Orisel Gaspar, para servirle

Iván Ruiz Flores: El guión como viaje

2013-06-14T15:03:08+00:00

Fuente: EIMA

La escritura de un guión es como realizar un viaje: partimos de un punto de partida y siempre llegamos a un destino, pero el recorrido plantea siempre varias alternativas.

En el encuentro de esta semana de la Escuela Internacional de Medios Audiovisuales (E.I.M.A) se hizo un repaso de este viaje de escritura guiado por un experto, Iván Ruiz Flores, guionista, autor y director. En el encuentro hubo lleno y se retransmitió en streaming.

La Escuela Internacional de Medios Audiovisuales es un centro multidisciplinar de creación y desarrollo que potencia las iniciativas artísticas en todas las ramas del sector audiovisual.

De Iván Ruiz Flores es el cortometraje español más premiado, Dulce, con 115 galardones. Acaba de estrenar su primer largo, Lección debida, que ya ha recibido las primeras críticas y reconocimientos, siendo el más reciente el Premio a Mejor Película en la I Edición del Voghera Film Festival que acaba de celebrarse en Italia y éste es el cuarto reconocimiento que logra la cinta, pues anteriormente obtuvo el Gold Remi Award como Mejor Largometraje en la 46 Edición del WorldFest, celebrado en Houston. También sus dos actores protagonistas fueron premiados con anterioridad. Txema Blasco obtuvo el Premio a Mejor Interpretación Masculina en la XI Semana de Cine Fantástico, Terror y Ciencia Ficción Catacumba, celebrado en el municipio valenciano de Godella; y Montse Ortiz, el Premio a la Mejor Interpretación Femenina en el I Festival Internacional de Cine de Hermosillo (México).

El próximo proyecto de Iván Ruiz Flores es una obra de teatro que, una vez más, escribe y dirige.

El "Villalobismo" en estado puro

2013-06-13T09:28:16+00:00

Fuente: Faro de Vigo

El pintor cubano inaugura mañana en la Casa das Artes de Vigo una extensa exposición de obra sobre papel e instalaciones en la que cobran nuevo significado sus figuras míticas.

AMAIA MAULEÓN - VIGO "El mundo es alucinatorio y por lo tanto no podemos conocerlo. Pero sí podemos soñarlo. Toda imagen del mundo es una ficción. Cada dibujo, cada explicación del universo es tan válida como cualquiera otra". Esta reflexión de Jorge Luís Borges es para Nelson Villalobos su "biblia", su impulso de creación y, por su importancia, aparece junto a una de sus obras de la impresionante exposición que inaugura mañana (20.00 horas) en la Casa das Artes de Vigo.

El pintor cubano reúne en "Obra sobre papel e instalaciones" un abundante número de piezas realizadas desde 1995 y nunca expuestas hasta ahora. A pesar del gran tamaño de la muestra, Villalobos (Cuba, 1956) asegura que se trata de una de sus exposiciones "más íntimas" en la que ha volcado varios de sus "yo". De hecho, es como un universo que encierra varias exposiciones, un "juego" que practica habitualmente el artista afincado en Vigo en el que unos mundos encierran otros, unas historias esconden nuevas vidas, unas figuras quedan dentro y otras fuera de los límites. Siempre hay más de una mirada. "Soy artista fragmentado; ese es mi principio en el arte", afirma.

Por primera vez Villalobos expone gran parte de su obra sobre papel a lo largo de varias series. El catálogo de la muestra se centra en una de ellas realizada sobre las páginas de un antiguo libro religioso en latín. En cada una de ellas realiza un dibujo que descontextualiza el texto: máscaras aztecas, peruanas, arte egipcio, versiones de obras de pintores clásicos, mitos... figuras que se repiten a lo largo de su prolífica obra pero "siempre pasadas por mi tamiz", advierte.

Pero es una enorme instalación la que atrae primero la atención del visitante nada más entrar en la sala. Decenas de objetos encontrados por el autor a los que se unen otros manipulados por él, piedras pintadas y esculturas de barro, componen una especie de "altar poético" que gira alrededor de la idea del paso del tiempo. A su lado, cuelga una poesía que el gran poeta cubano Ángel Escobar, amigo personal del artista, escribió el 13 de febrero de 1997, un día antes de suicidarse. "Describía muy bien mi trabajo", recuerda con cariño Villalobos.

La inspiración de Oroza

También el poeta Carlos Oroza, uno de los más grandes de Galicia, tiene un espacio protagonista en la muestra, ya que Nelson le dedica una de las cinco instalaciones además de una serie de pinturas. "El mar tiene una gran presencia en esta instalación, al igual que lo tiene en la obra de Oroza", destaca el autor. En el suelo, decenas de textos del poeta "navegan" en un mar "translúcido", un concepto esencial en la obra de Oroza. "Aunque procedo de Cuba, ha sido en Vigo donde el mar se ha hecho más presente en mi obra y eso me alegra", apunta Nelson.

La exposición se extiende como una enredadera por todos los espacios de la sala: paredes, suelo, esquinas; cada espacio tiene una función. "Depende desde dónde mires, puedes tener una perspectiva diferente de las obras", sugiere Villalobos. Y también la obra mira al espectador desde dos ojos que lloran a ambos lados de la instalación central.
La muestra –que puede visitarse hasta el 15 de julio– se completa con un documental sobre el proceso de creación del artista realizado por Pablo Villalobos, su hijo, que se completará durante la propia exposición. Además, también mañana, como un brazo separado del cuerpo de la muestra, Villalobos inaugura en Detrás do Marco una selección de collages, una técnica que hasta ahora no había expuesto nunca.

Nelson Villalobos posa frente a una de las instalaciones de la exposición, ayer, en la Casa das Artes de Vigo. // Ricardo Grobas

Jorge Molina: Erotómano

2013-06-11T21:42:13+00:00

Publicado en la Revista de CineTOMA 5 (México)

JORGE MOLINA: EROTÓMANO
Por Miguel Lavandeira

Miguel Lavandeira es director del documental Erotómano, acerca de Jorge Molina, actualmente en rodaje. Lavandeira ostenta el galardón Diosa de Plata a la Mejor edición por “POR SI NO TE VUELVO A VER”.

lNTERIOR de la Escuela Internacional de Cine y Televisión (EICTV), Cuba. Día. 1990. Miguel (24 años), ve una película, reproducida en un Betamax. Llega Jorge Molina (24 años, exactamente igual que Manolito el de Mafalda, pero habla con fuerte acento cubano).

MOLINA: Brother: ¿en esa película salen mujeres en cueras?
MIGUEL: Sí, si recuerdo bien, sí. En unos diez minutos, más o menos.

Diez minutos más tarde...

MOLINA: Gracias, brother. Sale.
MIGUEL: ¿No te quedas a verla?
MOLINA: (Ya desde lejos.) No, ¡Voy a masturbarme!

Lo anterior es, todavía, el componente esencial de la vida de Jorge Molina: cine y sexo. Es el hombre más cinematográfico que conozco: nadie como él puede contarte todo acerca de Serguei Paradjanov y Rocco Siffredi... junto y mezclado. Sé de lo que hablo: durante muchos años vi cinco películas al día. Molina, ocho o nueve. Entre medias, cogía. O se masturbaba. O las dos o las tres cosas a la vez. Aunado a ello, resulta que, sin haber filmado un largometraje, a base de puros cortos, es un director de culto en Cuba.

1. Molina´s Culpa (1992): Su tesis de graduación en la EICTV. El porno con auténticas penetraciones, impensable por motivos legales, es perfectamente simulado en este corto (35 mm, B/N) que demuestra su potencia en la escena en que la prostituta le extrae, con la boca, un cristal del culo al supuesto cura. O la secuencia, muda y a cámara rápida, de la iniciación sexual de esa mujer, interpretada por ldalmis del Risco. Anunciaba su capacidad para hacerlo bueno, bonito y barato.

2. Molina´s Solarix (2006): Un guión escrito en una noche. Una locación. Dos personajes. Unos 10 dólares de presupuesto. Un tiempo mínimo de rodaje. Con estas condiciones de producción, consigue un corto de Ciencia Ficción/Porno/Gore divertido, original y... muy cachondo. Es en extremo referencial (R. Wise, M. Bava, G. A. Romero y A. Tarkovski en la licuadora), pero a la vez tan autoral y tan propia que hasta Quentin (Tarantino) le tendría envidia.

3. Los crews más grandes del mundo y sin dinero. Sólo Kubrick le ha sacado tanto jugo a su gente. Y, encima, Molina no nos paga (fui uno de los muchos editores que le metieron mano a Molina´s Mofo} sino que, incluso, alguno que otro miembro del equipo se ha rascado el bolsillo para ayudar con los gastos. Sin pedos. Con gusto. ¿Por qué? Por su autenticidad.

Molina hace obras pornográficas que son, también, obras de arte. Y en mi conocimiento del asunto porno, que reconozco muy humilde, tal caso no abunda (las películas porno me suelen parecer un coñazo, y no lo digo literalmente, sino en gachupín, ¿vale?). Tampoco en el mundo del cine en general: el único caso de arte y pornografía juntos que conozco es Lost Girls (1991-2006), el cómic de Alan Moore y Melinda Gebbie. Los intentos han pululado: Lars von Trier, en Los idiotas (Idioterne, 1998), Patrice Chéreau en Intimidad (Intimacy, 2001), Michael Winterbottom en 9 orgasmos (9 songs, (2004)... todas estas películas incluyen escenas con sexo directo, real. ...pero no llegan al punto (G) tan bien como Molina. ¿Por qué?

4. El estilo de Molina: Casi sin tracking shots a excepcion sería Molina´s Test, de 2001, donde mezcla a Robert Wise con Fu Manchú, ergo con su muy admirado Jess Franco), Molina SIEMPRE coloca su cámara en un lugar interesante. Hay que añadir un sentido innato (bueno, innato más las n mil películas que ha visto) del shot progression, mucho sentido del humor y habilidad y astucia para lograr que algunas de las actrices más bellas de Cuba (doble o triple redundancia, no sé), y algunos de los mejores actores de la isla se desnuden no solamente gratis, sino que quieran repetir experiencia en sus posteriores proyectos. ¿Cómo lo consigue? Con absoluto respeto, afecto y profesionalidad, que se transmite a la velocidad de la luz a su(s) ya de por sí muy profesional(es) equipo(s) técnico(s): cheque a Luis Alberto García en Che (2008),de Steven Soderbergh, como el infame, corrupto y cobarde alto oficial del ejército de Batista y luego vea cómo Mo1ina lo pone a cogerse a un chivo disecado en Molina's Test, para que lo entienda. y lo más importante: BUENAS HISTORIAS. Al igual que su director favorito, Billy Wilder, cree que la única regla a seguir en el cine es: "No aburrirás a tu prójimo”

5. El Molinazo que viene: Molina sería muchísimo más feliz haciendo porno en el Valle de San Fernando que en La Croisette. Estando en París, el mismísimo Gaspar Noé, fascinado por la leyenda/rumor del enfant terrible cubano lo buscó y encontró. Pero Jorge no tiene nada de terrible: es muy buen amigo, un ser humano esencialmente noble y bueno, y un amoroso marido y padre de familia. También es capaz de pergeñar, con la inestimable ayuda de un grupo recurrente de guionistas (los hermanos García Bogliano, Edgar Soberón Torchía), el guión más machista y feminista a la vez Molinas Cuba Exxxtreme (título menos potente que el previo Molinas Señora 22). Elevo mis plegarias a la diosa Asia Argento para que acepte el papel protagónico.

Mientras, gracias a la clarividencia de la Beca Cinergia,* disfrutaremos a corto-medio plazo de Molinas Feroz, versión bestia (muy) de la Caperucita Roja: 72 minutos de cachondería, guarrez y mucha risa. ¿No suena mal, verdad?

El que no me crea, que revise la página www.molinatron.blogspot.com, y ahí lea extractos del guión, vea diversas maravillas y sepa de lo que es capaz ese güero.

*Otorgada por el Fondo de Fomento al Audiovisual de Centroamérica y el Caribe. [N. del E.).

Lección debida, Mejor Película en la I Edición del Voghera Film Festival

2013-06-10T10:45:16+00:00

El largometraje escrito y dirigido por Iván Ruiz Flores obtiene su cuarto premio
y vuelve al cine Artistic Metropol de Madrid este próximo viernes 14 de mayo a las 20.15 horas

La película Lección debida (www.lecciondebida.com), producida por AniuR Creativos Audiovisuales (www.aniur.es) y Demovie Film al margen de subvenciones públicas y/o privadas, se acaba de alzar con el Premio a Mejor Película en la I Edición del Voghera Film Festival, cuya gala de Clausura tuvo lugar este sábado 8 de junio en Italia y cuyo objetivo principal es reconocer el cine independiente.

Éste es el cuarto reconocimiento que logra la cinta, pues anteriormente obtuvo el Gold Remi Award como Mejor Largometraje en la 46 Edición del WorldFest, celebrado en Houston; y también sus dos actores protagonistas fueron premiados con anterioridad. Txema Blasco obtuvo el Premio a Mejor Interpretación Masculina en la XI Semana de Cine Fantástico, Terror y Ciencia Ficción Catacumba, celebrado en el municipio valenciano de Godella; y Montse Ortiz, el Premio a la Mejor Interpretación Femenina en el I Festival Internacional de Cine de Hermosillo (México), certamen donde Lección debida estuvo además nominada como Mejor Largometraje.

Lección debida ha obtenido en apenas cinco meses de distribución más de una veintena de selecciones en diferentes festivales internacionales celebrados en países como Estados Unidos, Italia, India, Colombia, México, Australia y España, entre otros tantos.

Asimismo, debido a la buena acogida de público y crítica, Lección debida vuelve al cine Artistic Metropol (www.artisticmetropol.es) el próximo viernes 14 de junio a las 20,15 horas. El precio de las entradas es de 6 euros y el director, Iván Ruiz Flores, estará presente en la proyección para entablar un coloquio con los espectadores después de la misma. En sus propias palabras, “esta es una forma de hacer que ir al cine vuelva a convertirse de, alguna manera, en una experiencia única”.

Las entradas se pueden reservar en el siguiente e-mail: cinema@artisticfilms.es o en este teléfono: 915272792

*Para la descarga del dossier de prensa de la película, con fotos en alta resolución incluidas, aquí os dejamos el link:

http://www.lecciondebida.com/prensa.html

*Para ver la trayectoria actual de la película:

http://www.promofest.org/films/leccion-debida

Prensa
prensa@aniur.es
www.aniur.es
www.ivanruizflores.es

¡Abran los ojos y los oídos!

2013-05-28T09:03:01+00:00

Fuente: Unión de Actores. Revista

Escrito por Didier Roussel

Hace unos años escribí un artículo en la revista Actores sobre la situación de los actores extranjeros y de los actores regionales en las producciones audiovisuales españolas (hechas principalmente en Madrid para las televisiones de ámbito nacional y para los cines de toda España). A pesar de una lenta pero positiva evolución, nuestra situación sigue mal. En un país turístico como España, que recibe unos 60 millones de turistas al año y donde unos 6 millones de extranjeros tienen su residencia, donde aman, donde trabajan, donde pagan sus impuestos... su presencia es casi nula en las producciones televisivas y cinematográficas.

En mi país de origen (Francia) donde conviven vascos, catalanes, bretones, alsacianos, corsos... donde estos últimos años se ha incrementado la población de personas venidas de los países árabes, de África subsahariana, de Asia, además de todas las inmigraciones pasadas de españoles, italianos, portugueses, rusos, polacos etc., no es raro ver personajes de series o de películas con estos distintos rasgos y acentos. Y no solamente la presencia de estos nuevos franceses se nota en las producciones audiovisuales, sino también en la política donde hemos visto estos últimos años, un presidente de la República hijo de la emigración del este, una ministra marroquí o una primera dama italiana, o, como en el fútbol, un equipo nacional de piel morena, sin que por eso se haya caído la bandera tricolor o el gallo de las camisetas deportivas. No es casualidad que en España seamos invisibles, hay una voluntad política de no integrar.

Todo esto va en contra del buen funcionamiento de la sociedad y de la buena convivencia. Si la gente de las autonomías se hubiera visto representada a los largo de todos estos años de televisión, a través de programas y de series de ficción, quizás el problema de secesión no sería tan grave...

El poder de las televisiones puede abundar en el buen desarrollo cultural, económico y social de un país o, al contrario, abundar en el subdesarrollo nacional e intelectual. Como se suele hacer en algunos países sudamericanos.

Tras ver la excelente película argentina Tesis sobre un homicidio, me llamó la atención una frase que dice Alberto Ammann: "Soy argentino con acento" (una manera inteligente de justificar su falta de acento porteño).

Hay españoles con acento francés, los he conocido. El mismísimo Rey de España, Borbón de esos de Francia, habla de una manera poco ortodoxa sin que eso afecte a su posición. Y no hablamos de su mujer. ¿Qué importancia tiene que un personaje de una ficción hable con un acento 'x', cuando vivimos en una sociedad cosmopolita y abierta al mundo? ¿Por qué este empeño en negar la existencia de estos acentos catalanes, vascos, gallegos, andaluces o canarios?

Los francófonos de Canadá piensan que los franceses tienen acentos y viceversa...

Lo que es cierto es que si estos productores de Madrid, estos guionistas, estos directores de casting salen a la calle, en los restaurantes, en el metro o donde sea, se encontrarán con una comunidad de vecinos muy distinta a la que nos quieren vender en estas series muy españolas-españolistas que recuerdan una realidad de hace más de 37 años, cuando las ficciones se llenaban de monjas, militares y personajes bobos del campo (otra caricatura). Pido desde aquí, a todos estos profesionales que nos leen, que se atrevan a cambiar el chip, que sean más valientes, que se pregunten por qué los jóvenes prefieren las películas americanas...

Hace poco estuve en la première de Alacrán Enamorado de Santiago Zannou (novela y guión de mi amigo Carlos Bardem), a la que acudieron un montón de jóvenes a ver un film de un negro español y a escuchar la excelente música de su hermano, también negro y español, película que trata del racismo, entre otras cosas.

Se lo pido con cariño, "abran sus ojos, sus oídos y, ¿por qué no? Sus corazones".

Didier Roussel

Sorpresas te da la vida: Tres películas del novísimo cine latinoamericano

2013-05-28T08:20:24+00:00

Fuente: Nais Vigo magazine

Escrito por Dr. Jesús María Dapena Botero.

Durante lo que va del año 2013, un grupo de latinoamericanos, de distintos países y latitudes, por debajo del Río Grande, ese que separa a Norteamérica de Latinoamérica, y algunos españoles nos hemos reunido en una especie de ágape cinematográfico, para presenciar una muestra de nuestro cine más autóctono y retomar la práctica del cine-foro, ese ritual casi olvidado, tan formativo para los espectadores, al darles la palabra, aunque no sean agudos y experimentados críticos de cine, en la medida que ese rito permite toda una reflexión, que hace volver a pensar la experiencia para aprender de ella.

En esta ocasión, dicha actividad se ha hecho en la Casa de la Muller de la calle viguesa, Romil, bajo los auspicios de la Asociación de Madres Latinas de Vigo, felizmente comandada por la peruana Luisi Motta y con la coordinación de Orisel Gaspar Rojas, actriz, directora teatral, profesora de interpretación, poetisa, directora de casting hispano-cubana, quien dirige al grupo con una delicadeza magistral, con la ayuda del dibujante y diseñador gráfico también cubano, Harney Díaz.

Allí acudimos cada quince días, los jueves, para ver distintas películas de nuestra querida América Latina y no deja de ser un tanto extraño, como parte de un cierto realismo mágico, que podamos sentarnos personas, con distintos acentos del habla latinoamericana, a ver nuestro cine, tan lejos de nuestro continente, con un océano de por medio, a través de la linterna mágica de los Lumière, en esta fantástica Galicia.

Mis comentarios están marcados por mi propia subjetividad, mis sueños, mis gustos, sobre los que ya se ha dicho que no hay nada escrito, de tal manera que no escribo por el grupo, sino desde mi mismo y pienso que el ciclo de cine latinoamericano, que hemos realizado, no pudo estar mejor abierto, gracias a la presentación de los uruguayos, quienes nos trajeron una historia, al parecer verdadera, de unos soñadores utópicos, quienes se roban un tren para rescatarlo de perderse, como bien emblemático de su país, para cederlo al cine hollywoodense, en una quijotesca misión, que hace que el tren viaje por todo el campo uruguayo, con toda su belleza, así, de golpe y porrazo sean detenidos por un muro, que como cruel realidad, entorpece la realización del sueño nacionalista y libertario de los viejos, de conservar lo que es propio de su tradición histórica, bajo el lema: El patrimonio no se vende, que recogen unos muchachos, en una suerte de feliz relevo generacional, para salvar a Corazón de Fuego, El último tren, una antigua locomotora, destinada, por la mirada neoliberal de un joven negociante, de convertirse en un objeto de utilería en un estudio yanqui, para el rodaje de películas del Oeste.

Esta epopeya fracasada, en cierto sentido, es dirigida por Diego Arsuaga, con la colaboración de Argentina y España, en el año 2002, con las magníficas actuaciones de unos actores argentinos, ya mayores, Héctor Alterio, Federico Luppi y Pepe Soriano, quienes con sus sueños al aire y su corazón en bandolera, se lanzan en una hermosa aventura, a pesar de los males que portan en sus cansados cuerpos, un gran logro cinematográfico, merecedor del Goya a la mejor película extranjera de habla hispana, en ese mismo año, un justo premio, además otros varios que recibiera a lo largo y ancho de este pícaro mundo, con una película que no sólo entretiene y gusta, sino que excita la mente de todos aquellos que soñamos que otro mundo es posible, a pesar de ser una historia sencilla, posible, gracias a las mentes de unos personajes que se mantienen en el camino de la utopía, valor universal que tanto debería unirnos, al estar basada en un hecho real, cargado de rebeldía, amistad, solidaridad y esperanza, virtudes que tanta falta nos hacen pero que, tan bien, estimula esta preciosa metáfora del sentir patriótico, en un mundo globalizado por el neoliberalismo, para ampliar el campo de los negocios, pero que cierra fronteras para la gente corriente, que las borra todas, para que el Capital crezca al precio de una desigualdad que, al decir de Joseph E. Stiglitz, hace que el 1% de la población tenga lo que el 99% necesita.

Es interesante el coctel de géneros en el que se mueven los personajes, una comedia, medio western, pero fundamentalmente un road movie, que nos lleva por un camino, que hacemos desde la mirada de los protagonistas, interpretados de una forma magistral, con diálogos frescos y divertidos, que favorecen nuestra identificación con sus acciones e ideales, en la medida que empatizamos profundamente con estos héroes, que se juegan la vida, en un último acto de bravura, mientras partimos del mundo oscuro de los talleres a la luz plena del paisaje uruguayo, en un país rico en campos, lejos de sus apretujadas urbes, mientras planos generales y tomas aéreas oxigenan la cinta, en la que luchan perseguidos y perseguidores.

Si titulé este artículo, con el verso de Pedro Navajas, es porque, dentro de mi ignorancia del nuevo cine latinoamericano, estas tres cintas han sido gratas sorpresas que nos da la vida, en especial, esa cinta nicaragüense, proveniente de un país, casi borrado de nuestras conciencias, si no fuera por las desastrosas noticias de la tiranía de Somoza y la guerra de los Contra, más allá de la poesía de Rubén Darío, Ernesto Cardenal y Gioconda Belli.

Si fui a ver esta película La Yuma (2009), que se anunciaba como la historia de una boxeadora, lo hice más por disciplina que por deseo, pues detesto el cine de pugilato, salvo, quizás, El toro salvaje (1980) de Martín Scorsese, que nos acerca a una dimensión más humana de los hombres del box.

Pero superado, el prejuicio inicial, me encontré con la bellísima historia de una joven deseante, que en medio de los tristes trópicos latinoamericanos, con su pobreza infinita, logra trazarse un proyecto existencial, que ella sostiene con toda intensidad, a pesar de las adversidades, ayudada por muchos de esos que la sociedad “bien pensante” lanza al espacio de la otredad, de lo deleznable, de lo repudible, como su amigo transvestido, dedicado a la prostitución, pero quien junto con los maestros de combate y la patrona de una humilde boutique, la ayudan a construirse un futuro distinto al que el destino pareciera haberle asignado.

No deja de ser asombroso, que la directora de la cinta sea una francesa, perfectamente transculturalizada, quien casi ha perdido el acento galo, Florence Jaugey, quien llegara a Nicaragua en 1983, precisamente en el año que los Países No Alineados pedían unánimemente a los Estados Unidos de América que dialogara con ese país y contribuyera a la búsqueda de la paz en El Salvador, para trabajar como actriz en una coproducción franco-cubana y voluntariamente quedarse, seducida por la tierra de los nicas, con ganas de filmar su realidad e involucrarse en el rodaje de toda una serie de documentales, que la pondrían en contacto con el pueblo nicaragüense, de tal modo que pequeños fragmentos bien mezclados, le darían pie para armar toda una película argumental con Alma Blanco, una bailarina, quien fuera elegida como actriz, para convertirse en La Yuma, la aprendiza de boxeadora.

Para meterse en esa aventura, Florence Jaugey tendría que asumir el reto de una carrera contra-reloj, que les permitiría hacer un largometraje en seis semanas, en el que el boxeo no es el tema central sino un pretexto, motor de arranque para que la chica pudiera empezar a realizar sus sueños amputados por una dura realidad social y familiar, tan común a nuestros pueblos latinoamericanos.

Con la vocación del cine ojo de un Dziga Vertov, más allá del documental, la directora ahora nos pretende mostrar no la Nicaragua noticiosa de la guerra de los Contra o de los terremotos, sino acercarnos a una Managua, en la cotidianidad actual de un país cuasi olvidado, en un gran esfuerzo del cine centroamericano, con algunos actores profesionales y otros vernáculos, muchos de ellos, chicos, como tantos en América Latina, condenados al no-futuro de Rodrigo D. (1990), el valioso filme con el que el director Víctor Gaviria, nos desgarraría el corazón, al mostrarnos una realidad que las gentes de “buena conciencia” pretendían desmentir en Medellín, Colombia, para evitar la dureza que se impone en países, donde casi por siempre, ha reinado la desigualdad, denunciada ahora por Joseph Stiglitz.

Actrices como María Esther López, la simpática patrona de la Yuma, nos generan una profunda empatía, en tanto representante de todo un equipo centroamericano, bien dinámico, que hace parte del rodaje, para, por primera vez, en mucho tiempo, dar una imagen cinematográfica del país nicaragüense, lo que no deja de ser algo muy generador de esperanzas, elemento que tiene en común con Corazón de fuego o El último tren.

Me resulta tan simbólico, el empleo de la Yuma en el circo La Libertad como cuando los muchachos uruguayos, toman en sus manos el trapo que decía: El patrimonio no se vende.

Ese mundo circense, a donde va la Yuma a trabajar como boxeadora, se convierte en instrumento para la construcción de un futuro propio para la chica, quien se compromete con asumir el cuidado de sus maltratados hermanitos, tras un fracasado love story con un estudiante de periodismo, destruido por la envidia y los celos de quienes no toleran que alguien de la barriada se abra caminos distintos, aún sin buscar ese edén imaginario, que tantos, creen encontrar en el país yanqui, que tanto humilla y ofende a los inmigrantes de más abajo del Río Grande, como bien podemos constatarlo en la cinta colombiana Paraíso Travel, dirigida por Simón Brand, en el 2008, con base en el libro de Jorge Franco, el mismo autor de Rosario Tijeras.

Y la otra gran sorpresa fue el filme peruano El premio, producido por Aguadulce Films, con toda su alusión a nuestra agua de panela, a veces el único alimento calórico, que con alguna arepa, comen los niños colombianos, a riesgo de padecer un kwashiorkor, ese mal infantil, ocasionado por el déficit de proteínas en la dieta, que nuestro gran maestro de nutrición, el doctor Hernán Vélez, con su voz ronca y estrepitosa, llamaba aguapanelosis, en la medida que se indignaba por el hecho de que tanta miseria existiera en nuestro mundo latinoamericano, en una Colombia, que al decir del doctor Jaime Borrero, famoso internista, era un país que estaba en el suelo y habríamos de arrodillarnos para levantarlo, cosa común a las naciones de nuestros tristes trópicos.

No puedo dejar de recordar a este par de maestros de la medicina, quienes luchaban contra las enfermedades del subdesarrollo, desde su saber médico e investigativo de esos enormes problemas, tan desgarradores para quienes teníamos que hacernos cargo de ese enorme precio de la desigualdad económica, que ha reinado en nuestros países del Tercer Mundo, en el que el aguadulce, venía a convertirse en una fuente de energía. que mantenía la vida, como ingrediente vital que me parece que es importante para un cine emergente, que empieza a levantar cabeza y que ojalá podamos hacer tan fuerte como la misma La Yuma.

Esta vez con el asocio de Inca Cine, Unity Films, Centauro Comunicaciones y el apoyo del Programa Ibermedia, la Cinemateca Brasilera y Luz Mágica del Brasil, podemos adentrarnos con el reconocido actor José Luis Ruiz Barahona, el padre, la actriz y presentadora de televisión Melania Urbina Keller como Lisbeth, la sobrina, y el actor de teatro Emanuel Soriano, el hijo, entre otros actores, en la cinta de Alberto “Chicho” Durant, quien se formara en cine en los Estados Unidos de América, Bruselas y Londres, para volver a su país, donde se convertiría en realizador de varios documentales y director de cuatro largometrajes, con un gran reconocimiento internacional, uno de los mayores luchadores por dar empuje al cine peruano, con toda la pasión para hablar de nuestras realidades de una manera sencilla, en contraposición con toda la maquinaria del cine hollywoodense.

Y esta vez, nos trae una buena historia, con buenos actores, una de sus metas en la vida, para mí, con cierto sabor al de la Nueva Ola Francesa, al enfrentarnos, un poco a la manera del Truffaut de Los cuatrocientos golpes (1959) a todo un drama familiar, en medio del dolor, la incomunicación y los malos entendidos, en una situación local, que deviene universal, tratado de un modo verosímil, en un marco en el que se desarrollan las vicisitudes de los personajes, como en una especie de realismo ontológico, sin grandes manipulaciones ni artificios, que en vez de escribirse con pluma, se escribe con la cámara, sin los excesos de la porno-miseria.

Así las cosas, asistimos a la ilusión que se crea un profesor rural peruano, que como para el Manjarrés, de El maestro de escuela (1941), del escritor envigadeño Fernando González, la vida sigue siendo putísima.

El hecho de ganarse un premio gordo de la lotería, lo esperanzaría no sólo a él, sino a la comunidad donde vivía, porque, tal vez, pudiera darles dinero para una acción comunal; pero el hombre se encontraría en Lima, con una realidad urbana, muy distinta a la de su vida campesina, bastante bucólica, pues la urbe está signada por el bullicio y atracadores envidiosos, de los que habría de defenderse, gracias a su malicia indígena.

Es allí, en la Polis donde ha de enfrentar la ruptura de la comunicación, que se ha gestado con su hijo, al que ha dejado allí, para que lo criara una tía, sin contarle, que esa separación no era precisamente un abandono, sino el intento de realización del deseo de que el chico saliera adelante en la ciudad, a diferencia de todo lo que él que había sufrido en silencio: el duelo y el sentimiento de culpabilidad, por la muerte de la esposa y el hijo en un parto, de seguro, mal atendido, como lo ha denunciado aquí, en Vigo, la trabajadora social peruana María Josefa Ramírez, cuando en Amnistía Internacional, nos hablaba de su lucha en los campos del Perú, por una buena atención a la salud materno-infantil, al parecer bastante deteriorada en las tierras incaicas.

El dinero se vuelve un significante fundamental de la narración, pero sin ese afán frenético, en el que deviene, en esa superproducción estadounidense, que es El mundo está loco, loco, loco de Stanley Kramer, en el que el famoso director norteamericano nos mostraba, en 1963, el afán mezquino del voraz atesoramiento, en un film donde asistimos a la loca ambición de gentes de una clase media, que quiere ser más rica.

Aquí, en la cinta de Durant, asistimos a las consecuencias de un premio, cargado de cierta fatalidad, condenado a desaparecer enigmáticamente, con una buena carga de suspenso, mientras se convierte en pretexto para contarnos una historia humana, demasiado humana, que toca al interior de de un grupo familiar, en el que reinan los malentendidos y que deja un final abierto, en el que los más esperanzados contamos con un final feliz y los más desesperanzados, que haya culminado en una tragedia.

Pero todas estas cintas tienen un denominador común, bastante distante de la porno-miseria, que demandan las distribuidoras del Primer Mundo, al cine tercermundista, porque la acción es lo que se vende, así haya una ausencia de pensamiento.

En todas aparece el deseo de salir adelante, así se interpongan todos los obstáculos posibles.

Por ello, de nuevo, agradezco a Luisi Motta y Orisel Gaspar, que nos permitan ver, desde lejos, que no es igual quien anda y quien camina, y así evitar un encasillamiento del cine latinoamericano, para lograr su promoción, como un cine digno de verse, porque da cuenta de un continente que lucha por echar p’alante, a pesar de todos las dificultades, un poco a la manera de Sísifo, siempre en lucha contra el absurdo, que finalmente es necesario asumir como parte de la existencia, pero al que debemos enfrentar cotidianamente, un poco a la manera de los quijotescos viejos de Corazón de fuego, con la tenacidad de la Yuma o con la honestidad de los personajes de El premio, algo, que sin duda, también habrá de servir al público de una España, que se viene abajo y que requiere de personajes de la altura de los que hicieron a esa rica Generación del 98, que sabía asumir el sentimiento trágico de la vida, a la manera de Miguel de Unamuno, de Antonio Machado, de Azorín, de Pío Baroja y nuestro entrañable don Ramón del Valle-Inclán, gallego, nacido en Vilanova de Arousa, quienes no se arredraron porque España perdiera su condición de Imperio donde nunca, al decir de Felipe II, se ocultaba el sol.

De otro lado, les agradezco a ambas, que estén velando por recrear el cine-foro, una práctica bastante olvidada, que ayuda a crear, entre los espectadores, una nueva forma de ver cine, ya que el arte cinematográfico sana, ayuda a la elaboración de la angustia cotidiana, más allá de convertirse en una espectáculo de evasión, como bien lo señala este graffiti:

Oración que pienso que es verdad, si es un cine que se somete a reflexión, más allá de la sala de cine, a donde, a lo mejor, solo vamos acompañados por un paquete de palomitas, un perro caliente y una Coca-cola, sin la oportunidad de hablar con tu vecino, acerca de esa experiencia estética que acabas de tener y que puede resultar transformadora.

Lección debida obtiene su tercer premio y se estrena en el cine

2013-04-28T19:14:25+00:00

Fuente: Prensa AniuR

El largometraje escrito y dirigido por Iván Ruiz Flores ha obtenido el Gold Remi Award en la 46 Edición del Festival Worldfest, que acaba de celebrarse en Houston.

La cinta producida de forma independiente por AniuR Creativos Audiovisuales y Demovie Film, podrá verse los días 10,11 y 12 de mayo en los Cines Artistic Metropol de Madrid.

La película Lección debida (www.lecciondebida.com), producida por AniuR Creativos Audiovisuales (www.aniur.es) y Demovie Film al margen de subvenciones públicas y/o privadas, ha ganado el Gold Remi Award como Mejor Largometraje en la 46 Edición del WorldFest, que acaba de celebrarse en Houston.

Éste es el tercer reconocimiento que obtiene el largometraje, pues sus dos protagonistas ya han sido premiados con anterioridad. El veterano actor Txema Blasco obtuvo recientemente el Premio a Mejor Interpretación Masculina en la XI Semana de Cine Fantástico, Terror y Ciencia Ficción Catacumba, celebrado en el municipio valenciano de Godella; y Montse Ortiz, el Premio a la Mejor Interpretación Femenina en el I Festival Internacional de Cine de Hermosillo (México), certamen donde Lección debida estuvo también nominada como Mejor Largometraje.

Este trabajo ha obtenido en pocos meses cerca de una veintena de selecciones en diferentes festivales internacionales celebrados en países como Estados Unidos, Italia, México, Australia y España, entre otros tantos.

Iván Ruiz Flores dice que su intención ha sido hacer una película sangrienta sin que apenas aparezca sangre, una película muy luminosa que termine por agobiar, una película donde el espectador comience y acabe tan desubicado como lo están los propios personajes, una película donde el asesino nunca mata y donde quién mata no es un asesino. Una película, en definitiva, cuyo objetivo no es ofrecer respuestas, sino plantear preguntas.

LECCIÓN DEBIDA en el Cine Artistic Metropol

La película se estrenará oficialmente en el cine Artistic Metropol (www.artisticmetropol.es) el próximo viernes 10 de mayo a las 20,15 horas; y contará con dos pases más, el sábado y el domingo 11 y 12 de mayo respectivamente, a las 22.15 horas.

El precio de las entradas es de 6 euros y el director, Iván Ruiz Flores, estará presente en todas las proyecciones para entablar un coloquio con los espectadores después de cada una de ellas. En sus propias palabras, “esta es una forma de hacer que ir al cine vuelva a convertirse de, alguna manera, en una experiencia única”.

Las entradas se pueden reservar ya en el siguiente e-mail: cinema@artisticfilms.es

*Para la descarga del dossier de prensa de la película, con fotos en alta resolución incluidas, aquí os dejamos el link:

http://www.lecciondebida.com/prensa.html

Lesson Learned, una crítica de Trip Burns al filme Lección debida (Deserved Lessons)

2013-04-25T10:37:46+00:00

Comparto esta crítica firmada por Trip Burns, realizada recientemente a nuestra peli “Lección debida” en el marco del 2013 Crossroads Film Festival, Jackson, Mississippi, Estados Unidos.

Lesson Learned.

Trip Burns

"Leccion Debida," or "Deserved Lessons" in English, is a moody, disjointed movie with a nightmarish pace. The viewer is subjected to strange noises and stranger images.

Picture an older man, watching guard over a room. People come in and speak about having their hands tied. Two of these people are Luz and Alejandro, our protagonists. Luz is unaware of Alejandro's intentions. They are preparing for something, but what? This is all apart of the mystery.

While watching this film by director Ivan Ruiz, the viewer tries to "keep up" with the story but it keeps one unfolding one moment at a time. Part of the pleasure of watching this film is precisely how the story gets told. Even the artwork and the promotional material don't reveal much.

As the story unfolds, images that were flashed onto the screen at the beginning of the story begin to make sense by the end of the picture. This is a Spanish film, so the culture and society of Spain add to the mystery.

The images are shot with delicate precision--sharp focus, foreground and background juxtapositions--and they are complemented by an atmospheric synth soundtrack. Together they lead the viewer into a world that is unfamiliar, threatening, maybe even dangerous.

La yuma, nueva entrega de Madres Latinas de Vigo en su Ciclo de Cine Latinoamericano

2013-04-25T02:14:26+00:00

Por Orisel Gaspar

La asociación Madres Latinas de Vigo organiza altruistamente este año 2013 su Primer Ciclo de Cine Latinoamericano en el que participan 14 países de América Latina.

Con la colaboración del Ayuntamiento de Vigo que brinda su espacio de la Casa das Mulleres (rúa Romil 20, Vigo) desde el 24 de Enero hasta el 26 de Julio Madres Latinas de Vigo estará llevando a cabo este evento de participación gratuita realizando tras la proyección de cada filme un Café Video Fórum y Coloquio.

Hoy jueves 25 de abril el público vigués disfrutará de una nueva entrega, esta vez por Nicaragua, la película La yuma, dirigida por la cineasta francesa Florence Jaugey y protagonizada por la actriz nicaragüense Alma Blanco. La yuma es una película hecha con muy bajo presupuesto que en 2010 colmó las salas de cine capitalinas nicaragüenses para presenciar el primer largometraje de ficción realizado en el país en más de dos décadas. La historia de la película gira en torno a una joven boxeadora en Managua, una mujer nicaragüense que como muchas en la vida real sufre la violencia de una sociedad machista. Por primera vez en muchos años una película nicaragüense tuvo el mismo despliegue que cualquier otro filme en cartelera. Sus realizadores tardaron una década en poder hacerla realidad.

La presentación de La yuma estará a cargo de la nicaragüense Melba Berrios y la peruana Luisi Motta (Directora de Madres Latinas), con ellas estaré brindando mi pequeño aporte a la difusión de nuestro cine como ponente y moderadora

La yuma se mueve entre el cine social, con conexiones con el político, y el drama romántico, y parte de algo tan puro como una historia de amor adolescente para hablar de temas de peso, al mismo tiempo que arma una crónica tan sutil como fuerte del presente de un país: Nicaragua, tercer personaje clave del filme.

El romance entre Yuma y Ernesto, un estudiante de periodismo de clase media y con firmes ideales políticos sirve a la directora Florence Jaugey para hablar de importantes juegos de contrastes. Serían el choque entre el impulso juvenil y la razón, entre los sueños por cumplir y la realidad imposible de esquivar, entre la pobreza y el bienestar. De fondo, sintetizada en los gestos y las decisiones de la pareja protagonista --algunas más meditadas que otras, pero siempre puras--, el clarividente dibujo de una ciudad más amable con unos que con muchos otros y terriblemente cuarteada por la pobreza.

Editorial Elvira estrena su sede en Vigo con una carpeta de Caballero Bonald

2013-04-16T10:05:45+00:00

Fuente: Faro de Vigo

12.04.2013
A.M. - VIGO

La Editorial Elvira inauguró ayer su sede en el casco vello de Vigo (rúa Santiago, 11) con la presentación de la carpeta "Barcos", en la que el artista Nelson Villalobos y el poeta Caballero Bonald firman conjuntamente toda una joya bibliográfica reproducida en su totalidad por serigrafía artística.

El poeta, que recogerá el Premio Cervantes el próximo 23 de abril, no pudo acudir al acto por su dificultad para realizar viajes debido a su edad, pero Daisy Villalobos realizó para el público un bonito recorrido por cómo se elaboró la obra desde su nacimiento hasta el encuentro de ambos autores en Madrid para firmar los 60 ejemplares numerados.

Un momento del acto de presentación. // José Lores