BLOG EMPIRE

Chef a la carta o Fuera de carta…titulo por fuera del país.

Director: Nacho G. Veilla

Pocas veces una historia tan sencilla con una resolución tan rápida es tan divertida. Chef a la carta ofrece poco más de hora y media de una sonrisa constante y carcajadas de 3 a 4 minutos, es decir, la receta perfecta para lograr una película entretenida, colorida, muy gay y menos provocadora que lo que sus chistes quieren hacer parecer.

Comentarios como, ‘’ya se jefe que nos han dado por el culo pero eso a usted le gusta’’ o ‘’muérdeme las nalgas’’…en un karaoke y el más recordable: ¿Ustedes saben porque despidieron al enfermero mariquita del banco de semen?, porque se la pasaba tomando en el trabajo’’, son solamente uno que otro chascarrillo de un director al que se le nota a leguas su influencia almodovariana y el que aprovecha con creces la presencia de Javier Cámara, un chef llamado Maxi que tiene que lidiar con Alex, (Lola Dueñas), la cara bonita del restaurante que se enamora de cualquier hombre que si quiera la mire y en este caso, un ex futbolista que resulta siendo homosexual, que es asediado por Alex y que en fin, es pareja de Maxi.

Además de este triangulo de amores y malos entendidos, aparecen en la vida de Maxi dos niños, quienes fueran fruto de su matrimonio cuando no había salido del closet y de lo que ahora tiene que responder ya que se han quedado sin madre, una temperamental mujer que le ha dejado al descubrir que tenia relaciones sexuales con el primo de ella en una fiesta familiar, es decir, una serie de situaciones en la que no se descuidan los personajes secundarios, Fernando Tejero, como el asistente de cocina imprudente que resulta en principio ser un caos para nuestro chef, y que al final logra darle luces sobre como debe de comportarse un buen padre, es decir, el que fuera su mejor amigo.

Entrevista a Peter Schamoni sobre su documental: Botero nació en Medellín

Por: Iván Darío Hernández
&
Jose María Baldoví

I.H. La primera exposición importante de Botero y además hecha afuera fue en Alemania, allá ellos lo vieron como alguien grande y fue el primer país que le dio importancia a el.

Para usted como Alemán este fue un motivo para filmar este documental?

P.S. Botero ya había realizado exhibiciones en Colombia antes de hacerlo en Munich, Alemania. La primera gran exhibición internacional de Botero fue en 1968 en Alemania y yo tuve la oportunidad de comprar algunos dibujos. Su primer éxito comercial internacional fue en Alemania. Por eso fue que me mostré interesado en Botero desde la primera vez que vi su obra de difundirlo en algún momento.

Es por eso que la avant premiere mundial de mi documental la hicimos en Munich con presencia de grandes autoridades políticas. Lo hicimos en la ciudad donde él prácticamente empezó su carrera internacional.

Después de conocerlo en Munich en los sesenta me lo encontré en París en los años setenta donde le compré una pintura. Me gustó mucho su arte porque ya estaba cansado de la dictadura del arte abstracto. Me gustó la fascinación de Botero por el arte clásico, no sólo como artista sino como coleccionista. Botero es una especie de Colón al revés. Él va a Europa a descubrir a los grandes maestros, él aprende de ellos y los lleva a Colombia. Como joven cineasta me sentí identificado con Botero en la medida en que él también criticaba su realidad, de la misma manera en que los jóvenes cineastas alemanes criticábamos nuestro entorno.

Además, Botero era admirador de pintores como Alberto Durero que es nuestro tesoro nacional. También es un devoto de Velásquez, Goya y pintores del renacimiento. Esta es una de las razones por las cuales me interesé en él.

I.H. Botero representa en sus cuadros la tradición del país, cual es su percepción acerca de la visión de la obra de Botero hacia el mundo.

P.S. Me gustó el sentido del humor tan melancólico en la pintura boteriana y su forma de defender la identidad de su país. Es muy nacionalista pero al mismo tiempo tan universal.

BOTERO: UN HOMBRE UNIVERSAL

Sí, considero que Botero es un pintor universal porque es reconocible en cualquier lugar del mundo. Usted ve a una mujer gorda y enseguida dice: Es como un Botero.

SOBRE LA EXPOSICION DE ABU GHRAIB

I.H. Esta obra que fue muy polémica, la considera una denuncia política?, si así lo es hubo mas política que arte?

P.S La serie de Abu Ghraib no es la primera en ser denuncia política. Si revisamos bien la pintura de Botero encontraremos que hay cuadros en los que critica la violencia de su país. Lo bueno fue que él decidió no vender sus cuadros lo cual es una muestra de su honestidad artística. El no vender sus cuadros que contienen crítica política es una señal de que su actitud crítica es genuina.

Agradecimientos a Marcelo Baez Meza por la traducción de las respuestas de Mr. Schamoni.

Encuentra esta entrevista tambièn en www.ciudadbizarra.com

Giuseppe Tornatore ya no es más tierno o erótico, su último filme titulado La Desconocida (La Sconosciuta) no tiene de él más que su cinematografía y su firma. El lado desconocido de Tornatore resulta ser una maravilla, no todo lo distinto es malo.

Como en un rompecabezas, sin un final posible en la mente del espectador, esta Desconocida se siente eternamente larga, aunque su metraje es de apenas 118 minutos, la manera como se cuenta somete la imaginación del que la vea sin darle ni un segundo de respiro, ni alguna pista de cómo pueda llegar a feliz termino, de hecho, en principio hay una escena de prostitución muy similar a la orgia de la película de Stanley Kubrick Ojos Bien Cerrados aunque las escenas siguientes no tienen nada de erótico ni enigmático, raya en lo asquiento a tal punto que hay escenas en las que hay que voltear la mirada, aun ahora, cuando ya en cine casi nada impacta o golpea la sensibilidad, algunas escenas de trata de blancas y de sexo descomunal resultan mas agresivas e implacables que la recordada violación de Monica Belucci en la película de el director argentino Gaspar Noé, Irreversible.

Cambiada totalmente de apariencia, Irena, la actriz rusa Ksenya Rappaport, desconocida tal y como la quería el director, interpreta el papel de una domestica de un apartamento que se gana la confianza y el favor de una mucama y de su familia, a tal punto de involucrarse de forma tal, que pasada la primera hora ya el espectador tiene que haberse enterado cuales eran las intenciones de esta mujer proveniente de Ucrania para con esta familia y el porque de su cariño desmesurado con la hija de su jefa.

Un thriller inquietante, una película que proporciona emociones contradictorias y fuertes al espectador.

Calificación:

Extraordinaria.

FOTO DE SEPTIMO ARTE.ORG

Por. Iván Darío

Es difícil de asimilar que tanto talento y carisma provengan de una fuente tan sencilla. Es impensable que un artista tan grande sea a su vez un ser humano tan sencillo y espectacular, como decimos acá en Colombia, un bacan, un parcero, un amigo.

IVANN es un pianista de aparentes 30 años de edad, cuando se apareció en la movida cultural nadie que no lo haya visto comía cuento, su jefe de prensa, el periodista de cine y ahora también de música Alberto Posso siempre decía que era lo máximo, que IVANN era espectacular, que ver para creer. A el le paso lo mismo un par de años atrás, el síndrome de incredulidad, ¿pero si solo es un pianista?, ahora da fe que no solo es eso. A muchos les pasara igual, yo lo tome mas suave y de regalo de día de la madre deje conocer a IVANN, no se sabia quien era y me preguntaban, y ¿el que es lo que hace?, yo me limitaba a decir que era espectacular, que ver para creer, sin haberlo visto, no me equivoque, ahora yo lo digo y lo recomiendo, un artista que a paso lento pero seguro ira llegando a los puestos mas altos de entre los famosos, no es que a el le importe, pero advierto que un hombre va a causar revuelo en el mundo musical y no lo verán llegar cuando eso pase.

Iván Darío como el que escribe este cuento viene de Medellín con el cabello alborotado

He conocido a Iván un par de veces. La primera vez en una presentación en el Centro Chía, el concierto para las madres, la segunda al teléfono. En la primera oportunidad sin estar cara a cara el nos conversaba a todos, era una presentación gratuita pero aun así la gente no se iba desesperada, se quedaba ahí, con frio y todo pero esperando, la noche se daba para eso, un firmamento estrellado y despejado, una luna celosa que así como paso en el cierre del Festival Iberoamericano de Teatro le dio por alumbrar mas de lo usual para ser también la protagonista, pero la luna solo fue otra invitada y aun así permanecía elegante creo que solo porque Iván Darío se lo merecía.

Puede que ahora suene exagerado, estoy feliz de escribirlo porque se que me darán la razón cuando IVANN pase a ser el centro de atención, que SHAKIRA ni que nada, hay que darle paso a las nuevas generaciones, las que van a engrandecer de nuevo el nombre de Colombia a nivel cultural y la volverán a posicionar como la piedra angular de la buena música. ¿Quién mas si no Iván logro que todos volviéramos a la época de la música disco, quien mas si no el logro que viajáramos también a los noventas?, como frase de recomendación les diré, al finalizar el concierto la gente se negaba rotundamente a irse, pidieron mas canciones y seguían pidiendo y bailando, ¿Quién mas si no un artista espectacular logra semejante impacto en el publico?

Disco, 90´s, tango, flamenco, IVANN para todos los gustos y para todos todo.

MARTIN SCORSESE

DIRIGE ‘SHINE A LIGHT’

Por Andrew Muller para la revista Uncut (Abril 2008)

Traducción de Iván Gómez Muñoz De Film.net

Propiedad de CINEMAC FILMS

Martin Scorsese ama todo tipo de música. “Ópera, clásica, country, blues, rock, todas forman gran parte de mi vida,” dice él. Pero hay artistas más cercanos a su corazón – los que han estado con él desde que los descubrió en los sesentas. “Bob Dylan, The Beatles, The Stones – siempre los Stones. Ellos siempre estuvieron allí para mí.”

Aunque no vio a Los Stones en vivo hasta principios de los setentas, Scorsese recuerda vívidamente el inmenso impacto que tuvo con canciones como Gimme Shelter cuando las escuchó por primera vez.

“Las voces y la instrumentación crearon una energía especial – un sonido – como nada parecido. De hecho, el sonido era como un personaje – una persona en una narrativa dramática de la historia – como la voz del poeta recitando una épica o el conjuro del chamán. Una personalidad y voz distintivas que te hablan solo a ti… ‘a mí’. Y el mensaje es específico e inmediato, y es producto y comentario sobre el mundo en el cual vives, en el cual ‘vivo’… algunas veces es gracioso, otras veces sarcástico, tierno pero brutal y honesto – una aceptación del lado más oscuro de la naturaleza humana, con frecuencia de forma poética. Ese personaje – y en verdad, era ‘su’ personaje, una creación conjunta – se volvió parte de mi subconsciente.”

Cuando realizó ‘Mean Streets’ – el primero de varios filmes de Scorsese considerados clásicos – en 1973, usó dos canciones de Los Stones en la banda sonora, ‘Jumpin’ Jack Flash’ y ‘Tell Me’.

“La Música de Los Stones ha permanecido como un manantial de inspiración. Cuando puede finalmente realizar el filme que quería, dije, -voy a hacer el filme que quiero, de la forma como lo quiero hacer y no voy a hacer concesiones.- Y esto se convirtió en ‘Mean Streets’. La música de Los Stones esta por todas partes. Quería más pero no podía costearla.

El cariño de Scorsese a la música ha sido central para su carrera como cineasta. Fue editor en Woodstock, el documental que capturó el último y gran festival de los sesentas. Dirigió ‘El Último Vals’ un vívido documental del último concierto de The Band y tal vez la más grande de todas las películas de Rock & Roll en vivo. De manera reciente, dirigió el aclamado documental ‘No direction Home: Bob Dylan’. Sus futuros proyectos incluyen filmes sobre George Harrison y Bob Marley.

Su nueva cinta ‘Shine a Light’ es un registro hermosamente filmado y dinámicamente editado de Los Stones en el legendario Teatro Beacon de Nueva York. Filmada durante dos noches en la gira del 2006 Bigger Bang tour de los Stones , ‘Shine a Light’ es un concierto documental intercalado con imágenes de archivo de la banda y ofrece una fascinante vista interna de la preparación previa para este muy especial toque de los Stones.

“Si hiciéramos un documental sobre los Stones y su historia, entonces sería una película muy diferente, no solo sobre ellos sino también sobre su época… su historia,” dice Scorsese. “Este siempre fue ante todo un filme de concierto. Quería que fuera sobre la música, la interpretación.”

El director también quería filmarlos de cerca en un ambiente íntimo. “Los he ido a ver muchas veces sobre los últimos años y la última vez que los vi fue en un pequeño local a finales de los setentas, en la Academia de Música de la calle 14ª en Nueva York, el cual ya no existe.

“Así que cada vez que los he visto en esos inmensos estadios, se vuelve figuritas. Con frecuencia era un show efectivo y entretenido, pero literalmente no los podía ver. Y cuando me traían al escenario, miraba hacia arriba y me decía a mí mismo ‘Ojala tuviera una cámara aquí.’ No podía evitarlo.”

La alineación es clásica de los Stones – abren con “Jumpin’ Jack Flash” y cierran con “Start Me Up,” “Brown Sugar” y “Satisfaction” – con algunas sorpresas en el camino. Hay una genial versión de “(Just My) Imagination,” “As Tears Go By” de ‘The Temptations’, un vistoso duo con Jack White en “Loving Cup,” una enérgica y sexy versión de “Live With Me” con Christina Aguilera y una impresionante interpretación de “Champagne and Reefer” con la leyenda de la guitarra del blues Buddy Guy. Keith estuvo tan impactado con la interpretación de Guy que con presteza le dio su guitarra para que la conservara después de terminar la canción.

La logística para filmar una impredecible y orgánico evento –que es un concierto de los Stones- sería sobrecogedora para cualquier cineasta. Scorsese empleó 18 cámaras y un equipo ampliamente experimentado, incluyendo el director de fotografía ganador del Oscar Robert Richardson, y muchos otros de los mejores cinematógrafos y operadores de cámara en Hollywood para capturar la movida de Los Stones. El director trabajó en postproducción con el editor David Tedeschi, quien también trabajó en ‘No Direction Home’.

P: ¿Su documental sobre Bob Dylan fue una monumental éxito de crítica. Pensó hacer algo similar con los Stones?

R: Bueno, hacer una historia de los Stones sería hacer un filme completamente diferente. Y para ser honestos, lo que quería ver era la interpretación. A la larga, preferiría ver lo que los hace tan especiales, incluso ahora. Se te permite envejecer con gracia como un músico de blues, de jazz o como cantante de ópera, pero hay algo sobre la edad que entra en juego con el rock & roll. Pero uno ve ahora tantos grandes del rock y cantantes envejecer con gracia, y mudarse a nuevos niveles de madurez y poder. Así que eso era lo que quería ver y capturar. También estaba interesado en la naturaleza del transmutado, como Dylan, y en el intérprete que puede crear algo en la audiencia que es tan sobrecogedor que arrasa y domina los sentidos –el éxtasis de la interpretación. Es una condición primaria de cierto modo. Una reacción primaria.

P: ¿Qué es más difícil, hacer un largometraje o capturar a los Stones en vivo?

R: Son dos cosas distintas, dos tipos de narrativa. Con los Stones, una vez tuvimos a nuestras dos máquinas trabajando finalmente –la máquina de Los Stones y la maquinaria del cine- y todas las cámaras listas con la iluminación de Bob Richardson, una vez tuvimos todo eso, fue genial. No puedo describir la adrenalina, y el pálpito durante las dos horas reales de los conciertos. La primera canción inició, y entonces todo parecía como si hubiera durado menos de un minuto. Era como si hubiera caído un torbellino. Estaba viendo 18 imágenes frente a mí. Me concentraba en una cámara y hablaba con el camarógrafo para que tuviera cuidado en moverse hacia un lado o el otro. Era un placer – absolutamente aterrador, pero un gran placer.”

P: Los Stones aparecen a través del filme como una fuerza tan poderosa…

R: Es verdad. “Una fuerza de la naturaleza…” Un amigo mío dijo, “es tu filme más edificante,” y eso fue muy bueno de escuchar. Creo que es un filme sobre hacer lo que haces hasta que se acaba, y sólo se acaba cuando se acaba, en el mismísimo final. Sabes, volver atrás para hacer un documental más largo, eso es muy tentador. Pero me di cuenta que estaba más compenetrado en cubrir su interpretación. Los he visto de forma frecuente en los últimos años porque Mick y yo hemos estado trabajando en un proyecto juntos sobre el negocio de la música, un largometraje, y eso es algo que siempre he tenido en mente, consiente o inconscientemente.

P: ¿Cuándo vio por primera vez a los Stones?

R: Creo que fue en 1970, así que debe haber sido el tour que Robert Franks estaba filmando. Para mí fue todo sobre los que había escuchado antes. No sólo la música que había escuchado en los sesentas, como los Stones, sino las música de los treintas, cuarentas y cincuentas. Todo alimentó mi maquinaria, la cual era dirección de cine, y sigo volviendo a la fuente… la música es de donde muchas de mis ideas sobre las películas y el oficio del cine provienen –movimientos de cámara, energía, algunas veces una clase de energía impaciente que tal vez va demasiado rápido y de la cual debo retraerme, y todo proviene de la música que escucho. También está Dylan pero sólo empecé a escucharlo cuando hizo ‘Like a Rolling Stone’, después de su transición a lo eléctrico. Tuve luego que ir hacia atrás para descubrir el Dylan pre-eléctrico. Está The Band, por supuesto, está Van Morrison quien todavía se presenta de manera brillante, está Neil Young, y también los Beatles. Y Los Stones, siempre los Stones.

P: ¿Puede explicar su obsesión por los Rolling Stones?

R: Creo que nunca desaparece porque está basada en el blues y me gustan los blues. Mi hermano tocaba un poco de guitarra y mi padre un instrumento de cuerdas –Nunca lo escuché tocar pero me dijo que lo había hecho, y hay algunas imágenes de él con el mandolín. Así que me gustan los instrumentos de cuerdas. Django Reinhardt fue el primer músico que recuerdo escuchar de los discos de 78 revoluciones que tenía. Los Stones, claro, llegaron mucho después, y eran algo distinto. Tenían una audacia que no se escuchaba en los otros grupos de rock & roll, y las letras eran rudas e irreverentes. Algunas veces, sus canciones me recordaban de las letras y la actitud de Kurt Weil y Bertolt Brecht en ‘La Ópera de los tres centavos’.

P: Su música, especialmente en los sesentas, constituía una gran parte de la contracultura

R: Si, pero también como observador de toda la cultura. Mira “Have You Seen Your Mother, Baby, Standing in the Shadows” o “Mother’s Little Helper,” que hablan sobre las madres de clase media tomando píldoras, o “Shattered,” la cual es filosa como una navaja, sobre Nueva York en los setentas. Pero para mí, se trata del hecho que la música de los Stones me hablaba de verdad. Me aludía con las letras de “Tell Me” o “Jumpin’ Jack Flash” porque conocía a mucha gente así, como Jumpin’ Jack Flash. Algunos ya no están por ahí. Me gustaba la valentía, el desafío. La provocación y el desafío –me gusta eso. Agita las cosas.

P: ¿Todavía está trabajando en el proyecto del largometraje con Mick?

R: Si. Es un largometraje siendo escrito en este momento.

P: ¿Se enfoca en la banda?

R: No, es sobre el negocio de la música – duro e implacable.

P: ¿Qué música escucha en su casa ahora?

R: Ha cambiado un poco con un niño en la casa. Mi hija tiene ocho años, y es un poco difícil reproducir ciertos tipos de música, aunque estoy compilando música para ella. Ahora estoy en el proceso de mudarme y crear una habitación donde seré capaz de escuchar algo más de música. Pero son cosas más viejas. Es Eric Clapton, y The Band, Dylan…y los Stones. Voy de un lado para el otro. Y está también la clásica –he estado escuchando mucha más música barroca. Me gusta Bach en la mañana.

LO BUENO, LO MALO Y LO FEO DE EUROCINE 2008

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