Besos mortales, simplemente mortales.

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4186 <img src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/limonycerezas/N.jpg" id="img_0" class="imgizqda">ingún otro poeta de aquellos días obtuvo un éxito más claro y rotundo que Giambattista Marino con su colección publicada en 1602, Rime … parte prima e seconda, en Venecia; fue todo un fenómeno, la colección se convirtió en un lugar muy concurrido por toda clase de compositores. Lorenzo Bianconi lo expresó de forma muy precisa en 1982; cuando en 1982 Bianconi publicó su Il seicento se mantenían vivas muchas concepciones viejas y deformes sobre el rico mundo del gran siglo XVII, en muchos aspectos el libro continua teniendo un gran valor, su lectura siempre será indispensable. Si el valor de la poesía de Marino es discutible, y siempre lo será, aquel triunfo nadie podrá negarlo; y si le Rime triunfó desde el instante de su publicación una de las criaturas que primero despuntó en aquella colección fueron los versos del "Io moro, ecco ch'io moro". En 1603 ... tres compositores se apresuraron a servirse de aquellos conceptos afilados reunidos en los versos de Marino, fueron Pomponio Nenna, Mariano Tantucci y Salomone Rossi. Como recordaran el mundo marinista fue una moda fugaz, como todas las modas, aquellos conceptos que reinaron durante unas pocas décadas, cuatro, se apagaron y pronto la moda fue sustituida por los reproches y el desdén, luego como un fantasma vergonzante el marinismo vivió un exilio quizás más cruel que un olvido. Entre 1603 y 1636 se sitúa la rica vida de los versos del "Io moro, ecco ch'io moro"; nosotros no consideraremos el opus primero de Giovanni Battista Bianchi de 1675, puede ser un perfecto objeto para algún viaje por los prados de la melancolía, aquellos que nos recuerdan como el eco la existencia de una voz lejana ya casi imposible de localizar; entre 1636 y 1603 está el objeto de nuestra atención, el palpitar de una agonía conceptual agitada entre sucintas sílabas. De muchos poemas se ha dicho bastante sobre su aparente o evidente simplicidad; en primer lugar habremos de reconsiderar si la simplicidad ha de tenerse como un valor negativo; una simplicidad aparente sería un concepto marinista por excelencia, un contrasentido bastante natural. Quizás sea irremediable, hay simplicidades que triunfan, como han triunfado muchos signos que bajo unos simples trazos han despertado mares de pensamientos diversos. Si la simplicidad puede ser un complicado juego es una consideración a tener en cuenta. Concedamos la posibilidad de que existan esas simples criaturas que cubren dignamente sus retorcidas esencias. Lo que es un logro nada sencillo es encuadrar con rapidez en un escenario muy constreñido un denso mundo de sentimientos palpitantes, y hay que reconocer que Marino en ese arduo combate sale triunfante con elegancia. Lo bueno si breve dos veces bueno. "Io moro, ecco ch'io moro" en sus siete versos desarrolla una tragedia completa con muchos sobreentendidos. No debe sorprender que su simple estructura haya conducido a tan diversos desarrollos musicales durante los años en que ardió la fiebre marinista. También triunfaron aquellas pinturas del Caravaggio. Triunfaron en medio de una gran polémica y de gran escándalo. Marino poseyó un magnífico lienzo pintado por el Caravaggio, una historia pintada de Susana y los Ancianos de la que no queda ningún rastro, ni una simple copia imperfecta; todo lo que sabemos es que debió de ser uno de los logros más altos del Caravaggio y toda una excepción la pose provocativa de la heroína. Tampoco conocemos el retrato que el Caravaggio pintó de Marino cuando ambos coincidieron en Roma entre 1600 y 1605. Marino enseguida reconoció en el Caravaggio aquel universo de imágenes que parecían más creadas que pintadas. Al decir eso de las pinturas del Caravaggio debió de querer situar al impulsivo pintor en el lugar que Platón tenía reservado a los más grandes estados espirituales del hombre, allí donde la humanidad está iluminada por la divinidad, allí donde raptada se desentiende de los procesos más rutinarios y alcanza la facultad divina de crear. . . . . <img src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/limonycerezas/SANTACATERINADALESSANDRIAYMARINO.jpg" id="img_0" class="imgcen">

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4186 <img src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/limonycerezas/T.jpg" id="img_1" class="imgizqda">odo tiene un final; no debemos olvidarlo. Llegados al punto final es posible que se nos otorgue alguna concesión; una concesión postrera y salutífera. Toda una vida a cambio de un signo, de un gesto, que salde la cuenta pendiente. Son muchos los que prefieren ignorar que el final es irremediable o que prefieren poner remedio con la evasión; algunos, sin embargo, viven continuamente al borde de lo último, en los postres vitales; muchos de ellos son víctimas del niño arquero, escogidos para ser blanco de sus flechas afiladas. En una ocasión vi unos dedos aristocráticos y tiernos jugueteando lascivamente con el mismísimo filo de la muerte, un gesto que muchos juzgarán como irreverente pero que considerado mejor tiene mucho de reverente. Aquellos dedos, como el amante moribundo que Giambattista Marino [1569-1625] nos entrega en uno de sus versos, van a morir felizmente si un signo se desata; un signo puede desatar fuerzas inimaginables. Nacemos predispuestos para inclinarnos al poder de los signos, el hombre es por naturaleza un ser crédulo, un fértil campo para los signos; conviene estar atentos y no equivocarnos. . . . <img src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/limonycerezas/Dulcetormentomio.jpg" id="img_0" class="imgcen"> . . . El amante del que nos habla Marino va a morir, no cabe la menor duda, lo confiesa él mismo, "Io moro ecco ch'io moro"; ¿se acuerdan? lo escuchamos en aquel disco dedicado a los atrevimientos florentinos de 1616. Aún no ha muerto, pero morirá pronto. Las canciones de Claudio Saracini [1586-1630] fueron muchas; si procedemos con algún orden deberíamos relatar las de su primera colección, Le Musiche … Madrigali & Arie a una e due voci, reimpresa en Venecia en 1614, allí estarían las que utilizan versos de Guarini -"Crud'Amarilli", "Parto ò non parto", "Deh, come invan chiedete", "Dono, Licori a Batto"-, o los de Gabriello Chiabrera -"Messaggier di speranza", "Damiggella tutta bella"-, o los de Ottavio Rinuccini -"Vaghi rai, lucenti stelle"-, o los de Francesco Rasi -"O rimembranza amara"-, sin olvidar los de Pietro Capello, Gaspare Torelli, Agostino Nardi, Giambattista Mamiano y Ansaldo Cebà, los versos de ocho canciones no tienen padre conocido y quedan otras cuatro cuya paternidad es obra de Marino, "Io moro, ecco ch'io moro", por supuesto, y "Feritevi, ferite, viperette mordaci", "Pargoletta è colei ch'accende" y "Tempesta di dolcezza"; en total creo que son veinticinco. El tono del libro es variado, hay sitio para celebraciones festivas, para recuerdos felices, reproches feroces, trances serenos, agonías agitadas, muertes anunciadas, en fin, un libro lleno de matices a los que ceñir las notas, labor en la que Claudio Saracini fue muy ducho, con tanto atrevimiento y osadía que ha habido quien ha corregido sus anotaciones, barbarie tremenda la de algunos funcionarios de solfeo. No es el libro de 1614 una publicación lúgubre por más que en ella figure nuestro querido moribundo. Ni a nosotros nos interesa ahondar en el asunto de la muerte. Estamos, más bien, pendientes de algunos signos y dispuestos a descifrarlos. Los signos trazados por Marino son duras rocas, más duros son los signos trazados por el Cielo. De Marino y de sus criaturas poéticas se han dicho muchas cosas, pocas dichas con el debido respeto y muchas menos las dichas con alguna ilustrada sensatez. El universo de conceptos de Marino es un jardín siempre dispuesto a florecer con renovada artificialidad, es un universo menos irreal de lo que nos han apuntado tantas veces y mucho más real de lo que la realidad puede llegar a ser, los poemas de Marino trascienden los sentidos y sus leyes con total naturalidad. Ese brillo de artificiosa-naturalidad es su valor supremo, la razón por la que su autor merece un favor especial. <img src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/limonycerezas/VERTICALNEGRO.jpg" id="img_2" class="imgizqda"> El triste amante ya sabe que ha de morir y sólo busca un signo de paz, quiere arrebatar un beso antes de partir del hermoso valle terrenal. Ella acaricia con refinada concupiscencia que reniega todo mundano deseo al ejecutor afilado de un destino tormentoso, sostenido sobre su tierno y agitado pecho el objeto de su mortal anhelo no tardará en ejecutar su deseo. Aquí, y durante los breves instantes en que la lectura reposa sobre los objetos, coincidirán dos destinos que esperan un signo. El uno pintado por Michelangelo Caravaggio [1571-1610], el otro pintado por Giambattista Marino. El trance de nuestra invitada lo han compuesto en diversas harmonias de colores y formas muchos pintores, el trance del amante tal y como lo concibió Marino lo han puesto en música algunos maestros, veinte tal vez. Yo quiero detenerme sólo en uno de los pintores y en todos aquellos músicos famosos. Con Caravaggio nos quedaremos algunos instantes más y con el destino del suplicante amante también. Desde que apareciera publicado en 1602 "Io moro, ecco ch'io moro" y durante un breve periodo de tiempo el destino del amante fue objeto de la atención de algunos grandes maestros compositores del Seicento, ese breve lapso temporal coincidió con una agitada convivencia de estilos y tendencias por lo que encontraremos toda clase de alternativas. El fuego poético estuvo encendido con furia durante unos pocos años, murió Marino en Nápoles en 1625 y con su muerte surgió un silencio sin luz ni calor. Aquella encendida llama se apagó dejando el recuerdo de su indescriptible luminosidad.

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4186 <img src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/limonycerezas/D.jpg" id="img_0" class="imgizqda">esde la espesura sobre la orilla de un misterioso río rasgado por la brillante luz de la Luna hasta el final de un extraordinario libro de madrigales, unos pocos pasos delatados por el silencio prisionero entre ellos. Seamos sigilosos mientras contemplemos ávidamente los detalles. Fue el primer libro de madrigales que le ofreció alguna fama en aquella época, fue il Terzo Libro de' Madrigali a Cinque Voci; dedicado un 27 de Junio de 1592 en Mantua al Duque Vincenzo Gonzaga, saldría a la venta desde los talleres venecianos de Ricciardo Amadino. El Príncipe Vincenzo I Gonzaga fue Duque de Mantua entre 1587 y 1612; entre 1592 y 1612 il Terzo Libro de' Madrigali de don Claudio Monteverdi [1567-1643] fue reimpreso cinco veces. En 1612 moría Vincenzo I y, también, el emperador Rodolfo II, ambos eran nietos del emperador Ferdinando I; dos notables y nobles figuras protectoras del Arte desaparecían casi al mismo tiempo, el triste emperador moría un 20 de Enero y el rijoso gran duque un 9 de Febrero. El magnífico libro de madrigales de don Claudio viene a morir en un soneto extraordinario cuyas últimas sílabas son "Deh, cara anima mia, chi mi ti toglie?". Más allá el silencio absoluto, ni respuesta ni esperanza; hay libros de madrigales que se despiden así y yo los encuentro superiores. Todo ha de tener un final, para qué negar lo que es incuestionable. . . . <img src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/limonycerezas/STEVENSPIETER.PAISAJENOCTURNOCONPESCADORES.jpg" id="img_0" class="imgcen"> . . . Veníamos de pintar unas lágrimas en la atrevida Florencia de Domenico Belli, si retrocedemos un poco nos encontramos con las tristes lágrimas del madrigal de don Claudio Monteverdi, tan diferentes en tantos aspectos, de un agua cristalina que discurre con un sosiego misterioso. Nadie puede intentar explicar a Monteverdi lo que es un lamento; pintó muchos, algunos más famosos que otros, pero la fama es cosa irrelevante, lo importante es el mérito de sus notas. Regresamos a las lágrimas, esta vez son unas lágrimas que oprimen: con una riqueza fonética muy elegante que esboza ponderación e ingenio el poeta escribió "da singhiozzi e pianti oppressa"; una prisión de lloros y gemidos es una escena muy singular, y es que el soneto tiene una atmósfera peculiar, una luz nocturnal extraordinaria que unas veces parece más real que la realidad y otras una fantasía inimaginable, una indeterminación sugerente y conmovedora define su éter; hay despedidas que sólo pueden tener lugar en lugares muy especiales, mundos imaginarios que algunos han podido situar entre sílabas, notas, o contornos pintados. Yo un día caminando por los pasillos del Kunsthistorisches Museum en Viena me tropecé con una pintura diminuta, creo que fue un encuentro perfectamente premeditado por parte de la pintura, desde entonces la luz de su cielo y los misterios que se niega a confesar han hecho que no deje de acecharla. Me asomo muchas veces a la pintura y cada vez me sorprenden nuevos secretos que pintados con sutil pincel se perfilan sólo cuando ellos mismos desean delatarse. Hubo quien la miraba para deleitarse en su maravillosa artificialidad, fue hace mucho tiempo, en otra ciudad, creo que era en Praga, ella junto con otras muchas extravagantes recreaciones componía un universo muy singular, fue ese universo una burbuja ajena a muchas de las terribles leyes que dominan el siglo con cruel autoridad. También me he asomado muchas veces a los madrigales del Terzo Libro de don Claudio, con mayor devoción desde que Marco Longhini los entregó con prístina condición en una perfecta complicidad. Siempre he guardado especial afecto por los últimos versos del libro tercero, llegado al momento en que sé que Monteverdi apacigua nuestros oídos para luego sobresaltarlos me siento especialmente atento, siempre suena diferente el Rimanti in pace. "Rimanti" es su primer concepto y "toglie" el último; podría haber sido al revés. Entre sus opuestos significados acecha la escena poética, un gólgota pastoril. Yo lo imagino, como aquella Pascua, presidido por una luna indiscreta. Permitirán que haya utilizado una comparación tan sacra; no es accidental que quien tejió los versos fuese tan diestro en lo profano como en lo sacro, él anticipó con absoluta maestría las metamorfosis musicales; como en aquella famosa santa castellana que triunfó en la Roma del seicento gracias al noble marmol los límites del Amor no se pueden definir con certeza, existieron siempre dos Venus y no parece que vaya a dejar de ser así, llegados a un punto la amada es su querida alma, en mejor ocasión el alma se convertiría en dichosa amada. Al pie del soneto firma Livio Celiano. Hubo un tiempo en que llegó a existir un tal Torquato Celiano, se buscó su fecha de nacimiento, todo en vano, no fue mas que un espejismo fugaz, dos veces Tasso, o Tasso y Tasso. El solícito amigo de Torquato Tasso no se llamaba ni tan siquiera Celiano. Un reverendo padre ha de cobijar sus criaturas más procaces y mundanas bajo un seudónimo, el padre Angelo Grillo [1557-1629] retrató fogosas escenas de amor tras ese espejo llamado Livio Celiano, un fuego tassiano. Elio Durante ha dedicado muchos años en descubrirnos el paisaje que se oculta tras las huellas del reverendo padre, en 1989 publicó un libro cuyo título habría hecho muy feliz al padre Angelo, y también a don Livio, Don Angelo Grillo O.S.B. alias Livio Celiano, poeta per musica del secolo decimosesto; el título de "poeta per música" es muy justo, hace justicia a un olvidado Grillo cuyos últimos cantos hace tiempo que dejaron de agitar los campos, pero es necesario, además de justo, rescatar su nombre del antojadizo desdén del olvido. El brillante final del Terzo Libro de don Claudio es una ocasión excelente para recordar al autor de aquellos pietosi affetti: yo me he tomado el atrevimiento de fisgonear entre las viejas publicaciones y me ha costado mucho resumir el fugaz paso del musical padre Angelo, si lo tuviésemos que plantear en fríos números serían más de seiscientas puestas en escena, más de ciento sesenta compositores, y eso sólo en lengua italiana dejando a un lado sus versos latinos. Entre todos esos datos rescatados de las bibliotecas y los archivos los madrigales de don Claudio destacan por la fama recobrada de éste gran maestro. Sirva el nombre de don Claudio Monteverdi para ayudarnos a mirar los poemas musicales del decimosesto siglo; de aquel soneto del padre Angelo Grillo, perdón, de don Livio nacieron dos madrigales que ponen punto final a la aventura del Terzer Libro. Los versos del padre Angelo han sobrevivido mejor al cruel apetito de los siglos que las poesías pintadas de Pieter Stevens [1567-1624]; el que fuera pintor favorito del emperador Rodolfo II en el Castillo de Praga es una sombra difusa, apenas un contorno. Tampoco los libros se acuerdan de él, y en los museos lo podemos encontrar en alguna esquina disimulada al final de recónditos pasillos. Pero Pieter Stevens, o Pietro Stephani, fue también un gran poeta per musica desde sus paisajes, de los que muchos han desaparecido para siempre mientras otros pocos olvidados vuelven para continuar desatando pietosi affetti. Frente a algunos de sus artificiosos paisajes musicales pasó muchas horas de meditación el emperador Rodolfo II, al que muchos tomaron por un adelantado del romanticismo, tantas horas que los embajadores protestaban. Sirva de nuevo don Claudio para tan afortunada visión. Volver a mirar las criaturas de Stevens nos devuelve a la lejana frontera de lo intangible. Como en el madrigal de don Claudio la invitación al sosiego de la hermosa pintura es una oportunidad para dar paso a todo un suceso, ¿cuál?, contemplen y descubran ustedes lo que puede estar sucediendo entre las sombras o en medio de las iluminadas riberas, si lo prefieren pueden contar las estrellas que brillan en el cielo de Stevens, o tal vez en el firmamento versificado del padre Angelo, o ¿por qué no? en los madrigales celestiales de Monteverdi. . . . . <img src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/limonycerezas/RIMANTIINPACEONDEIDIMORTELASUAFACCIAIMPRESSA.jpg" id="img_1" class="imgcen">

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1 En una tranquila orilla con Pieter Stevens, Angelo Grillo & Claudio Monteverdi

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4186 <img src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/limonycerezas/U.jpg" id="img_2" class="imgizqda">na pregunta si me lo permiten. What's in a name? la pregunta la realizó Shakespeare hace ya bastante tiempo. En un nombre hay muchas cosas evidentes y algunas ocultas acechando cuya identidad ni sospechamos. Aparece ahora el primer número de la Selva Discographyca en este blog, lo he querido adelantar de manera que el final del año no se anticipe en la carrera a mis deseos. La Selva Discographyca existió en otros lugares con pobre fortuna, ni el tiempo ni los solares llegaron a ser los idóneos, pero las tentativas no son pasos inútiles, no siempre. La Selva Discographyca ha madurado sus intenciones y ahora ya en mejor condición quiere existir como una invitación. Fra Buonaventura Rubino explicó las razones por las que intituló Tesoro a su colección de misas, salmos, motetes, sonatas y otras músicas. La colección fue un extraordinario conjunto de criaturas, siento contradecir la natural modestia de Fra Buonaventura, y pudo ser un tesoro por el valor de lo juntado pero lo que aún continúa sorprendiendo y admirando nuestro ánimo es la multiplicità, el asombroso número de facetas con las que el fraile talló su primera edición. Yo tengo mayores razones que el buen fraile para vestirme con el hábito de la humildad y quiero disculparme por el evocativo título con el que las vanidades discográficas se han vestido, al permitir que se asomen entre las ramas y las hojas de famosas selvas he querido honrar la memoria de tantas colecciones que fueron y que admiro y emular la multiplicità de otras selvas. Los nombres son también un estado de ánimo, un hálito, al escoger un nombre realizamos un gesto que no es intrascendente. Las vanidades discográficas de este blog tenían que heredar un título y lo hacen con satisfacción. La Selva recuerda a Monteverdi, a Rubino, a Vecchi; evoca las retorcidas formas vegetales espejo de los conceptos. <img src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/limonycerezas/LIGOZZIJACOPO.PASSIONFLOWER.BibliotecaNazionaleCentraleFirenzecopy.jpg" id="img_1" class="imgizqda"> Se trata de una Selva de criaturas en la que tendremos que ir descubriendo los perfiles de cada secreto invitado, muchas veces con razón y otras muchas más de forma peregrina, puede que casi siempre con poco orden no en vano es una selva y no un jardín. Una Selva siempre tiene sus secretos y ésta no será una excepción. Para iniciar la serie de sorpresas he decidido mirar al Arno, a una dinastía de banqueros que quisieron ser reyes, a los Medici. Todo lo que visitaremos está vinculado a la suntuosa y sofisticada corte de los Medici. El disco se titula "Firenze 1616" y lo ilustra una creación superior de un joven prodigio, se llamaba Gianlorenzo Bernini. El hijo de Venus es el responsable de cuanto sucede, sus flechas terribles y afiladas abren heridas sin distinción de condición. De no haber existido el arco de flechas del niño afrodisíaco el mundo sería un aburrido asilo de memos. Todo lo que discurre por los versos recitados en este disco habla de Amor y de los desastres que sus travesuras pueden desatar. Cambia el estilo de los poemas, cambia el acento de la declamación, se altera el curso del recitar pero el espíritu del disco es el mismo a lo largo de sus minutos y segundos. Ojos que lloran a causa de las heridas del niño arquero. Io moro e non vo senza il tu bacilo uncir di bita es como comenzaremos y concluiremos sin esperanza con ojos que son fuentes de lágrimas Cuanto sucede bajo los designios de la bella diosa y de su hijo fue cantado con refinado estilo en la corte medicea. El mérito del disco que nos ocupa es el de ilustrar, quise decir sonorizar, las propuestas que se superpusieron durante los últimos años del XVI y los primeros del XVII a la hora de practicar ese canto. En menos de una hora podremos disfrutar de diversas formas de harmonizar el ritmo de la poética, fue ésta una cuestión muy debatida en la corte de los Medici. Una corte con prestigio y con dinero puede acometer muchas actividades. Ese fue el caso de Florencia. Lo mejor es imaginar los espacios de las villas mediceas como escenario de las propuestas de los músicos; Giusto Utens realizó dicesiete pinturas representando otras tantas villas que servían de recreo a los Medici, casi todas esas lunetas han sobrevivido y aunque ya no están en la Villa de Artimino siguen ilustrando la riqueza de la corte. Cada villa tiene su propio carácter, cada forma de recitar cantando una poesía también. Multiplicità. En una de esas villas, concretamente en la de Poggio Imperiale, se representó un frío día de Febrero de 1625 una comedia en música. La comedia fue obra de Ferdinando Saracinelli y la música fue cosa de Francesca Caccini, fue la memorable aunque olvidada Liberazione di Ruggiero dall'isola d'Alcina. Esa comedia queda fuera de nuestro disco pero yo la imagino como formando parte del mismo, quizás en breve Dumestre se decida a acometer su puesta en escena. Yo hubiese incluido a Ferdinando Saracinelli en cualquier disco dedicado a Florencia pero en éste que nos ocupa no fue invitado. Yo al pasar por las villas y recordar a los Caccini, a Saracini y a Malvezzi, o a Belli, no he querido dejar de mencionar a Saracinelli, en el blog no tenemos falta de espacio ni yo tengo falta de tiempo. No lo entiendan como un reproche, se trata de una ensoñación. Quizás Dumestre no quiso dejar de lado a Saracinelli y aunque no pudiendo incluirlo en el disco lo mencionó, las notas del disco mencionan su famosa comedia. Famosa y olvidada. En cualquier otra villa a lo largo de los descansos que los príncipes florentinos se permitían pudieron resonar las extraordinarias criaturas de Giulio Caccini o de Claudio Saracini. Ellas sí están presentes en el disco. Es cierto que sólo una poesía de Marino puesta en música por Saracini aparece en el disco pero eso es ya un hecho destacable. Claudio Saracini nos ha dejado un buen número de canciones repartidas en cinco libros, una sola quizás no sea un exceso. Giulio Caccini es un personaje mejor conocido, se le ha concedido mucha responsabilidad en algunas de las innovaciones musicales que se acometieron en aquellos años, es muy difícil no encontrarlo en cualquier asunto que tercie sobre la renovación expresiva, pocos son los que no le invitarían al bautizo de la ópera. El prefacio de su Le nuove musiche es un lugar muy famoso del que pocos quisieran olvidarse por no pasar por iletrados. El disco nos presenta una selección de las famosas músicas de Caccini, todo lo que ha sobrevivido de su Il Rapimento di Cefalo y que lo hizo gracias a aparecer publicado en Le nuove musiche, Florencia 1601; mencionaré un soneto de Petrarca, Tutto 'l di piango, es uno de los más famosos sonetos de Petrarca y la interpretación que disfrutamos dentro del disco la hará forzosamente memorable, yo diría inolvidable pero quizás sea un atrevimiento, el soneto forma parte de Nuove musiche e nuova maniera di scriverle, Florencia 1614. Poesía de Marino, de Petrarca y, también de Rinuccini. Y de Chiabrera. Cada cual podrá juzgar por sí mismo. El centro de gravedad del disco se sitúa en los intermedios de l'Aminta de Torquato Tasso, L'Orfeo Dolente con texto de Chiabrera y música de Domenico Belli. Fue un entretenimiento mediceo para el carnaval de 1615. Son fonti ohimè di lacrime quest'occhi afflittissimi cierra el entretenimiento, no nos sorprenderá la memoria si nos recuerda aquella colección de Monteverdi, los Scherzi musicali de 1607, buena parte de ellos con versos del mismo Chiabrera. Pero hay que apuntar algunas cosas sobre estos intermedios florentinos de 1616. He dicho que se trató de un entretenimiento mediceo, y lo fue, Ugo Rinaldi era pariente de los Medici, su mujer era Costanza Medici hermana del que fuese el breve papa de Abril, Leon XI: algunas noticias referentes a las representaciones que tuvieron lugar en el Palazzo della Gherardesca lo citan como Palazzo della Nunziata ya que allí vivió hasta su elección el cardenal Alessandro de Medici. Ugo Rinaldi estaba obligado a mantener un nivel de vida acorde a su situación. Aquellos intermedios y l'Aminta fueron una muestra del poder adquirido por Ugo Rinaldi al conectar con los Medici. Sobre el texto de los intermedios habría mucho que decir y es poco lo que yo soy capaz de aportar. Edmond Strainchamps encuentra una feliz expresión en su artículo sobre Belli [New Grove 2002] para despachar el asunto de la autoria de los intermedios, efectivamente, el texto en buena parte es de Chiabrera. La edición impresa de Ricciardo Amadino, In Venetia MDCXVI, nada dice del autor de los versos. Ahora bien, Chiabrera editó en 1615 sus Favolette da Rappresentarsi cantando en donde se incluye Il Pianto d'Orfeo. Solerti ofrece los textos tanto del Pianto d'Orfeo como del Orfeo Dolete y es sencillo constatar que gran parte de los intermedios proceden de aquel Pianto escrito por Chiabrera en 1608 y publicado en 1615. ¿Fue Chiabrera quien amplió el material del Pianto para adecuarlo a las necesidades de los intermedios? Yo no lo creo, pero podría cambiar de opinión. Dumestre respeta en gran medida el texto de los intermedios aunque realiza algunos cortes y modificaciones en los coros que abren y cierran los recitados. No me consta que exista una explicación que justifique esas modificaciones, quiero decir que no puedo argumentarlas con alguna declaración del director de Le Poème Harmonique. Quizás lo más chocante pueda ser el final del Quinto Intermedio, ese Son fonti ohimè di lacrime que me hacía recordar los Scherzi de Monteverdi; entre lo que uno lee en lo publicado por Amadino y lo que nos encontramos en el disco hay un abismo poético importante, la estrofa escogida por Dumestre deja un extraño desconcierto, no musical pero no menos desconcertado. Ahora bien, nadie negara el extraordinario brillo del ballo escogido, además, lo que puede desequilibrar los intermedios quizás no resulte tan extraño dentro del disco. Alguién podría apuntar que la inclusión del Son fonti ohimè di lacrime trata de forzar el paso del tiempo y de las propuestas que Dumestre adopta como motivo de su disco, y pudiera ser cierto. Concluidos todos estos apuntes quiero resaltar la importancia de que estos intermedios de Belli aparecieran tan bien recitados mostrando la extraordinaria faceta del compositor florentino al que Dumestre ya dedicó otro disco. Las lágrimas del Orfeo de Belli son las lágrimas mejor recitadas que es posible encontrar, cantar lágrimas sin caer en excesos indeseables no resulta nada fácil. El disco lo abre un Io moro de Saracini que nos ofrece un estilo recitativo extraordinario por su peculiar factura, quizás algunos solfeadores lo encuentren demasiado extralimitado en sus ocurrentes notaciones, pero el capricho puede ser un arte en sí mismo, sólo hace falta llevarlo a buen puerto. Y lo cierra ese ballo a forma de tango seicentesco que Chiabrera o quien fuese colocó al final del Orfeo. Entre medio volveré a mencionar el soneto de Petrarca de cuyo nombre no consigo olvidarme; Tutto 'l di piango representa el claro y ordenado modo de recitar de Caccini. El viaje termina aquí, conviene no olvidar que todo fueron unos experimentos y que nada es definitivo. No lejos de los sonetos y rimas recitados se escrutaba la extraordinaria naturaleza de los limones y de las naranjas, se recibía con asombro plantas del Nuevo Mundo o se espiaban los secretos de las estrellas y las intimidades de la Luna. Un lugar singular aquella corte de banqueros que cultivaban limones. Ningún secreto de estas poesías se escapa a la inspirada y competente dirección de Vincent Dumestre; los experimentos y atrevimientos florentinos son retratados con magnificente naturalidad por el equipo de Le Poème Harmonique, las mejores voces para cantar recitando y unos instrumentistas que hacen hablar a sus instrumentos. Todo muy necesario porque la poesía es una criatura muy sensible y necesita de un cuidado extremo. La ocasión de abrir la Selva Discographyca con la selva florentina de la Camerata ha sido muy feliz. Es hora de despedirse y lo haré citando a Giovanni Battista Doni, nadie mejor que él trató el asunto de la monodia, y Doni fue un florentino. . <img src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/limonycerezas/A00.FIRENZE1616LEPOÈMEHARMONIQUE.jpg" id="img_0" class="imgizqda">

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1 Firenze 1616, lagrimosi fiumi ...

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4186 <img src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/limonycerezas/L.jpg" id="img_2" class="imgizqda">lena de gracia la luna de Octubre apunta en los cielos de mi recuerdo. Asoma sobre una roca altiva postrada en un mar que no puedo olvidar por lejos que quede su orilla. Combatía siempre contra el desafío del faro, siempre indiferente a sus embates y a mis pretensiones. A la playa que escogieron los restos de un naufragio vengo a caminar una vez más, otro Octubre más. Camino recordando, me dejo asaltar por el recuerdo de las cosas pasadas, por las promesas incumplidas y las mentiras pintadas, los naufragios de edades distantes que navegan felices por un océano infinito quieren acudir a su funeral; qué grato es el encuentro, qué suave la pena, qué dichoso me deja el recuerdo de viejas desdichas, vienen como los cumplidos rayos con puntual premura a despertarme y apartarme del confuso descuido de mis incertidumbres. Recupero el nombre de las cosas olvidadas y de las que fueron exiliadas, las viejas heridas se abren mostrando que nunca serán cicatrices, y el cielo nuboso se rinde a un corte profundo de tu luz, las incógnitas nubes aparecen desveladas por la clara hemorragia. Me traiciona la indiferencia a la que encomendé mi cuidado y me veo otra vez saqueado por las dudas del tiempo que quise olvidar. Qué grato es el asalto, qué placer encuentro en la derrota, me rindo sin fingir orgullo y espero mi condena, espero en la orilla a que bajes a la playa, lentamente desciendes desde las nubes confundidas entre los tamarindos viejos y algunas higueras preñadas y mientras lo haces me quito la ropa para poder bañarme contigo; al viejo acantilado le han surgido nuevas heridas pero tú has vuelto como aquel día, aquel día también te desvestiste de las nubes y bajaste acariciada por un viento cargado de deseos, allí me encontraste y durante horas me enseñaste a nadar en un mar oscuro, reímos juntos, me enseñaste a conjurar el poder de las caricias que habían quemado mi piel; recordé cómo olvidar y olvidé como recordar entre las olas de la memoria, olas de la marea que tú gobernabas con leyes eternas. Tendido sobre la roca me dejé secar por la corte de tus nocturnos susurros y las diminutas gotas de agua que se esparcían por mi cuerpo se llenaron de tu influjo frío y claro. Allí me dejé tomar y me olvidé de todo. Vuelvo a bañarme contigo y una dicha enorme me hace reír y llorar y las cosas del pasado quedan abandonadas en el inmenso y tenebroso mar. Mis infidelidades diurnas te son ajenas, y me emborrachas en tu círculo, y olvido, lo olvido todo. Tú, mi querida luna de Octubre, perfecto círculo octubrino, bajas siempre a bañarte conmigo y con mis náufragos. Ya seco, dejo la playa y mientras subo las viejas escaleras entre las ruinas, las higueras fecundas y los aburridos tamarindos, te veo rasgar el agua con tu enorme deseo, yo prosigo mi camino serpenteante y tú cumples con tu órbita perfecta. Oh come grato occorre il sovvenir de le passate cose ancor che triste e ancor che il pianto duri. "Tan dulce es la raíz de mi amargura." . . . . <img src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/limonycerezas/GARZONIA11.PIATTOCONUVE.jpg" id="img_1" class="imgcen"> . . . Un plenilunio más nos volvemos a encontrar frente a las témperas de Giovanna Garzoni. Otro de los piatti con frutta, piatto con uve, sul piano una pesca e alcune giuggiole, es el motivo de este encuentro lunar bajo el signo de Libra y en la casa de Venus. Nunca podremos dilucidar algunos detalles sobre este grupo de pergamene, quizás fuese mejor decir pergamino que cartulina, por ejemplo cuántas llegaron a ser, cuál fue su disposición en la Stanza dell'Aurora, incluso, cuál fue su cronología. Sobre este último aspecto, el de la cronología, lo que podemos apuntar es bastante vago, podemos situarlas entre 1650 y 1662, puede que algunas sean anteriores, con todo muestran una homogeneidad muy destacable, podría atreverme a decir que un sentido de estilo muy madurado y seguro. Quizás tenga más peso la cuestión del estilo y la cronología pierda toda importancia dada la impronta de la fórmula que la Garzoni despliega. Una fórmula que en la inmensa mayoría de estas pergamene parece apuntar a un clasicismo rústico triunfal que la Garzoni desplegó con inmensa fortuna desde 1645 hasta comenzados los sesenta del siglo XVII. El estilo ya debió de pergeñarse antes de que el Gran Duque Ferdinando II solicitara a la Garzoni realizar una serie de miniaturas con frutas para la Stanza dell'Aurora, la bella factura de las pinturas de la Garzoni con su ambiente ambiguo debieron de causar un gran efecto en Ferdinando II. En el límite entre la ilustración científica y la pintura la fórmula de la Garzoni bascula siempre con un indefinido descuido, una veladura irreal sobre un cuerpo realista. Tomo yo la presente pergamena como un alto ejemplo de este concepto pictórico desarrollado por la Garzoni, quizás por ser mi favorito no esté en condiciones de modular mi entusiasmo. La pasión demostrada por la Garzoni en su recorrido por la superficie de las uvas es, ciertamente, cautivadora, es una pasión evidente, pasión que recorre aspectos diversos, de textura, de temperatura, de calidad, de estado, toda una exposición de evidencias táctiles traídas por una mano pintora. Todo coronado por una composición cuidada hasta el extremo. La vista no puede decidirse por cuál aspecto particular decantarse. Y no falta la visión del contrapunto en la escena, venida de la mano del pérsico y de las azufaifas que enmarcan cromáticamente y de forma táctil a las uvas octobrinas. . . . <img src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/limonycerezas/GIOVANNAGARZONI.A11.Piattoconuvesulpianounapescaealcunegiuggiole.jpg" id="img_0" class="imgizqda"> <img src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/limonycerezas/335767_GARZONI.A11.Piattoconuvesulpianounapescaealcunegiuggiole.jpg" id="img_0" class="imgcen">

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1 Tan dulce es la raíz de mi amargura; grate uve ottobrine. [Plenilunio en Libra]

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4186 <img src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/limonycerezas/G.jpg" id="img_1" class="imgizqda">iorgio Vasari realizó un comentario muy elogioso del retrato de don Diego Hurtado de Mendoza pintado por Tiziano, hecho muy singular el de que el gran florentino realizase una loa de una pintura veneciana. Se había llegado a sostener de forma muy generalizada que una pintura en el Palazzo Pitti, Galleria Palatina, era la que sirvió de excusa a tal admiración. Antiguamente se dijo que el retrato era el del poeta Donato Minerbetti, un poeta al que dedicase versos entre otros Benedetto Varchi. Triunfó la opinión de que aquel retrato famoso por las palabras de Vasari y el cuadro que cuelga en Florencia eran una misma cosa y parece que los antiguos pudieran tener razón en alguna medida y que realmente la identificación no sea correcta; Matteo Mancini critica la posibilidad de que la pintura florentina y el retrato de Tiziano de don Diego sean una misma cosa, lo hace en un volumen muy reciente [1998] y lleno de documentación de primera mano, Tiziano e le corti d'Absburgo nei documenti degli archivi spagnoli. La figura de don Diego Hurtado de Mendoza juega con su memoria no sólo alrededor de su retrato, durante mucho tiempo se consideró al Lazarillo de Tormes una obra de su mano. Las cosas son así. Lo que sí es cierto es que fue la inspiración que guió su mano la que creó La Fábula de Adonis, Hipómenes y Atalanta, publicada en Venecia en 1553. Para entonces el emperador había puesto fin a su carrera diplomática en Italia tras el desastre de Siena de 1552; pero las octavas reales de La Fábula de Adonis nos permiten salvar a don Diego, aunque olvidadas no han perdido su valor, su inmenso valor. Hasta nosotros en la playa del Poema Harmónico llegan las octavas reales junto con los recuerdos de un amor dramático, llegan los sueños poéticos de un noble castellano y las ensoñaciones cromáticas de algunos pintores, los trae un mar de madrigales cromáticos y una herida afrodisíaca. Aunque sea Noviembre no podemos olvidarnos de ella, la bella espuma de nuestros suspiros. Hasta no hace mucho tiempo la "poesía", por emplear un término tizianesco, estuvo arrinconada, y no sólo en el olvido, aquella poesía pintada denostada y aborrecida fue confinada en un exilio vergonzoso. La bella deidad habrá tomado justa venganza por tanta ofensa. Si alguien puede ser señalado como un descubridor del verdadero valor de aquel mundo extraño y seductor del Seicento, de sus deidades carnosas y sensuales, de sus santos y pecadores, ése es Sir Denis Mahon; ha cumplido, como cada 8 de Noviembre, años, 99 hasta la fecha. Han pasado muchos años desde que escribió aquel Studies in Seicento Art Theory, 1947, ahora ya no es imaginable que un Reni o un Carracci terminaran en la basura pero cuando Sir Denis comenzó su colección salvó a muchos lienzos de perecer como desechos. Aquella "poesía" de Annibale Carracci volvió cargada de gloria y color a dominar las colecciones reales del Prado; el Museo Nacional del Prado inició en 2003 las necesarias tareas de restauración del lienzo Venus, Adonis y Cupido del singular Annibale Carracci, todo estuvo listo en 2005 para mostrar al mundo el verdadero perfil de un pintor y la exacta naturaleza de su "poesía". No faltó Sir Denis Mahon al evento, ¿quién mejor que él para desafiar a tanta injusticia? La presentación pública de la maravillosa "poesía" de Annibale Carracci no podía contar con mejor prólogo que unas breves palabras del viejo coleccionista londinense, él a las puertas de cumplir un siglo de vida ha visto triunfar a sus protegidos, los ha visto volver a brillar ante la luz. Don Diego Hurtado de Mendoza, Ovidio, Tiziano, Annibale Carracci, el Veronés, Sir Denis Mahon, y, por supuesto, ella que está en todas partes, sin olvidarnos de su hijo, de sus amantes y de su marido, poblarán la concurrida salita en la que desplegaremos los recuerdos de un amor que se hizo poesía. Cuatro años después de tan merecida vuelta, Venus nos muestra todas las razones y sinrazones de su amor por el joven producto de un incesto abominable. Y si los dioses son inmortales también es cierto que la muerte los hiere, aunque sea en la carne de sus deseos. . . . . . <img src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/limonycerezas/VENUSADONISYCUPIDO.PRÓLOGODENISMAHON.jpg" id="img_2" class="imgcen">

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1 Venus, Adonis, Cupido y don Diego Hurtado de Mendoza ...

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4186 <img src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/limonycerezas/L.jpg" id="img_1" class="imgizqda">a Luna se asomó anteayer con solemne plenitud; con su acostumbrada elegancia cromática se pasea Septiembre delatado por un sosegado Sol; el viernes la gran avenida que se divisa desde Waterhouse Lodge era a última hora de la tarde un denso abrazo de sombras y ramajes; la gran avenida se abrió en 1851, desde entonces los árboles han custodiado el acceso del ocaso a Waterhouse Lodge, con renovada intensidad año tras año su umbroso compromiso se ha cumplido; anteayer mostraban una soberbia afilada, ningún rayo de luz podría haber desafiado aquella larga milla de árboles centenarios peinados por un solícito Septiembre; inmensa catedral con grandes columnas y bóvedas de hojas tiernas por la que he visto discurrir la liturgia de muchos veranos, a lo lejos una vez terminada la gran nave arbolada se desparraman los campos, todas las tardes esos prados se iluminan con la representación que corresponde, los cielos son caprichosos sacerdotes que cumplen sus ritos; anteayer se mostraron rasgados por livianas vestiduras de un gris perla, caía el sol inclinado pesadamente hacia el sur y mientras aún conservaba su figura sobre un horizonte que yo no podía ver pintó el aire, pintó los prados, pintó los tejados y las columnatas, con un cristalino licor ámbar de saturado sabor; más allá de la inmensa y densa sombra de la avenida aquella orgía de ilusiones doradas parecía entregarse con entusiasmo, duró la entrega sensual unos minutos, luego el licor bebido cedió el paso a otros tonos cada vez menos saturados y el aire ajeno continuaba cálido, aún quedaba tiempo para algunas caricias, lo primero que perdió su color fue la bóveda de la avenida, la noche se descolgaba de entre las hojas y la despedida tenía que resolverse; muchas veces al separar los labios de la otra boca conviene cerrar los ojos y partir con indiferente calma, así es, cerré los ojos y partí viajando por los lejanos paisajes de mi deseo y entré en una serena noche de Septiembre cuyo oscuro secreto conocía; partí sin cuidado dejando de lado aquel licor que me fascinó para encontrar a un amante caprichoso, juega conmigo y yo con él, yo sé cuándo vendrá y también sé que se marchará y sé también que él sabe que no me importa. Quiero que me engañe y que se marche una vez representada la farsa sin dejar sitio al desengaño, me gusta caer una y otra vez en el engaño frío y claro de su perfecto cuerpo. Sabía que vendría y sabía que vendría entonces y sólo entonces. Esperé. Todo perdía su color y yo olvidaba las pasiones desenvueltas entre risas, olvidaba todas las caricias desvergonzadas y las provocaciones de los gestos, todo lo que la sensualidad del atardecer había dispuesto gentilmente. Esperaba quieto, cada vez más ajeno y frío. Poco a poco desaparecí mientras todo perdía su sentido y su forma en la tierna oscuridad; entonces las esbeltas y pulidas columnas desdibujadas entre los engaños nocturnos se volvieron nítidas, toda la galería del comedor de verano en la que había hecho naufragar mi cuerpo entre arrecifes de indolencia recobró su volumen invitada por unos rayos gélidos que elegían sus presas con cuidado, pronto aquellos rayos dibujaron las proporciones de mi cuerpo, mi carne limpia y hermosa dispuesta para su boca estaba allí olvidada y descuidada, minuto a minuto mi belleza quedaba dibujada por su seductora luz, todo mi cuerpo estaba modelado por sus rayos y ella estaba perfecta y lejana sobre mi cielo, cruzó entre las columnas, saltó por entre las horas de la noche, desafió las nubes, mordió mi piel y me dejó sin decir nada. Estoy condenado al deseo que sus rayos despiertan. . . . . <img src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/limonycerezas/GARZONIA10.PIATTOCONCILIEGEcopy2.jpg" id="img_0" class="imgcen"> . . . . . La enigmática gobernadora de la noche se agota en una sucesión de ciclos. Cada veintinueve días y doce horas su cara se muestra perfectamente iluminada. El baile sufre ligeras modificaciones cada año, cada siglo y es posible que algún día todo cambie para siempre; pero no debemos preocuparnos, desde que nació Giovanna Garzoni hace cuatrocientos nueve años la Luna sólo se ha alejado quince metros. Durante mucho tiempo esos veintinueve días y doce horas continuarán rigiendo el cortejo. Durante los próximos quinientos noventa días nos citaremos veinte veces con una sola cara de la Luna, aquella que es más luminosa para observar otros planetas que giran en universos planos pintados de colores. Las veinte témperas que formaron parte de las colecciones mediceas, esos venti piatti con frutta e verdure che la Garzoni dipinse per il Granduca Ferdinando II, realizarán algunas órbitas más o menos elípticas conjuntamente con el pálido satélite. En su día formaron parte de aquella Stanza dell'Aurora de la Villa de Poggio Imperiale en las afueras de Florencia a poco más de cinco mil píes del Palazzo Pitti sede de la Galleria Palatina lugar en donde descansan en la actualidad, poco más de un kilómetro es mucho más que esos quince metros que la luna ha añadido entre ella y su amante. El primero de los piatti con frutta, piatto con ciliege sul piano due fichi e due nespole, reúne a tres clásicos de los jardines mediceos, sobre el plato una nutrida representación de cerezas de una de las muchas variedades que fueron aclimatadas en los jardines de la dinastía toscana, en primer plano dos higos, uno de ellos una vistosa variedad híbrida con un claro tono ámbar, junto con dos nísperos. Los cerezos, las higueras y los nísperos son hermosos árboles con muy cuidadas hojas y con hermosos troncos y ramas, sin embargo, están aquí delante de nuestros ojos por evidentes razones cromáticas. . . . . <img src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/limonycerezas/GIOVANNAGARZONI.A10.Piattoconciliegesulpianoduefichieduenespole.jpg" id="img_0" class="imgizqda"><img src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/limonycerezas/GARZONI.A10.Piattoconciliegesulpianoduefichieduenespole.jpg" id="img_0" class="imgcen"> <font class="Apple-style-span" color="#FFFF

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1 Luna llena y cerezas de Septiembre. [Plenilunio en Virgo]

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4186 <img src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/limonycerezas/C.jpg" id="img_0" class="imgizqda"> on la aquiescencia de Giovanni Pontano hemos proclamado un homenaje a lo maravilloso sin escapar de la decente protección de los sentidos. Hubiese sido perfectamente posible que atraídas por el suculento aspecto de los madrigales de Michelangelo Rossi las hijas de Júpiter hubieran aparecido por nuestros pagos madrigalísticos. Las Musas no suelen desdeñar las rimas bien traídas. Tal vez esperen a que los rigores del sol se apacigüen. Si escuchasen ustedes algún estrépito habrán de ser ellas. ¿Recuerdan? fue en aquella pintura de Lorenzo Lotto que sorprendió dormido a Apolo; no debemos ser demasiado severos con el pobre Apolo, quedarse dormido en una tarde de verano entre los frondosos árboles en las pendientes de Frascati es un placer al que ni los humanos ni los dioses nos podemos resistir. Fue en aquella pintura en la que descubrimos a las Musas entregadas al ocio sin los cuidados de ningún patrón, aunque vigiladas por una atenta mirada. ¿Recuerdan? . . . <img src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/limonycerezas/LorenzoLotto.ApollosleepingMusesFamacopy.jpg" id="img_1" class="imgcen"> . . . He de confesar que las costumbres de las Musas han llegado a confundirme; me resulta difícil tener una idea exacta de sus hábitos, y perdonen que haya escogido un término como ése, cuando alcanzo a descubrir sus nombres y sus padres pierdo la cuenta de los prados por los que corren, he llegado a tener sobre la mesa quejas sobre su honestidad y decoro, seguramente chismes sin sustancia. Nueve hermosas diosas que están casi siempre bailando y cantando, cuando no tocando buena música, tenían por fuerza que despertar habladurías. Afortunadamente los programas de la televisión no se hacen eco de ellas. Lotto las inmortalizó en aquel instante de feliz juego mientras el estricto Apolo se quedaba frito, liberarse de las lecciones de contrapunto por un instante y, también, de las ropas debió de ser una bendición, ustedes piénsenlo antes de corretear desnudos. La verdad, no es sino hasta hace muy poco que me faltaba una inspirada consideración sobre el asunto del cuadro de Lotto; cualquier excusa hubiese servido para mostrar a las Musas, y no faltan episodios que nos las presentan. Que Apolo se duerma no puede sino sorprendernos, tampoco debió dejar de parecerle extraño a Fabio Petrozzi cuando compuso aquel soneto ...<a href="http://lacomunidad.elpais.com/limonycerezas/2008/6/19/tu-dormi-apollo-alle-fresch-ombre-" title="http://lacomunidad.elpais.com/limonycerezas/2008/6/19/tu-dormi-apollo-alle-fresch-ombre-" id="link_0">" tu dormi Apollo alle fresche ombre' l'arco / con le tue man' la cetr'or non percòte" </a> ... , la evocación del sueño del auriga solar comenzó a despertar una sospecha en mí. Tenía olvidados los asuntos del sueño que habrán de desfilar por este cuaderno y al recordarlos decidí prestar más atención al dormido Apolo. Procuraré que Apolo no se despierte. Quien nunca duerme es la Fama. Cuando apareció publicado en Milán en 1591 aquel pequeño escrito intitulado Della Forma delle Muse ... la pintura de Lotto ya había envejecido pero aún estaría intacta con las nueve Musas correteando a los pies del Helicon. El escrito fue cosa de Giovanni Paolo Lomazzo, insigne pintor que nos legó además de ese pequeño estudio sobre las Musas otros trabajos de mayor enjundia y discernimiento. El pequeño escrito refiere alguna consideración sacada de los antiguos filósofos sobre Fama y Pegaso, yo no he encontrado esta referencia en otra obra y aunque no sea de mucha utilidad no conviene olvidarla. <img src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/limonycerezas/LOTTOAPOLLOFAMAMUSAS.jpg" id="img_0" class="imgdcha"> "Hic fons prius Enippe dictus Apollini et Musis sacer quasi valde ab equo formatus [agan] valde et [ippos] equus qui fons potus dictus est praestare facundiam hiantea ab hiantibus populis et parmesia a baeotiae fluvio Permesso cognomiata est" así se refirió un autor a aquella fuente Aganippe. Los antiguos llamaban a las cosas con numerosos nombres seguramente porque un sólo nombre no puede encerrar todos los secretos de una idea, conocer los detalles de aquellos asuntos y no perderse entre el bosque de apelaciones era la obligación de cualquier persona culta entre nuestros padres griegos y romanos, luego llegó el olvido de las antiguas divinidades y la confusión sobre sus nombres y aspectos. No poco esfuerzo fue necesario para recordar aquellos nombres y lugares, cuánto trabajo debió de costar a Boccaccio escribir su hermosa De montibus, silvis, fontibus, lacubus, fluminibus, stagnis seu paludibus et de diversis nominibus maris, mucho trabajo entre gratas lecturas desde luego y, por qué no, alguna visita de las Musas debió alegrar al escritor. Boccaccio permitió con su guía que los paseos por entre aquellas aguas y rocas no terminaran en pérdida. Visitar las antiguas fuentes y los bosques sagrados se hacía un poco más fácil gracias a tan bien encaminada compilación. Ahora sabemos que aquella fuente que llamamos Aganippe tuvo otro nombre; y conocemos que su nombre hace referencia a la dulzura del caballo [aganos-ippos]; conocemos también que fue Pegaso el que abrió con su casco una fuente en el monte Helicon, fuente llamada con razón la fuente del caballo [ippo-krene]. Fuese por economía, fuese por otro motivo, los pintores han compuesto sus vistas del monte sagrado con una fuente. Pudiera ser sensato suponer que aquellas dos fuentes fuesen sólo una. O dos en una. La fuente no falta en la pintura de Lotto. Si Pegaso estuvo o no en la pintura es cosa que no puede ser decidida, ni podrá serlo, falta un tercio de la tela y aventurar una opinión sería ridículo. Ya consideramos que las Musas adoptan su forma eneágonal, sin duda la más conocida y exitosa y que muestra que el número nueve tenía un gran significado. Apolo duerme mientras Fama vuela siempre despierta. ¿Cuáles eran esas consideraciones que unen a Fama con Pegaso y que Lomazzo apuntó? eran las relativas al medio aéreo en el que se desplazan tanto el fruto de Medusa como la hija de Gaia y Elpis. Y es cierto, vuelan por el aíre las palabras y el caballo alado. Vuela la Fama y vuela Pegaso; mas quien gobierna a las Musas duerme y eso aunque comprensible es algo muy poco habitual, tanto que es raro que un pintor se haya aventurado a pintar tal cosa. La presencia de Fama debe de tener algún otro sentido que pueda coincidir felizmente con nuestro adormecido Apolo y con nuestras Musas desatadas en sus esparcimientos. ¿Cuál pudo ser la intención de Lotto? Deberemos realizar algunas pesquisas en el lugar de los hechos. En primer lugar habremos de rogar a todos los testigos de que no deben abandonar el lugar, deben someterse a un interrogatorio; sólo Apolo podrá escapar al procedimiento, goza de fuero especial, podrá continuar descansando. ¿Realmente, qué es lo que sucede en esa frondosa selva? ¿Qué coño está pasando?

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1 ¿Qué coño está pasando?

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4186 <img src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/limonycerezas/H.jpg" id="img_1" class="imgizqda">abía dejado apartados los afrodisíacos madrigales del Rossi, es cierto que sólo unos días, pero son estos calurosos días de Agosto en Roma muy severos y no conviene desatenderlos. Volvamos a ellos. Compruebo que continúan igual de lozanos. ¿Es el momento de hablar de la historia de estos madrigales? Quizás sea mejor retrasar la cuestión. Observemos la cuestión histórica desde otro aspecto, desde su aspecto literario, tal vez el más importante. No quiero formular ninguna proposición previa, cuando terminemos de visitar los madrigales de estos dos libros podremos sentenciar lo que resulte más justo. Ahora comenzaremos por apuntar hechos evidentes y relaciones obvias. De los treinta y dos madrigales me permitiré desde ya apartar al penúltimo del segundo libro, aquel volcánico madrigal que utilizó los ocho primeros versos del soneto de Giovanni Battista Basile dedicado a la extraordinaria erupción del Vesuvio de 1631, hace ya mucho tiempo desde que Catherine Moore con gran entusiasmo quiso utilizar ese madrigal para colocar la producción de Rossi en algún orden, confío en que a fecha de hoy haya recapacitado y abandonado el empeño. Yo lo retiro y dejo la colección en treinta y un madrigales, lo hago para disfrutar de mayor comodidad para pulir el diamante poético y poder obtener el mayor brillo. . . . <img src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/limonycerezas/MADRIGALESDEROSSI.6GARZONIBLOG7copy.jpg" id="img_0" class="imgcen"> . . . De entre todos ellos hay uno que destaca por su venerable edad, se trata del primero de los madrigales, "Che pensi cor di tigre", su verdadera edad y paternidad fue puesta en claro por Mann en el curso de su edición crítica de los madrigales de Rossi, él estableció su correspondencia con una estrofa aparecida en La Bella Mano, exactamente la rima LXIX, La Bella Mano es el personal canzoniere de Giusto de' Conti [1390-1449], debió de ser compuesta hacia 1440, Scipione Malpigli reunió las rimas y las publicó en Bolonia en 1479, esa es la fecha que yo tengo por cierta, Mann sugiere 1476; La Bella Mano conoció numerosas impresiones en el siglo XVI, las rimas de Conti fueron admiradas con fervor, los panaderos de la Crusca encontraron deliciosa la pasta de Conti, sus rimas fueron siempre selecto alimento en aquella Accademia. Ese soneto de Conti, "Che pensi cor di tigre", abre el primer libro con un toque de distinción como el que otorgaban los mármoles recogidos de entre las colinas a los palacios romanos; alguien podría protestar y afirmar que la poesía petrarquista no tenía lugar alguno en el florido seicento italiano, ésta es otra muestra de lo importante que es para muchos idiotas guardar silencio. Abierta la ruta madrigalística con el primero habrá que hacer sitio a los otros treinta. Primero catorce, para completar el primer libro, luego los otros dieciséis del segundo. En otra ocasión ya destaqué que la colección muestra una inspirada selección que puede apuntar al gusto de un poeta de gran talento, como aquel Conde Fulvio Testi, aquel Séneca de Ferrara. Es una ocurrencia que no podré demostrar pero que me atrevo a confesar. En cualquier caso conviene considerar con cuidado el recorrido conceptual de las rimas a lo largo de los treinta y un madrigales y agradecer a la mano que lo ordenó tal secuencia. Es posible que después de tal lectura no todos aplaudan la posibilidad de que Testi fuese el espíritu que fraguó el metal poético pero yo encuentro a la secuencia una digna hija de Testi. Prosigamos nuestro viaje. Una vez dejamos tras de nosotros el soneto de Conti, única puesta en música de unas rimas de ese particular canzoniere, nos topamos con uno de los madrigales que Gian Battista Guarini incluyó en la colección que dedicó al Cardenal Pietro Aldobrandini, Rime del molto illustre Signor Cavaliere Battista Guarini, Venecia 1598. En esa colección Guarini incluyó ciento cincuenta madrigales compuestos entre 1598 y 1580, madrigales que gozaron de un inmenso éxito en todas las cortes italianas, muchos de ellos fueron puestos en música por decenas de maestros haciendo de este rincón de la poesía de Guarini un completo triunfo musical. Ese madrigal, "E così pur languendo", es el primero de los finos conceptos pintados con palabras obra de Guarini que encontraremos en la colección de Rossi, encontraremos hasta veintiuno de esos madrigales de la mano del gran Guarini. "E così pur languendo", un madrigal del amante enfermo. Guarini murió en 1612, conviene recordarlo. El madrigal del amante enfermo no fue un gran éxito musical. Tras estas primeras pinceladas de azul guarinista tendremos oportunidad de entregarnos al azul cobalto de Rinaldi y Testi; ya los conocen, Fulvio Testi [1593-1646] y Cesare Rinaldi [1559-1636], ellos fueron consumados guarinistas; no importa lo que lean en algunos manuales, consideren lo que ven con sus propios ojos, si ese "Per no mi dir" no hubiese sido firmado por Rinaldi no faltaría quien lo adjudicase al gran Guarini, lo mismo puede decirse del "O prodighi di fiamme" del Conde Fulvio Testi. Dije cuando me encontré con el Conde Testi entre las témperas de la Garzoni que decían de Don Fulvio que fue un poeta muy brillante, no creo que me quepa duda alguna. Del madrigal de Testi hablamos y hablaremos. <img src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/limonycerezas/MADRIGALESDEROSSIVENUS-1.jpg" id="img_2" class="imgdcha"> Volvemos a Guarini con "Come sian dolorose" y luego saltamos a Giambattista Giraldi [1504-1573]; habíamos inaugurado el libro con un soneto de Conti, es el madrigal de Giraldi el segundo de los sonetos que nos encontramos en esta singular colección; lo ha apuntado Mann en su brillante introducción a la edición de los madrigales, y es muy digno de ser resaltado, me refiero a la presencia de cinco sonetos de vetusta naturaleza, se trata del ya citado de Giusto de' Conti, de éste de Giraldi y de otros tres, otro del propio Giraldi, otro de Girolamo Muzio [1496-1576] y otro de Bernardo Tasso [1493-1569]. Estos cuatro madrigales, "Straziami pur amor", "Or che la notte" , "Ciechi desir" y "Pallida gelosia" junto con el de Conti tienen un tono eminentemente petrarquista, la misma forma del soneto rige el discurso de los conceptos apartándola un tanto marcadamente del resto de rimas de la colección, aún así los sonetos están muy llenos de un cierto conceptismo, de una naturaleza epigramática, forman así una especie de antesala que guarda una curiosa y ambigua relación con el resto del cuerpo poético. Los cinco sonetos aparecieron por separado en diversas publicaciones pero hay una que los reúne, los cinco sonetos aparecen en el Secondo volume delle rime di diversi eccelenti autori colección publicada por Giolito en Venecia en 1563, la edición tuvo un gran éxito y conoció diversas reediciones, alguna de ellas sirvió, indudablemente, al secreto artífice de la serie de los libros de madrigales de Rossi. Los cinco sonetos son, sin embargo, prácticamente, inéditos en el ambiente musical, Mann señala sólo una concordancia, se trata de "Straziami pur amor" que fue utilizado también por Filippo de Monte en su nono libro a cinque, yo creo que además puede señalarse la forma manuscrita, GB-Och Mss 78-82, del "Or che la notte" que se puede atribuir a Alfonso Ferrabosco [1543-1588] si no es que Charteris se equivoca; los otros madrigales sólo despertaron el interés de Rossi. Esta particularidad es significativa. Deberemos observar con detenimiento a estas criaturas para suponer cuáles fueron las razones de su selección. Concluiremos el libro con otros seis madrigales de Guarini, forma, pues, Guarini el centro de la selección con la mitad de los madrigales compartiendo espacio con todas las personalidades que ya hemos presentado. El segundo libro tiene otro carácter, allí encontraremos un dominio absoluto de Guarini, salvo un elegante madrigal de Marino, "Alma afflitta che fai?", todo es Guarini, incluso ese "moribondo mio pianto" del que desconocemos a su autor, Guarini podría adoptarlo. Hay un momento para cada cosa, éste es el mejor momento para rendir homenaje en El Poema Harmónico a Guarini. Monteverdi nos dará otras oportunidades para celebrar al célebre poeta. Se ha deslizado ya en las líneas sobre estos madrigales la sospecha de partidos o escuelas poéticas, he referido a la esencia guarinista de uno u otro poeta; cuando Rossi se puso a trabajar en su fresco madrigalístico los grandes protagonistas de la poesía italiana de finales del Cinquecento y del Seicento estaban ya muertos, no tanto su memoria y la fama de sus propuestas. En la primera mitad del XVII sucede en la poesía lo que en la pintura, gran parte del debate se centra sobre la herencia de personajes ausentes cuyas aportaciones no pueden obviarse aunque sí volverse a ordenar. Mejor que obedecer a los dictados del Cardenal Sforza Pallavicino, o negarlos, es tener una postura propia sobre la naturaleza y alcance de aquellos partidos; una oportunidad para tal actitud puede estar ofrecida en la colección de los madrigales de Michelangelo Rossi. El Poema Harmónico no tiene notas a pie de página es, apenas, una brisa suave de cualquier tarde, una invitación a disfrutar de los sentidos y a entusiasmarse con la belleza que la luz descubre, discurrimos entre datos con la libertad precisa para interpretarlos con cierta poesía. ¿Acaso no es esto El Poema Harmónico & Cromático? En cualquier caso, caída la tarde, deberíamos recordar a Giovanni Gioviano Pontano [1426-1503], Ioannis Iovianus Pontanus como él preferiría, y volver a la fecunda familiaridad de lo maravilloso y de la historia. Lo maravilloso, una idea que estará siempre con nosotros. Los madrigales aquí considerados son parte de un gabinete de maravillas, una sala de poéticas criaturas de sorprendente naturaleza; la Garzoni nos demostró que lo más cotidiano puede desde su naturalidad extrema volverse un templo de desatadas maravillas. Una accademia pontaniana de frutas y hortalizas.

2009-08-14T17:11:20Z

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que-maravillosa-poesia-rossi-guarini-y-meraviglia--2

2009-08-14T17:11:20Z

1 Qué maravillosa poesía ... Rossi, Guarini y la meraviglia.

2009-08-16T01:37:56Z

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4186 <img src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/limonycerezas/C.jpg" id="img_0" class="imgizqda">reo recordar que ya había ofrecido la lista completa de los madrigales de los dos libros de Michelangelo Rossi; creo recordar bien, también recuerdo que con un error, lo siento, "Stratiami pur amor" es obviamente "Straziami"; la única explicación a ese error debe de ser que la lista se fundamentó en la lectura del New Grove en donde tal extraño verbo nació sin mucho éxito gracias a Dios. Sí, la oportunidad vino a presentarse a la sombra de la Accademia romana de las violas perfectas. Pero dada la ocasión y la compañía era bueno ofrecer esa lista una vez más con el detalle de los poetas que firman los madrigales .... y es lo que he hecho. . . . . <img src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/limonycerezas/MADRIGALESDEMICHELANGELOROSSI.jpg" id="img_1" class="imgcen">

2009-08-14T16:39:22Z

2009-08-14T16:27:00Z 362683

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2009-08-14T16:39:22Z

1 Qué maravillosa poesía ...

2009-08-14T17:35:49Z