Por Bloguerías

08 Mar 2012

Escrito por acastellano

08 Mar 2012 - Enlace

Mudanzas

Este blog se muda. A partir de ahora, podrán seguirlo en www.porbloguerias.com. Nos seguimos viendo.

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30 Sep 2011

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30 Sep 2011 - Enlace

El recuerdo de Morente, en Boronía

¿Estás en Sevilla? Apunta un plan para esta tarde: la presentación del último número de la revista cultural Boronía, dedicado al recuerdo de Enrique Morente. A las 20.30, en la sede del Instituto Andaluz de Flamenco en la Iglesia de Santa Lucía. (C/ Santa Lucía, 10) En la presentación estará el responsable del proyecto, Gabriel Núñez, pero también habrá un recital a cargo de Tomás de Perrate, Antonio Malena y Malena Chico. La entrada es libre hasta completar aforo.

Homenajes a Morente, desde que nos dejó, ha habido muchos y los seguirá habiendo, necesarios todos. ¿Por qué es especial el que aglutina Boronía? Porque reúne los recuerdos, sentimientos y reflexiones de un grupo de personas vinculadas de alguna manera con el cantaor, bien por conocimiento personal, bien por relación profesional, bien como aficionados. Cerrado por el propio Morente, que habla en una entrevista, el libro está dividido en tres partes. Núñez ha recopilado recuerdos por escrito de autores como los periodistas Miguel Mora, Diego A. Manrique o Balbino Gutiérrez, músicos como Christina Rosenvinge, José Ignacio Lapido y Josemi Carmona, y otros nombres que a muchos le sonarán: Blanca Li, Javier Latorre, Juan Verdú, Valderrama, Gerardo Núñez...

Ente tanta firma interesante, Núñez ha colado de manera bastante inconsciente, diría yo, un texto que firmo yo, en el que explico, con una fuerte nostalgia, que nunca conocí al hombre, pero siempre adoraré al cantaor. “No quiero que me hagas una valoración de la figura de Morente”, me dijo cuando se puso en contacto conmigo. “Quiero que cuentes un recuerdo personal, un momento mágico que hayas vivido con su cante, lo que significa para ti este cantaor”. Qué difícil no elogiarle, qué difícil reducir el texto a una vivencia personal. Pero así, Boronía es un mapa de recuerdos, un puzzle de voces variadas y variopintas, todas válidas para recordar al maestro.

Una lectura muy recomendable para recordar, a través de los recuerdos de muchos, 57 voces, y revivir al maestro, que nunca se irá del todo mientras escuchemos su voz. Una lectura para revivir, y descubrir, esta tarde en Sevilla.

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16 Sep 2011

Escrito por acastellano

16 Sep 2011 - Enlace

Esperanza Fernández retoma los Jueves Flamencos de Sevilla

La gran voz trianera actual, Esperanza Fernández (Sevilla, 1966), es la elegida para el retorno de un clásico sevillano (lleva organizándose 27 años), los Jueves Flamencos de Cajasol, un ciclo que comenzó en marzo y paró en verano. Se reanuda el 6 de octubre, en la sala Joaquín Turina, con la cantaora trianera, a quien seguirán otros siete recitales para concluir en diciembre con una zambomba jerezana.

La trianera, hija de cantaor y emparentada con los Pinini de Lebrija y los Cagancho, ofrecerá su versión más directa: un recital de cante junto al guitarrista que le acompaña desde hace más de 10 años: Miguel Ángel Cortés, uno de los mejores guitarristas para el cante de la actualidad. Un auténtico lujo, ya que es una de las cantaoras que defiende la herencia de Triana con mayor solvencia de la actualidad. Esperanza canta por derecho y sin embargo, es una colaboradora habitual en otro tipo de espectáculos: montajes corales, como el Café de Chinitas del Ballet Nacional, o el que protagonizó junto a Gerardo Núñez y la New York Flamenco Reunion en 2000 en la Bienal de Flamenco de Sevilla y otro tipo de acompañamientos, como su participación en El amor brujo de Manuel de Falla en la Bienal de 2008 . En este festival, precisamente, presentó el año pasado un espectáculo propio que suponía su debut en solitario en el certamen: Raíces del alma, en el que hizo un repaso por su herencia y carrera profesional acompañada por David Peña Dorantes, pianista y director musical, y Pepa Gamboa, directora de escena.

Entonces, me contó en una entrevista en su escuela de flamenco que comenzó en el cante gracias a una nana: “Fue la primera vez que me vio Mario Maya, el primero que me dio una oportunidad fuera del ámbito familiar. Me llamó para cantarla en su espectáculo El Amargo”. Después, junto a otro grande, el cantaor Enrique Morente, dejó de ser “la “la niña de Curro Fernández”, para tomar nombre propio. Ocurrió en 1994, gracias al espectáculo A oscuras presentado en la Bienal de Flamenco de Sevilla. “Ya había estado en la Bienal antes, pero la del 94 me dio un empujón muy fuerte, di el salto como Esperanza Fernández”.

Escucharle contar sus vivencias es como hacer un recorrido por el flamenco de los últimos 30 años, porque incluso sus recuerdos infantiles están salpicados por los grandes: “Yo estaba jugando y Fernanda y Bernarda de Utrera estaban en mi casa tomando café y haciendo compás, imagínate. Claro, yo de niña no le daba importancia. Soy una persona con mucha suerte”, me explicaba.

Aunque es habitual en los escenarios, es una lástima, para quienes no tienen acceso a sus actuaciones, que esta cantaora, que participó en la grabación de Potro de Rabia y miel de Camarón de la Isla, tan solo haya grabado dos discos: Esperanza Fernández (2001) y Recuerdos (2007). Y sin embargo, ella no echa de menos haber hecho más: “Yo puedo decir con orgullo que no soy un producto discográfico, porque llevo más de 20 años trabajando y sólo he publicado dos discos. No he parado de trabajar sin necesidad de tener ningún disco. Todo lo que tengo en mi vida ha sido ganado por mi propio esfuerzo y eso lo llevo a gala”.

Además de Fernández, en los Jueves Flamencos habrá otras actuaciones interesantes. El presupuesto se anunció en marzo, cuando se inauguró (100.000 euros, frente a los 165.000 de 2010). El cartel, este trimestre, queda compuesto así:

++Esperanza Fernández y Miguel Ángel Cortés: 6 de octubre

++Manuel Lombo junto a Asunción Pérez La Choni al baile y Ricardo Rivera, Fernando Romero y Los Melli: 20 de octubre.

++Manuel Liñán compañía de baile flamenco: 3 de noviembre.

++Manuel Herrera: 10 de noviembre.

++Javier Barón: 24 de noviembre.

++Isabel Bayón: 1 de diciembre.

++Mercedes Ruiz con Santiago Lara, David Lagos, el Londro y Perico Navarro: 15 de diciembre.

++Zambomba jerezana dirigida por Fernando Moreno: 22 de diciembre.

Las entradas para cada espectáculo se pueden adquirir en la Taquilla del Centro Cultural y en Cajasol Tickets, y existe la posibilidad de adquirir abonos para la temporada completa con la reducción de un 30% sobre el precio de Taquilla.


[[Antonio Cáceres (jefe de Acción Cultural de Cajasol), Manolo Herrera (coordinador del ciclo), Manuel Lombo, Esperanza Fernández y Manuel Herrera en la presentación del ciclo, ayer. Imagen facilitada por Cajasol]].

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10 Sep 2011

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10 Sep 2011 - Enlace

Flamenco en la frontera: Morón en el mapa

"Hemos decidido que el año que viene es este año". Después de tres lustros tratando de organizar un festival en Morón, Fernando González-Caballos y un grupo de jóvenes aficionados de esta localidad se han liado la manta a la cabeza y han decidido organizar Flamenco en la frontera , un festival que combina actuaciones con cursos y conferencias y que finaliza hoy. "Llevamos 15 años mostrando nuestra buena voluntad para organizar algo así a los directivos de las peñas, que son un poco el poder fáctico en esta localidad para organizar los eventos flamencos", explica González-Caballos, organizador. "Y todos los años nos decían: el año que viene. Así que, un poco cansado de que nos dieran coba, decidimos ponernos manos a la obra este año". La idea de fondo era, según explica, "hacer una llamada de atención sobre la capacidad y la fuerza que ha tenido el flamenco de Morón en la industria cultural, recuperar ese esplendor que tuvo en su momento, pero adaptado a los tiempos de hoy".

Así que decidieron no hacer un festival al uso y romper con la estructura del Gazpacho de Morón de hacer una única noche de espectáculos. Flamenco en la frontera se alarga durante cuatro días y combina las actuaciones con actividades que inciden en la importancia de la tradición flamenca local y lo su significado para el mundo. Con un objetivo muy claro: atraer al público joven. "El flamenco necesita renovar al público, porque hay un cambio generacional artístico también", explica González-Caballos.

La conferencia inaugural, a cargo del rector de la Universidad Internacional de Andalucía , José Manuel Suárez Japón, puso el miércoles el acento sobre aquella época dorada , unos tiempos protagonizados por el guitarrista Diego del Gastor, pero en el que tuvo también mucho que ver el estadounidense Donn E. Pohren, un enamorado del flamenco que se instaló en una finca en la que recibió a multitud de compatriotas atraídos por el toque del de El Gastor, el misterio y la manera de vivir de los flamencos de una zona de Andalucía que, en los años 60, seguía siendo rural y vivía ajena a lo que ocurría en el resto del mundo. "Pohren fue el inventor del prototurismo rural y hay que darle su sitio", dice el organizador. "Gracias a él, al trabajo literario que él hizo y el lugar que le dio en todo el mundo a Diego del Gastor, los extranjeros siguen viniendo a Morón. Le llevó de lo local al mundo. Diego del Gastor era un artista muy local, que seguramente de no haber pasado Pohren por aquí no habría tenido la dimensión que tiene", explica González-Caballos.

Sobre aquella época y su evolución hasta hoy versan muchas de las conferencias y proyecciones del festival, pero los organizadores son conscientes de que, como en todos los festivales, el plato fuerte son los espectáculos. Dani de Morón y Alfredo Lagos, Carrete de Málaga, Jesús Méndez o los locales Pepe Torres, Moi de Morón, David el Galli y Rafael Rodríguez, entre otros, forman parte de un cartel en el que se ha tratado de combinar artistas locales y ajenos, además de jóvenes con otros veteranos pero que están fuera del circuito de actuaciones. "Creo que el relevo generacional artístico se está dando y hay que apoyarlo", explica González-Caballos Un relevo generacional que, en su opinión, no está siendo entendido por algunos de los veteranos del flamenco, que han protagonizado recientemente una protesta ante la Junta de Andalucía por lo que ellos consideran que es una política de contrataciones centrada en el amiguismo. "Mi opinión sobre la polémica, además de los muchos puntos y comas que pueda tener, es que veo que hay una serie de artistas que se resisten a reconocer el cambio generacional. Yo creo no es noble que, un artista que ahora es mayor, que ha sido joven y ha tenido que buscar su sitio en los tablaos de Madrid, cuando entonces había también figuras consagradas, ahora eche tierra encima de los jóvenes que están despuntando".

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07 Sep 2011

Escrito por acastellano

07 Sep 2011 - Enlace

Por Bloguerías y otros palos: Algo pasa en 'Cai'**

Abrimos una nueva ventana a la colaboración en una sección que inauguró, hace unos meses, el periodista de RNE Manuel Moraga. Hoy nos visita Fermín Lobatón, colaborador en diferentes medios de comunicación durante más de 20 años y crítico de flamenco en El País y Diario de Cádiz, entre otros, además de estudioso, aficionado a lo jondo y muchas otras cosas más.

**...Entre el flamenco y el jazz

La cosa está por estudiar, pero no cabe duda de que algo hay entre Cádiz y el jazz. Históricamente, podría tener que ver con la condición portuaria de la ciudad -con ese tránsito e intercambio de personas, culturas y músicas, de tanta trascendencia en el flamenco-, o por su también condición balnearia, con hoteles principales que, a mediados del pasado siglo, contaban con orquestas estables, entre las que parece que era cosa normal el cultivo del swing. La pervivencia del vocablo jambá, que es una muy gaditana lectura de las Jazz Bands que se anunciaban en esa época, y que vino a nombrar en la zona tanto a la batería como a cualquier formación de las que amenizaban fiestas familiares, podría ser una prueba de esa antigua presencia del jazz en la ciudad, pero resulta pura anécdota ante la vibrante realidad que, en estos terrenos, Cádiz ha venido ofreciendo desde los años ochenta del pasado siglo.

En esa década se comienzan a detectar los primeros movimientos de músicos locales en bares, y Cádiz acoge también conciertos de grandes del jazz (Chet Baker, Art Blakey o Chic Corea). Pero sobre todo, a finales de 1987, se programan unos encuentros de jazz de músicos gaditanos en la peña Celestino Mutis, en el barrio de La Viña. De allí surgió casi de forma inmediata la celebración del I Seminario de Jazz Ciudad de Cádiz, que habría de ser impartido por el Taller de Musics de Barcelona. Nadie pone hoy en duda que la celebración de ese seminario, con intensísimas noches de jam sessions en la citada peña, supuso un revulsivo para los músicos gaditanos y el punto de inflexión por el que se canalizarían brillantes carreras profesionales posteriores. Quizás desde ese tiempo, el censo de músicos de la capital siempre ha sido lo suficientemente alto como para permitir la continuidad de toda una Big Band de 18 profesores en ella, La Sonora, fundada en 1997. Dirigida en la actualidad por el trombonista Juan José Guillamó, es poseedora de un repertorio versátil que ha abordado lo mismo el flamenco que la música del carnaval local, como quedó registrado en el disco La Sonora por Cádiz, grabado en directo en el Gran Teatro Falla (Bujío, 2007).

La escena jazzística gaditana actual está bien nutrida tanto por herederos del citado seminario como por nuevas incorporaciones. Entre sus músicos los hay que, proviniendo del flamenco, se acercan a un formato jazz (el pianista Sergio Monroy , último ganador del premio El Filón al mejor instrumentista en La Unión) y otros que, como el saxofonista Pedro Cortejosa, con varias grabaciones en su haber, no guardan ninguna relación con el flamenco en su producción. Pero, sin duda, existe una tendencia mayoritaria entre ellos que apunta a un ejercicio jazzístico en el que, con todo respeto, se incorporan elementos propios del flamenco y se establecen interesantes diálogos entre una y otra disciplina. Es este un trabajo que huye de lo fácil –ya no se trata de meter un viejo estándar en el compás de bulerías-, y persigue un encuentro positivo en el que se integran ritmos y aires flamencos dentro de las armonías y la sintaxis del jazz, buscando nuevas atmósferas y colores, persiguiendo una vía de expresión propia que pretende, a su vez, la universalidad de toda manifestación musical que se precie.

Resulta curioso, y es muestra del dinamismo de esta escena el hecho de que, en los dos últimos años, se hayan producido hasta cuatro grabaciones que abundan en unas fructíferas relaciones del jazz con el flamenco. Entre ellos, el proyecto Kind of Cai (Surfonía, 2009) es sin duda uno de los más importantes, y muestra la madurez creativa de músicos tan habituales en la escena gaditana como el guitarrista Luis Balaguer, el saxofonista Carlos Villoslada -residente en Cádiz, aunque nacido en Huelva-, y el pianista Miguel Ángel López. A ellos se suman el contrabajista de Rota D.J Foster, y el conocido percusionista brasileño Rubem Dantas.

La propuesta parte de una original relectura de la grabación Kind of blue, del trompetista Miles Davis, en su día una revolución al inaugurar el jazz modal en una música que hasta ese momento había sido tonal. La música modal, procedente de la Antigüedad, está presente en la mayoría de elementos musicales que sustentan el flamenco, cuyos principales estilos son modales. De ahí que estos músicos gaditanos, buenos conocedores de ambas disciplinas, realizaran esta fresca y original relectura de la legendaria obra añadiéndole aires y ritmos procedentes del flamenco. La grabación sigue de manera rigurosa el orden de los cinco temas que compusieron la grabación original de Davis: So what que se escucha en tiempo de bulerías al golpe, Freddie Freeloader que va por tangos, Blue in green por soleá, All blues en clave de tanguillo, y Flamenco Sketches que adopta la de la seguiriya. A esos temas se añade la propina de una versión del conocido Milestones.

En el año 2010, coinciden en su lanzamiento tres grabaciones: El jardín de las naranjas (Lunadisco), del flautista y saxofonista Carmelo Muriel; Campo de Agramante (Nómada 57), del pianista Javier Galiana, y Tabanqueando en la Plaza Niña (Surfonía), del antes citado Carlos Villoslada.

En El jardín de las naranjas -grabado en formato de cuarteto con la colaboración del guitarrista Nono García, Juan José Sainz (batería) y Piet Verbist (contrabajo)- encontramos bulerías, bulerías por soleá o unas soleares en las que la flauta canta con el acompañamiento de la guitarra. También hay unos tangos o una rondeña y la composición que da nombre al disco, un pasodoble francamente hermoso que supone todo un hallazgo, a la vez que una apuesta del autor por ese ritmo, en ocasiones tan vilipendiado, como opción creativa.

Campo de Agramante es, tras Werther en Nueva York (2008), el segundo disco de Galiana con su grupo Spice Berberechos, una formación en la que mantiene el lustre de los saxos de Carlos Cirera e incorpora la percusión de Carlos Cortés junto a la voz cantaora de un sorprendente Carlos Denia, que se ajusta a las exigencias compositoras de un pianista que viaja de la extroversión al intimismo y de los aires atlánticos al cosmopolitismo mediterráneo. Bulerías sobre Mingus, tanguillos y alegrías de la tierra, melancólicas soleares o granaínas se presentan con arreglos tan convincentes como cohesionados.

Villoslada, acreditado por las experiencias de Saguiba o Kind of Cai, muestra Tabanqueando en la Plaza Niña, su primer trabajo como líder de la vertiente más íntima, y puede que más lúcida, de una inspiración de largo aliento. Experimentación de resultados elegantes y atmósferas que viajan de la alegría de los fandangos de su tierra o los ritmos de la bulería o el tanguillo a los jondos caminos de la soleá, que aborda con un respetuoso y reposado tempo, el mismo que gobierna su nana o su toná a la que sigue una trilla por seguiriyas, todas ellas con el cante de Raúl Gálvez, el imprescindible piano de Juan Galiardo y la percusión invitada de Rubem Dantas.

Son tres distintas aproximaciones a un jazz que se contamina felizmente con el flamenco, y unos discos que nos muestran a tres compositores desplegando una vasta y surtida cultura musical que se puebla de los mejores ecos. Pero, en Cai, aún puede haber más...

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11 Ago 2011

Escrito por acastellano

11 Ago 2011 - Enlace

Moraíto Chico, el toque que buscaban los cantaores

Ayer por la mañana falleció un gran guitarrista jerezano. Os dejo el obituario que publicamos hoy en El País. Descanse en paz.

Cuando el cante flamenco quería sonar a Jerez, buscaba su guitarra, la de Manuel Moreno Junquera, Moraíto Chico (Jerez de la Frontera, Cádiz, 1956). El soniquete jerezano, esa peculiar manera de entender el compás, de marcarlo y jugar perdiéndose en él, no tenía mejor representante en su generación. Su guitarra siempre estaba para escuchar el cante, contestarlo y mecerlo con ese compás propio de su tierra. Había actuado con casi todos los cantaores de su época, pero será recordado por las casi dos décadas de trabajo junto a otro jerezano, José Mercé.

No le interesaba pasar a la historia ni crear un nuevo sonido en la guitarra flamenca, pero a lo largo de su carrera logró que su manera de tocar, siguiendo la más estricta tradición de su ciudad natal, también sonase profundamente personal. Recogió la herencia familiar, la que le dieron su padre, Juan Morao, y antes su tío, Manuel Morao. Pero también bebió de otras fuentes, como Parrilla de Jerez o Paco Cepero, a las que añadió nuevas melodías de factoría propia, nuevos picados o falsetas con un punto de picardía, la que lleva dentro la bulería, entendida a la manera en la que se vive en su barrio, el de Santiago, una de las cunas del flamenco.

Debutó profesionalmente al lado de La Paquera, porque el acompañante habitual de la cantaora, Parrilla de Jerez, curiosamente uno de sus referentes, estaba enfermo. Pero antes, y desde los 11 años, había participado en los Jueves Flamencos que organizaba su tío. Y nunca más soltó la guitarra.

Su fuerte era el repertorio jerezano: bulería, soleá, seguiriya, malagueñas del Mellizo, tientos, fandangos y cantiñas. Pero sin duda será recordado siempre como el eterno escudero del cantaor José Mercé. Con él ha compartido giras por todo el mundo y numerosas grabaciones, incluida la del último disco del cantaor, Ruido, publicado en 2010.

Era muy admirado por su saber acompañando al cante, por lo que le buscaban todos los cantaores, los de su tierra y los de fuera. Los rasgos que definían su carácter marcaban quizás también esa personalidad artística que atraía a sus colegas como un imán. Moraíto era humilde, y su guitarra siempre ocupaba el lugar que le corresponde, junto al cantaor, dándole réplica y envoltorio, pero nunca buscando el protagonismo. Era un artista generoso con sus compañeros de escenario, que gracias a su toque brillaban aún más. También era un tipo simpático, un tanto guasón, realmente conocedor del significado de la bulería. Tanto así, que casi la defendía tan bien bailando, derrochando arte y compás, como con la guitarra, siempre buscado en el fin de fiesta para demostrarlo. Nunca necesitó alardear de conocimientos técnicos, ni le gustaba tocar con rabia (como siempre ha dicho el maestro Paco de Lucía que tocaba en su juventud), ni exhibirse con una gran velocidad en su toque. Lo suyo era otra cosa.

Fue quizás esa poca necesidad de protagonismo la que hizo que Moraíto no haya desarrollado una carrera más prolífica como concertista. Aunque ha participado en numerosas grabaciones de diferentes cantaores, solo ha dejado dos discos como solista: Morao y oro (1992) y Morao, morao (grabado en 1999 y reeditado por Nuevos Medios en 2005).

Y paradójicamente, ha sido una actuación como solista la última que hizo. El guitarrista se despedía de los escenarios, sin saberlo, el pasado mes de enero, en el Festival de Flamenco de Nimes (Francia). En España, sus trabajos postreros fueron para la televisión, en el programa que emitía Canal Sur, El sol, la sal, el son, producido por el periodista Jesús Quintero. También sus dos actuaciones en la Bienal de Flamenco de Sevilla, en septiembre de 2010.

(FOTO: GARCÍA CORDERO)

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05 Ago 2011

Escrito por acastellano

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Montse Pérez: el deseo de cantar

Es de Almería y hace poco presentaba su segundo disco, que ha titulado Del deseo, “porque mi deseo para seguir adelante es cantar, seguir cantando”. Se llama Montse Pérez (nacida en 1.978) y tiene una voz aterciopelada, un metal muy personal y un conocimiento del flamenco más clásico, que es el que ella prefiere. Sin embargo, en esta segunda aventura se ha embarcado con el productor y músico Paco Ortega, que al clasicismo de Pérez ha dado aires complementarios procedentes del pop. “Yo no me quiero apartar de lo que a mí me realmente me gusta, pero la mezcla de ambos estilos está bastante bien, porque el disco es para todos los públicos, hay flamenco nuevo que introduce a la gente joven que después se puede interesar en escuchar flamenco puro”, explica la cantaora por teléfono.

A pesar de no ser muy conocida fuera del circuito flamenco de Andalucía oriental, Montse Pérez comenzó a cantar pronto. La afición, como suele ser habitual, le nació en casa: “Yo siempre he escuchado cantar a mi madre”, explica. “En la familia de mi madre todos son cantaores pero de familia, nunca han salido de las reuniones familiares”. Ella es la mayor de tres hermanas, y una de ellas, María José Pérez, con un metal muy parecido, también se dedica al cante profesionalmente. “Cada una tiene su estilo”, matiza Montse, “a mí me gusta más guiarme más por la dulzura, por el sentimiento, y ella se tira más por el genio. Cada tiene una forma de buscar el cante”.

Tras recorrer peñas y peñas, en 2008 grabó su primer disco, Mirada flamenca, producido por el guitarrista Pedro Sierra y compuesto fundamentalmente por cantes tradicionales. No mucho tiempo después comenzó a trabajar ya en el segundo, que presenta ahora. “Cuando terminé el primero me quedé con ganas de hacer otro en seguida, me gustó mucho la experiencia”, dice. Mano a mano con Paco Ortega, trabajaron durante un año en elegir los cortes, elaborar las letras, aprenderlos y elegir los guitarristas antes de entrar a grabar. “Este segundo disco está más trabajado, tiene más mi personalidad y está mucho más estudiado”, explica. “Aunque el corazón se pone en los dos”. En el camino le acompañaron también algunas de las grandes guitarras actuales del flamenco: Moraíto Chico, Juan Carlos Romero, José Losada o Antonio Carrión.

El disco combina una granaína con media granaína, seguiriya y soleá como mandan los cánones más ortodoxos, que interpreta con gusto y personalidad, con unas alegrías, tangos, milonga y fandangos con una producción más pop. También las sevillanas: “Paco quería hacer unas sevillanas para escuchar más que para bailar, más suaves, más calmadas, más habladas y yo vi bien su decisión y la letra me encantó”, explica sobre Vívela, muy en la línea de otras sevillanas muy populares compuestas por Ortega, las Sevillanas de la vida.

El trabajo incluye también un palo poco frecuente, la alboreá, también con arreglos más cercanos al pop. “Fue idea mía, tenía mucha ilusión de grabarla porque es un palo que siempre me han llamado la atención”, explica. “Aquí curiosamente, era Paco quien quería que la hiciera más tradicional, pero yo quería hacerla más moderna”.

El deseo de Montse Pérez no termina en el disco. Ahora, tras presentarlo en su localidad natal, lucha por mostrarlo a nivel nacional y sobre todo, hacerlo sobre un escenario. “El ambiente de tener al público al lado te motiva más y das todo lo que llevas dentro, mientras que en el estudio lo mides más, lo vas estudiando, por no salirte de la línea”, explica. “Cuando cantas ante el público lo das todo, sin pensar en cómo tiene que ir”.

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02 Ago 2011

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Tu lugar más flamenco

Antes de que llegase el mes de julio y paralizase este blog con el dolor, en Por Bloguerías teníamos en marcha un concurso. Sorteábamos una colección publicada recientemente por la discográfica Universal, que agrupa el cante y los cantaores geográficamente, en una suerte de Atlas del flamenco.

Es una edición muy interesante, sobria y muy cómoda para guardar. Una caja con 10 cds, cada uno dedicado a un lugar y uno último recopilador de otros lugares, y un libreto, elaborado por Faustino Núñez, responsable de la selección. En el prólogo, Núñez recuerda que el flamenco es la disciplina artística, musical, que mejor aglutinó las diferentes tradiciones culturales y musicales que han convivido a lo largo de la historia en el territorio español. Y también que se desarrolló como un arte personal, en el que cada cantaor fijó los diferentes estilos que hoy le componen, independientemente de su origen geográfico. Así, recuerda el autor, “un atlas que intente trazar la territorialidad del cante, el toque y el baile, deberá contar con que existieron cantaores jerezanos que como nadie crearon cantes levantinos…”. En este Atlas flamenco, por tanto, no aparecen los artistas según su origen geográfico, sino que Núñez ha pretendido recopilar los cantes de cada lugar interpretados por los artistas que mejor los han sabido recrear.

También en el libreto, Núñez incluye un capítulo dedicado a cada disco, a cada lugar, reseñando la relevancia que tiene para el flamenco y dedicando unas líneas a cada uno de los cantes y artistas incluidos.

Los discos se clasifican así: Cádiz (con Camarón de la Isla, Juan Villar, La Perla de Cádiz, Paco de Lucía, Sabicas o Pericón, entre otros), Los Puertos (con Antonio Mairena, La Sallago, El Chato de la Isla o Carmen Linares, entre otros), Jerez (con Tío Borrico y Anica la Piriñaca, José Mercé, Sernita, Terremoto, Chocolate, La Paquera o Fernando de la Morena, entre otros), Sevilla (con Luis de Córdoba, Fosforito, Rancapino o Manolo Caracol, entre otros), Provincia de Sevilla – Alcalá, Utrera y Lebrija (con Manolo Jero, Lebrijano, o Miguel el Funi, entre otros), Málaga (con Jacinto Almadén, Porrina de Badajoz, Luis de Córdoba o Cancanilla de Marbella, entre otros), Córdoba y Granada (con José Vidal, Manolo Amaya, Juan Habichuela o Marina Heredia, entre otros), Murcia, Almería y Jaén (con el Niño de Barbate, Antonio Piñana, Juan Cantero o Juanito Valderrama, entre otros), Huelva y Badajoz (con Paco Toronjo, Porrina, Ramón el Portugués o el Niño Miguel, entre otros) y otros lugares, que incluyen estilos de origen incierto o con influencias americanas, además de Madrid.

El reto que planteamos para lograr, a través de El País, un ejemplar de este recopilatorio fue elegir y definir el lugar más flamenco. La participación en el concurso ha sido alta y muy ingeniosa, y creo que es de justicia reseñar las entradas más significativas, algunas como estas:

”El sitio más flamenco es el corazón de quien vive flamenco, que es donde "jierve" el sentimiento, de donde sale el arte y donde duerme el duende que tantas veces despiertan los andaluces, extremeños, madrileños, catalanes... ¡y japoneses! El Flamenco es patrimonio de la humanidad”. (Mejíasjerez)

"Entre la espada y la pared, entre lo oscuro y lo claro, entre la vida y la muerte, entre el ruido y el silencio, entre las penas y las alegrías, entre La Niña de los Peines, Enrique Morente y Camarón. Por las venas, con el ritmo del corazón, el flamenco viaja invadiéndolo todo". (Reginorey )

"El lugar más flamenco no se ve, se oye. Suena a verde y a fuego, es un quejío que se desgrana al mediodía, como la calima. El flamenco es una forma de llorar, es un sentío, y su espacio es interior. No habita el mundo. Habita el alma". (Manao)

"El lugar mas flamenco es donde el duende emerge y hace que los sentidos se enciendan. No está en ningún lugar y está en todo el universo, allá donde la expresión "jonda" se desparrama para expresar el sentimiento y el arte. Dentro del corazón de cualquiera que exprese este arte". (Joanrosan)

"Barbate, donde la luz pone el sentido y el levante el quejío. Tierra de humildad y sufrimiento que vive el flamenco como expresión natural e idioma propio de la alegría y el llanto". (E_duran_)

"¡Vejer, vigía del son y pararrayos del duende!". (Juanpoz)

"En la garganta de Miguel Poveda, en los brazos de María Pagés, en la guitarra de Chicuelo, en los tacones de Israel Galván..." (Camcam)

"Tan a orillas de la Bahía de Cádiz que se te moja el habla, hay una taberna hecha de restos de barcas, donde Bartolo, más serio que una petenera, sirve de mala gana a gente de bien vivir. Gitanos, payos y lunáticos, al amor de una hoguera, exhortan al ocaso un minuto mas de vida por alegrías". (Trysko)

"Huelva suena a piel curtida, a paredes encaladas, a manos agrietadas, a la mar y a la sierra, a mirada limpia, a lo valiente, a la vida del campo y la mina y al oír una guitarra, brota eso de gargantas, que supieron conservar, sin ser más que los demás, el flamenco en sus almas". (Japogo)

"Marinera y minera, de tabernas y aguardiente, de Sol y Sal. El flamenco es un quejío por el Alosno una noche de San Juan. En la orilla de las tres carabelas, Flamenco se escribe con F de Fandango... de Huelva!" (Flipul)

"Desde las encaladas azoteas y desde los altos miradores que ven los barquitos pasar, en los jaspeados mármoles de los patios, en los mostradores de los tabancos y en la misma orillita del mar, Cádiz canta lo que siente, alegrías y penas que de ida y vuelta van". (Francisco Leal)

"En La Unión (Murcia) el flamenco corre por las venas de la tierra herida, sale a borbotones y lo empapa todo con su quejío". (Asimov)

"El puente del Arroyo Padrón, en Estepona, donde los gitanos y payos hacen canastos de caña, mimbre y ramas de acebuche. Donde el maestro Rafael te deja mirar su arte y tomar nota, donde el tiempo no es una amenaza, porque como el sueño, flota como un velero". (Antonio Caravaca)

"El lugar más flamenco no está en ningún sitio conocido. Ese lugar será siempre aquel en el que aparezca el duende". (Respublicae)

¿Y el tuyo? ¿Cuál es tu lugar más flamenco?

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01 Ago 2011

Escrito por acastellano

01 Ago 2011 - Enlace

La extensión de mi herida

Hay momentos en los que la vida te recuerda que esto es fugaz y que aquí estamos de paso. Momentos en los que de golpe, sin avisar, un día cualquiera, te muestra su crueldad más descarnada, absurda y sin sentido. Una injusticia que llega en medio del agradecimiento por las cosas buenas vividas y te hace darte cuenta de las cosas que ya nunca serán.

Es en esos momentos, que llegan de repente, cuando todo lo demás sobra. Cuando el mundo se detiene y sólo existe esa aflicción. El sonido del martillo sobre el yunque de un martinete y la sonanta de la guitarra se extinguen, ahogados por un dolor desmedido, desconocido e inesperado. Una angustia difícil de comprender, de explicar, incluso de vivir y de encajar.

Luego van pasando los días, y te das cuenta de que ese dolor va a estar siempre contigo, marcando tu ser, tu estar y tu sentir. Que esa punzada que sientes en tus amaneceres y en tus anocheceres ya no se irá nunca, como tampoco lo harán las lágrimas de pena y de rabia con las que despiertas y te vas a dormir. Es entonces cuando vuelve el sonido de ese quejío de otros que sintieron el mismo dolor antes que tú. Es entonces cuando el flamenco toma relevancia para canalizar ese sentimiento extremo, el de una pérdida temprana e inesperada, que es universal y a la vez tan personal, tan difícil de compartir.

Este blog ha tenido muchas interrupciones a lo largo de su corta historia, y mil y una vez he tratado de explicar que se trata de un proyecto personal, que depende de un tiempo que a veces es difícil de controlar. Pero ninguna de las otras veces como ahora enmudeció de dolor. Un dolor estival fácil de confundir con el descanso del trabajador y que sólo se me ocurre compartir en palabras de un poeta como Miguel Hernández cantado, sentido y dolido por una voz, un talento que un día cualquiera nos recordó que la vida es cruel, absurda y fugaz, la voz de Enrique Morente.

Estamos de vuelta. Hay mucho flamenco que sentir y que contar. Gracias por estar ahí.

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01 Jul 2011

Escrito por acastellano

01 Jul 2011 - Enlace

'Rojo y rosa': la fuerza y el lirismo de Antonio Carbonell, 'Bola'

La Suma Flamenca de Madrid entra en su recta final. Pero aún queda tiempo para la actuación, en el Centro Cultural Paco Rabal de Palomeras Bajas, de un guitarrista y compositor madrileño, Agustín Carbonell, Bola (Madrid, 1967), que presenta un disco que a su vez es la grabación de un espectáculo, un espectáculo que se verá en Madrid el 2 de julio, Rojo y rosa.

“No quería montar una obra en torno a un título”, me explica Carbonell en una interesante charla que tiene lugar en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. “Decidí titular con dos colores por lo que representan para el flamenco: el rojo es la pasión, el compromiso, la verdad artística. El rosa es más lírico, más amoroso”.

Este es el cuarto álbum de su carrera, el primero compuesto en torno al baile. Pero el Bola no es ningún recién llegado. Sobrino nieto de Sabicas (“toda mi familia se dedica al flamenco”, resume el guitarrista), primo de Aurora Carbonell, la Pelota (y por tanto, primo político de Enrique Morente), hijo, sobrino, y nieto de flamencos, Carbonell comenzó a los 13 años, pero fue junto al bailaor Eduardo Serrano El Güito, con quien trabajó durante 14 años, como logró el reconocimiento y la experiencia fundamental. Ha trabajado con tantos artistas que la enumeración no acabaría nunca y, a pesar de su gran experiencia acompañando el baile, no ha sido hasta ahora cuando se ha planteado dedicarle un disco.

“Llevo muchos años en la música, he viajado muchísimo, y ahora quería hacer algo íntimo, personal, con mis vivencias del flamenco, que han sido bastantes”, explica. “Era un reto, mi intención era hacer una especie de suite que girase en torno al baile, mostrar a la gente la fuerza que tienen el baile, la guitarra y el cante grabados en directo”.

Rojo y negro es la adaptación para el disco de un espectáculo que se estrenó en octubre en el Teatro Lara de Madrid. “Todo no se puede grabar, no puedes tener al oyente escuchando una escobilla de baile dos minutos porque no se va a entender”, explica. “El espectáculo está adaptado para el CD. Se grabó en dos días en directo, con baile y todo”.

La obra se organiza en torno a seis escenas cerradas e independientes (el disco cuenta con 12 cortes: con soleares, bulerías, tientos, cartagenera, tangos, soleá por bulerías, fandangos por bulerías), que protagonizan dos bailaoras. “Cada escena cuenta una historia, con su pequeño argumento”, explica. “Los títulos de las escenas aluden al mundo de la danza”. Cada una de las historias cuenta, además, con una pequeña explicación que se explica en el libreto para situar mejor a los que escuchen el disco.

La música es muy directa, muy auténtica, siguiendo los esquemas más tradicionales. Sin embargo, el disco se presenta con un subtítulo: Música y baile del nuevo flamenco: “Todo está dentro de lo que es cada palo, no he querido poner fuegos artificiales: hay unos tientos que son muy puros, la soleá es muy pura también…”, explica, para matizar después: “la gente no entiende lo que es el nuevo flamenco y es una pena. Tenemos la obligación de conocer la obra de los maestros, asumirla y conocerla de verdad, pero después todo va evolucionando, siempre desde el respeto y con el conocimiento que ello conlleva”, explica. “Mi apuesta es diferente, no puedo esquivar las vivencias y las experiencias con otras músicas que he vivido”.

Las dos bailaoras de la obra, madrileñas, representan los dos colores, el rojo (Tamar González) y el rosa (Karen Lugo). “Karen lleva la batuta, es un poco el alma del espectáculo”, explica Carbonell. “Su baile es música para mí, tiene un punto lírico muy fuerte. Yo le conocía de la academia de Amor de Dios de Madrid”. Tamar González entró para sustituir a otra bailaora, que en principio se unió al proyecto pero lo dejó en seguida. “Después de Karen se incorporó al espectáculo Karime Amaya, que es una sobrina nieta de Carmen Amaya, un auténtico animal bailando. Pero justo antes del estreno tuvo que volar a México”. En su lugar se incorporó Tamar González. “Es una bailaora muy moderna, con una fuerza impresionante y mucho sentido del compás, representa muy bien el rojo”.

A las dos bailaoras se unen el contrabajo de Javier Colina, la guitarra de Claudio Villanueva y el cante de Saray Muñoz (hija de Tina, de Las Grecas) y Enrique el Piculabe, dos voces agudas y muy gitanas. “Yo utilizo las mismas tonalidades que el resto de compositores flamencos”, explica Carbonell sobre su elección de cantaores, “pero trasladadas a notas más agudas, así que o lo canta una mujer o tiene que hacerlo un hombre con la voz un poco más aguda, para conseguir abarcar lo que yo quiero”.

Sobre el escenario, la obra requiere de un equipo mayor, en el que lucen nombres como Lorenzo Caprile, responsable del vestuario, o Dominique You, responsable de la iluminación. “Es impresionante que trabaje conmigo”, dice emocionado. “Ha sido compañero de Antonio Gades de toda la vida, junto a él creó Carmen y Fuenteovejuna. Es una persona muy inteligente y sabe de dónde vengo yo. Yo estuve 14 años con El Güito, la misma escuela que Gades”, explica.

Junto a él ha trabajado esta semana en los retoques para la presentación de mañana en la Suma Flamenca, y de ahí, seguirá recorriendo el mundo. “Mi reto es presentarlo en Nueva York y en otras plazas importantes”, concluye.

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Si eres curioso, simpatizante o aficionado al inabarcable mundo del flamenco, asómate en este blog a lo que se cuece por sus caminos de la mano de la periodista de EL PAÍS Ángeles Castellano.
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