04 Jul 2013

El triste olor de la carne, un filme español que retrata el drama de los desahucios, en el Karlovy Vary

Escrito por: orisel el 04 Jul 2013 - URL Permanente

Fotos tomadas de kviff

Escrito por Orisel Gaspar

Vigo, 4 de julio / 2013

La producción gallega El triste olor de la carne del guionista y realizador chileno Cristobal Arteaga se encuentra participando en la sección Forum for independents del reconocido Festival de cine checo Karlovy Vary.

El filme, cuyo presupuesto total del rodaje y distribución actual no pasó de los 3.000 euros, tuvo la ciudad de Vigo como plató y fue rodado a principios de este año 2013.

Hasta la ciudad checa Karlovy Vary para disfrutar de las excelencias de este festival que goza de un merecido prestigio internacional se ha desplazado Cristóbal Arteaga. Le acompaña su equipo gallego, el actor protagonista Alfredo Rodríguez, la directora de casting Xoana Baz, y los responsables de la productora Deica audiovisual Pablo Kaufmann, director de fotografía, y Pio Cribeiro, cámara.

Es ya todo un premio para este proyecto financiado gracias al crowdfunding participar de este festival categoría A, uno de los festivales de cine más antiguos del mundo.

El triste olor de la carne (The sad smell of flesh) es una obra de autor que responde a su realidad social, se trata de un filme alejado del cine comercial. Arriesgada en su estilo narrativo, arriesgada en su limitadísimo presupuesto, y arriesgada por el momento en que se realiza, en el marco de esta realidad fantasmagórica a través de la cual esta España nos devora con paso firme.

El director pone un sello de sinceridad y autenticidad en el resultado que nos brinda, es fiel al espectador siéndose fiel a sí mismo, no intenta suavizar ni complicar las situaciones con rodeos o sugerencias, ni manipularlas para quedar bien con el gusto mayoritario.

Cristóbal Arteaga, de origen chileno afincado en España, elige un único plano secuencia para contar su historia convirtiendo al espectador en otro personaje que sigue al protagonista escudriñándole de cerca, sintiendo su respiración, moviéndose a su ritmo, en tiempo real viviendo una angustia poco manifiesta pero presente que le inquieta, molesta y tensa hasta ese final que esperamos.

“¿Qué pasa por la cabeza de una persona cuando va a perder su hogar? ¿Cómo es posible que no haya una instancia real de diálogo entre los bancos y las personas? ¿Cómo llegamos a una realidad en la que miles de desahuciados esconden la noticia a su familia? ¿Cómo se antepone la propiedad privada a los seres humanos?” Son algunas de las preguntas que hubo de plantearse el director. Otras tantas las que el espectador va a formularse al terminar de ver su filme, tras ese telón que se cierra a negro, un negro de sueños truncos de una familia que también podría ser la nuestra.

El sonido, “deficiente” por motivos técnicos, forma parte de la estética del filme que busca igualarse a la estética de la propia vida, en cuyos fines no estuvo garantizarnos un sonido “impecable”, sino todo lo contrario: “El sonido también es realista, escuchamos lo que escucha la cámara. La idea es obtener un sonido "imperfecto" donde se ocultan frases y palabras, dependiendo del entorno, un sonido que suena a la vida, ajeno a concesiones estéticas”, plantea su director. Y en efecto, escuchamos lo que escucha la cámara que es lo más parecido a lo que llegaríamos a escuchar en la vida diaria, y a veces no escuchamos porque como en la vida diaria, el entorno nos roba y oculta sonidos, y hay cosas que el ruido o simplemente nuestra propia “incapacidad” para escuchar, no nos permite escuchar.

Este detalle que a quienes van buscando otro tipo de cine puede llegar a molestar o ver como deficiencia del filme, es sin embargo un recurso artístico al que recurre conscientemente Cristóbal Arteaga, recurso que llevará al espectador a centrar su atención en otros detalles, llevándolo hacia el interior para que intente descifrar lo que no está a la vista, a completar el dibujo del personaje que la pantalla le muestra. Y despertará su curiosidad por saber, aunque no hay demasiadas cosas de las que enterarse pues de ello no se trata, de lo que se trata es de vivir, de caminar, de sentir junto al protagonista sus últimos minutos antes de que le desahucien de lo único que posee.

Para obtener sus objetivos, para trasmitirnos todos sus conceptos el guionista y director Cristóbal Arteaga ajeno a concesiones nos ha invitado a partir con Alfredo Barrera, su protagonista, hacia esos nuestros destinos diarios con esa sensación de que no llegamos a tiempo a ellos. Con Alfredo Barrera hacemos un último intento por solucionar lo imposible. Esa cámara siempre cercana que se mueve persistentemente a la misma distancia invitándonos a ser testigos silenciosos, a no hacer juicios de valor, termina por multiplicar a Alfredo, a llenar la sala de Alfredos. Al cumplimiento de estos objetivos colabora armoniosamente la interpretación precisa y natural del actor Alfredo Rodríguez quien se desenvuelve excelentemente integrado a los objetivos que la estética del filme plantea rematando las ideas del realizador.

Nos sabemos –tras ver el filme- más que nunca desahuciados, desalojados de aquello que es nuestro y nos pertenece por naturaleza humana: el espacio de nuestro techo, nuestra familia, nuestra vida, robados de toda esperanza y sueño, expulsados del camino de la existencia por un poder absurdo que no vacila en acorralar hasta destruir sin miramiento a sus congéneres.

El triste olor de la carne me hace reflexionar sin embargo incluso mucho más allá de los desahucios de la vivienda, una temática social escandalosa que sacude a una buena parte de la población de la España presente. La obra, por analogía, es una incitación a hacernos además conscientes de todo lo que a diario nos es arrebatado

El filme, cuyo presupuesto total del rodaje y distribución actual no pasó de los 3.000 euros, tuvo la ciudad de Vigo como plató y fue rodado a principios de este año 2013. Se hizo un ensayo general con todo el equipo el día 31 de enero y se grabó los días 1 y 2 de febrero, dos intentos de plano secuencia cada día, siendo el último intento el válido.

No puedo más que ofrecer mi respeto a todo el equipo por el arrojo y la armonía con que han trabajado, y sentirme orgullosa de la existencia de creadores como estos que en las circunstancias actuales han plantado valor a este proyecto y sacado adelante una película que insta “a la reflexión sobre la dignidad y la vergüenza”, que evidencia “los falsos ídolos, y las medidas erráticas que hoy en día se usan para medir el éxito, la rentabilidad y la calidad de vida en un sistema cada vez más descarado y menos humanista.”

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02 Jul 2013

Hijo del Alma

Escrito por: orisel el 02 Jul 2013 - URL Permanente

Escrito por Orisel Gaspar

Galicia 30 de junio 2013.

En homenaje y agradecimiento

a Javier Fernández Jure.

A un año de la muerte del actor y director cubano Javier Fernández Jure, como homenaje a su enorme talento, vuelvo la vista atrás para hacer un pequeño recuento de una de las obras que nos unió en la creación: Hijo del Alma.

Hijo del Alma nació del impacto que me provocó ver aquellas cajitas pequeñas en que traían los restos de los fallecidos en la guerra de Angola (esto fue entre 1991 /92). Enfrentarme a la imagen de aquellas cajitas, para mí fue tan fuerte que inmediatamente quise hacer una obra sobre la muerte, la guerra y las madres. Una obra que hablara sobre todas las muertes, todas las guerras (incluidas las psicológicas) y todas las madres.

Se lo dije a Javier Fernández Jure, hoy fallecido, aunque yo prefiero decir: hoy, en ese otro lugar de la existencia al que él decidió partir. De aquella compartíamos una relación sentimental y de trabajo, remábamos nuestro arte en Teatro del Centro en Santa Clara. Me dijo: Hazme una propuesta. Y forré de papel blanco algunas cajitas de diferentes tamaños, esas donde vienen los medicamentos, las coloqué sobre una alfombra roja como si fuesen cajas de muerto en fila en un cementerio y trabajé con el poema de José Martí Hijo del Alma.

Partí de tres estados para aquella primera propuesta escénica: la pérdida, la agresión, la maternidad. A Javier le encantó lo que le mostré y me dijo, Vamos a hacerla.

Aquella propuesta mía se mantuvo en el espectáculo, las cajitas (luego añadimos más), la alfombra roja, y las acciones del personaje, del poema de Martí solo quedó en la obra final el siguiente fragmento que convertí en canción y el título Hijo del Alma:

"Ellos tienen tu sombra;

¡Yo tengo tu alma!

Ésas son cosas nuevas,

Mías y extrañas."


Luego escogí las tres grandes tragedias de Lorca: Yerma, Madre coraje y La casa de Bernarda Alba. Sentía que en estas obras estaba la esencia de lo que yo pretendía trasmitir. Fui leyendo las obras una por una y seleccionando aquellos parlamentos que encajaban dentro de mi idea. Una vez que los tuve seleccionados, los copié en el orden inverso a la selección, o sea, del final del libro que recogía las tres tragedias, al principio. Resultado de aquello quedó un monólogo puramente lorquiano que separado de su contexto adquiría una nueva connotación, sin perder el dulcemente trágico espíritu de las tres obras de Lorca, era algo así como un Lorca concentrado.

En el nuevo contexto, en interacción con aquellas pequeñas cajitas blancas, sobre la alfombra roja, cajitas que para mi seguían siendo los ataúdes en los que bien podían regresar de la guerra de Angola los restos de algún ex compañero mío, parlamentos de Lorca tales como "es tan terrible ver la sangre de una derramada por el suelo. Una fuente que corre un minuto y a nosotros nos ha costado años... me mojé las manos de sangre, y me las lamí con la lengua, porque era mía" me resultaban estremecedores.

A aquella selección mía Javier le añadió otros pequeños textos, recuerdo de Rayuela de Julio Cortázar, más tarde también incluí "Arrepentida de amaros tanto, el alma tengo llena de pena, tengo los ojos llenos de llanto, como María la Magdalena", de la Marquesa Rosalinda de Valle Inclán. Trabajamos partiendo de mi propuesta inicial, creando nuevas secuencias de acciones a las que luego añadíamos los textos y viceversa.

Trabajamos buscando en la acción sus múltiples posibilidades, haciéndola de todos los tamaños, dejándola en el impulso, sin perder nunca el motivo que le dio origen y explorando sus nuevos significados. Fue un proceso intenso, muy rico de investigación y experimentación donde lo externo y lo interno nunca se divorciaron más que para facilitarnos el hablar de ello.

Javier tocaba la flauta sentado en el público, aquel sonido y algunos textos que convertí en canciones eran toda la música de la obra. Hijo del Alma era una orquesta de emociones, fue verdaderamente mágico danzar en ella. Ambos aprendimos y crecimos en aquella experiencia.

Hijo del Alma no se presentó nunca fuera de Cuba. Yo obtuve premios de Interpretación y la obra fue premiada por nuestro maestro en común Vicente Revuelta, en alguna Revista Tablas se habla de ello, no recuerdo el número, no suelo coleccionar estas cosas. Tengo alguna foto, de mala calidad. Vídeos no tengo. En aquella época era bastante difícil para nosotros y para muchos hacer fotos a las obras, y vídeos casi imposible, estamos hablando de los primeros años de la década del 90, y todo lo que implicó para Cuba.

Estrenamos Hijo del Alma, un 28 de Enero, inaugurando con una primera versión el nuevo espacio del El Mejunje, coincidiendo con un aniversario más del nacimiento de José Martí, en aquel hotel en ruina convertido en espacio para la cultura en el que aún hoy Ramón Silverio mantiene con su paciencia, perseverancia y magia su inconfundible proyecto.

Luego seguimos trabajando en la estructura del espectáculo, cambiando de lugar escenas, añadiendo nuevas, como si jugáramos a ampliar las ideas, a concentrarlas, manipulando las piezas a nuestro antojo, era todo un reto para mí mantener el control para que aquel barco de ausencias, de angustia, de reflexión, que habíamos construido no se me fuera a la deriva.

Recuerdo haber hecho una función en Santa Clara, creo en la Casa de la ciudad, había en el público unas cuantas madres, madres que perdieron a sus hijos en diferentes guerras, yo no lo sabía. Aquellas mujeres lloraban tanto en medio de la representación, que al yo terminar me quedé sin habla, estuve horas para recuperarme, en absoluto silencio, y me sentí muy mal, porque sentí haber estado hiriendo a aquellas madres que ya bastante herida tenían.

Han pasado más de veinte años de aquella aventura creativa, comparto hoy estos gratos recuerdos en homenaje y agradecimiento a Javier Fernández Jure.

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02 Jul 2013

Imágenes de una plenitud. Obras de Agustín Bejarano homenajean a Alicia Alonso

Escrito por: orisel el 02 Jul 2013 - URL Permanente

Juan Ruiz Gómez

10 de Junio de 2013

El pasado 5 de Junio la familia de Bejarano, a pedido de Alicia Alonso, del Dr. Pedro Simón y del BNC, fuimos invitados especialmente a la inauguración de Imágenes de una plenitud, importante exposición con obras de destacados artistas de la plástica de Cuba y de otros países, dedicada a homenajear a nuestra prima ballerina assoluta por los 70 años de su primera interpretación del personaje de Giselle. Al llegar nuestra familia al Estudio Galería de Nelson Domínguez, nos encontramos en tal vez el lugar más visible de la Galería, dos obras de Agustín Bejarano dedicadas a nuestra querida Alicia.

Fuimos recibidos por Alicia, por el Dr. Pedro Simón y por Heriberto Cabezas. Con la sencillez, cariño y humanidad que siempre han caracterizado a Alicia, nos llamó, nos sentó a su lado, y expresó su convicción de que el Beja es inocente y muy pronto estará entre nosotros, y su conocimiento de la enorme creatividad artística de Agustín en estos más de dos años, accedió a fotografiarse numerosas veces con nuestra familia, y en todo momento nos trató con el mayor amor, como si en vez de ser ella, Alicia, la prima ballerina assoluta, fuese solamente un familiar nuestro.

En la foto Juan Ruiz Gómez, ysu esposa Antonia Vallejo (suegros de Agustín Bejarano) junto a la prima ballerina assoluta Alicia Alonso.

Alicia siempre ha estado en un lugar destacado en nuestros corazones, Alicia ocupa nuestros corazones en pleno y me refiero a los corazones de toda la familia Bejarano Ruiz Vallejo Caballero, encabezada por Agustín Bejarano y Aziyadé Ruiz Vallejo. Juan Ruiz Gómez, La Habana, Cuba, 10 de Junio de 2013.

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21 Jun 2013

La película de una productora canguesa sobre los desahucios se estrenará en Karlovy Vary

Escrito por: orisel el 21 Jun 2013 - URL Permanente

Fuente: Faro de Vigo

La obra "El triste olor de la carne", de Cristóbal Arteaga, se rodó en Vigo en un único plano secuencia de 90 minutos - Fue seleccionada por el prestigioso festival checo

Fran G. Sas | Fran G. Sas 20.06.2013 | 07:33

El Festival de Cine de Karlovy Vary (República Checa) es uno de los más prestigiosos del mundo, y este año contará con un estreno con marcado acento de las Rías Baixas y una temática social de tremenda actualidad: Los desahucios. Se trata del film "El triste olor de la carne", dirigido por el chileno Cristóbal Arteaga y producido por la canguesa Deica Audiovisual. La película es una obra arriesgada, que se rodó en abril por las calles de Vigo. Los 90 minutos fueron grabados en plano secuencia y único, por lo que la coordinación de las 40 personas que participaron en la misma, incluidos 20 actores, fue complicada y la clave de que, el cuarto intento, concluyese con éxito.

El actor principal, Alfredo Rodríguez, representa con fidelidad, a modo de documental de ficción, los últimos 90 minutos de un padre de familia antes de que lo desahucien de su casa.

El operador de cámara y uno de los responsables de Deica Audiovisual, Pío Cribeiro, explica que el presupuesto total del rodaje y distribución actual no pasó de los 3.000 euros. "Gravamos en dous días. Ao cuarto intento saiu ben, cando xa non tiñamos máis oportunidades", y es que lograron el permiso de Vitrasa para rodar en el interior de un autobús.

Se muestra entusiasmado con la selección de la película por uno de los principales festivales del mundo. Cinco personas viajarán a la República Checa para estar presentes en un evento que se celebrará entre el 28 de junio y el 6 de julio. El requisito es estrenarla en Karlovy Vary, por lo que será allí cuando conozcan por primera vez la reacción del público ante una obra tan innovadora. "Non existen moitas películas na historia feitas cun único plano secuencia. É unha aposta arriscada que supoño que xogaría ao noso favor á hora da decisión do xurado. A maioría das películas proxectadas como plano secuencia adoitan ter algún corte", explica Cribeiro.

Se trata de un film alejado del cine comercial. "É unha obra de autor, para reflexionar, das que adoitan gustar no público de América Latina", apunta.

Otro momento del rodaje, que se realizó en abril. // Deica Audiovisual

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14 Jun 2013

Iván Ruiz Flores: El guión como viaje

Escrito por: orisel el 14 Jun 2013 - URL Permanente

Fuente: EIMA

La escritura de un guión es como realizar un viaje: partimos de un punto de partida y siempre llegamos a un destino, pero el recorrido plantea siempre varias alternativas.

En el encuentro de esta semana de la Escuela Internacional de Medios Audiovisuales (E.I.M.A) se hizo un repaso de este viaje de escritura guiado por un experto, Iván Ruiz Flores, guionista, autor y director. En el encuentro hubo lleno y se retransmitió en streaming.

La Escuela Internacional de Medios Audiovisuales es un centro multidisciplinar de creación y desarrollo que potencia las iniciativas artísticas en todas las ramas del sector audiovisual.

De Iván Ruiz Flores es el cortometraje español más premiado, Dulce, con 115 galardones. Acaba de estrenar su primer largo, Lección debida, que ya ha recibido las primeras críticas y reconocimientos, siendo el más reciente el Premio a Mejor Película en la I Edición del Voghera Film Festival que acaba de celebrarse en Italia y éste es el cuarto reconocimiento que logra la cinta, pues anteriormente obtuvo el Gold Remi Award como Mejor Largometraje en la 46 Edición del WorldFest, celebrado en Houston. También sus dos actores protagonistas fueron premiados con anterioridad. Txema Blasco obtuvo el Premio a Mejor Interpretación Masculina en la XI Semana de Cine Fantástico, Terror y Ciencia Ficción Catacumba, celebrado en el municipio valenciano de Godella; y Montse Ortiz, el Premio a la Mejor Interpretación Femenina en el I Festival Internacional de Cine de Hermosillo (México).

El próximo proyecto de Iván Ruiz Flores es una obra de teatro que, una vez más, escribe y dirige.

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13 Jun 2013

El "Villalobismo" en estado puro

Escrito por: orisel el 13 Jun 2013 - URL Permanente

Fuente: Faro de Vigo

El pintor cubano inaugura mañana en la Casa das Artes de Vigo una extensa exposición de obra sobre papel e instalaciones en la que cobran nuevo significado sus figuras míticas.

AMAIA MAULEÓN - VIGO "El mundo es alucinatorio y por lo tanto no podemos conocerlo. Pero sí podemos soñarlo. Toda imagen del mundo es una ficción. Cada dibujo, cada explicación del universo es tan válida como cualquiera otra". Esta reflexión de Jorge Luís Borges es para Nelson Villalobos su "biblia", su impulso de creación y, por su importancia, aparece junto a una de sus obras de la impresionante exposición que inaugura mañana (20.00 horas) en la Casa das Artes de Vigo.

El pintor cubano reúne en "Obra sobre papel e instalaciones" un abundante número de piezas realizadas desde 1995 y nunca expuestas hasta ahora. A pesar del gran tamaño de la muestra, Villalobos (Cuba, 1956) asegura que se trata de una de sus exposiciones "más íntimas" en la que ha volcado varios de sus "yo". De hecho, es como un universo que encierra varias exposiciones, un "juego" que practica habitualmente el artista afincado en Vigo en el que unos mundos encierran otros, unas historias esconden nuevas vidas, unas figuras quedan dentro y otras fuera de los límites. Siempre hay más de una mirada. "Soy artista fragmentado; ese es mi principio en el arte", afirma.

Por primera vez Villalobos expone gran parte de su obra sobre papel a lo largo de varias series. El catálogo de la muestra se centra en una de ellas realizada sobre las páginas de un antiguo libro religioso en latín. En cada una de ellas realiza un dibujo que descontextualiza el texto: máscaras aztecas, peruanas, arte egipcio, versiones de obras de pintores clásicos, mitos... figuras que se repiten a lo largo de su prolífica obra pero "siempre pasadas por mi tamiz", advierte.

Pero es una enorme instalación la que atrae primero la atención del visitante nada más entrar en la sala. Decenas de objetos encontrados por el autor a los que se unen otros manipulados por él, piedras pintadas y esculturas de barro, componen una especie de "altar poético" que gira alrededor de la idea del paso del tiempo. A su lado, cuelga una poesía que el gran poeta cubano Ángel Escobar, amigo personal del artista, escribió el 13 de febrero de 1997, un día antes de suicidarse. "Describía muy bien mi trabajo", recuerda con cariño Villalobos.

La inspiración de Oroza

También el poeta Carlos Oroza, uno de los más grandes de Galicia, tiene un espacio protagonista en la muestra, ya que Nelson le dedica una de las cinco instalaciones además de una serie de pinturas. "El mar tiene una gran presencia en esta instalación, al igual que lo tiene en la obra de Oroza", destaca el autor. En el suelo, decenas de textos del poeta "navegan" en un mar "translúcido", un concepto esencial en la obra de Oroza. "Aunque procedo de Cuba, ha sido en Vigo donde el mar se ha hecho más presente en mi obra y eso me alegra", apunta Nelson.

La exposición se extiende como una enredadera por todos los espacios de la sala: paredes, suelo, esquinas; cada espacio tiene una función. "Depende desde dónde mires, puedes tener una perspectiva diferente de las obras", sugiere Villalobos. Y también la obra mira al espectador desde dos ojos que lloran a ambos lados de la instalación central.
La muestra –que puede visitarse hasta el 15 de julio– se completa con un documental sobre el proceso de creación del artista realizado por Pablo Villalobos, su hijo, que se completará durante la propia exposición. Además, también mañana, como un brazo separado del cuerpo de la muestra, Villalobos inaugura en Detrás do Marco una selección de collages, una técnica que hasta ahora no había expuesto nunca.


Nelson Villalobos posa frente a una de las instalaciones de la exposición, ayer, en la Casa das Artes de Vigo. // Ricardo Grobas

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11 Jun 2013

Jorge Molina: Erotómano

Escrito por: orisel el 11 Jun 2013 - URL Permanente

Publicado en la Revista de CineTOMA 5 (México)

JORGE MOLINA: EROTÓMANO
Por Miguel Lavandeira

Miguel Lavandeira es director del documental Erotómano, acerca de Jorge Molina, actualmente en rodaje. Lavandeira ostenta el galardón Diosa de Plata a la Mejor edición por “POR SI NO TE VUELVO A VER”.

lNTERIOR de la Escuela Internacional de Cine y Televisión (EICTV), Cuba. Día. 1990. Miguel (24 años), ve una película, reproducida en un Betamax. Llega Jorge Molina (24 años, exactamente igual que Manolito el de Mafalda, pero habla con fuerte acento cubano).

MOLINA: Brother: ¿en esa película salen mujeres en cueras?
MIGUEL: Sí, si recuerdo bien, sí. En unos diez minutos, más o menos.

Diez minutos más tarde...

MOLINA: Gracias, brother. Sale.
MIGUEL: ¿No te quedas a verla?
MOLINA: (Ya desde lejos.) No, ¡Voy a masturbarme!

Lo anterior es, todavía, el componente esencial de la vida de Jorge Molina: cine y sexo. Es el hombre más cinematográfico que conozco: nadie como él puede contarte todo acerca de Serguei Paradjanov y Rocco Siffredi... junto y mezclado. Sé de lo que hablo: durante muchos años vi cinco películas al día. Molina, ocho o nueve. Entre medias, cogía. O se masturbaba. O las dos o las tres cosas a la vez. Aunado a ello, resulta que, sin haber filmado un largometraje, a base de puros cortos, es un director de culto en Cuba.

1. Molina´s Culpa (1992): Su tesis de graduación en la EICTV. El porno con auténticas penetraciones, impensable por motivos legales, es perfectamente simulado en este corto (35 mm, B/N) que demuestra su potencia en la escena en que la prostituta le extrae, con la boca, un cristal del culo al supuesto cura. O la secuencia, muda y a cámara rápida, de la iniciación sexual de esa mujer, interpretada por ldalmis del Risco. Anunciaba su capacidad para hacerlo bueno, bonito y barato.

2. Molina´s Solarix (2006): Un guión escrito en una noche. Una locación. Dos personajes. Unos 10 dólares de presupuesto. Un tiempo mínimo de rodaje. Con estas condiciones de producción, consigue un corto de Ciencia Ficción/Porno/Gore divertido, original y... muy cachondo. Es en extremo referencial (R. Wise, M. Bava, G. A. Romero y A. Tarkovski en la licuadora), pero a la vez tan autoral y tan propia que hasta Quentin (Tarantino) le tendría envidia.

3. Los crews más grandes del mundo y sin dinero. Sólo Kubrick le ha sacado tanto jugo a su gente. Y, encima, Molina no nos paga (fui uno de los muchos editores que le metieron mano a Molina´s Mofo} sino que, incluso, alguno que otro miembro del equipo se ha rascado el bolsillo para ayudar con los gastos. Sin pedos. Con gusto. ¿Por qué? Por su autenticidad.

Molina hace obras pornográficas que son, también, obras de arte. Y en mi conocimiento del asunto porno, que reconozco muy humilde, tal caso no abunda (las películas porno me suelen parecer un coñazo, y no lo digo literalmente, sino en gachupín, ¿vale?). Tampoco en el mundo del cine en general: el único caso de arte y pornografía juntos que conozco es Lost Girls (1991-2006), el cómic de Alan Moore y Melinda Gebbie. Los intentos han pululado: Lars von Trier, en Los idiotas (Idioterne, 1998), Patrice Chéreau en Intimidad (Intimacy, 2001), Michael Winterbottom en 9 orgasmos (9 songs, (2004)... todas estas películas incluyen escenas con sexo directo, real. ...pero no llegan al punto (G) tan bien como Molina. ¿Por qué?

4. El estilo de Molina: Casi sin tracking shots a excepcion sería Molina´s Test, de 2001, donde mezcla a Robert Wise con Fu Manchú, ergo con su muy admirado Jess Franco), Molina SIEMPRE coloca su cámara en un lugar interesante. Hay que añadir un sentido innato (bueno, innato más las n mil películas que ha visto) del shot progression, mucho sentido del humor y habilidad y astucia para lograr que algunas de las actrices más bellas de Cuba (doble o triple redundancia, no sé), y algunos de los mejores actores de la isla se desnuden no solamente gratis, sino que quieran repetir experiencia en sus posteriores proyectos. ¿Cómo lo consigue? Con absoluto respeto, afecto y profesionalidad, que se transmite a la velocidad de la luz a su(s) ya de por sí muy profesional(es) equipo(s) técnico(s): cheque a Luis Alberto García en Che (2008),de Steven Soderbergh, como el infame, corrupto y cobarde alto oficial del ejército de Batista y luego vea cómo Mo1ina lo pone a cogerse a un chivo disecado en Molina's Test, para que lo entienda. y lo más importante: BUENAS HISTORIAS. Al igual que su director favorito, Billy Wilder, cree que la única regla a seguir en el cine es: "No aburrirás a tu prójimo”

5. El Molinazo que viene: Molina sería muchísimo más feliz haciendo porno en el Valle de San Fernando que en La Croisette. Estando en París, el mismísimo Gaspar Noé, fascinado por la leyenda/rumor del enfant terrible cubano lo buscó y encontró. Pero Jorge no tiene nada de terrible: es muy buen amigo, un ser humano esencialmente noble y bueno, y un amoroso marido y padre de familia. También es capaz de pergeñar, con la inestimable ayuda de un grupo recurrente de guionistas (los hermanos García Bogliano, Edgar Soberón Torchía), el guión más machista y feminista a la vez Molinas Cuba Exxxtreme (título menos potente que el previo Molinas Señora 22). Elevo mis plegarias a la diosa Asia Argento para que acepte el papel protagónico.

Mientras, gracias a la clarividencia de la Beca Cinergia,* disfrutaremos a corto-medio plazo de Molinas Feroz, versión bestia (muy) de la Caperucita Roja: 72 minutos de cachondería, guarrez y mucha risa. ¿No suena mal, verdad?

El que no me crea, que revise la página www.molinatron.blogspot.com, y ahí lea extractos del guión, vea diversas maravillas y sepa de lo que es capaz ese güero.

.

*Otorgada por el Fondo de Fomento al Audiovisual de Centroamérica y el Caribe. [N. del E.).

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10 Jun 2013

Lección debida, Mejor Película en la I Edición del Voghera Film Festival

Escrito por: orisel el 10 Jun 2013 - URL Permanente

El largometraje escrito y dirigido por Iván Ruiz Flores obtiene su cuarto premio
y vuelve al cine Artistic Metropol de Madrid este próximo viernes 14 de mayo a las 20.15 horas

La película Lección debida (www.lecciondebida.com), producida por AniuR Creativos Audiovisuales (www.aniur.es) y Demovie Film al margen de subvenciones públicas y/o privadas, se acaba de alzar con el Premio a Mejor Película en la I Edición del Voghera Film Festival, cuya gala de Clausura tuvo lugar este sábado 8 de junio en Italia y cuyo objetivo principal es reconocer el cine independiente.

Éste es el cuarto reconocimiento que logra la cinta, pues anteriormente obtuvo el Gold Remi Award como Mejor Largometraje en la 46 Edición del WorldFest, celebrado en Houston; y también sus dos actores protagonistas fueron premiados con anterioridad. Txema Blasco obtuvo el Premio a Mejor Interpretación Masculina en la XI Semana de Cine Fantástico, Terror y Ciencia Ficción Catacumba, celebrado en el municipio valenciano de Godella; y Montse Ortiz, el Premio a la Mejor Interpretación Femenina en el I Festival Internacional de Cine de Hermosillo (México), certamen donde Lección debida estuvo además nominada como Mejor Largometraje.

Lección debida ha obtenido en apenas cinco meses de distribución más de una veintena de selecciones en diferentes festivales internacionales celebrados en países como Estados Unidos, Italia, India, Colombia, México, Australia y España, entre otros tantos.

Asimismo, debido a la buena acogida de público y crítica, Lección debida vuelve al cine Artistic Metropol (www.artisticmetropol.es) el próximo viernes 14 de junio a las 20,15 horas. El precio de las entradas es de 6 euros y el director, Iván Ruiz Flores, estará presente en la proyección para entablar un coloquio con los espectadores después de la misma. En sus propias palabras, “esta es una forma de hacer que ir al cine vuelva a convertirse de, alguna manera, en una experiencia única”.

Las entradas se pueden reservar en el siguiente e-mail: cinema@artisticfilms.es o en este teléfono: 915272792

*Para la descarga del dossier de prensa de la película, con fotos en alta resolución incluidas, aquí os dejamos el link:

http://www.lecciondebida.com/prensa.html

*Para ver la trayectoria actual de la película:

http://www.promofest.org/films/leccion-debida

Prensa
prensa@aniur.es
www.aniur.es
www.ivanruizflores.es

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28 May 2013

¡Abran los ojos y los oídos!

Escrito por: orisel el 28 May 2013 - URL Permanente

Fuente: Unión de Actores. Revista

Escrito por Didier Roussel


Hace unos años escribí un artículo en la revista Actores sobre la situación de los actores extranjeros y de los actores regionales en las producciones audiovisuales españolas (hechas principalmente en Madrid para las televisiones de ámbito nacional y para los cines de toda España). A pesar de una lenta pero positiva evolución, nuestra situación sigue mal. En un país turístico como España, que recibe unos 60 millones de turistas al año y donde unos 6 millones de extranjeros tienen su residencia, donde aman, donde trabajan, donde pagan sus impuestos... su presencia es casi nula en las producciones televisivas y cinematográficas.

En mi país de origen (Francia) donde conviven vascos, catalanes, bretones, alsacianos, corsos... donde estos últimos años se ha incrementado la población de personas venidas de los países árabes, de África subsahariana, de Asia, además de todas las inmigraciones pasadas de españoles, italianos, portugueses, rusos, polacos etc., no es raro ver personajes de series o de películas con estos distintos rasgos y acentos. Y no solamente la presencia de estos nuevos franceses se nota en las producciones audiovisuales, sino también en la política donde hemos visto estos últimos años, un presidente de la República hijo de la emigración del este, una ministra marroquí o una primera dama italiana, o, como en el fútbol, un equipo nacional de piel morena, sin que por eso se haya caído la bandera tricolor o el gallo de las camisetas deportivas. No es casualidad que en España seamos invisibles, hay una voluntad política de no integrar.

Todo esto va en contra del buen funcionamiento de la sociedad y de la buena convivencia. Si la gente de las autonomías se hubiera visto representada a los largo de todos estos años de televisión, a través de programas y de series de ficción, quizás el problema de secesión no sería tan grave...

El poder de las televisiones puede abundar en el buen desarrollo cultural, económico y social de un país o, al contrario, abundar en el subdesarrollo nacional e intelectual. Como se suele hacer en algunos países sudamericanos.

Tras ver la excelente película argentina Tesis sobre un homicidio, me llamó la atención una frase que dice Alberto Ammann: "Soy argentino con acento" (una manera inteligente de justificar su falta de acento porteño).

Hay españoles con acento francés, los he conocido. El mismísimo Rey de España, Borbón de esos de Francia, habla de una manera poco ortodoxa sin que eso afecte a su posición. Y no hablamos de su mujer. ¿Qué importancia tiene que un personaje de una ficción hable con un acento 'x', cuando vivimos en una sociedad cosmopolita y abierta al mundo? ¿Por qué este empeño en negar la existencia de estos acentos catalanes, vascos, gallegos, andaluces o canarios?

Los francófonos de Canadá piensan que los franceses tienen acentos y viceversa...

Lo que es cierto es que si estos productores de Madrid, estos guionistas, estos directores de casting salen a la calle, en los restaurantes, en el metro o donde sea, se encontrarán con una comunidad de vecinos muy distinta a la que nos quieren vender en estas series muy españolas-españolistas que recuerdan una realidad de hace más de 37 años, cuando las ficciones se llenaban de monjas, militares y personajes bobos del campo (otra caricatura). Pido desde aquí, a todos estos profesionales que nos leen, que se atrevan a cambiar el chip, que sean más valientes, que se pregunten por qué los jóvenes prefieren las películas americanas...

Hace poco estuve en la première de Alacrán Enamorado de Santiago Zannou (novela y guión de mi amigo Carlos Bardem), a la que acudieron un montón de jóvenes a ver un film de un negro español y a escuchar la excelente música de su hermano, también negro y español, película que trata del racismo, entre otras cosas.

Se lo pido con cariño, "abran sus ojos, sus oídos y, ¿por qué no? Sus corazones".

Didier Roussel

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28 May 2013

Sorpresas te da la vida: Tres películas del novísimo cine latinoamericano

Escrito por: orisel el 28 May 2013 - URL Permanente

Fuente: Nais Vigo magazine

Escrito por Dr. Jesús María Dapena Botero.

Durante lo que va del año 2013, un grupo de latinoamericanos, de distintos países y latitudes, por debajo del Río Grande, ese que separa a Norteamérica de Latinoamérica, y algunos españoles nos hemos reunido en una especie de ágape cinematográfico, para presenciar una muestra de nuestro cine más autóctono y retomar la práctica del cine-foro, ese ritual casi olvidado, tan formativo para los espectadores, al darles la palabra, aunque no sean agudos y experimentados críticos de cine, en la medida que ese rito permite toda una reflexión, que hace volver a pensar la experiencia para aprender de ella.

En esta ocasión, dicha actividad se ha hecho en la Casa de la Muller de la calle viguesa, Romil, bajo los auspicios de la Asociación de Madres Latinas de Vigo, felizmente comandada por la peruana Luisi Motta y con la coordinación de Orisel Gaspar Rojas, actriz, directora teatral, profesora de interpretación, poetisa, directora de casting hispano-cubana, quien dirige al grupo con una delicadeza magistral, con la ayuda del dibujante y diseñador gráfico también cubano, Harney Díaz.

Allí acudimos cada quince días, los jueves, para ver distintas películas de nuestra querida América Latina y no deja de ser un tanto extraño, como parte de un cierto realismo mágico, que podamos sentarnos personas, con distintos acentos del habla latinoamericana, a ver nuestro cine, tan lejos de nuestro continente, con un océano de por medio, a través de la linterna mágica de los Lumière, en esta fantástica Galicia.

Mis comentarios están marcados por mi propia subjetividad, mis sueños, mis gustos, sobre los que ya se ha dicho que no hay nada escrito, de tal manera que no escribo por el grupo, sino desde mi mismo y pienso que el ciclo de cine latinoamericano, que hemos realizado, no pudo estar mejor abierto, gracias a la presentación de los uruguayos, quienes nos trajeron una historia, al parecer verdadera, de unos soñadores utópicos, quienes se roban un tren para rescatarlo de perderse, como bien emblemático de su país, para cederlo al cine hollywoodense, en una quijotesca misión, que hace que el tren viaje por todo el campo uruguayo, con toda su belleza, así, de golpe y porrazo sean detenidos por un muro, que como cruel realidad, entorpece la realización del sueño nacionalista y libertario de los viejos, de conservar lo que es propio de su tradición histórica, bajo el lema: El patrimonio no se vende, que recogen unos muchachos, en una suerte de feliz relevo generacional, para salvar a Corazón de Fuego, El último tren, una antigua locomotora, destinada, por la mirada neoliberal de un joven negociante, de convertirse en un objeto de utilería en un estudio yanqui, para el rodaje de películas del Oeste.

Esta epopeya fracasada, en cierto sentido, es dirigida por Diego Arsuaga, con la colaboración de Argentina y España, en el año 2002, con las magníficas actuaciones de unos actores argentinos, ya mayores, Héctor Alterio, Federico Luppi y Pepe Soriano, quienes con sus sueños al aire y su corazón en bandolera, se lanzan en una hermosa aventura, a pesar de los males que portan en sus cansados cuerpos, un gran logro cinematográfico, merecedor del Goya a la mejor película extranjera de habla hispana, en ese mismo año, un justo premio, además otros varios que recibiera a lo largo y ancho de este pícaro mundo, con una película que no sólo entretiene y gusta, sino que excita la mente de todos aquellos que soñamos que otro mundo es posible, a pesar de ser una historia sencilla, posible, gracias a las mentes de unos personajes que se mantienen en el camino de la utopía, valor universal que tanto debería unirnos, al estar basada en un hecho real, cargado de rebeldía, amistad, solidaridad y esperanza, virtudes que tanta falta nos hacen pero que, tan bien, estimula esta preciosa metáfora del sentir patriótico, en un mundo globalizado por el neoliberalismo, para ampliar el campo de los negocios, pero que cierra fronteras para la gente corriente, que las borra todas, para que el Capital crezca al precio de una desigualdad que, al decir de Joseph E. Stiglitz, hace que el 1% de la población tenga lo que el 99% necesita.

Es interesante el coctel de géneros en el que se mueven los personajes, una comedia, medio western, pero fundamentalmente un road movie, que nos lleva por un camino, que hacemos desde la mirada de los protagonistas, interpretados de una forma magistral, con diálogos frescos y divertidos, que favorecen nuestra identificación con sus acciones e ideales, en la medida que empatizamos profundamente con estos héroes, que se juegan la vida, en un último acto de bravura, mientras partimos del mundo oscuro de los talleres a la luz plena del paisaje uruguayo, en un país rico en campos, lejos de sus apretujadas urbes, mientras planos generales y tomas aéreas oxigenan la cinta, en la que luchan perseguidos y perseguidores.

Si titulé este artículo, con el verso de Pedro Navajas, es porque, dentro de mi ignorancia del nuevo cine latinoamericano, estas tres cintas han sido gratas sorpresas que nos da la vida, en especial, esa cinta nicaragüense, proveniente de un país, casi borrado de nuestras conciencias, si no fuera por las desastrosas noticias de la tiranía de Somoza y la guerra de los Contra, más allá de la poesía de Rubén Darío, Ernesto Cardenal y Gioconda Belli.

Si fui a ver esta película La Yuma (2009), que se anunciaba como la historia de una boxeadora, lo hice más por disciplina que por deseo, pues detesto el cine de pugilato, salvo, quizás, El toro salvaje (1980) de Martín Scorsese, que nos acerca a una dimensión más humana de los hombres del box.

Pero superado, el prejuicio inicial, me encontré con la bellísima historia de una joven deseante, que en medio de los tristes trópicos latinoamericanos, con su pobreza infinita, logra trazarse un proyecto existencial, que ella sostiene con toda intensidad, a pesar de las adversidades, ayudada por muchos de esos que la sociedad “bien pensante” lanza al espacio de la otredad, de lo deleznable, de lo repudible, como su amigo transvestido, dedicado a la prostitución, pero quien junto con los maestros de combate y la patrona de una humilde boutique, la ayudan a construirse un futuro distinto al que el destino pareciera haberle asignado.

No deja de ser asombroso, que la directora de la cinta sea una francesa, perfectamente transculturalizada, quien casi ha perdido el acento galo, Florence Jaugey, quien llegara a Nicaragua en 1983, precisamente en el año que los Países No Alineados pedían unánimemente a los Estados Unidos de América que dialogara con ese país y contribuyera a la búsqueda de la paz en El Salvador, para trabajar como actriz en una coproducción franco-cubana y voluntariamente quedarse, seducida por la tierra de los nicas, con ganas de filmar su realidad e involucrarse en el rodaje de toda una serie de documentales, que la pondrían en contacto con el pueblo nicaragüense, de tal modo que pequeños fragmentos bien mezclados, le darían pie para armar toda una película argumental con Alma Blanco, una bailarina, quien fuera elegida como actriz, para convertirse en La Yuma, la aprendiza de boxeadora.

Para meterse en esa aventura, Florence Jaugey tendría que asumir el reto de una carrera contra-reloj, que les permitiría hacer un largometraje en seis semanas, en el que el boxeo no es el tema central sino un pretexto, motor de arranque para que la chica pudiera empezar a realizar sus sueños amputados por una dura realidad social y familiar, tan común a nuestros pueblos latinoamericanos.

Con la vocación del cine ojo de un Dziga Vertov, más allá del documental, la directora ahora nos pretende mostrar no la Nicaragua noticiosa de la guerra de los Contra o de los terremotos, sino acercarnos a una Managua, en la cotidianidad actual de un país cuasi olvidado, en un gran esfuerzo del cine centroamericano, con algunos actores profesionales y otros vernáculos, muchos de ellos, chicos, como tantos en América Latina, condenados al no-futuro de Rodrigo D. (1990), el valioso filme con el que el director Víctor Gaviria, nos desgarraría el corazón, al mostrarnos una realidad que las gentes de “buena conciencia” pretendían desmentir en Medellín, Colombia, para evitar la dureza que se impone en países, donde casi por siempre, ha reinado la desigualdad, denunciada ahora por Joseph Stiglitz.

Actrices como María Esther López, la simpática patrona de la Yuma, nos generan una profunda empatía, en tanto representante de todo un equipo centroamericano, bien dinámico, que hace parte del rodaje, para, por primera vez, en mucho tiempo, dar una imagen cinematográfica del país nicaragüense, lo que no deja de ser algo muy generador de esperanzas, elemento que tiene en común con Corazón de fuego o El último tren.

Me resulta tan simbólico, el empleo de la Yuma en el circo La Libertad como cuando los muchachos uruguayos, toman en sus manos el trapo que decía: El patrimonio no se vende.

Ese mundo circense, a donde va la Yuma a trabajar como boxeadora, se convierte en instrumento para la construcción de un futuro propio para la chica, quien se compromete con asumir el cuidado de sus maltratados hermanitos, tras un fracasado love story con un estudiante de periodismo, destruido por la envidia y los celos de quienes no toleran que alguien de la barriada se abra caminos distintos, aún sin buscar ese edén imaginario, que tantos, creen encontrar en el país yanqui, que tanto humilla y ofende a los inmigrantes de más abajo del Río Grande, como bien podemos constatarlo en la cinta colombiana Paraíso Travel, dirigida por Simón Brand, en el 2008, con base en el libro de Jorge Franco, el mismo autor de Rosario Tijeras.

Y la otra gran sorpresa fue el filme peruano El premio, producido por Aguadulce Films, con toda su alusión a nuestra agua de panela, a veces el único alimento calórico, que con alguna arepa, comen los niños colombianos, a riesgo de padecer un kwashiorkor, ese mal infantil, ocasionado por el déficit de proteínas en la dieta, que nuestro gran maestro de nutrición, el doctor Hernán Vélez, con su voz ronca y estrepitosa, llamaba aguapanelosis, en la medida que se indignaba por el hecho de que tanta miseria existiera en nuestro mundo latinoamericano, en una Colombia, que al decir del doctor Jaime Borrero, famoso internista, era un país que estaba en el suelo y habríamos de arrodillarnos para levantarlo, cosa común a las naciones de nuestros tristes trópicos.

No puedo dejar de recordar a este par de maestros de la medicina, quienes luchaban contra las enfermedades del subdesarrollo, desde su saber médico e investigativo de esos enormes problemas, tan desgarradores para quienes teníamos que hacernos cargo de ese enorme precio de la desigualdad económica, que ha reinado en nuestros países del Tercer Mundo, en el que el aguadulce, venía a convertirse en una fuente de energía. que mantenía la vida, como ingrediente vital que me parece que es importante para un cine emergente, que empieza a levantar cabeza y que ojalá podamos hacer tan fuerte como la misma La Yuma.

Esta vez con el asocio de Inca Cine, Unity Films, Centauro Comunicaciones y el apoyo del Programa Ibermedia, la Cinemateca Brasilera y Luz Mágica del Brasil, podemos adentrarnos con el reconocido actor José Luis Ruiz Barahona, el padre, la actriz y presentadora de televisión Melania Urbina Keller como Lisbeth, la sobrina, y el actor de teatro Emanuel Soriano, el hijo, entre otros actores, en la cinta de Alberto “Chicho” Durant, quien se formara en cine en los Estados Unidos de América, Bruselas y Londres, para volver a su país, donde se convertiría en realizador de varios documentales y director de cuatro largometrajes, con un gran reconocimiento internacional, uno de los mayores luchadores por dar empuje al cine peruano, con toda la pasión para hablar de nuestras realidades de una manera sencilla, en contraposición con toda la maquinaria del cine hollywoodense.

Y esta vez, nos trae una buena historia, con buenos actores, una de sus metas en la vida, para mí, con cierto sabor al de la Nueva Ola Francesa, al enfrentarnos, un poco a la manera del Truffaut de Los cuatrocientos golpes (1959) a todo un drama familiar, en medio del dolor, la incomunicación y los malos entendidos, en una situación local, que deviene universal, tratado de un modo verosímil, en un marco en el que se desarrollan las vicisitudes de los personajes, como en una especie de realismo ontológico, sin grandes manipulaciones ni artificios, que en vez de escribirse con pluma, se escribe con la cámara, sin los excesos de la porno-miseria.

Así las cosas, asistimos a la ilusión que se crea un profesor rural peruano, que como para el Manjarrés, de El maestro de escuela (1941), del escritor envigadeño Fernando González, la vida sigue siendo putísima.

El hecho de ganarse un premio gordo de la lotería, lo esperanzaría no sólo a él, sino a la comunidad donde vivía, porque, tal vez, pudiera darles dinero para una acción comunal; pero el hombre se encontraría en Lima, con una realidad urbana, muy distinta a la de su vida campesina, bastante bucólica, pues la urbe está signada por el bullicio y atracadores envidiosos, de los que habría de defenderse, gracias a su malicia indígena.

Es allí, en la Polis donde ha de enfrentar la ruptura de la comunicación, que se ha gestado con su hijo, al que ha dejado allí, para que lo criara una tía, sin contarle, que esa separación no era precisamente un abandono, sino el intento de realización del deseo de que el chico saliera adelante en la ciudad, a diferencia de todo lo que él que había sufrido en silencio: el duelo y el sentimiento de culpabilidad, por la muerte de la esposa y el hijo en un parto, de seguro, mal atendido, como lo ha denunciado aquí, en Vigo, la trabajadora social peruana María Josefa Ramírez, cuando en Amnistía Internacional, nos hablaba de su lucha en los campos del Perú, por una buena atención a la salud materno-infantil, al parecer bastante deteriorada en las tierras incaicas.

El dinero se vuelve un significante fundamental de la narración, pero sin ese afán frenético, en el que deviene, en esa superproducción estadounidense, que es El mundo está loco, loco, loco de Stanley Kramer, en el que el famoso director norteamericano nos mostraba, en 1963, el afán mezquino del voraz atesoramiento, en un film donde asistimos a la loca ambición de gentes de una clase media, que quiere ser más rica.

Aquí, en la cinta de Durant, asistimos a las consecuencias de un premio, cargado de cierta fatalidad, condenado a desaparecer enigmáticamente, con una buena carga de suspenso, mientras se convierte en pretexto para contarnos una historia humana, demasiado humana, que toca al interior de de un grupo familiar, en el que reinan los malentendidos y que deja un final abierto, en el que los más esperanzados contamos con un final feliz y los más desesperanzados, que haya culminado en una tragedia.

Pero todas estas cintas tienen un denominador común, bastante distante de la porno-miseria, que demandan las distribuidoras del Primer Mundo, al cine tercermundista, porque la acción es lo que se vende, así haya una ausencia de pensamiento.

En todas aparece el deseo de salir adelante, así se interpongan todos los obstáculos posibles.

Por ello, de nuevo, agradezco a Luisi Motta y Orisel Gaspar, que nos permitan ver, desde lejos, que no es igual quien anda y quien camina, y así evitar un encasillamiento del cine latinoamericano, para lograr su promoción, como un cine digno de verse, porque da cuenta de un continente que lucha por echar p’alante, a pesar de todos las dificultades, un poco a la manera de Sísifo, siempre en lucha contra el absurdo, que finalmente es necesario asumir como parte de la existencia, pero al que debemos enfrentar cotidianamente, un poco a la manera de los quijotescos viejos de Corazón de fuego, con la tenacidad de la Yuma o con la honestidad de los personajes de El premio, algo, que sin duda, también habrá de servir al público de una España, que se viene abajo y que requiere de personajes de la altura de los que hicieron a esa rica Generación del 98, que sabía asumir el sentimiento trágico de la vida, a la manera de Miguel de Unamuno, de Antonio Machado, de Azorín, de Pío Baroja y nuestro entrañable don Ramón del Valle-Inclán, gallego, nacido en Vilanova de Arousa, quienes no se arredraron porque España perdiera su condición de Imperio donde nunca, al decir de Felipe II, se ocultaba el sol.

De otro lado, les agradezco a ambas, que estén velando por recrear el cine-foro, una práctica bastante olvidada, que ayuda a crear, entre los espectadores, una nueva forma de ver cine, ya que el arte cinematográfico sana, ayuda a la elaboración de la angustia cotidiana, más allá de convertirse en una espectáculo de evasión, como bien lo señala este graffiti:

Oración que pienso que es verdad, si es un cine que se somete a reflexión, más allá de la sala de cine, a donde, a lo mejor, solo vamos acompañados por un paquete de palomitas, un perro caliente y una Coca-cola, sin la oportunidad de hablar con tu vecino, acerca de esa experiencia estética que acabas de tener y que puede resultar transformadora.

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"Escribo para decir lo que la vida me asusta, lo que la vida me gusta, escribo para vivir. Escribo para que sepas lo que no cuenta mi boca, escribo si me provoca sencillamente escribir."
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