04 Jul 2013

El triste olor de la carne, un filme español que retrata el drama de los desahucios, en el Karlovy Vary

Escrito por: orisel el 04 Jul 2013 - URL Permanente

Fotos tomadas de kviff

Escrito por Orisel Gaspar

Vigo, 4 de julio / 2013

La producción gallega El triste olor de la carne del guionista y realizador chileno Cristobal Arteaga se encuentra participando en la sección Forum for independents del reconocido Festival de cine checo Karlovy Vary.

El filme, cuyo presupuesto total del rodaje y distribución actual no pasó de los 3.000 euros, tuvo la ciudad de Vigo como plató y fue rodado a principios de este año 2013.

Hasta la ciudad checa Karlovy Vary para disfrutar de las excelencias de este festival que goza de un merecido prestigio internacional se ha desplazado Cristóbal Arteaga. Le acompaña su equipo gallego, el actor protagonista Alfredo Rodríguez, la directora de casting Xoana Baz, y los responsables de la productora Deica audiovisual Pablo Kaufmann, director de fotografía, y Pio Cribeiro, cámara.

Es ya todo un premio para este proyecto financiado gracias al crowdfunding participar de este festival categoría A, uno de los festivales de cine más antiguos del mundo.

El triste olor de la carne (The sad smell of flesh) es una obra de autor que responde a su realidad social, se trata de un filme alejado del cine comercial. Arriesgada en su estilo narrativo, arriesgada en su limitadísimo presupuesto, y arriesgada por el momento en que se realiza, en el marco de esta realidad fantasmagórica a través de la cual esta España nos devora con paso firme.

El director pone un sello de sinceridad y autenticidad en el resultado que nos brinda, es fiel al espectador siéndose fiel a sí mismo, no intenta suavizar ni complicar las situaciones con rodeos o sugerencias, ni manipularlas para quedar bien con el gusto mayoritario.

Cristóbal Arteaga, de origen chileno afincado en España, elige un único plano secuencia para contar su historia convirtiendo al espectador en otro personaje que sigue al protagonista escudriñándole de cerca, sintiendo su respiración, moviéndose a su ritmo, en tiempo real viviendo una angustia poco manifiesta pero presente que le inquieta, molesta y tensa hasta ese final que esperamos.

“¿Qué pasa por la cabeza de una persona cuando va a perder su hogar? ¿Cómo es posible que no haya una instancia real de diálogo entre los bancos y las personas? ¿Cómo llegamos a una realidad en la que miles de desahuciados esconden la noticia a su familia? ¿Cómo se antepone la propiedad privada a los seres humanos?” Son algunas de las preguntas que hubo de plantearse el director. Otras tantas las que el espectador va a formularse al terminar de ver su filme, tras ese telón que se cierra a negro, un negro de sueños truncos de una familia que también podría ser la nuestra.

El sonido, “deficiente” por motivos técnicos, forma parte de la estética del filme que busca igualarse a la estética de la propia vida, en cuyos fines no estuvo garantizarnos un sonido “impecable”, sino todo lo contrario: “El sonido también es realista, escuchamos lo que escucha la cámara. La idea es obtener un sonido "imperfecto" donde se ocultan frases y palabras, dependiendo del entorno, un sonido que suena a la vida, ajeno a concesiones estéticas”, plantea su director. Y en efecto, escuchamos lo que escucha la cámara que es lo más parecido a lo que llegaríamos a escuchar en la vida diaria, y a veces no escuchamos porque como en la vida diaria, el entorno nos roba y oculta sonidos, y hay cosas que el ruido o simplemente nuestra propia “incapacidad” para escuchar, no nos permite escuchar.

Este detalle que a quienes van buscando otro tipo de cine puede llegar a molestar o ver como deficiencia del filme, es sin embargo un recurso artístico al que recurre conscientemente Cristóbal Arteaga, recurso que llevará al espectador a centrar su atención en otros detalles, llevándolo hacia el interior para que intente descifrar lo que no está a la vista, a completar el dibujo del personaje que la pantalla le muestra. Y despertará su curiosidad por saber, aunque no hay demasiadas cosas de las que enterarse pues de ello no se trata, de lo que se trata es de vivir, de caminar, de sentir junto al protagonista sus últimos minutos antes de que le desahucien de lo único que posee.

Para obtener sus objetivos, para trasmitirnos todos sus conceptos el guionista y director Cristóbal Arteaga ajeno a concesiones nos ha invitado a partir con Alfredo Barrera, su protagonista, hacia esos nuestros destinos diarios con esa sensación de que no llegamos a tiempo a ellos. Con Alfredo Barrera hacemos un último intento por solucionar lo imposible. Esa cámara siempre cercana que se mueve persistentemente a la misma distancia invitándonos a ser testigos silenciosos, a no hacer juicios de valor, termina por multiplicar a Alfredo, a llenar la sala de Alfredos. Al cumplimiento de estos objetivos colabora armoniosamente la interpretación precisa y natural del actor Alfredo Rodríguez quien se desenvuelve excelentemente integrado a los objetivos que la estética del filme plantea rematando las ideas del realizador.

Nos sabemos –tras ver el filme- más que nunca desahuciados, desalojados de aquello que es nuestro y nos pertenece por naturaleza humana: el espacio de nuestro techo, nuestra familia, nuestra vida, robados de toda esperanza y sueño, expulsados del camino de la existencia por un poder absurdo que no vacila en acorralar hasta destruir sin miramiento a sus congéneres.

El triste olor de la carne me hace reflexionar sin embargo incluso mucho más allá de los desahucios de la vivienda, una temática social escandalosa que sacude a una buena parte de la población de la España presente. La obra, por analogía, es una incitación a hacernos además conscientes de todo lo que a diario nos es arrebatado

El filme, cuyo presupuesto total del rodaje y distribución actual no pasó de los 3.000 euros, tuvo la ciudad de Vigo como plató y fue rodado a principios de este año 2013. Se hizo un ensayo general con todo el equipo el día 31 de enero y se grabó los días 1 y 2 de febrero, dos intentos de plano secuencia cada día, siendo el último intento el válido.

No puedo más que ofrecer mi respeto a todo el equipo por el arrojo y la armonía con que han trabajado, y sentirme orgullosa de la existencia de creadores como estos que en las circunstancias actuales han plantado valor a este proyecto y sacado adelante una película que insta “a la reflexión sobre la dignidad y la vergüenza”, que evidencia “los falsos ídolos, y las medidas erráticas que hoy en día se usan para medir el éxito, la rentabilidad y la calidad de vida en un sistema cada vez más descarado y menos humanista.”

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02 Jul 2013

Hijo del Alma

Escrito por: orisel el 02 Jul 2013 - URL Permanente

Escrito por Orisel Gaspar

Galicia 30 de junio 2013.

En homenaje y agradecimiento

a Javier Fernández Jure.

A un año de la muerte del actor y director cubano Javier Fernández Jure, como homenaje a su enorme talento, vuelvo la vista atrás para hacer un pequeño recuento de una de las obras que nos unió en la creación: Hijo del Alma.

Hijo del Alma nació del impacto que me provocó ver aquellas cajitas pequeñas en que traían los restos de los fallecidos en la guerra de Angola (esto fue entre 1991 /92). Enfrentarme a la imagen de aquellas cajitas, para mí fue tan fuerte que inmediatamente quise hacer una obra sobre la muerte, la guerra y las madres. Una obra que hablara sobre todas las muertes, todas las guerras (incluidas las psicológicas) y todas las madres.

Se lo dije a Javier Fernández Jure, hoy fallecido, aunque yo prefiero decir: hoy, en ese otro lugar de la existencia al que él decidió partir. De aquella compartíamos una relación sentimental y de trabajo, remábamos nuestro arte en Teatro del Centro en Santa Clara. Me dijo: Hazme una propuesta. Y forré de papel blanco algunas cajitas de diferentes tamaños, esas donde vienen los medicamentos, las coloqué sobre una alfombra roja como si fuesen cajas de muerto en fila en un cementerio y trabajé con el poema de José Martí Hijo del Alma.

Partí de tres estados para aquella primera propuesta escénica: la pérdida, la agresión, la maternidad. A Javier le encantó lo que le mostré y me dijo, Vamos a hacerla.

Aquella propuesta mía se mantuvo en el espectáculo, las cajitas (luego añadimos más), la alfombra roja, y las acciones del personaje, del poema de Martí solo quedó en la obra final el siguiente fragmento que convertí en canción y el título Hijo del Alma:

"Ellos tienen tu sombra;

¡Yo tengo tu alma!

Ésas son cosas nuevas,

Mías y extrañas."


Luego escogí las tres grandes tragedias de Lorca: Yerma, Madre coraje y La casa de Bernarda Alba. Sentía que en estas obras estaba la esencia de lo que yo pretendía trasmitir. Fui leyendo las obras una por una y seleccionando aquellos parlamentos que encajaban dentro de mi idea. Una vez que los tuve seleccionados, los copié en el orden inverso a la selección, o sea, del final del libro que recogía las tres tragedias, al principio. Resultado de aquello quedó un monólogo puramente lorquiano que separado de su contexto adquiría una nueva connotación, sin perder el dulcemente trágico espíritu de las tres obras de Lorca, era algo así como un Lorca concentrado.

En el nuevo contexto, en interacción con aquellas pequeñas cajitas blancas, sobre la alfombra roja, cajitas que para mi seguían siendo los ataúdes en los que bien podían regresar de la guerra de Angola los restos de algún ex compañero mío, parlamentos de Lorca tales como "es tan terrible ver la sangre de una derramada por el suelo. Una fuente que corre un minuto y a nosotros nos ha costado años... me mojé las manos de sangre, y me las lamí con la lengua, porque era mía" me resultaban estremecedores.

A aquella selección mía Javier le añadió otros pequeños textos, recuerdo de Rayuela de Julio Cortázar, más tarde también incluí "Arrepentida de amaros tanto, el alma tengo llena de pena, tengo los ojos llenos de llanto, como María la Magdalena", de la Marquesa Rosalinda de Valle Inclán. Trabajamos partiendo de mi propuesta inicial, creando nuevas secuencias de acciones a las que luego añadíamos los textos y viceversa.

Trabajamos buscando en la acción sus múltiples posibilidades, haciéndola de todos los tamaños, dejándola en el impulso, sin perder nunca el motivo que le dio origen y explorando sus nuevos significados. Fue un proceso intenso, muy rico de investigación y experimentación donde lo externo y lo interno nunca se divorciaron más que para facilitarnos el hablar de ello.

Javier tocaba la flauta sentado en el público, aquel sonido y algunos textos que convertí en canciones eran toda la música de la obra. Hijo del Alma era una orquesta de emociones, fue verdaderamente mágico danzar en ella. Ambos aprendimos y crecimos en aquella experiencia.

Hijo del Alma no se presentó nunca fuera de Cuba. Yo obtuve premios de Interpretación y la obra fue premiada por nuestro maestro en común Vicente Revuelta, en alguna Revista Tablas se habla de ello, no recuerdo el número, no suelo coleccionar estas cosas. Tengo alguna foto, de mala calidad. Vídeos no tengo. En aquella época era bastante difícil para nosotros y para muchos hacer fotos a las obras, y vídeos casi imposible, estamos hablando de los primeros años de la década del 90, y todo lo que implicó para Cuba.

Estrenamos Hijo del Alma, un 28 de Enero, inaugurando con una primera versión el nuevo espacio del El Mejunje, coincidiendo con un aniversario más del nacimiento de José Martí, en aquel hotel en ruina convertido en espacio para la cultura en el que aún hoy Ramón Silverio mantiene con su paciencia, perseverancia y magia su inconfundible proyecto.

Luego seguimos trabajando en la estructura del espectáculo, cambiando de lugar escenas, añadiendo nuevas, como si jugáramos a ampliar las ideas, a concentrarlas, manipulando las piezas a nuestro antojo, era todo un reto para mí mantener el control para que aquel barco de ausencias, de angustia, de reflexión, que habíamos construido no se me fuera a la deriva.

Recuerdo haber hecho una función en Santa Clara, creo en la Casa de la ciudad, había en el público unas cuantas madres, madres que perdieron a sus hijos en diferentes guerras, yo no lo sabía. Aquellas mujeres lloraban tanto en medio de la representación, que al yo terminar me quedé sin habla, estuve horas para recuperarme, en absoluto silencio, y me sentí muy mal, porque sentí haber estado hiriendo a aquellas madres que ya bastante herida tenían.

Han pasado más de veinte años de aquella aventura creativa, comparto hoy estos gratos recuerdos en homenaje y agradecimiento a Javier Fernández Jure.

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02 Jul 2013

Imágenes de una plenitud. Resumen de mi Diario personal

Escrito por: orisel el 02 Jul 2013 - URL Permanente

Juan Ruiz Gómez

Resumen de mi Diario personal

10 de Junio de 2013


Desde el año 1965 comencé a frecuentar en La Habana las funciones del Ballet Nacional de Cuba y también desde esa fecha o un poquito más para acá supe, por verla bailar siempre magistralmente, que Alicia Alonso era en ese momento, y sería siempre, la prima ballerina assoluta. En esos años ese título único, creo, no existía, y es tal vez el único título nobiliario y permanente otorgado por el pueblo (por los espectadores, críticos, y especialistas) de todo el mundo.

Cuba es tierra de muchas cosas, es tierra de poesía, es tierra de revolución, es tierra de grandes narradores, de excelentes novelistas como por ejemplo Guillermo Cabrera Infante, Leonardo Padura, Pedro Juan Gutiérrez, es tierra de buen cine, de buen teatro, de pintores, escultores, orfebres... pero sobre todo es tierra de la mejor Escuela de Ballet del mundo, es la tierra de Alicia Alonso, del Ballet Nacional de Cuba, de otras magníficas compañías de Ballet y de Danza. Esa es mi opinión.

Desde fines de los años 70 y durante toda la década de los 80 del pasado siglo, al ser yo el Director de Teatro y Danza en la provincia de Camagüey, fui el co-organizador de varios eventos o Festivales Nacionales de Ballet y de Danza, donde participaron, además del Ballet Nacional de Cuba (siempre el plato fuerte para los espectadores, que llegaron a romper la puerta de hierro del Teatro Principal... no es necesario explicar el porqué), el Ballet de Camagüey, así como, entre otras compañías, las de los Ballet Clásico y Folklórico de España y de México, el Ballet Nacional de Suiza, el Ballet Real de Walonnie en Bélgica, y agrupaciones de Francia, Argentina, Bélgica, y otros países. En esos años conocí y creo poder decir que tuve amistad con ellos, a Salvador Fernández, Diseñador Escénico del BNC, y a Miguel Cabrera, Historiador del BNC, que me hicieron conocer mejor a ese planeta que es el Ballet Nacional de Cuba, y a su creadora y reina, la prima ballerina assoluta.

Como todos los que leerán este resumen conocen, nuestro querido artista de la plástica y ser humano excepcional, me refiero a mi amigo y yerno Agustín Bejarano, desde el 28 de Marzo de 2011 está acusado en Miami por verdaderos canallas -de nuestra familia y de nuestra provincia, Camagüey- de un delito del que sin el menor lugar a la menor duda conocemos, y en particular conozco yo, que no cometió, lo cual he afirmado y reiterado en centenares de escritos.

Agustín ha tenido en estos años miles y miles de defensores que no solamente admiran su arte, sino que tienen la total seguridad de que es inocente. Apoyan a Bejarano lo mismo personas humildes que lo conocieron, o que no lo conocieron pero dan fe de su inocencia, prácticamente todos los vecinos de las casas donde ha vivido y del lugar donde vive actualmente, sus profesores, sus amigos y familiares, numerosos intelectuales de prestigio como, por solamente mencionar algunos, Pablo Armando Fernández, Reynaldo González, Ramiro Guerra, Roberto Valera, Lina de Feria, Roberto Manzano, Carlos Díaz, Director del Grupo de Teatro El Público, Fernando Pérez y Bélkis Vega entre los cineastas... pero la relación resultaría interminable incluso mencionando solamente a los más prominentes, por ejemplo, el Grupo de Teatro La Colmenita en pleno, con la familia Cremata Malberti, y la familia Benvenuto Solás en su totalidad.

Sin que ninguno de estos excelentes y verdaderos seres humanos que han apoyado y siguen apoyando a Bejarano a CAPA Y ESPADA se ofenda por lo que voy a decir a continuación, al principio de esta terrible dificultad en que se encuentra nuestra familia, recibí la llamada telefónica del Dr. Pedro Simón, esposo de Alicia Alonso y Director del Museo de la Danza, que nos expresó en nombre de Alicia, en su nombre y en el del BNC, que podíamos contar con todo el apoyo de la prima ballerina assoluta y de todos ellos, en cualquier aspecto, que ni Alicia Alonso ni los demás integrantes del Ballet Nacional de Cuba dudaron nunca de la inocencia de Bejarano y que esperáramos a partir de ese momento pruebas fehacientes y puntuales de dicho apoyo -yo agrego: pruebas inmensas-, las que comenzaron a llegar con una Carta dirigida a Agustín Bejarano firmada por Alicia Alonso de su puño y letra, con un sobrecogedor mensaje de aliento y de que no lo dejaría solo en esa situación.


La Postal de Felicitación digital e impresa del Ballet Nacional de Cuba y del Museo de la Danza del año 2012 traía la imagen de la obra de Bejarano dedicada a la interpretación del primer Giselle de Alicia. Recibimos numerosas llamadas telefónicas y correos electrónicos de bailarines y de ejecutivos del BNC, y muy en especial de Heriberto Cabezas, Jefe de Relaciones Públicas, que desde los primeros días y en nombre también de su institución, se solidarizó con la causa del Beja.

El pasado 5 de Junio la familia de Bejarano, a pedido de Alicia Alonso, del Dr. Pedro Simón y del BNC, fue invitada especialmente a la inauguración de Imágenes de una plenitud, importante exposición con obras de destacados artistas de la plástica de Cuba y de otros países, dedicada a homenajear a nuestra prima ballerina assoluta por los 70 años de su primera interpretación del personaje de Giselle. Al llegar nuestra familia al Estudio Galería de Nelson Domínguez, nos encontramos en tal vez el lugar más visible de la Galería, dos obras de Bejarano dedicadas a nuestra querida Alicia.

Fuimos recibidos por Alicia, por el Dr. Pedro Simón y por Heriberto Cabezas. Con la sencillez, cariño y humanidad que siempre han caracterizado a Alicia, nos llamó, nos sentó a su lado, y expresó su convicción de que el Beja es inocente y muy pronto estará entre nosotros, y su conocimiento de la enorme creatividad artística de Agustín en estos más de dos años, accedió a fotografiarse numerosas veces con nuestra familia, y en todo momento nos trató con el mayor amor, como si en vez de ser ella, Alicia, la prima ballerina assoluta, fuese solamente un familiar nuestro.


Alicia siempre ha estado en un lugar destacado en nuestros corazones, pero a partir de las experiencias humanas que he tratado de reflejar en este resumen de mi Diario, Alicia ocupa nuestros corazones en pleno y me refiero a los corazones de toda la familia Bejarano Ruiz Vallejo Caballero, encabezada por Agustín Bejarano y Aziyadé Ruiz Vallejo.

Juan Ruiz Gómez, La Habana, Cuba, 10 de Junio de 2013.

En la foto Juan Ruiz Gómez, ysu esposa Antonia Vallejo (suegros de Agustín Bejarano) junto a la prima ballerina assoluta Alicia Alonso.

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01 Jul 2013

Cuando la periodista es tonta

Escrito por: orisel el 01 Jul 2013 - URL Permanente

Fuente: DIARIODEUNAGUIONISTA

BLOG DE GILDA SANTA

Escrito por Gilda Santana

Hace dos semanas se publicó la noticia. Aquí el primer párrafo tal y como apareció entonces:

“Las Televisiones Autonómicas agrupadas en FORTA, en su apuesta por impulsar la producción audiovisual y reforzar sus contenidos, han decidido acometer la producción de una serie de ficción para televisión, con el título provisional de “El Faro”, cuyo rodaje se iniciará el próximo mes de julio, con la previsión de que se trate de una emisión diaria.”

Hasta aquí, todo bien. Por ninguna parte decía quién había dado vida a EL FARO, pero entonces no me importó mayormente. De lo que se trataba era de comentar el hecho, insólito, de que doce cadenas se hubieran puesto de acuerdo para emitir la misma serie. Mi serie.

Esta historia se remonta a 2007. Entonces yo trabajaba en Zeppelin y un buen día, entre reality y reality, me llamó Zaza Ceballos, entonces Directora de Ficción del Grupo Endemol, para encargarme un argumento para una serie diaria. Me reuní con ella, me contó lo que quería, le presenté, pocos días más tarde, una propuesta de Argumento General, le gustó, se lo desarrollé, y se lo dejé listo como para mover el proyecto. Lo registramos y poco después me dijo que no era el momento adecuado para producir aquella historia que quería hacer para la televisión de Galicia.

Después de aquello hice otros dos trabajos para Zaza, monté cientos de horas de resúmenes de realities, escribí y publiqué un libro, volví al teatro, y me decidí a rescatar de un viejo disco duro una novela que tenía aparcada hace años. En esas estaba el martes 26 de febrero cuando Zaza me despertó tempranito en la mañana para darme la noticia de que había llegado el momento de producir aquella serie y preguntarme si tenía disponibilidad para hacerle una biblia[1] de cien páginas y ocuparme luego de ponerme al frente de los contenidos y coordinar el equipo de guion. Le dije que sí.

Desde entonces y hasta el 25 de abril trabajé sola: cree personajes, les escribí sus historias y les construí los conflictos que les permitirían generar contenidos para los 120 capítulos de una hora que me habían encargado. El 25 y 26 de abril tuve la primera reunión con mi equipo de guion. El 2 de mayo a las 12.18 del mediodía, después de una noche en blanco en la que introduje los últimos cambios, envié la biblia definitiva que la productora llevó a la cadena. A partir de ese momento empezamos ese arduo proceso en el que se discuten los contenidos de cada capítulo, se va tramando cada historia y se organiza la estructura en una especie de pre escaletas, se hacen las escaletas de cada capítulo, se revisan y corrigen otra vez, se le envían a los dialoguistas, se reciben los capítulos de vuelta, se les ponen notas con comentarios para corregir, y se vuelven a revisar, una vez corregidos, para darlos por definitivos y mandárselos a producción. De momento, y a falta de que se incorpore un quinto guionista, somos cuatro: Rosa Castro Legazpi (una extraordinaria y muy experimentada guionista gallega) y Esperanza Mendieta, (Mendy, una excelente narradora aragonesa que incursiona por primera vez en el guion de ficción) escriben los diálogos. De contenidos y escaletas nos ocupamos Isabel Arranz, de Madrid (que ha toreado en ficción, reality y todo lo que se ha terciado y que acaba de tener un gran éxito de público en el teatro con su obra Sofocos) y yo, que también llevo la coordinación de todo.

La semana pasada mi productora me habló del interés de alguien en hacer un reportaje sobre nuestro trabajo. Por esas cosas de la vida, y porque el mundo es a veces así de pequeño, la directora de casting, Mariam Grande, de “La Lunares Casting”, es mi vecina de al lado. Iba a venir, según me dijo la productora, una periodista de Aragón TV con un camarógrafo, para pasar por el casting y luego subir a casa, donde tengo montada nuestra oficina de guion, para ver como trabajábamos y hacernos una pequeña entrevista.

Y la hicimos. Habló con Mendy y conmigo. A pesar de que vino antes de lo pactado y que le pedí que esperáramos por Isabel, que había tenido médico con su niño esa mañana, no mostró ningún interés y lo único que hicieron cuando Isabel llegó fue tomarle unos segundos escribiendo en la pizarra para usarlos como “recurso”.

Y hoy me encuentro con que Europa Press ha mandado esta nota a 20 MINUTOS:

http://www.20minutos.es/noticia/1858993/0/

Por si no va el link, copio y pego un párrafo:

“El guion es responsabilidad de un equipo en el que se encuentra la guionista aragonesa, Esperanza Mendieta, quien ha explicado que la historia cuenta con todos los ingredientes para atrapar a los espectadores”.

¿Perdón?

Siempre se ha hablado de la invisibilidad de los guionistas y entre nosotros es motivo de burla (y de cabreo, por qué no) esa extraña (y pésima) costumbre que tiene la prensa de ignorar sistemáticamente a quienes dan vida a las historias. A todos. En general parece que las series y las películas se escriben solas. O que se las inventan los actores. O el director. O el productor. Ya es raro ver alguna nota donde se mencione a quienes han creado cada personaje, cada situación, cada frase. Lo novedoso, en este caso, es la omisión de todos los nombres de quienes no hemos tenido la suerte de haber nacido en la tierra de la periodista.

Alguien podría decirme que, la pobre, era corta de memoria. Pero en mi caso en particular, estuve y la tuve en copia de todos los mails donde se acordó la entrevista. Y fue a mí a quien llamó el día anterior y el día en que la hicimos. Y fue en mi casa donde la recibí. ¿De verdad se olvidó de que le habían dicho que la recibiría Gilda, que es la autora de la serie y la coordinadora del equipo de guion? ¿De verdad se olvidó de que fue conmigo con quien más tiempo estuvo grabando y quien le contestó más preguntas? Pues no. Se olvidó, casualmente, de TODAS las que no somos sus compatriotas. Curioso. Muy curioso.

Total, que de los creadores de “Las series se escriben solas” llega esta nueva entrega: “Las series las escriben los que nacieron en mi comunidad”. Pues no, tonta. Las series las escribimos los que las escribimos, hayamos nacido donde hayamos nacido. Y otra cosa, yo no me he olvidado de tu nombre, tan largo, con sus dos apellidos, uno de ellos compuesto. Solo que no voy a ponerlo para no sacarte los colores. Pero la próxima vez que mandes una nota, hazlo bien. Y antes, infórmate un poquito para preparar una entrevista. Para empezar no te costaba mucho “googlear” los nombres de las guionistas, digo yo. Te hubieras enterado de cuatro cositas. Y sé un poquito más educada y más agradecida, por favor. Sobre todo si la persona que te recibe de mil amores en su casa es la autora de aquello sobre lo que vas a escribir. Porque te guste o no, y aunque no haya nacido en tu tierra sino en Cuba, EL FARO es mi serie, tonta.

Es que hay que ser muy tonta, la verdad.


[1] Se le llama “biblia” al documento donde se desarrolla el argumento general y los perfiles de personajes de una serie.

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21 Jun 2013

La película de una productora canguesa sobre los desahucios se estrenará en Karlovy Vary

Escrito por: orisel el 21 Jun 2013 - URL Permanente

Fuente: Faro de Vigo

La obra "El triste olor de la carne", de Cristóbal Arteaga, se rodó en Vigo en un único plano secuencia de 90 minutos - Fue seleccionada por el prestigioso festival checo

Fran G. Sas | Fran G. Sas 20.06.2013 | 07:33

El Festival de Cine de Karlovy Vary (República Checa) es uno de los más prestigiosos del mundo, y este año contará con un estreno con marcado acento de las Rías Baixas y una temática social de tremenda actualidad: Los desahucios. Se trata del film "El triste olor de la carne", dirigido por el chileno Cristóbal Arteaga y producido por la canguesa Deica Audiovisual. La película es una obra arriesgada, que se rodó en abril por las calles de Vigo. Los 90 minutos fueron grabados en plano secuencia y único, por lo que la coordinación de las 40 personas que participaron en la misma, incluidos 20 actores, fue complicada y la clave de que, el cuarto intento, concluyese con éxito.

El actor principal, Alfredo Rodríguez, representa con fidelidad, a modo de documental de ficción, los últimos 90 minutos de un padre de familia antes de que lo desahucien de su casa.

El operador de cámara y uno de los responsables de Deica Audiovisual, Pío Cribeiro, explica que el presupuesto total del rodaje y distribución actual no pasó de los 3.000 euros. "Gravamos en dous días. Ao cuarto intento saiu ben, cando xa non tiñamos máis oportunidades", y es que lograron el permiso de Vitrasa para rodar en el interior de un autobús.

Se muestra entusiasmado con la selección de la película por uno de los principales festivales del mundo. Cinco personas viajarán a la República Checa para estar presentes en un evento que se celebrará entre el 28 de junio y el 6 de julio. El requisito es estrenarla en Karlovy Vary, por lo que será allí cuando conozcan por primera vez la reacción del público ante una obra tan innovadora. "Non existen moitas películas na historia feitas cun único plano secuencia. É unha aposta arriscada que supoño que xogaría ao noso favor á hora da decisión do xurado. A maioría das películas proxectadas como plano secuencia adoitan ter algún corte", explica Cribeiro.

Se trata de un film alejado del cine comercial. "É unha obra de autor, para reflexionar, das que adoitan gustar no público de América Latina", apunta.

Otro momento del rodaje, que se realizó en abril. // Deica Audiovisual

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14 Jun 2013

Iván Ruiz Flores: El guión como viaje

Escrito por: orisel el 14 Jun 2013 - URL Permanente

Fuente: EIMA

La escritura de un guión es como realizar un viaje: partimos de un punto de partida y siempre llegamos a un destino, pero el recorrido plantea siempre varias alternativas.

En el encuentro de esta semana de la Escuela Internacional de Medios Audiovisuales (E.I.M.A) se hizo un repaso de este viaje de escritura guiado por un experto, Iván Ruiz Flores, guionista, autor y director. En el encuentro hubo lleno y se retransmitió en streaming.

La Escuela Internacional de Medios Audiovisuales es un centro multidisciplinar de creación y desarrollo que potencia las iniciativas artísticas en todas las ramas del sector audiovisual.

De Iván Ruiz Flores es el cortometraje español más premiado, Dulce, con 115 galardones. Acaba de estrenar su primer largo, Lección debida, que ya ha recibido las primeras críticas y reconocimientos, siendo el más reciente el Premio a Mejor Película en la I Edición del Voghera Film Festival que acaba de celebrarse en Italia y éste es el cuarto reconocimiento que logra la cinta, pues anteriormente obtuvo el Gold Remi Award como Mejor Largometraje en la 46 Edición del WorldFest, celebrado en Houston. También sus dos actores protagonistas fueron premiados con anterioridad. Txema Blasco obtuvo el Premio a Mejor Interpretación Masculina en la XI Semana de Cine Fantástico, Terror y Ciencia Ficción Catacumba, celebrado en el municipio valenciano de Godella; y Montse Ortiz, el Premio a la Mejor Interpretación Femenina en el I Festival Internacional de Cine de Hermosillo (México).

El próximo proyecto de Iván Ruiz Flores es una obra de teatro que, una vez más, escribe y dirige.

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13 Jun 2013

El "Villalobismo" en estado puro

Escrito por: orisel el 13 Jun 2013 - URL Permanente

Fuente: Faro de Vigo

El pintor cubano inaugura mañana en la Casa das Artes de Vigo una extensa exposición de obra sobre papel e instalaciones en la que cobran nuevo significado sus figuras míticas.

AMAIA MAULEÓN - VIGO "El mundo es alucinatorio y por lo tanto no podemos conocerlo. Pero sí podemos soñarlo. Toda imagen del mundo es una ficción. Cada dibujo, cada explicación del universo es tan válida como cualquiera otra". Esta reflexión de Jorge Luís Borges es para Nelson Villalobos su "biblia", su impulso de creación y, por su importancia, aparece junto a una de sus obras de la impresionante exposición que inaugura mañana (20.00 horas) en la Casa das Artes de Vigo.

El pintor cubano reúne en "Obra sobre papel e instalaciones" un abundante número de piezas realizadas desde 1995 y nunca expuestas hasta ahora. A pesar del gran tamaño de la muestra, Villalobos (Cuba, 1956) asegura que se trata de una de sus exposiciones "más íntimas" en la que ha volcado varios de sus "yo". De hecho, es como un universo que encierra varias exposiciones, un "juego" que practica habitualmente el artista afincado en Vigo en el que unos mundos encierran otros, unas historias esconden nuevas vidas, unas figuras quedan dentro y otras fuera de los límites. Siempre hay más de una mirada. "Soy artista fragmentado; ese es mi principio en el arte", afirma.

Por primera vez Villalobos expone gran parte de su obra sobre papel a lo largo de varias series. El catálogo de la muestra se centra en una de ellas realizada sobre las páginas de un antiguo libro religioso en latín. En cada una de ellas realiza un dibujo que descontextualiza el texto: máscaras aztecas, peruanas, arte egipcio, versiones de obras de pintores clásicos, mitos... figuras que se repiten a lo largo de su prolífica obra pero "siempre pasadas por mi tamiz", advierte.

Pero es una enorme instalación la que atrae primero la atención del visitante nada más entrar en la sala. Decenas de objetos encontrados por el autor a los que se unen otros manipulados por él, piedras pintadas y esculturas de barro, componen una especie de "altar poético" que gira alrededor de la idea del paso del tiempo. A su lado, cuelga una poesía que el gran poeta cubano Ángel Escobar, amigo personal del artista, escribió el 13 de febrero de 1997, un día antes de suicidarse. "Describía muy bien mi trabajo", recuerda con cariño Villalobos.

La inspiración de Oroza

También el poeta Carlos Oroza, uno de los más grandes de Galicia, tiene un espacio protagonista en la muestra, ya que Nelson le dedica una de las cinco instalaciones además de una serie de pinturas. "El mar tiene una gran presencia en esta instalación, al igual que lo tiene en la obra de Oroza", destaca el autor. En el suelo, decenas de textos del poeta "navegan" en un mar "translúcido", un concepto esencial en la obra de Oroza. "Aunque procedo de Cuba, ha sido en Vigo donde el mar se ha hecho más presente en mi obra y eso me alegra", apunta Nelson.

La exposición se extiende como una enredadera por todos los espacios de la sala: paredes, suelo, esquinas; cada espacio tiene una función. "Depende desde dónde mires, puedes tener una perspectiva diferente de las obras", sugiere Villalobos. Y también la obra mira al espectador desde dos ojos que lloran a ambos lados de la instalación central.
La muestra –que puede visitarse hasta el 15 de julio– se completa con un documental sobre el proceso de creación del artista realizado por Pablo Villalobos, su hijo, que se completará durante la propia exposición. Además, también mañana, como un brazo separado del cuerpo de la muestra, Villalobos inaugura en Detrás do Marco una selección de collages, una técnica que hasta ahora no había expuesto nunca.


Nelson Villalobos posa frente a una de las instalaciones de la exposición, ayer, en la Casa das Artes de Vigo. // Ricardo Grobas

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11 Jun 2013

Jorge Molina: Erotómano

Escrito por: orisel el 11 Jun 2013 - URL Permanente

Publicado en la Revista de CineTOMA 5 (México)

JORGE MOLINA: EROTÓMANO
Por Miguel Lavandeira

Miguel Lavandeira es director del documental Erotómano, acerca de Jorge Molina, actualmente en rodaje. Lavandeira ostenta el galardón Diosa de Plata a la Mejor edición por “POR SI NO TE VUELVO A VER”.

lNTERIOR de la Escuela Internacional de Cine y Televisión (EICTV), Cuba. Día. 1990. Miguel (24 años), ve una película, reproducida en un Betamax. Llega Jorge Molina (24 años, exactamente igual que Manolito el de Mafalda, pero habla con fuerte acento cubano).

MOLINA: Brother: ¿en esa película salen mujeres en cueras?
MIGUEL: Sí, si recuerdo bien, sí. En unos diez minutos, más o menos.

Diez minutos más tarde...

MOLINA: Gracias, brother. Sale.
MIGUEL: ¿No te quedas a verla?
MOLINA: (Ya desde lejos.) No, ¡Voy a masturbarme!

Lo anterior es, todavía, el componente esencial de la vida de Jorge Molina: cine y sexo. Es el hombre más cinematográfico que conozco: nadie como él puede contarte todo acerca de Serguei Paradjanov y Rocco Siffredi... junto y mezclado. Sé de lo que hablo: durante muchos años vi cinco películas al día. Molina, ocho o nueve. Entre medias, cogía. O se masturbaba. O las dos o las tres cosas a la vez. Aunado a ello, resulta que, sin haber filmado un largometraje, a base de puros cortos, es un director de culto en Cuba.

1. Molina´s Culpa (1992): Su tesis de graduación en la EICTV. El porno con auténticas penetraciones, impensable por motivos legales, es perfectamente simulado en este corto (35 mm, B/N) que demuestra su potencia en la escena en que la prostituta le extrae, con la boca, un cristal del culo al supuesto cura. O la secuencia, muda y a cámara rápida, de la iniciación sexual de esa mujer, interpretada por ldalmis del Risco. Anunciaba su capacidad para hacerlo bueno, bonito y barato.

2. Molina´s Solarix (2006): Un guión escrito en una noche. Una locación. Dos personajes. Unos 10 dólares de presupuesto. Un tiempo mínimo de rodaje. Con estas condiciones de producción, consigue un corto de Ciencia Ficción/Porno/Gore divertido, original y... muy cachondo. Es en extremo referencial (R. Wise, M. Bava, G. A. Romero y A. Tarkovski en la licuadora), pero a la vez tan autoral y tan propia que hasta Quentin (Tarantino) le tendría envidia.

3. Los crews más grandes del mundo y sin dinero. Sólo Kubrick le ha sacado tanto jugo a su gente. Y, encima, Molina no nos paga (fui uno de los muchos editores que le metieron mano a Molina´s Mofo} sino que, incluso, alguno que otro miembro del equipo se ha rascado el bolsillo para ayudar con los gastos. Sin pedos. Con gusto. ¿Por qué? Por su autenticidad.

Molina hace obras pornográficas que son, también, obras de arte. Y en mi conocimiento del asunto porno, que reconozco muy humilde, tal caso no abunda (las películas porno me suelen parecer un coñazo, y no lo digo literalmente, sino en gachupín, ¿vale?). Tampoco en el mundo del cine en general: el único caso de arte y pornografía juntos que conozco es Lost Girls (1991-2006), el cómic de Alan Moore y Melinda Gebbie. Los intentos han pululado: Lars von Trier, en Los idiotas (Idioterne, 1998), Patrice Chéreau en Intimidad (Intimacy, 2001), Michael Winterbottom en 9 orgasmos (9 songs, (2004)... todas estas películas incluyen escenas con sexo directo, real. ...pero no llegan al punto (G) tan bien como Molina. ¿Por qué?

4. El estilo de Molina: Casi sin tracking shots a excepcion sería Molina´s Test, de 2001, donde mezcla a Robert Wise con Fu Manchú, ergo con su muy admirado Jess Franco), Molina SIEMPRE coloca su cámara en un lugar interesante. Hay que añadir un sentido innato (bueno, innato más las n mil películas que ha visto) del shot progression, mucho sentido del humor y habilidad y astucia para lograr que algunas de las actrices más bellas de Cuba (doble o triple redundancia, no sé), y algunos de los mejores actores de la isla se desnuden no solamente gratis, sino que quieran repetir experiencia en sus posteriores proyectos. ¿Cómo lo consigue? Con absoluto respeto, afecto y profesionalidad, que se transmite a la velocidad de la luz a su(s) ya de por sí muy profesional(es) equipo(s) técnico(s): cheque a Luis Alberto García en Che (2008),de Steven Soderbergh, como el infame, corrupto y cobarde alto oficial del ejército de Batista y luego vea cómo Mo1ina lo pone a cogerse a un chivo disecado en Molina's Test, para que lo entienda. y lo más importante: BUENAS HISTORIAS. Al igual que su director favorito, Billy Wilder, cree que la única regla a seguir en el cine es: "No aburrirás a tu prójimo”

5. El Molinazo que viene: Molina sería muchísimo más feliz haciendo porno en el Valle de San Fernando que en La Croisette. Estando en París, el mismísimo Gaspar Noé, fascinado por la leyenda/rumor del enfant terrible cubano lo buscó y encontró. Pero Jorge no tiene nada de terrible: es muy buen amigo, un ser humano esencialmente noble y bueno, y un amoroso marido y padre de familia. También es capaz de pergeñar, con la inestimable ayuda de un grupo recurrente de guionistas (los hermanos García Bogliano, Edgar Soberón Torchía), el guión más machista y feminista a la vez Molinas Cuba Exxxtreme (título menos potente que el previo Molinas Señora 22). Elevo mis plegarias a la diosa Asia Argento para que acepte el papel protagónico.

Mientras, gracias a la clarividencia de la Beca Cinergia,* disfrutaremos a corto-medio plazo de Molinas Feroz, versión bestia (muy) de la Caperucita Roja: 72 minutos de cachondería, guarrez y mucha risa. ¿No suena mal, verdad?

El que no me crea, que revise la página www.molinatron.blogspot.com, y ahí lea extractos del guión, vea diversas maravillas y sepa de lo que es capaz ese güero.

.

*Otorgada por el Fondo de Fomento al Audiovisual de Centroamérica y el Caribe. [N. del E.).

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10 Jun 2013

Lección debida, Mejor Película en la I Edición del Voghera Film Festival

Escrito por: orisel el 10 Jun 2013 - URL Permanente

El largometraje escrito y dirigido por Iván Ruiz Flores obtiene su cuarto premio
y vuelve al cine Artistic Metropol de Madrid este próximo viernes 14 de mayo a las 20.15 horas

La película Lección debida (www.lecciondebida.com), producida por AniuR Creativos Audiovisuales (www.aniur.es) y Demovie Film al margen de subvenciones públicas y/o privadas, se acaba de alzar con el Premio a Mejor Película en la I Edición del Voghera Film Festival, cuya gala de Clausura tuvo lugar este sábado 8 de junio en Italia y cuyo objetivo principal es reconocer el cine independiente.

Éste es el cuarto reconocimiento que logra la cinta, pues anteriormente obtuvo el Gold Remi Award como Mejor Largometraje en la 46 Edición del WorldFest, celebrado en Houston; y también sus dos actores protagonistas fueron premiados con anterioridad. Txema Blasco obtuvo el Premio a Mejor Interpretación Masculina en la XI Semana de Cine Fantástico, Terror y Ciencia Ficción Catacumba, celebrado en el municipio valenciano de Godella; y Montse Ortiz, el Premio a la Mejor Interpretación Femenina en el I Festival Internacional de Cine de Hermosillo (México), certamen donde Lección debida estuvo además nominada como Mejor Largometraje.

Lección debida ha obtenido en apenas cinco meses de distribución más de una veintena de selecciones en diferentes festivales internacionales celebrados en países como Estados Unidos, Italia, India, Colombia, México, Australia y España, entre otros tantos.

Asimismo, debido a la buena acogida de público y crítica, Lección debida vuelve al cine Artistic Metropol (www.artisticmetropol.es) el próximo viernes 14 de junio a las 20,15 horas. El precio de las entradas es de 6 euros y el director, Iván Ruiz Flores, estará presente en la proyección para entablar un coloquio con los espectadores después de la misma. En sus propias palabras, “esta es una forma de hacer que ir al cine vuelva a convertirse de, alguna manera, en una experiencia única”.

Las entradas se pueden reservar en el siguiente e-mail: cinema@artisticfilms.es o en este teléfono: 915272792

*Para la descarga del dossier de prensa de la película, con fotos en alta resolución incluidas, aquí os dejamos el link:

http://www.lecciondebida.com/prensa.html

*Para ver la trayectoria actual de la película:

http://www.promofest.org/films/leccion-debida

Prensa
prensa@aniur.es
www.aniur.es
www.ivanruizflores.es

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28 May 2013

¡Abran los ojos y los oídos!

Escrito por: orisel el 28 May 2013 - URL Permanente

Fuente: Unión de Actores. Revista

Escrito por Didier Roussel


Hace unos años escribí un artículo en la revista Actores sobre la situación de los actores extranjeros y de los actores regionales en las producciones audiovisuales españolas (hechas principalmente en Madrid para las televisiones de ámbito nacional y para los cines de toda España). A pesar de una lenta pero positiva evolución, nuestra situación sigue mal. En un país turístico como España, que recibe unos 60 millones de turistas al año y donde unos 6 millones de extranjeros tienen su residencia, donde aman, donde trabajan, donde pagan sus impuestos... su presencia es casi nula en las producciones televisivas y cinematográficas.

En mi país de origen (Francia) donde conviven vascos, catalanes, bretones, alsacianos, corsos... donde estos últimos años se ha incrementado la población de personas venidas de los países árabes, de África subsahariana, de Asia, además de todas las inmigraciones pasadas de españoles, italianos, portugueses, rusos, polacos etc., no es raro ver personajes de series o de películas con estos distintos rasgos y acentos. Y no solamente la presencia de estos nuevos franceses se nota en las producciones audiovisuales, sino también en la política donde hemos visto estos últimos años, un presidente de la República hijo de la emigración del este, una ministra marroquí o una primera dama italiana, o, como en el fútbol, un equipo nacional de piel morena, sin que por eso se haya caído la bandera tricolor o el gallo de las camisetas deportivas. No es casualidad que en España seamos invisibles, hay una voluntad política de no integrar.

Todo esto va en contra del buen funcionamiento de la sociedad y de la buena convivencia. Si la gente de las autonomías se hubiera visto representada a los largo de todos estos años de televisión, a través de programas y de series de ficción, quizás el problema de secesión no sería tan grave...

El poder de las televisiones puede abundar en el buen desarrollo cultural, económico y social de un país o, al contrario, abundar en el subdesarrollo nacional e intelectual. Como se suele hacer en algunos países sudamericanos.

Tras ver la excelente película argentina Tesis sobre un homicidio, me llamó la atención una frase que dice Alberto Ammann: "Soy argentino con acento" (una manera inteligente de justificar su falta de acento porteño).

Hay españoles con acento francés, los he conocido. El mismísimo Rey de España, Borbón de esos de Francia, habla de una manera poco ortodoxa sin que eso afecte a su posición. Y no hablamos de su mujer. ¿Qué importancia tiene que un personaje de una ficción hable con un acento 'x', cuando vivimos en una sociedad cosmopolita y abierta al mundo? ¿Por qué este empeño en negar la existencia de estos acentos catalanes, vascos, gallegos, andaluces o canarios?

Los francófonos de Canadá piensan que los franceses tienen acentos y viceversa...

Lo que es cierto es que si estos productores de Madrid, estos guionistas, estos directores de casting salen a la calle, en los restaurantes, en el metro o donde sea, se encontrarán con una comunidad de vecinos muy distinta a la que nos quieren vender en estas series muy españolas-españolistas que recuerdan una realidad de hace más de 37 años, cuando las ficciones se llenaban de monjas, militares y personajes bobos del campo (otra caricatura). Pido desde aquí, a todos estos profesionales que nos leen, que se atrevan a cambiar el chip, que sean más valientes, que se pregunten por qué los jóvenes prefieren las películas americanas...

Hace poco estuve en la première de Alacrán Enamorado de Santiago Zannou (novela y guión de mi amigo Carlos Bardem), a la que acudieron un montón de jóvenes a ver un film de un negro español y a escuchar la excelente música de su hermano, también negro y español, película que trata del racismo, entre otras cosas.

Se lo pido con cariño, "abran sus ojos, sus oídos y, ¿por qué no? Sus corazones".

Didier Roussel

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"Escribo para decir lo que la vida me asusta, lo que la vida me gusta, escribo para vivir. Escribo para que sepas lo que no cuenta mi boca, escribo si me provoca sencillamente escribir."
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