cinerama

Hasta 60, son las piezas breves –dos o tres minutos de duración cada una- firmadas por el realizador. Se trata más bien de pequeñas obras a modo de diario. La mayoría de estas nos permiten adentrarnos en el universo del cineasta –siempre enriquecedor-, o bien son pequeños instantes de su propia vida, sus gustos, sus referencias visuales…

Esta pieza se graba justo el día en que los cines Kubrick de León cierran sus puertas, los espectadores salen del recinto. Se trata de una reflexión no solo sobre el cine sino acerca de los cambios que se están produciendo en los modos de recepción, interacción socio laboral –esta pieza da voz a los empleados, observamos la relación que existe entre la sala y la vida-. Al tiempo esa salida de los espectadores del cine se trasforma en remake amargo, si lo relacionamos con la primera película de los Lumiere –la salida de los obreros de una fábrica-

Al menos subsisten tres historias en la presente propuesta. Las mismas nos hablan de la violencia que azota Colombia. Porfirio está confinado en una silla de ruedas por un disparo de la policía colombiana en una operación contra los paramilitares, Porfirio lucha una y otra vez contra los gobernantes de sus país que le deniega una indemnización que le ha sido prometida; desesperado Porfirio decide diseñar un plan con el fin de reclamar justicia –oculta en su cuerpo dos bombas de mano, monta en un avión, lo secuestra, con la finalidad de hacerse notar socialmente, de que su caso sea solucionado-.

Porfirio es una cinta naturalista, una ficción basada en hechos reales –está protagonizada por los mismos personajes que les aconteció estos mismos sucesos-. Cada plano es real, su intención no consiste en cine denuncia, sino narrar una historia, la de este hombre atrapado en su propi cuerpo que sueña constantemente con volar, pero tiene que conformarse con permanecer sistemáticamente sentado. La rutina diaria rodea su existencia.

Porfirio tiene una puesta en escena demasiado austera, siempre esta filmada a la altura del individuo protagonista, de su mirada, abundan largos planos secuencia, los silencios son tan largos. El fuera de campo nos permite intuir acerca de la violencia, la violencia se intuye en algunos planos aunque el realizador pretenda ocultarla –pero la tragedia está ahí presente-; la presencia de la televisión esta presente; por unos segundos se nos permite observar como se ve patrullar a unos tipos armados, existe un conflicto latente en el fondo de difícil resolución, aunque casi no se vea.

Finalmente el realizador permite a su personaje quitarse la máscara de su caracterización, el hombre y el personajes resultan el mismo, mira directamente a cámara, canta su historia…

Dos jóvenes están recostados en una cama, se disponen a ver una película en video, introducen la cinta dentro del reproductor, dan al botón de Play…Comienza el delirio, un delirio disparatado. Comienza entonces múltiples historias visuales dentro de múltiples historias de significado permeable….

David Domingo es partidario del llamado found fotage, tendiendo a la desconstrucción. Su universo personal se expresa mediante ríos de asociaciones que se inspiran en sueños –resonancias surrealistas-. Los referentes visuales inconscientes se suceden atropellando los leones de la Metro, la fisicidad de la leche, y su uso en estrambóticas meriendas y desayunos, las repeticiones de montaje se suceden una y otra vez..

Lo material, lo propiamente cinematográfico se manifiesta dentro de una coctelera de escenas robadas del cinema clásico, de acciones absurdas interpretadas por actores….

Inicia el realizador un breve recorrido por la música independiente madrileña. A través de extractos de entrevistas, videoclips; va radiografiando las múltiples tendencias musicales actuales, sin ocultar las resonancias que aún quedan como antecedentes de lo que se dio en llamar la movida madrileña. Se trata de grupos que experimentan, se divierten al margen de las estructuras rígidas de las discográficas. Un universo que se reinterpreta continuamente –es posible que de manera un tanto invertebrada-, intentado contactar con un grupo de público joven

Michirones es un conocido plato murciano. Michirones es una propuesta inclasificable. Se trata de un drama costumbrista, un musical, una alucinación de tintes surreales. Al realizador madrileño como el mismo dice le gusta alterar, romper la rigidez de las estructuras, con la intención de generar una reacción en el espectador.

Un encargo realizar un making off acerca de los universos del realizador granadino. El resultado es una breve pieza que recoge el espíritu del cinemista, una pieza mágica, enigmática –claras resonancias místicas-. No se trata de experimentar sino de buscar la experiencia por encima del todo, saber trasmitir la experiencia evitando lo descriptivo, lo meramente intelectual.

Todo viene a ocurrir en la distancia -Plano fijo, encuadre inalterable-. Una playa, una pareja pasea por la playa, una mujer sale del agua; desconocemos lo que ocurre, solo observamos desde la distancia, se escucha de fondo el sonido de las olas del mar, observamos los gestos de los personajes, sus diálogos apenas nos audibles –los gritos son apenas audibles-

Surge el azar. Lo no previsto dentro del la vida cotidiana. Se abre una puerta, desde dentro observamos todo lo que ocurre, observamos un paisaje, imprevisiblemente este queda intervenido por todo medio de transporte que viene a confluir en ese lugar con una pauta causalmente coreografiada.

El realizador viene a coleccionar instantes de la realidad, dotándolos sin querer de un sentido lírico. Lo aleatorio surge de la improvisación. Simplemente basta con el hecho de contemplar. La cámara permanece fija en todo momento capturando una partitura de medios de transporte que transitan a distintas alturas del marco que supone ser esa puerta abierta. Todo está ahí, el paisaje, el acontecer, pero nosotros lo desconocemos, ha tenido que ser el realizador quien lo señale a través de un marco accidental, acotando en este caso el tiempo de contemplación.

Toman los realizadores como punto de partida una de las grandes obras de no ficción de nuestra cinematografía, El sol del membrillo de Víctor Erice. Como en la cinta de Erice se viene a incidir en los cambios que sufren los objetos por la incidencia de la naturaleza –sus fenómenos naturales-. En este caso viene a observarse un lienzo pretendidamente pintado por Antonio López situado, este está situado en medio de un espacio agreste, sometido el mismo a lo largo de la semana a diversas inclemencias del tiempo –la apuesta de este colectivo se distancia de lo metafórico apostando por una radical materialidad-

La estructura de esta pieza breve gira alrededor de cuatro movimientos o variaciones que giran alrededor de un motivo, cuatro acercamientos audiovisuales que enfatizan diversos aspectos relacionados todos ellos con el proceso, o procesos cinematográficos. Primeramente vemos las incidencias del tiempo, las incidencia de los fenómenos atmosféricos sobre el lienzo (Lluvia, Sol), este esta enmarcado perfectamente sobre el espacio. A continuación la misma sucesión temporal –los rótulos impresos nos indican el paso de los días de la semana-, sin embargo pretenden que nos fijemos en los detalles, esos detalles sometido a la inclemencia del tiempo atmosférico. En el tercer movimiento los realizadores se incorporan al proceso de registro, escuchamos sus voces entrecortadas –sus diálogos fragmentados-, somos testigos de cómo les afecta a ellos el tiempo –el hambre, el frio-. El último movimiento es un making off, se desvela la puesta en escena, la colocación –discusión- del lienzo, se deciden los ajustes del plano, los encuadres; somos testigos del azar