Erwan Grey Photographer » Conceptual

Sobre la artesanía de la fotografía (una opinión personal)

2013-04-18T10:16:27+00:00

En una época en la que la revolución digital ha llegado a su culmen en las cámaras fotográficas, la carrera por la obtención del mayor ISO o la mayor resolución, junto con la desaparición paulatina de los grandes maestros de antaño estan haciendo que las nuevas generaciones de fotógrafos estén extraviando uno de los mayores pilares no de la fotografía, sino del concepto de arte.

Antes de fotógrafo, me considero artista, y como tal, no valoro la calidad de mis herramientas para plasmar mi arte antes que mis valores intrínsecos personales. Para que me entendáis, no concibo que un pintor le de prioridad a sus pinceles a su creatividad, o que un escultor le de mas importancia a la calidad del mármol que a sus manos, o que un escritor le de mas importancia a su pluma que a su imaginación… o es que alguien recuerda mejor la marca del oleo de Dali, o la marca de la tinta de Stendhal?

No entiendo muy bien porqué, en la fotografía se esta olvidando el concepto de la “visión” del fotógrafo y esta primando la nitidez de la misma, el rango dinámico o incluso afinando muy mucho la composición; y esta quedando relegado a un segundo plano el carisma del creador de la fotografía, su camino hasta llegar a esa fotografía o exposición o incluso sus antecedentes.
Creo que estamos ante un punto en la historia de la fotografía contemporánea en la que debido a la gran proliferación de fotógrafos amateur que con unas buenas cámaras y unos buenos conocimientos informáticos en lo que a materia de revelado se refiere, se están convirtiendo en iconos fotográficos, entendiendo con esta causa, que se esta perdiendo una parte importantísima a mi entender del concepto bohemio de la fotografía de antaño; dando mas énfasis al resultado que al camino hacia ese resultado. Intentando hacer una analogía, es como si viéramos una fotografía de Robert Capa sin saber que es de Robert Capa… posiblemente muchas personas piensen que es una “mierda” de fotografía, por no estar enfocada, por tener un revelado simple con blancos quemados o negros empastados o una composición fuera de las reglas de los tres tercios; sin embargo si detrás de esa fotografía, digerimos y asimilamos la trayectoria del autor, la intrepidez contra su destino, la valerosidad de su ideal y el esfuerzo para llegar donde llegó, quizá el concepto fotográfico cambie y se transmute en el concepto fotográfico romántico, que a mi entender como artista, tiene mucho mas valor que el otro. Y llegando a este punto vuelvo a hacer una comparación y me pregunto porque todo el mundo aprecia la obra de pintores como Tapies, Klimt, Picasso o Pollock sin, a lo mejor, gustarles las obras en si, pero si reconociendo la vida y trayectoria de ellos en la historia de su consagración…

Por ejemplo recuerdo que al principio no entendía muy bien la obra de Ouka Lele, la veía como una obra infantil, de poco gusto o dicotómica de conceptos. Con el tiempo y conforme fui aprendiendo a beber la fotografía como si de un buen vino se tratara, descubrí los matices, el color, el sabor, el viñedo, las barricas y la bodega… y es cuando realmente englobas y circunscribes la imagen que estás viendo con el genio que la ha creado…

El vino… otro buen ejemplo para realizar un pequeño ensayo minúsculo sobre como entiendo yo al fotógrafo y la fotografía. De la misma manera que el dueño del viñedo, busca la cepa, el clima, la tierra, el tiempo de cosecha, y después la creación del caldo, el almacenaje y disfruta no solo de la copa de vino cuando esta embotellado, sino que ha vivido el proceso de su propia creación, el fotógrafo a mi entender, también debería de ser así… creando un preámbulo a su fotografía que conforme no sólo una imagen, sino un mundo alrededor de ella.

Una fotografía de paisaje por ejemplo no es una exposición de 1/125 de segundo a f8… es una consecución correlativa de factores que van conformando no solo la imagen en la cámara, sino tu visión en tu cerebro. Es la imaginación del fotógrafo que anticipa lo que quiere ver en su fotografía y antecede en el tiempo al resultado, y el esfuerzo y los conocimientos sobre la fotografía y sus herramientas son las que contribuirán a un resultado acertado o no conforme a lo que el autor había pensado para ese disparo.

Es obvio que no siempre se puede hacer una fotografía con tiempo, con la etiqueta que ha caracterizado siempre a la fotografía… pero me entristece sobremanera ver como en la actualidad los fotógrafos pasan mas tiempo delante del revelador por software en sus casas o estudios que en el momento de disparar con la cámara. Tengo la sensación que el romanticismo y el miedo de disparar una cámara sin saber que saldrá al revelar, a amputado la esencia del fotógrafo… de la misma manera que el pintor al comenzar el lienzo no sabe como quedará la obra, el fotógrafo de antaño iba construyendo sus fotografías desde la esencia de la misma… de la idea… del concepto… de la construcción paso a paso de una obra de arte. La búsqueda del lugar o el objeto, la técnica a la hora de realizar la misma, el tomar el tiempo necesario e incluso la reiterada repetición de la misma fotografía hasta encontrar lo que uno ha imaginado en su cabeza durante el tiempo… una obra de arte.

Hoy en día una foto se hace rápido… antes una foto se hacia incluso en años… Hansel Adams, Gregory Colbert, Brassai, Gyenes, Salgado incluso el propio Capa…

Deberíamos de pararnos unos minutos a pensar sobre esta reflexión y no permitir que la facilidad y la comodidad de la fotografía digital, asesinen conceptos tan intrínsecos al arte como el “bocetar” el “esbozar” … el previsualizar y disfrutar de la construcción de una fotografía…
Os pongo un ejemplo de una de las fotografías que he revelado recientemente… un atardecer en Boudhanath en Nepal. Esta fotografía fue el resultado de 2 años y varios intentos fallidos de encontrar el momento para esa toma. Mi cariño por el budismo y mi pasión por Asia me llevaron a la determinación de querer hacer una fotografía de la stupa de Boudhanath en el día del Losar, el año nuevo tibetano, que es en el mes de Febrero del calendario gregoriano. Además, tenia que encontrar el día despejado para poder captar los últimos rayos del sol, que en ese solsticio hacen que el sol se ponga por los Himalayas y cuando el sol ya ha desaparecido del horizonte refleja unos calidos tonos dorados haciendo que parezca que Boudhanath esté en llamas… a este hecho, en mi cabeza veía dos conceptos básicos y fundamentales en la stupa de Boudhanath que hacen eterna a esa construcción y que desde hace miles de años ha acompañado a la misma, los pájaros revoloteando y las banderas de oración, así que debía de ser también un día donde hiciera viento para poder plasmar el vuelo de las banderas de oración, Para reflejar la misión de las mismas; que el viento se lleve las plegarias a todos los rincones del mundo, y las palomas y pájaros de la Stupa, los eternos moradores de esa plaza emblemática, ajenos al tiempo, a la cultura o religión…

En el primer intento no pudo ser, un día turbio, frio y aciago no me permitieron hacer la foto, y solo después de 3 viajes y 2 años, encontré el momento perfecto, el instante justo y el romanticismo para poder hacer, la ultima foto del atardecer en Boudhanath antes de cambiar de año.

Quizá la foto no sea una gran foto, pero tiene una historia detrás de ella, una historia que quizá no llegue al publico, pero si caló en mi interior y me hizo crecer como fotógrafo y sobre todo como persona, porque me aportó la satisfacción de haber conseguido un reto personal y artístico para la fotografía contemporánea, y que quizá algún día, alguien podrá apreciar y no solo ver una bonita foto de postal, sino el ansia y la vocación de un fotógrafo intentando superar sus propias limitaciones artísticas y de método.

Creo que cuando ojee mi álbum de fotografías, cuando mis limitaciones como ser humano me impidan seguir haciendo lo que más me gusta, no me quedare minutos viendo alguna de mis fotos mas nítidas, mejor encuadradas o con mas rango dinámico… creo que me quedare largos minutos mirando fotografías como ésta y evocando la aventura de alcanzar el sueño de una foto imposible, de un instante único, de un reto personal… y quizá, con un poco de suerte, alguien cuando la vea, investigue y vea el merito no de a foto, sino del Artista por hacer la foto.

Canon Eos
24mm
ISO 400
Vel 1/1250 f:4
14/Oct/2010

Catálogo de experiencias visuales. IMAGEN I

2013-04-18T10:16:43+00:00

Post de inicio y referencia: Catalogo introduccion

Fotografía, titulo: "El Despertar"

Fotografía tomada el 11 de Diciembre del 2005 a las 16:47:04

Si no recuerdo mal, esta fué una de mis primeras fotografías en la Albufera de Valencia; era un día frio, con poca gente en el embarcadero y en plena migración de aves. En realidad ese día había ido a esa zona a hacer una puesta de sol, pero la cantidad de pájaros en la zona y la magnifica visión de la migración de los flamencos que salían hacia África convirtieron la tarde en un espectáculo para los que estábamos allí.

PROCESADO DE LA IMAGEN

El procesado de esta imagen se ha basado tan solo en corregir la temperatura de color, niveles y con Photoshop mediante una mascara la eliminación de la dominante amarilla en el cuerpo del ave; el resto prácticamente está como en el archivo NEF (Nikon) Original.

Esta imagen fué más fruto de la suerte que de la programación de la misma; recuerdo que en aquellos tiempos no tenia ni los conocimientos ni la capacidad para poder captar una imagen como esta, pero si supe ver el momento y la composición del ave con el contraluz y con el fondo de la gente en la barca mirando.

Pero mejor os dejo un vídeo donde explico personalmente todo lo que rodea a esta imagen. Espero que os guste. (Os recuerdo que podéis ver el video en HD pulsando en la resolucion correspondiente)

Catálogo de experiencias visuales. CONCEPTO

2011-11-14T12:18:02+00:00

Durante muchos años mi idea de la fotografía no ha sido el plasmar una imagen y dejarla correr en el tiempo, sino que ha sido una intención artística, una expresión del arte a través de los sentidos personales y las emociones internas. Un intento de querer comunicar algo a través de una imagen ajena a mi, pero con alma propia personal; mi visión.

A lo largo de los años, y de las fotografías que he realizado, se han ido sucediendo evoluciones interiores, técnicas y creativas; diferentes pasos que en muchas ocasiones han sido para ir hacia delante, pero que en otras tantas han hecho que retroceda el camino realizado, para, o bien, tomar otras vías alternativas en el camino de la expresión artística o bien para rehacer ese mismo camino con diferente perspectiva. En definitiva en diferentes direcciones o sentidos pero siempre "camino".

Este ir y venir a lo largo de los años ha ido dejando tras de si, algunas imágenes que representan gráficamente mi evolución (o involución) dentro de la expresión artística. Mi gran obsesión desde hace años, es la de dejar un legado personal dentro del mundo del arte, sin ninguna pretensión o ansia de ser reconocido, sino simplemente de dejar una señal de mi paso por la vida. El no estar casado ni tener descendencia, siempre ha creado en mi la expectativa de una pregunta retórica que me he hecho una y otra vez.. ¿para que estoy aquí? y cuando me dediqué a la fotografía y comprendí el lenguaje de la misma, observé que quizá podía ser una vía de escape a esa sensación de vacío que dejaba en mi interior el hecho de no tener descendencia.

Es por todo esto, que voy a sugerir una serie de fotografías y explicarlas desde el punto de vista conceptual, marcando las técnicas y estilos, pero también explicando mi visión personal de la misma.

PREÁMBULO:

Desde hace muchos años, he intentado ser un purista en lo que a técnica y composición se refiere, pero desde hace unos pocos, y en el intento de "ser yo mismo" me he dado cuenta que a veces, las reglas hay que saltárselas para llegar a una interpretación personal de una sensación o un sentimiento al realizar una fotografía. Eso si, es conveniente conocer las técnicas y las reglas para después poder romperlas. El hecho de hacer una fotografía de libre albedrío técnico no te da la singularidad y puede levar a errores, otra cosa es dominar la técnica y después de manera deliberada poder infringir esas leyes para realizar un proyecto personal, eso si tiene valor, ya que a lo otro se le podría llamar "suerte".

También se ha dicho siempre (y yo era uno de ellos) que una fotografía no debe de ir acompañada de una explicación, sino que ella misma debe de hablar por si sola, que tiene que tener "alma"; pero... y que ocurre cuando es una fotografía complicada con un trasfondo subyacente de interpretación personal?. Y si esa "alma" es de una idea y de un idioma difícil de comprender para el que está viendo la imagen?, quizá necesita de un contexto donde ubicar dicha imagen... Está claro que para una fotografía documental, no haría falta una explicación (aunque personalmente sigo opinando que si, ya que nadie nace sabiéndolo todo de todo), pero creo que lo "extraordinario" de la fotografía, es que a veces y en algunas tomas, los autores imprimen detalles o colores, composiciones y rasgos de manera inconsciente que pueden darle una personalidad y sentidos muy especiales a esa fotografía, pero a veces, el trasfondo es tan sutil o el detalle es tan ínfimo, que uno puede ver una fotografía, y después de una breve explicación, ser una explosión de sensaciones que nos transporten a algún lugar de nuestra propia memoria o incluso despierten sentimientos que de otra manera no habrían surgido... y precisamente eso es lo que quiero compartir en este catalogo.

EL SENTIDO DE LOS SENTIDOS:

Durante mi periodo de formación (algo que todavía sigue vigente) no solo me he encargado de aprender fotografía, técnica y composición, sino que con el paso de los años, he observado que hay que aprender muchas más materias; desde nociones de pintura, hasta gastronomía, si.. gastronomía con G, porque la experiencia me ha mostrado que en el arte, todo es válido, y de esta manera, cualquier expresión del arte, se complementa entre si. La gastronomía por ejemplo, no solo me ha enseñado a saborear platos, sino a observar de que manera inciden los colores en el apetito. De que manera un olor puede influir en el sabor y así, darme cuenta de que no solo el sabor es lo fundamental en la gastronomía, sino la textura, la vista... esto, transportándolo a la fotografía me ha enseñado que no solo hay que hacer una foto con el sentido de la vista, sino que se puede experimentar con otros sentidos... gusto.. olfato.. oído... En España tenemos a un auténtico maestro de la experimentación y la creación gastronómica; Ferran Adriá, os invito a que profundicéis en su visión de la innovación y veréis la multitud de paralelismos entre la fotografía y la gastronomía, pero definitivamente de cualquier expresión artística podemos sacar jugo para nuestras fotografías... queda tanto por aprender entonces...

EL PROYECTO:

Muy simple; recoger las fotografías que me ayudaron a progresar y explicar que fué lo que me hizo tener esa progresión desde el punto de vista personal, reunificar y explicar las técnicas, anécdotas y sobre todo lo más importante a la hora del valor principal de este proyecto; las vivencias personales en el momento de esa fotografía.

Gestionar, revisar e incluso reeditar las fotografías. En una época de constante mejora de los medios técnicos de revelado, se hace casi obligatoria la revisión del material para una posible mejora. Este detalle es algo importantisimo y que deberiamos de valorar los fotografos. tenemos la gran suerte de estar viviendo una época de explosión de nuevos métodos y materiales donde poder mejorar nuestros negativos digitales. Aprovechémoslo!

Dicho esto, creo que lo mejor sería comenzar con las fotos que más han hecho por mi en mi carrera fotográfica... Adelante entonces, espero que os gusten.

(En unos días comenzaré con el análisis completo de mis mejores fotografías) y cuando digo mejores hablo de mejores para mi, no que realmente lo sean!

Increible Time Lapse. Cuando el arte se convierte en UNIVERSO

2012-09-11T07:17:29+00:00

Realizado en el observatorio astronómico de Paranal, en pleno desierto de Atacama, al norte de Chile, es una oda al cielo estrellado, a los movimientos de la tierra e invita a la observación del cuerpo celeste. Armonioso, con una música perfectamente integrada y que demuestra una exquisita mirada, entre pausada y de auténtica veneración a las estrellas. Por cierto, los autores del timelapse son Stéphane Guisard , un auténtico especialista en fotografiar las estrellas y José Francisco Salgado , astrónomo y artista visual.

Ahora que en verano tenemos unas magníficas noches estrelladas, este timelapse que os proponemos es toda una invitación a probar capturar la magia de las estrellas. Al menos de inspiración, aunque desde luego que el trabajo que hay detrás de este trabajo es digno de mención. Esperamos que lo disfrutéis. Un servidor lo ha visto ya varias veces y no deja de ser impresionante. Bajen la luz ambiente, aumenten la resolución de la reproducción a 720p y suban el sonido. Brutal.

Fuente: Toni Torres y Xataka

Porque volar no sólo es estar suspendido en el aire...

2011-06-15T17:43:17+00:00

Hoy me ha dado por recordar el libro de Richard Bach "Juan Salvador Gaviota" y he cogido mi cámara y he salido en busca de las gaviotas...

Y además de encontrar Gaviotas, Charranes y decenas e aves migratorias que ya están por la costa mediterránea.. me he encontrado a mi mismo, en ese instante minúsculo que hace que lo que estas haciendo se convierta en etereo y adquieres constancia de lo minúsculo que eres en el contexto de la palabra "vida" y "tierra".

Al igual que Juan Salvador, yo también busco mis limites, para poder sobrepasarlos y crecer como persona... buscando ese nuevo nivel, que me llevará a ....

.. quien sabe.... pero la cuestión es indagar por la vida y seguir aprendiendo una y otra vez...

Andrew Zuckerman. fotógrafos de hoy en día.

2012-10-24T21:55:37+00:00

El fotógrafo estadounidense Andrew Zuckerman, nacido en Washington DC en 1977, Vive en Nueva York y en el 2006 recibió el premio D&AD YELLOW PENCIL en fotografía. Andrew es también cofundador de LAte Night & Weekends, una sociedad que se ocupa de realizar publicidad, libros y películas. Ha dirigido y producido el largometraje HIGH FALLS, presentado en el Sundance Fil Festival del año 2007. Sus libros "Creature" y "Birds" son uno de los mas aclamados dentro de la fotografía de estudio de animales

El fotógrafo estadounidense editó un libro titulado “Bird“ el pasado año. 200 fotografías de cerca de 75 especies diferentes, retratadas desde un punto de vista tan particular como perfecto. Captando en los pájaros esos rasgos, movimientos y colores tan difíciles de disfrutar en la vida real a causa de su velocidad y altura. Un trabajo impresionante, maquetado a modo de premio.

Desde mi experiencia personal; Andrew fué uno de los fotógrafos que me "obsesionó" con la nitidez de mis imágenes, obligándome después de ver su trabajo, a buscar la manera de encontrar una similitud focal entre sus imágenes y las mías dentro de mis posibilidades, claro está. Para mi, Zuckerman, es sin nadie que se le pueda acercar, el REY de la fotografía de animales en estudio. Su composición, su simplicidad a la hora de elegir fondos para no distraer al sujeto principal y su capacidad para minimizar el movimiento para "congelar" una acción, hacen de Andrew uno de mis iconos fotográficos en lo que a fotografía de estudio se refiere.

Vídeo del Libro "Birds"

Enjoy (Swayambunath)

2010-11-29T08:18:35+00:00

Esta fotografía ha suscitado algunos comentarios en algunos foros de fotografía que creo pueden ser interesantes para comentar y hacerse algunas preguntas sobre la fotografía de hoy en día.

Autor del comentario: pikkabbu
el momento es fenomenal la toma es fenomenal el encuadre es fenomenal lo que no entiendo, es porqué teniendo en mano una foto realmente fenomenal, la estropeas buscando efectos y procesado que la convierten en un simple ejercicio photoshopero y modista. Las modas pasan, pero una foto fenomenal hubiera sido inmortal. Enfin...

Autor del comentario: WAMBA

mmm... yo no acabo de entender la mayoría de los desaturados selectivos que veo. normalmente no los encuentro justificados, como me pasa también en este caso. aparte, creo que se ve un halo que molesta un poquito, alrededor del niño, no sé si será intencionado o no. por otro lado, me parece un buen instante.

Autor del comentario: LeBoC

Personalmente me parece un buen momento el captado, coincido con la anterior opinión en que tanto toda en color o b/n, quedaría mucho mejor. Que conste que para nada me disgustan algunos desaturados selectivos, pero en este caso como que no.

Autor del comentario: Abablat

Yo tampoco soy muy fan de los desaturados selectivos. Yo me quedo con el momento capturado. Un saludete

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En este punto me veo obligado a contestar aclarando algunos conceptos:

Y si os digo que apenas hay desaturacion? ni de la tela (que esta muy deteriorada) y el fondo es absolutamente de piedra? es mas, y si os digo que en lugar de desaturacion hay SOBRESATURACION del individuo en cara y amarillos? Cuando tenga un rato os voy a subir una captura del Lightroom donde se ve el RAW puro y veréis que apenas hay diferencia.

Sobre el tema de los Halos, una vez mas os insisto que es por DIFRACCION DE LA LUZ dada la latitud, la hora y la dirección de la misma.

Ojo, no estoy diciendo que la foto sea una maravilla porque no lo es, de hecho es un descarte, pero estáis basándoos en el procesado sin ver mas detenidamente los volúmenes, los contrastes y la luz natural que os llevará a la conclusión que lo que estáis viendo esta procesado pero no tanto como creéis. Un saludo!!

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Bueno, aquí tenéis una captura del archivo RAW nativo: Como veis esta en lightroom en revelado para que veáis los controles debajo del histograma, ni se ha tocado la exposición, ni se ha tocado la curva nio se ha tocado nada de nada. Es la fotografia plana, solo con el enfocado (si no recuerdo mal un 80).

Si os fijáis la foto en si es bastante monocromática en el fondo porque es casi todo piedra, quitando de un cesto detrás del niño a la altura de su hombro izquierdo. Se clono una herida de su mejilla, se sobresaturó el color de la cara y se matizaron los contrastes de los hábitos de monje para darle mas protagonismo al movimiento. El resto se quedó tal cual. Y lo mas importante; si OS FIJÁIS, los halos siguen ahí... siendo el RAW.

Si quereis os paso un texto que ultilizo en mis masterclases sobre la luz, donde se explica la DIGFRACCION (no Refraccion) que ha veces da estos efectos que parecen procesados, pero que si se saben ver, se pueden conseguir disparando directamente en situaciones concretas de luz.

INSISTO; no estoy defendiendo ni la foto ni al fotógrafo, solo quiero lanzar una pregunta a todos los colegas fotógrafos.

¿os estais dando cuenta que el procesado de las fotografías digitales esta tomando mas protagonismo que la toma "in situ" de la misma? ¿que está pasando?

Va a resultar que el fotógrafo debe ser mejor RETOCADOR en casa con el PS que el conocer la piedra angular de la fotografía? LA LUZ?

En mi opinión, se esta desnaturalizando la esencia de la fotografía que al final no va a importar la cámara que lleves, la lente de la misma, la luminosidad o el poder de resolución. Disparas una foto, te la llevas a casa y con el PS haces lo que quieras con ella.... Es esa la direccion que esta tomando la fotografía en estos momentos?

Lanzo la pregunta y me gustaría saber que es lo que opináis sobre ello, ya que realmente empieza a preocuparme.

Un saludo!!!

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D. Justo Gallego, cumple 84 años el próximo dia 20

2009-09-16T10:16:47+00:00

Todos le conocemos por el anuncio de la marca Acuarius.

A día de hoy sigue trabajando en su sueño...

El fotografo Luis Capdevilla ha hecho un time lapse fotográfico en homenaje a esta especial persona.

Catedral from timelapses.tv on Vimeo.

Timelapse.

Más vídeos en www.timelapses.tv

Video Musical a partir de una fotografia.

2009-09-16T10:19:30+00:00

La fotografía no está retocada ni con postproceso para ajustar el pentagrama. La composición musical se realizó con lo que plasmó el fotógrafo Paulo Pinto.

Una bella imagen que ha dado como resultado una bonita canción y un bello video.

No es maravillosa la naturaleza y el hombre en conjunción?

Birds on the Wires from Jarbas Agnelli on Vimeo.

Reading a newspaper, I saw a picture of birds on the electric wires. I cut out the photo and decided to make a song, using the exact location of the birds as notes (no Photoshop edit). I knew it wasn't the most original idea in the universe. I was just curious to hear what melody the birds were creating.

I sent the music to the photographer, Paulo Pinto, who I Googled on the internet. He told his editor, who told a reporter and the story ended up as an interview in the very same newspaper.

Here I've posted a short video made with the photo, the music and the score (composed by the birds).

Music made with Logic.
Video made with After Effects.

The newspaper story about my work (O Estado de São Paulo): http://tinyurl.com/l4qdbg

Impresionismo fotográfico. El delirio del artista...

2010-01-13T20:50:18+00:00

Como sabéis algunos, estoy pasando por una "crisis" artistica. Necesito mejorar, buscar el camino que me lleve a la personalidad artistica, y por eso he decidido estudiar arte pictórico. Como soy un apasionado del arte, estoy devorando libros, visitando museos, obras y preguntando a entendidos; necesito saber más... seguir aprendiendo y encontrando mi lugar...

Y desde luego me está fascinando el movimiento pictorico impresionista; Manet, Monet, Cezanne, Pissarro, Sorolla, etc... aunque estoy investigando en todas las corrientes pictóricas, (Basquiat, Pollock, Dali, Picasso, Velazquez, etc) aunque el impresionismo sin duda alguna, para mi, es el el precursor de la fotografía contemporanea... Luz y más Luz....

Asi que, como digo en el titulo, he dejado que mi delirio, se plasme en fotografía. Y como me ha dicho Esther esta tarde en una conversación interesantisima sobre el arte... "La foto debe de enseñar lo que ves, y algo de ti, para que deje de ser foto y se convierta en arte".

Espero que os guste.

"Campo de sol"

Original en 200 x 89cm

Fotografía realizada sin ningún tipo de retoque digital. Inspirada en el arte pictorico impresionista del siglo XIX.

Continuando con mi incursión por el mundo pictórico del impresionismo, en esta ocasión y todavía con el Síndrome de Stendhal por la visión de los murales de Sorolla en el museo del prado en Madrid realicé esta fotografía.

Al igual que la anterior, no tiene ningún retoque digital, solo el revelado de RAW. Es curioso como cuando estás lo suficiente motivado (o agobiado) consigues estrujar tu mente para buscar posibilidades y hacer con una camara lo que a veces no creemos posible.

Una velocidad baja... un diafragma arriesgado y extremo, una luz que ayude y una composición que se salga de las reglas fotográficas y entre en las pictóricas dan como resultado una imagen impactante o "diferente".

La trepidación, los blancos quemados o los negros empastados son reglas que se han roto (junto con otras más) deliberadamente en esta fotografía... Arrogancia?, atrevimiento? Vehemencia?...

Yo lo llamo "Arte".

Juzgar vosotros mismos.

P.D. No sé si estoy perdiendo la cordura con este tipo de fotografías, pero necesito crecer... aprender más y seguir desarrollando mi sentido artistico, y creo que la pintura es la mejor amiga del fotógrafo, junto con la poesía, la música, los viajes y la verdad de las cosas sencillas...

Un saludo.

Erwan.

"Rebaño con pastor"

Original: 200 x 119cm