Por Bloguerías

17 Jun 2011

Escrito por acastellano

17 Jun 2011 - Enlace

El flamenco de paseo por Egipto

Morena de ojos azules. Así se llama el primer disco (Al Zarqa) del guitarrista egipcio Ali Khattab (El Cairo, 1977), que con tan sólo ocho años descubrió el flamenco y ya nunca más salió de él. Y la morena de ojos azules es su música: a medio camino entre su país de origen y el de adopción, el flamenco y las músicas árabes de las que él bebe. “Me encanta la palabra, me encanta el azul, y creo que es un título muy significativo para explicar la mezcla de músicas. Mi morena con los ojos azules es esta mezcla de las dos culturas”, explica.

Concebido durante los años que residió en Jerez y grabado en Egipto, los cortes se mueven sobre la base de la soleá, seguiriya, taranta, tangos y rumbas. Es el último disco que publicó Mario Pacheco antes de fallecer, en su discográfica Nuevos Medios, aunque Ali nunca llegó a conocerle. Con motivo de la publicación del disco, hablamos con el guitarista en el Círculo de Bellas Artes de Madrid.

-Pregunta: Es tu primer disco. ¿Por qué hacerlo así, mezclando estilos?
-Respuesta: Esta música surge de una manera muy natural. No quiero hacer flamenco nada más. Me encanta el flamenco, me encanta escucharlo y creo que es perfecto como está. Cuando toco el laúd o la guitarra me sale el flamenco natural, porque escucho flamenco todo el tiempo, desde que tenía ocho años, y he venido muchas veces a España, a Andalucía y a Jerez. Creo que no es algo que uno hace intencionadamente, sino que sale solo. No puedo hacer otras cosas, esto es lo mío.

-P: ¿Cuándo fue tu primer viaje a España?
-R: En el año 97 ó 98. Las primeras veces que vine sólo quería ver y escuchar el flamenco. Pero descubrí que el flamenco no gira alrededor de la guitarra, que era la idea que yo tenía, sino que está basado en el cante. Así pregunté y pregunté dónde podía escuchar el cante más puro, para llegar a la raíz del flamenco, y me dijeron que en Jerez. Desde entonces he estado yendo y viniendo y en 2005, hasta el año 2007, me instalé allí.

-P: ¿Y cómo fue la inmersión en el flamenco jerezano?
-R: Pues acompañé al cante en peñas, también en Sanlúcar, muchas veces, con cantaores, baialores, otros guitarristas… Creo que para tocar bien hay que saber acompañar al cante y el baile, para comprender el compás, para entender los cambios, los tiempos, las dinámicas y las melodías, porque la guitarra es una imitación del cante. En Jerez entendí muchas cosas que me ayudaron con la guitarra.

-P: En esos años fue cuando se fraguó, además, este primer disco tuyo…
-R: Sí, he tardado en componerlo tres años, y en grabarlo seis meses. Empecé a componer en Jerez, pero lo grabé en El Cairo porque mi padre estaba muy enfermo y tuve que quedarme allí. Quizás el segundo disco lo grabe aquí. También por esas circunstancias todos los músicos con los que conté son de allí, pero traté de que sonase con instrumentos de aquí: hay bajo, y guitarra, melodías del flamenco…

-P: ¿Segundo disco? ¿Ya lo estás trabajando?
-R: Así es. Y creo que el título será Sin país. En el disco nuevo tengo la misma onda, la misma intención que en el primero. Es el mismo proyecto, pero introduzco otras líneas, como ritmos y melodías sufís y cante, también. Hay alegrías, unas bulerías muy moras, tangos, y quizás una seguiriya, pero con compás, sin cante.

(Ali Khattab presenta mañana su disco en la Noche Blanca del Flamenco a iniciativa de la Casa Árabe de Córdoba (Plaza de Abades, 02:30) y estará también en Madrid el próximo 8 de julio, dentro del festival Raks).

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13 Jun 2011

Escrito por acastellano

13 Jun 2011 - Enlace

Nikela: del flamenco al jazz

“Presta atención”. Nikela, una palabra en caló, da título a un disco que transita entre dos mundos, el flamenco y el jazz, y que ha publicado recientemente Flamenco Jazz Company, grupo aglutinado alrededor del piano de Pedro Ojesto y la guitarra, flamenca de David Cerreduela (y cuya lista de componentes completan el bajista Josemi Garzón, el percusionista Fernando Favier y los cantaores Israel Fernández y Miguel de la Tolea). “El título se me ocurrió a mí”, explica Josemi Garzón. “Yo propuse la idea de buscar una palabra en caló, porque hay muchas que utilizamos sin saberlo, dentro del lenguaje coloquial. Nikela me parecía una palabra mestiza, es como ‘mira’, ‘presta atención”. Pedro Ojesto añade a la explicación: “Seguro que tendrá muchos significados, porque a mí me suena a niquelado, algo que está redondo, bien hecho. Suena bien, la palabra”.

Aunque es el primer disco que publica esta formación, en realidad, el grupo de músicos no es nuevo, ni sus componentes unos recién llegados. “Nosotros llevamos mucho tiempo trabajando juntos”, me explica Pedro Ojesto, “y la idea de hacer el disco estaba ya cuajada desde hace tiempo, pero el empujón definitivo nos lo ha dado la Fundación Orange”. En este trabajo, el grupo parte del flamenco, y sus temas, casi todos, se organizan por tanto por palos (tangos, bulerías, soelares, rumba y jaleos), todos con una interpretación muy rítmica, a los que ponen voces dos cantaores de rajo muy gitano, pero se mueve en esa línea fronteriza entre lo jondo y el jazz. “Al ser el primer disco, quizás estamos energéticos”, explica Garzón. “También influye que Fernando (Favier, percusionista) y yo, que somos la base rítmica, hemos estado muchos años acompañando a Joaquín Cortés, Antonio Canales… Son muchos bailaores, y quieras que no, el punto rítmico está ahí”.

(Foto: Mariano Gutiérrez / Flamenco Jazz Company)

Esto no significa, explica a continuación Garzón, que le hagan ascos a los palos más libres. “Yo llevo cuatro o cinco años trabajando sobre los cantes libres en el piano”, aclara Ojesto. “Pero para entrar a tocar flamenco en el piano hay que entrar tal como es, por eso a los pianistas nos ha costado tanto, porque no hay tradición. Luego ya, con el tiempo, le buscas sus propios recursos”.

El piano suena en cortes como en la soleá clásica Eres tú la melodía, o en las bulerías Yepa, más cercanas al jazz. Sin embargo, “para darle color, que no suene todo igual”, como explica Ojesto, también hay temas en los que no suena, como en los jaleos Bella calí. También cabe en este trabajo un homenaje a Miles Davis en una soleá (que surge precisamente del estándar de jazz de Davis) a la que pone letra Luis Pastor, Blue in green. “Esta versión nuestra viene de largo, venimos tocándola desde hace años, y el tema siempre nos ha sonado por soleá”, explica Garzón. “La letra se la pedimos a Luis Pastor y aunque le costó, cogió la métrica, entendió muy bien la idea, y le escribió una letra muy bonita”, añade Ojesto. “A la hora de cantarla, Israel la entendió como una soleá. Le hemos hecho cirugía musical, pero surgió de una manera muy natural”.

Además de Pastor, en este disco hay espacio para otro compositor habitual del flamenco: Juan Antonio Salazar, que firma temas como Bohemio (“una rumba que cantó Potito hace muchos años y a Miguel le apetecía cantar”, explica Garzón) y Los niños soldados. “Salazar es de los pocos compositores flamencos que hacen letras que por un lado son flamencas y por otro tienen actualidad”, explica Ojesto. “Es flamenco, pero hace canciones, cosa muy poco habitual. A nosotros nos encantó, nos identificamos con el espíritu musical, porque lo hacemos desde la alegría”.

Recopilado el material, lo de menos fue grabarlo. “Nosotros somos músicos de estudio y grabar es divertido. No es lo más complicado”, explica Garzón. “Lo más largo es darle forma a los temas y encontrar el camino del material”. “A nosotros nos gusta grabar en directo, todos juntos, no hacemos nada prefabricado sin errores”, añade Ojesto.

Y esa frescura de la grabación se reflejará, claro está, en los conciertos que tienen previstos para presentar el disco. En Madrid comenzarán esta noche, en el Café Central, donde estarán una semana completa. “Cuando tenemos un escenario grande nos gusta llevar un bailaor”, explica Ojesto, “que es Pol Vaquero, que no está en el grupo porque sólo viene cuando hay espacio para actuar”. Vaquero no estará en Madrid, pero les acompañará en otras fechas. “Él comunica muy bien nuestra música, porque la baila, no le acompañamos nosotros en el baile, sino al revés”.

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27 Abr 2011

Escrito por acastellano

27 Abr 2011 - Enlace

La guitarra después de Ketama

José Miguel Carmona (Madrid, 1971) estrenó ayer su primer disco en solitario, Las pequeñas cosas, publicado por Universal. El hijo del guitarrista Pepe Habichuela y la bailaora Amparo Bengala, que se hizo famoso por formar parte, junto a sus primos Antonio y Juan Carmona, del grupo Ketama, ha querido reunir en este disco sus composiciones, de ahí el título del trabajo, retazos de música que aquí interpreta junto a algunos amigos, la mayoría ajenos al flamenco.

Es un disco pop, cuidado, bien producido, de sonido limpio, sin grandes estridencias, con aires flamencos y protagonismo de las melodías. Contiene música instrumental, sazonado con varios estilos, en el que predomina el flamenco. Es un álbum amable, suave, de melodías agradables al oído. Carmona sigue, con este trabajo, la senda que ha seguido siempre: la del pop aflamencado o el flamenco pop. Y esto, a pesar de que en el disco le acompaña el maestro de todos los maestros: la guitarra de Paco de Lucía, que interpreta con él un tema por bulerías, Dos puñales, por voluntad propia, según cuenta Carmona en algunas entrevistas, y no por el llamado del artista.

"Josemi es de los guitarristas que no tocan muchas notas pero con un sentido, un aire y una sensibilidad, unas armonías., que te agarran. No sé definir la música, yo la siento y me sale un ole…" Es lo que dice sobre Josemi Carmona el maestro de Algeciras, en el vídeo sobre la grabación del disco. Es cierto. La sensibilidad a la que alude el guitarrista está en este trabajo, las armonías que definen a Carmona, también. Pero se echa de menos una mayor variedad, una ruptura, un grito, un poco de fiesta. Carmona ha querido añadir dos temas poco habituales en un disco de guitarra: una versión de un fragmento de la ópera Tosca, de Puccini, aflamencada, por supuesto, y otra de la banda sonora de la película Gran Torino, dirigida por Clint Eastwood.

Además de Paco de Lucía, en este disco acompañan a Josemi voces como las de Jorge Drexler, con quien trabajó en el último disco del uruguayo, o la del onubense Manuel Carrasco (en el tema Cuenta conmigo). Con el primero, roza la bossa nova en Un par de días antes de ti. Además, ha grabado Dave Holland, un contrabajista jazz con el que Pepe Habichuela, el padre de Carmona, grabó un disco que produjo este guitarrista. Holland aparece en Pasando por Huelva, el único tema (unos fandangos) que mantiene la estructura real, melódica y rítmica, de un palo flamenco.

Álex Cuba, compositor habitual de la cantante pop Nelly Furtado (en Ni contigo ni sin ti) y Oxmo Puccino y Bugge Wesseltoft (en De viaje) completan la lista de colaboraciones, aunque además, están los que componen la banda: Quiqui Ferrer, Borja Barrueta, Alain Perez, Antonio Ramos Maca, Martín Leiton, Adrian Schinoff, Alfonso Pérez, Israel Suárez Piraña, Luis Dulzaides, Juanito Carmona, Chaboli, Julio César Fernandez, Chika Izumi, Sergio Fernández Ruz, Eduardo del Río Robles, Bandolero, Sandra Carrasco y Antonio Montoya.

Josemi Carmona es conocido por su participación en Ketama, pero lo que no tanta gente sabe es que antes de formar parte de este grupo fundó, junto a Juan José Suárez, Paquete (hijo del cantaor Ramón el Portugués), Enrique Heredia, el Negri y Pepe Luis Carmona, hijo de Luis Habichuela, el grupo La Barbería del Sur, que después de su partida tuvo una cierta repercusión. A Ketama se unió, en 1990, tras la marcha del grupo de José Soto Sorderita y Ray Heredia, que iniciaron carrera en solitario.

Tras la disolución de Ketama, publicó junto a Carles Benavent el disco Sumando (2006), publicado por Nuevos Medios y se ha dedicado, sobre todo, a la producción y composición, trabajando con artistas como el guitarrista Pepe Habichuela (su padre), Niña Pastori, Jorge Drexler, o el reciente homenaje a Manzanita (el disco Con piel de Manzana).

Y ahora, además de trabajar en la promoción de este disco, que presentará en vivo primero en Barcelona (30 de abril, sala Luz de Gas) y después en Madrid (30 de mayo, Teatro Haagen Dags Calderón), colabora en el próximo trabajo de Estrella Morente, un disco que la cantaora estaba grabando con la producción de su padre y que quedó interrumpida por la inesperada muerte del gran maestro. “Nos hemos juntado mis primos y yo, los Ketama, para hacer unas cositas con ella. Vamos a hacer un tema que no quiero desvelar y unos tangos”, explica en una entrevista reciente publicada por la web Deflamenco.

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15 Abr 2011

Escrito por acastellano

15 Abr 2011 - Enlace

El Festival de La Unión apuesta por los artistas más mediáticos

Farruquito, Estrella Morente, Diego el Cigala y Tomatito. Este es el cartel para las galas del Festival Internacional de Cante de las Minas de La Unión, que este año, en su edición número 51, tendrá lugar entre el 3 y el 13 de agosto. Un año después de cumplir medio siglo, la apuesta, no hace falta ser muy listo para llegar a esta conclusión, es hacer taquilla en un momento de crisis que, entre otras cosas, ha hecho que el ciclo de conciertos se reduzca un día.

El arranque, en cualquier caso, después del Prólogo del día 3, es la actuación de los ganadores del concurso de 2011: Miguel Ortega, premio Lámpara Minera (cante), Francisco Moncayo, premio Bordón Minero (guitarra), Jesús Fernández, premio Desplante (baile) y Abdón Alcaraz, premio El Filón (instrumental: piano). El día 5 arrancan las galas, con la actuación de Pitingo, un artista que forma parte de la historia de este festival porque pasó por su concurso de cante.

El certamen, un referente para los artistas que comienzan en el flamenco, se abrió para las inscripciones el pasado mes de febrero. “Ya se han inscrito más de cien participantes”, explicaba ayer en una rueda de prensa en el Corral de la Morería en Madrid, el alcalde de La Unión, Francisco Bernabé. Este año, la recta final (semifinales y final) y segunda parte del Festival tendrá lugar entre el 10 y el 13 de agosto.

Y mientras tanto, las actividades culturales, que incluirán actuaciones en la recientemente restaurada mina de Agrupa Vicenta Bernabé adelantó ayer que por este escenario natural pasarán Rocío Márquez y Manuel Cuevas, ambos poseedores de la Lámpara Minera y que presentarán sus nuevos trabajos discográficos.

Además de esto, un homenaje a Japón, la entrega de los Castilletes de Oro a Alejandro Sanz, Ferrán Adriá y Antonio Grau Mora Rojo el alpargatero (a título póstumo) y un homenaje a Enrique Morente, Castillete de Oro 2010, que contará con la presencia de toda la familia Morente y en el que se proyectará el documental de Emilio Ruiz Barrachina Morente, Picasso.

Puedes consultar aquí el cartel completo del Festival Internacional de Cante de las minas.

FOTO: EFE (Juan Carlos Hidalgo)

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07 Abr 2011

Escrito por acastellano

07 Abr 2011 - Enlace

Molina & Montoya en Madrid

En estos días, Manuel Molina se ha dejado ver por Madrid. El guitarrista y artista flamenco, que en los 70 alcanzó un gran éxito junto a su entonces mujer, Lole Montoya (Lole y Manuel), no se deja ver mucho por los escenarios de la capital. Recientemente, sin embargo, ha venido dos veces: una para actuar en el tablao Casa Patas y ahora, con espectáculo propio, en el Teatro Calderón (y Haagen Dags).

Me intrigó ver, hace algunas semanas, los carteles que anunciaban su actuación. Salía en la imagen sentado, como patriarca, rodeado de tres mujeres, digamos, de su familia. Una de ellas lo es de sangre, su hija Alba Molina, las otras dos lo fueron por matrimonio, sus excuñadas Angelita y Carmelilla Montoya. El título de la obra fue lo que más me llamó la atención: Justicia paya, anunciado como una obra de Teatro flamenco.

Con curiosidad, acudí anoche al teatro para ver de qué se trataba. No era el estreno, que tuvo lugar el pasado 30 de marzo, pero la obra se mantiene en cartel hasta el próximo domingo. La curiosidad quedó resuelta, la intriga no tanto. Creo que aún no tengo una valoración clara de lo que ocurrió sobre las tablas. Pero como eso no es lo que interesa, mejor cuento lo que tuvo lugar en el escenario.

La obra mezcla la actuación teatral con el flamenco, y se ambienta en un tablao de nombre Nuevo día (como aquella canción de Lole y Manuel). La historia es un poco forzada, sobre todo por su resolución. En principio, se presenta un personaje (interpretado por Ricardo Barbastro) abatido, un tanto oscuro, abrazado a una urna con las cenizas de su amada, papel que interpreta Alba Molina, un personaje ambiguo que no se sabe si es sueño o realidad. Barbastro pena por la muerte de su mujer, una década después, según se explica, pero quiere organizarle un homenaje: una fiesta flamenca. Y ahí es donde entra el tablao y las hermanas Montoya: Carmelilla al baile y Angelita al cante, acompañadas ambas por otro cantaor, Juañares, las guitarras de José Acedo y Antonio Moreno y la percusión de Paco Vega.

Hasta ahí, todo bien. La propuesta escénica está bien resuelta, el espacio se utiliza con mucha agilidad, la interacción entre el texto y la música es correcta. Y aunque es cierto que los soliloquios del personaje, apesadumbrado, rompen un tanto el clima flamenco, la interpretación, de todos, está bien ejecutada. Por tientos, seguirillas, fandangos, rondeña y tangos, Angelita templa su voz, un metal que suena dulce y meloso primero y se crece y se agitana en los tonos altos, una voz que resuelve bien los cantes, que va directa al grano sin entretenerse en floreos, y que, aunque sin excesivos matices, va directa al sentimiento.

Le acompaña al baile su hermana Carmelilla Montoya (Sevilla 1962) que le puso pasión e intención, y que estuvo especialmente acertada en la soleá. No es Carmelilla una bailaora de muchos recursos, de una técnica desbordante, pero con los conocimientos que atesora y el sentimiento que le añade, resuelve con creces. En lo que no estuvo tan afortunada fue en la elección del vestuario, ni ella ni el resto del elenco femenino, que ni les favorecía ni colaboraba en la labor sobre el escenario, especialmente en el caso de la bailaora, que quiso toda la noche usar ese recurso en su baile, el manejo de la falda, y los diferentes vestidos elegidos no se lo permitieron, o al menos ni lució ni aportó nada.

El primer momento de ruptura e intriga llegó con la aparición de Alba Molina. Su papel es confuso, aunque eso le añade, si cabe, romanticismo y misterio a la obra, pero su falta de recursos flamencos rompió completamente el clima. Es una lástima, porque le sobra belleza y tiene una voz, heredada de su madre, llena de sentimiento y con muchas posibilidades. Pero le falta gracia, poder de transmisión, es fría sobre las tablas, y definitivamente le faltan conocimientos. Ni sabe cantar ni sabe bailar (flamenco). Ni en la pataíta final despertó un olé. Se lució, eso sí, interpretando su última canción estrella, que tampoco venía al caso en la obra, y parecía metida con calzador para el lucimiento de la joven: la versión del Can’t take my eyes off you (No puedo quitar mis ojos de ti), escrita por Bob Crewe and Bob Gaudio en 1967 y que ha sido utilizada (en la versión de Alba Molina) en la campaña de promoción turística de Andalucía que ha promovido el Gobierno regional.

Con la aparición de Juañares (Juan Carrasco Soto) la emoción fue en ascenso. Este cantaor de Jerez, cuyos apellidos ya indican su relación con el cante, tiene una voz redonda, sonora, y afinada, una interpretación que se complementó de forma muy acertada con la de Angelita Montoya, dando rienda suelta a la creatividad bailaora de Carmelilla especialmente en la soleá, pero también por carcelera y fandango.

Manuel Molina no apareció hasta prácticamente el final de la obra, y con él, se resolvió parte del misterio: el motivo de la muerte de la amada de aquel actor que había aparecido al principio. Una lástima, porque tanto detalle no añade demasiado a la historia, más allá de ser un alegato contra los males de nuestro tiempo y dar sentido al título de la obra, pero dejó completamente descolocado el flamenco desarrollado en medio. Él hizo lo que mejor sabe hacer, su peculiar canción por bulería, con letras dedicadas al amor y esa interpretación tan sentida que le caracteriza. Y con él, también, se llegó al cierre, en un baile por alegrías primero de alta intensidad, y por bulerías, después, como fin de fiesta, en la que sólo faltó que bailara el hombre triste y abatido que abrió la obra.

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18 Mar 2011

Escrito por acastellano

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Homenaje a Manzanita

Es un homenaje en forma de disco, de nombre Con piel de manzana, y se publica el 3 de mayo (el 15 de abril estará disponible en iTunes). Son las canciones de José Ortega Heredia, más conocido como Manzanita (1956 – 2004), aquellas que tanto se han repetido como el Verde o Ramito de violetas, ahora interpretadas por músicos flamencos (Diego Amador, Duquende, Parrita, Guadiana o Montse Cortés) y otros no tanto (David de María, Rosana...) Todos coordinados y dirigidos por el hijo del artista y promotor de este homenaje, José Ortega Soto.

Es cierto que la música que hizo Manzanita no era flamenca, sino canción aflamencada, con mucha presencia de rumba, pero es imposible desvincular su nombre del flamenco, tanto por procedencia genética (era sobrino de Manolo Caracol y tanto su padre como su madre se dedicaron al flamenco), como por origen y ambiente en el que vivió. No en vano, empezó en la música siendo un niño como guitarrista flamenco. Debutó en Madrid, en el tablao Zambra y actuó también en Los Canasteros (propiedad de su tío Caracol), Torres Bermejas y Café de Chinitas. En aquel tiempo acompañó el cante de, entre otros, Enrique Morente. Y con 18 años, formó parte de Los Chorbos, el grupo precursor de lo que se dio en llamar el sonido Caño Roto (por el barrio madrileño en el que vivían), y del que también formaron parte otros grupos como Los Chichos, Las Grecas, y mucho después, Los Chunguitos.

Es curioso tirar de hemeroteca ahora y descubrir auténticas joyas periodísticas sobre este artista que se publicaron en su día. Como la entrevista publicada por Maruja Torres en 1983, con motivo de la publicación de su cuarto disco como Manzanita (pincha para ver el artículo completo):

A los nueve años empezó a escuchar rock y a fumar canutos al mismo tiempo, y por eso se hizo cantante -que era su forma de hacerse hombre- muy deprisa, a, la manera gitana. Nacido en Madrid, aunque de padres andaluces, crecido en Málaga hasta los cinco o seis años, sobrino de Manolo Caracol, no es, sin embargo, un ortodoxo del cante, y sí un defensor a ultranza de su propia peculiaridad. A esa edad del inicio en los canutos, acudía a los recitales de rock y trabajaba en los tablaos.

De Enrique Morente, a quien acompañó luego a la guitarra, como a otros, tomó las aficiones literarias, aunque en esto de la poesía se queda muchísimo con Bécquer, que le encabrita la cuerda romántica. "Creo que muchos de mis pensamientos ya los tuvo él antes que yo".

Tras su paso por los Chorbos, pronto inició carrera en solitario y desde su primer disco tuvo mucho éxito con sus composiciones, temas que forman parte de la memoria musical popular española. Es imposible haber crecido en este país y no reconocer los estribillos del Verde o el Ramito de violetas.

Lo que también se redescubre cuando se tira de hemeroteca es el contraste tan brutal entre las letras que componía y cantaba, la sensibilidad que derrochaba hacia las mujeres en sus letras, y sus propios pensamientos sobre su mujer y el matrimonio. En este mismo artículo citado anteriormente de Maruja Torres, la periodista relata:

Y, hablando de su vida, es uno de los pocos machistas que tienen el valor de confesarlo, lo cual no es poco. Salvajemente machista, diría una: "Que a mí no me gusta que mi mujer haga las cosas que me gusta que hagan las otras. La mujer en la cocina, fregando, y yo tomándome el café". Dice, asimismo, que los gitanos ya no están marginados, sino que se automarginan, y en eso se le ve la oreja del desclasado, del que ha conseguido emerger del subterráneo ganándose el favor de los payos y echa un tupido velo sobre la realidad que todavía yace debajo. Es, Manzanita, una manzanita sin veneno en el cesto de la raza blanca.

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04 Ene 2011

Escrito por acastellano

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Una de bajo flamenco

No es un instrumento flamenco, y desde luego, no suele protagonizar grabaciones discográficas. Y sin embargo, el bajista Antonio Ramos, Maca (Granada, 1964), se ha embarcado en esta aventura con notable éxito. Presenta Mira que te diga, publicado por Nuevos Medios, su primer disco protagonista, porque ha participado en multitud de grabaciones con guitarristas flamencos y artistas de otros estilos.

La carrera profesional de Maca, que no su relación con el bajo eléctrico, comienza en Madrid con la edad de 24 años, y le lleva por el camino de nombres como Tomatito, Ketama, Vicente Amigo, tino di Geraldo, Enrique Morente, Jorge Pardo, Alejandro Sanz, Niña Pastori, Estopa... La lista es mucho más larga.

Precisamente dicha experiencia, que en los últimos años, además de ser de instrumentista es de director musical en las giras de Niña Pastori y Estopa, se traduce en la grabación, de producción cuidada y en la que se ha rodeado de buenos amigos, nombres conocidos en la órbita que rodea al flamenco. Tomasito, José Miguel Carmona y Jorge Pardo le acompañan en un trabajo que transita entre los ritmos flamencos y las melodías más funkies, que en algunos temas coquetea con los aires jazzísticos y que es fundamentalmente instrumental. Se trata de un disco de sonidos frescos, de melodías alegres y trabajadas.

La mayor parte de los temas son composiciones propias de este bajista que antes de serlo fue guitarrista, con unos sonidos cercanos a los de grupos que utilizan el flamenco como base y punto de partida pero lo mezclan con otros sonidos: Ojos de Brujo, por ejemplo, en sus momentos más funkies, o las primeras canciones de Chambao, en las canciones más pausadas.

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12 Nov 2010

Escrito por acastellano

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Fiesta flamenca por África

La fiesta flamenca que cada año promueve Carmen Linares para recaudar fondos para África, celebró anoche su cita anual. El Auditorio Marcelino Camacho, el de CC OO de Madrid, estaba hasta la bandera de público, pero eso no impidió que la noche transcurriera como una reunión entre amigos lo que se anunciaba como Festival Flamencos por Gambo, con unos artistas entregados que disfrutaron de la noche tanto como los asistentes. El humor del presentador del evento, Juan Luis Cano, mantuvo interesado al público entre actuación y actuación, nada sencillo, teniendo en cuenta que fueron cuatro y de estilos diferentes.

Después de una introducción en la que un representante de la Fundación el Alto, ONG responsable del proyecto y por lo tanto gestora de lo recaudado anoche, describió las actividades a las que iban destinadas los fondos, el cantaor jerezano Londro abrió fuego. Acompañado a la guitarra por Salvador Gutiérrez, que demostró su calidad no sólo con él, sino con todos los artistas de la noche, el jerezano, que acaba de estrenar su primer disco, Luna de enero, hizo una pequeña presentación de su cante. Y digo pequeña por breve, no por calidad. Con una trayectoria como cantaor para el cante, el jerezano tiró de oficio y tradición en sus cantes: pregón, soleá, alegrías y bulerías. La principal baza de este cantaor es sin duda su voz, que aunque no alcanza una amplia tesitura, tiene un metal especial, poco común y que causa emoción sin grandes alardes. Anoche mostró su saber hacer, que luce especialmente en los tonos medios.

Tras Londro salió al escenario la gran señora del cante, Carmen Linares, que también eligió para la noche cantes tradicionales por tangos, elegantes y rítmicos, elegantes, como lo es siempre el cante de esta gran dama. Invitó al escenario después a Jorge Pardo, que actuaría más tarde junto a Benavent y Di Geraldo, y con él improvisó una taranta (en la flauta de Pardo) y cartagenera (en la voz de la de Linares). Le siguió una toná, el escalofriante Con su voz incluido en su homenaje al poeta Juan Ramón Jiménez Raíces y alas unida a un cante por seguiriyas. Cerró por cantiñas, de nuevo el ritmo, la fiesta, y las ganas de seguir, que acompañó el baile de Adolfo Lobato (que junto a Ana Mari González también hizo las palmas de todos los artistas).

Tomó el relevo Tomasito, que volvió a demostrar una vez más su flamencura y al mismo tiempo libertad. Entró al escenario al compás de unas palmas que contagió al público, deseoso de unirse a la fiesta que él propuso. Acompañado de guitarra y palmeros, sobrevoló el flamenco más ortodoxo con sus pies y su gracejo cantaor. Una soleá punki, su Niño Robot y bulerías. Y paso al Trío, así, con mayúsculas. Carles Benavent, Tino di Geraldo y Jorge Pardo volvieron a demostrar ayer que no sólo son grandes músicos, sino también el trabajo conjunto de años.

El cierre, como es ley, puso a todos los artistas sobre el escenario. Por bulerías, todos disfrutaron de un último momento de encuentro musical, de solidaridad y entrega, entre ellos, con el público, con África.

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19 Oct 2010

Escrito por acastellano

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Las Migas en Madrid

Hace unos meses presentábamos aquí su primer disco, Las reinas del matute. Hoy publicamos una entrevista en El País, edición Madrid, porque lo presentan mañana miércoles en la sala Galileo. Son Las Migas, un grupo nacido en Barcelona a partir del amor de sus cuatro componentes por el flamenco, y que parte de ahí para hacer una música especial que rinde homenaje a los clásicos y aporta sus propias experiencias.

Marta Robles, Lisa Bause, Silvia Pérez e Isabelle Laudenbach nos explicaban ayer, en la sede de la discográfica con la que han publicado su disco (Nuevos Medios), el motivo de la presencia del flamenco en su música. Así es en palabras de Silvia, la vocalista: “Nos encontramos en Barcelona y en ese momento a todas nos gustaba mucho el flamenco. Marta e Isabelle estaban estudiando guitarra flamenca, Lisa a parte del violín estaba yendo a clases de baile, donde conoció a Isabelle, y yo estaba en la misma escuela, pero estudiando jazz. Pero como tengo la voz un poco así indefinible me propusieron cantar flamenco”.

Sin embargo, no solo musicalmente marcan una cierta distancia con la tradición. Las diferencias con el flamenco más ortodoxo son estas, explica Marta (guitarrista): “A este grupo le falta una cosa que tiene el flamenco que es la espontaneidad, en nuestros conciertos no improvisamos, no sale Silvia a cantar un tema y yo le sigo con la guitarra. A parte, el flamenco es mucho de nombres, un cantaor, un guitarrista, son artistas individuales, el concepto grupo no es tan común. Grupos de flamenco como tal no hay, es algo más de la fusión”.

También nos hablaron Las Migas sobre dos colaboraciones de lujo que están en el disco: el contrabajo de Javier Colina y el tres cubano de Raúl Rodríguez. Aunque Marte Robles nos aclaró algo: “Hay muchas colaboraciones. Javier Colina y Raúl Rodríguez son los más conocidos, y es curioso porque los dos están muy vinculados al flamenco sin serlo”.

¿Por qué ellos y no otros? “En el caso de Raúl habíamos pensado en él también para que nos ayudara en la producción y en lo que nos decidíamos se ofreció a colaborar con el tres y en el caso de Colina porque Silvia está trabajando con él en un proyecto aparte y tuvimos mucha suerte de que viniera. Luego hay otras colaboraciones muy flamencas que aportan mucho: palmas, percusiones, cuerda… Hay mucha gente… Los pies de Juan Carlos Lérida, de Sevilla…”

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24 Sep 2010

Escrito por acastellano

24 Sep 2010 - Enlace

Las mujeres de Javier Limón

Javier Limón (Madrid, 1973) está de vuelta, y esta vez, rodeado de mujeres. Mujeres de agua es un álbum colectivo con muchas flamencas y todas mediterráneas. Y algunas ya se habían puesto con anterioridad en las manos de este productor y compositor de formación clásica pero enamorado del flamenco que está detrás del sonido, entre otros, del Cositas Buenas de Paco de Lucía.

Limón ha hecho, según él mismo explicaba ayer en la entrevista que le hicieron los lectores de la web de El País, su disco más personal. Es un resultado de sus viajes y de su necesidad de homenajear a las mujeres que no tienen libertad para desarrollar su arte. "¿Cual la idea central de Mujeres de Agua?” le preguntaba un lector. "Cambiar de rumbo, girar al este mis influencias”, respondía Limón. Y, ¿qué es lo que más le ha sorprendido de este viaje? "Los pequeños microtonos de esos instrumentos, están tan alejados de la cultura occidental...".

El sonido refleja esta idea: es un disco libre, que suena a tradición. Un trabajo que se abre con unas bulerías que suenan a mar, con una voz evocadora, un lamento sin idioma, una llamada a continuar escuchando.

En el álbum, que no es necesariamente flamenco aunque esté impregnado de lo jondo de principio a fin, acompañan a Limón, entre otras, la Susi, Carmen Linares, Estrella Morente, Montse y Genara Cortés. También, dos mujeres ligadas al productor desde la copla: la Shica y Concha Buika. Y grandes estrellas de otros países unidos por el mismo mar que presentan en este disco lo mejor de sus tradiciones: la cantante kurda Aynur Dogan (que abre el disco con lamentos que bien podrían ser flamencos), la fadista portuguesa Mariza, la israelí de origen sefardí Yasmin Levi (que interpreta la canción tradicional sefardí Komo el pasharo ke bola) y la griega Eleftheria Arvanitaki. ¿Qué tienen en común estas mujeres de agua? "La expresión y la emoción estaban siempre", respondía Limón ayer a los lectores. "Luego las diferencias son muchísimas: Estrella cantó en su casa, Mariza en Lisboa etc... Eso sí, son geniales todas".

El descubrimiento es la onubense Sandra Carrasco, que canta La calle del Olivar, un homenaje a Miguel Candela, el dueño de uno de los lugares más emblemáticos para los flamencos en Madrid, fallecido en 2008. El tema oscila entre la copla y las bulerías y demuestra las posibilidades de esta joven cantaora, que prepara junto a Limón su primer disco. Las referencias de Carrasco llevan directamente a la Bienal de Flamenco que estos días tiene lugar en Sevilla: dentro de la gala inaugural, Historias de viva voz, protagonizó una ronda de fandangos junto a Miguel Poveda. Pero además, ha grabado junto a José Mercé Ay Haití! para el disco que Carlos Jean, junto a Intermon Oxfam, ha editado para recaudar fondos, ha protagonizado el musical dedicado a la copla Enamorados anónimos y aparece en el disco, producido y dirigido por Paco Ortega, Sangre nueva. Jóvenes flamencas.

Destaca también la voz de Buika, que suena rota y apasionada en una canción isleña (una suerte de bolero personal) que se lamenta de los afectos perdidos (Oro santo).

Hay mucho de nostalgia en este disco, que está dedicado, además, a las mujeres iraníes, silenciadas por el régimen de Ahmadineyad, país en el que Limón intentó grabar y no pudo. Así lo escribe Limón: "A veces en forma de canción, otras en forma de instrumento de raíz t otras simplemente como inspiración este mar y sus voces son el hilo conductor de este disco dedicado a las mujeres, y en especial a las que por alguna razón se les impide cantar".

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Si eres curioso, simpatizante o aficionado al inabarcable mundo del flamenco, asómate en este blog a lo que se cuece por sus caminos de la mano de la periodista de EL PAÍS Ángeles Castellano.
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