futura (Ed. Antígona, 2006), el recopilatorio poético Antología digital (Retrato Literario, 2009), Pentágono (Ed. Niram Art 2010) y Maranatha (co-autor, Ed. Niram Art 2011). Es director fundador de la revista de arte y ensayo Madrid en Marco.

Fabianni Belemuski, licenciado en Periodismo, Máster en Estudios Avanzados en Filosofía por la Universidad Complutense de Madrid, es escritor, traductor, periodista, autor de artículos, reportajes, entrevistas y críticas literarias y artísticas en prensa. Es autor del libro Diario del Capitán Nwo Sékke y otros cuentos (Ed. Niram Art 2010), del libro de ensayo Deconstrucción, traductor de los libros Los Securistas fueron Extraterrestres y El Agujero o Agua viva, Agua muerta (Ed. Niram Art 2011). Es director de la Revista Niram Art.

Diego Vadillo López, madrileño de nacimiento, es profesor de Lengua Castellana y Literatura, doctorado en Bellas Artes y autor de dos novelas, con los títulos Voz arrojada al vacío (2005) y Utopía y Astigmatismo (2007), del poemario Burladeros de Hojaldre (2010) y de los ensayos Gómez de la Serna era trotskista y La Bolsa o la lira (2011), publicado por Niram Art Editorial. También es autor de varios artículos y crónicas en diversas publicaciones.

Lugar y fecha:

MAC Lisboa (Av. Álvares Cabral, 58/60), día 26 de Junio, 18:30 horas.

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09 Jun 2012

RAFAEL BOTí: LA OBRA DE UNA VIDA ENTERA

Escrito por: defesesfinearts el 09 Jun 2012 - URL Permanente

por Héctor Martínez Sanz, Revista Madrid en Marco


Cuando voy por el cementerio a honrar la memoria de los míos, es habitual que pasee por entre las tumbas honrando la memoria también de los otros. Recojo alguna vela caída o alguna vasija que no supo soportar el empuje del viento y las recoloco. Y miro los nombres sobre las lápidas, y lamento ver que haya fecha reciente grabada sobre ellas. Uno más que se suma a este silencioso vecindario de flores, cruces y velas. Tan sólo un par de tumbas más allá de la de mi familia, me descubrió mi hermano el lugar de reposo del pintor Rafael Botí, fallecido en 1995. Bajo un libro esculpido con su retrato en relieve descansa un artista del que injustamente poco había sabido hasta ahora y para el que escribo estas líneas como otra forma de honrar su nombre; porque por él puedo hacer algo más que recomponer lo que rompe el viento cuando pasa, y es hablar de aquello contra lo que ni el viento ni el tiempo nada pueden: La obra de una vida entera.
Los paisajes de Madrid y Córdoba, la explosión de color en las flores, el campo abierto y los recovecos cordobeses y madrileños se ofrecen en las pequeñas y cálidas ventanas de Botí. Llama la atención, precisamente, lo ausente, lo que no aparece en su pintura: la figura humana nítida y clara –tan presente en Romero de Torres, maestro, aunque no tan influyente como lo fuera Vázquez Díaz-. El protagonista, único y principal, es la naturaleza misma en su sentido de suelo y tierra. El ser humano, casi siempre femenino, cuando aparece no lo hace sino empequeñecido frente a la amplitud del mundo. Se ha dicho mucho sobre su otra maestría, la música, y el reflejo que ésta tendría en su obra como la musicalidad y armonía de la naturaleza. Cabe añadir más, pues tal armonía del trino del pájaro que podemos llegar a imaginar, sólo es posible por la ausencia que señalamos: es importante en Botí el silencio humano, tanto como lo es el silencio, la pausa, en una partitura.
Las pinturas de los años 20 irradian ese amor neoimpresionista por la grandeza del paisaje y la visión más subjetiva y emocional del postimpresionismo, así que recorren un camino con paradas en Cezanne, Gauguin, Matisse Van Gogh y Seurat, como en El canal de Fuenterrabía (1926) -cuya barca, además, recuerda La Grenouillère de Renoir-, o Jardín botánico de Madrid (1928). Precisamente el Botánico vuelve a ser motivo en 1933 con Árboles del botánico, de cierto tinte surreal y onírico, correspondiendo con la época y las tendencias, a través de un azul fantasía y una figuración detallista que ya empleara en Fuente Goiri (1925) y de nuevo en otra obra emblemática de la década de los 30: El Retiro (1933). Estas dos últimas obras, hechas en el mismo año, época que él mismo describe como la época en la que «se pusieron de moda los hombres feos», delatan que Botí se encuentra todavía entre dos tierras pictóricas: la definición y pureza de la primera contrastan con la preferencia por la mancha de color de la segunda; dicotomía que va a resolverse a lo largo de toda su obra en favor del color como enseñan sus bodegones de flores o Patio de La Madama (1961) y Fuente de La Madama (1982), así como en obras de su última etapa, que veremos.

En su pintura de posguerra, Madrid no surge como la gran urbe, sino cual campo, como en Moratalaz (1942) o más claramente en Paisaje de Madrid (1942). El color terroso y el espacio abierto, el arbóreo botánico, flores diversas, patios como el de Museo Romántico (1945) o el rincón de la casa de Lope de Vega en el Rincón del huerto (1947)… el Madrid de Botí está lejos de ser la gran ciudad y el centro neurálgico, sino que es un Madrid de paisaje y tierra, de rincones donde la naturaleza sigue haciendo sus maravillas. Es el Madrid pueblo, el Madrid naturaleza y no sólo el Madrid ciudad, un Madrid de bullicio bordeado de silencio.
Dos obras de la década de los 60 tienen un especial relieve por la reinterpretación de géneros clásicos en la historia del arte. Se trata de Cítara (1960) y del Retrato de una vaca (1965). En ambas, la tradición clásica se ve remodelada por la intuición artística de Botí. La primera, por ser una modernización de las vanitas flamencas, sustituyendo la clásica calavera por una muñeca de porcelana –que retomará como tema en Bodegón de la muñeca (1986)-, los viejos libros de duro lomo por cuadernos, la pluma por el lápiz, los instrumentos de viento por un cornetín, y en el fondo la cítara, conectando con el mundo antiguo y recordatorio de la brevedad de la vida. Persiste en la obra de Botí el memento mori a pesar de que aquellas vanitas se reforzaban por la atmosfera oscura que envolvía la escena, y Botí, en cambio, propone una escena luminosa y de colores claros. La segunda, la singular vaca retratada, animaliza un género preferentemente antropocéntrico y emblemático dentro de las artes desde el Renacimiento, y en cierto sentido, humaniza el rostro del animal, paciente, serio, casi señorial, y no lo limita a un mero objeto de estudio –como hiciera, por ejemplo, Jordaens-, en un excelente juego de luz y sombra–verdadero núcleo de la obra- y puro color. Casi parece un acto de rebeldía artística en el que la vaca consigue ese lugar privilegiado que los hombres han ocupado durante siglos. Un curioso género que tiene hoy en la poco conocida Marie-Hélène Stokkink y sus acuarelas Vaches un referente y que nos retrotrae al arte rupestre y, una vez más, al campo, a lo rural y a la naturaleza, al fundamental animal doméstico de granja. -Unido a Pastoral (1974) y las referencias otros animales que podemos encontrar en Botí, como son, por ejemplo, el exótico y tan de vivo colorido como expresivo Guacamayo (1966)-.

Ya en las pinturas de la década de los 80, Botí se vuelve más austero y geométrico en los paisajes, tiende a desaparecer definitivamente la línea y queda el lienzo dividido en secciones y planos de color –De la casa de campo (1984) o Nota vespertina (1986)-, y breves trazos rápidos y repetitivos de manchas rayano en el expresionismo abstracto -Flores (impresión) (1987) Flores en el campo (1989) y Jardín (1990), la última con francas semejanzas, por ejemplo, con el pintor luso Hilario Teixeira Lopes-; un expresionismo que conjuga a la vez con una vuelta a lo posimpresionista y a pinturas que recuerdan a la amplia galería de árboles y bodegones florales de Van Gogh, y paisajes al modo de Cezanne.


Color, luz, espacio y naturaleza, como vemos, son las cuatro palabras que definen el concepto que Botí imprime a sus obras. Década tras década son denominadores comunes de una pincelada experimentada, trabajada y simplificada en el tiempo y que parece llevarnos desde el mirador del amplio paisaje hasta el pétalo de la flor, en un zoom naturalista y equilibrado de pulso espontáneo. Ambos momentos se contienen en pequeños formatos, demostrando la versatilidad de Botí para expresar lo abierto o el detalle. Eleva el campo cordobés a la universalidad de la Naturaleza, y nos aproxima al sentido de la tierra perdido en la modernización. Pero un sentido alejado de la mera concepción regionalista, que subraya la relación íntima y trascendente del pintor con su entorno. Escudriña una y otra vez los mismos lugares, los mismos espacios, el mismo campo o el mismo patio ajardinado, los parques madrileños… y nunca su mirada se deposita de igual modo, nunca de la pintura resulta una serialización, sino cuadros absolutamente diferenciados, particularizados en su momento de ejecución; cuadros que merecen una mayor difusión dentro de la pintura española como baluarte de posibilidades, pintura tan condicionada hoy día por la influencia del movimiento efímero y la revisión e imitación del pasado. Botí es un eslabón de la pintura del que las jóvenes generaciones pueden asirse y explorar.


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