Por Bloguerías

Lebrija llenará mañana los rincones del Teatro Central. Lo hará a través del cantaor Manuel de Paula (Manuel Valencia Carrasco -Lebrija, 1956), y su espectáculo An ca Paula, que se podría traducir del andaluz como un En casa del de la Paula. Es un espectáculo ya estrenado precisamente en Lebrija, en el festival de flamenco que cada verano se organiza en el municipio, la Caracolá que este año tuvo lugar el 23 de julio y que ahora recala en la Bienal de Flamenco que tiene lugar en Sevilla.

An ca Paula pretende homenajear ese flamenco que se vive en familia, o entre familias, ese que improvisa reuniones de aficionados en el que todos cantan y jalean, el que se vive en la intimidad, en torno a una mesa. Es el flamenco que el cantaor lebrijano vivió en su casa de niño, en la calle Cantarranas, y quiere recuperarlo encima del escenario. Él está relacionado, precisamente, con algunos nombres importantes del flamenco, como son El Chozas, los Sordera de Jerez, Juan Mojama o los Malena de Lebrija. Tiene una amplia carrera discográfica y en los escenarios, tanto como cantaor en solitario como dentro de la compañía de Mario Maya, en la que estuvo seis años. Su último disco es Como oro en paño, publicado en 2007.

Para escenificar esta idea, coordinada por el periodista Manuel Moraga, el de la Paula se rodea de familiares y amigos: Miguel El Funi -testimonio vivo de la casa de los Pinini-, Juana Vargas (madre de José Valencia), Ana la del Caneco (hermana de Manuel de Paula), o el guitarrista Paco Cortés. También los más jóvenes: José Valencia, Manuela Ríos, Juan Diego Valencia o Manuela Jero. Todos ellos representan el cante, el baile y el toque a lo largo de un día en el que se cantan mejor las alegrías, cantiñas y tangos por la mañana, cuplés, alboreá y seguiriya por la tarde y bulerías y soleares para cerrar la jornada. La dirección escénica corre de la cuenta del fotógrafo Fidel Meneses y el pintor Patricio Hidalgo.

Junto al de Manuel de Paula, pues, brillan dos nombres propios en el cante: Miguel el Funi y José Valencia, dos generaciones de lebrijanos (aunque José nació en Barcelona, pero es heredero de una estirpe lebrijana). Miguel Peña Vargas, Miguel el Funi (Lebrija, 1939) comenzó a cantar profesionalmente a los 27 años. Destaca especialmente en los cantes festeros. José Valencia (Barcelona, 1975), por su parte, ha hecho carrera fundamentalmente como cantaor para el baile, junto a artistas como Antonio el Pipa, Farruquito, Antonio Canales, Javier Latorre, Andrés Marín, Joaquín Grilo…

ÚLTIMA HORA: Gracias a Comflamenco, de Giralda TV (televisión local sevillana), he sabido que finalmente Miguel Funi no estará en el espectáculo por problemas de salud. Ha sido sustituido por el artista trianero Manuel Vega Cruz, El Pati, miembro del grupo Triana Pura.

NOTA DE SERVICIO: Mañana, 8 de octubre, el concierto en el Teatro Central coincide con la Carrera Nocturna del Guadalquivir, organizada por el Ayuntamiento, cuyo recorrido puede dificultar el acceso al teatro, ya que la carrera arranca a las 22.00 en la avenida de los Descubrimientos (en dirección al puente de la Barqueta y calle Torneo) y el espectáculo comienza a las 23.00. Habrá cortes de tráfico y desvíos para el transporte público, por lo que desde la Bienal de Flamenco se recomienda a los asistentes que se desplacen en su propio vehículo con tiempo suficiente.

"Este es mi disco más verdadero, por eso le puse mi nombre, porque me veo más reflejada en él". Es Marina Heredia (Granada, 1980) y el disco se llama Marina. Lo presenta mañana en Sevilla, en el marco de la Bienal de Flamenco, en el Teatro Lope de Vega, con las entradas agotadas. Para el recital ha contado con el apoyo en la dirección escénica de Hansel Cereza y además del equipo que trabaja con ella en el disco, seguramente le acompañarán los invitados especiales, Farruquito y Diego del Morao.

Ambos aparecen en un disco, el tercero de su carrera, que dirige la propia Marina de la mano de José Quevedo, Bolita (Jerez, 1974), guitarrista y productor con el que la hija de Jaime el Parrón suele trabajar. "Me conoce muchísimo, yo sólo tengo que contarle un sueño, o una ida pasajera y él me la sabe captar en el momento y ponerla en música".

Marina, una cantaora joven de voz aguda, gitana, áspera y cada día mejor modulada, abandona en este disco la senda de los dos anteriores, de intención más renovadora, incorporando instrumentos ajenos al flamenco o acercamientos a otras músicas como el tango argentino o el bolero. Aquí quiere reivindicar sus orígenes y prefiere abordar un repertorio popular, eso sí, hecho a su estilo y el de su productor. "Conforme pasa el tiempo cambia tu cante y lo que quieres cantar. Este disco es más maduro que los anteriores", explicaba la cantaora en una entrevista telefónica hace algunas semanas. "Supongo que eso se dice siempre del último disco, pero yo lo siento así de este trabajo, ahora soy más consciente de lo que hago y de lo que quiero hacer en el cante". Y eso pasa por recordar a los mayores y hacerlo con el acompañamiento más tradicional: guitarra, palmas y una leve percusión.

Pero que nadie se llame a engaño tampoco: eso no quiere decir que Marina se encorsete en una antología del cante en su tercer disco. El trabajo abre con una versión por bulerías de una canción de Vicente Castro, Parrita: No me lo creo. Después, Heredia se enfrenta a unos tangos granaínos (De los peroles) que domina a la perfección y que se nota que disfruta cantando porque forman parte de su repertorio en directo desde hace años y en los que le acompañan los coros de Reyes Martín y Anabel Rivera. Le sigue Pal Parrón, una soleá contenida que rompe de emoción casi al final, sentida y dedicada a su padre.

Tras unos fandangos del Albaicín (En el cafetín) en los que la voz de la Heredia se rompe cantándole a su tierra, la cantaora acomete una seguiriya (Cruz vieja) que dedica a Jerez, y en la que cuenta con una de las colaboraciones especiales de este trabajo: la guitarra de Diego del Morao (Jerez, 1979), con quien la cantaora tenía ganas de trabajar desde hace tiempo. "Como la seguiriya es un homenaje a Jerez y a la Paquera, yo creo que era la ocasión idónea para contar con él", comentaba Marina.

Después, otra colaboración estrella: la del bailaor Farruquito, cuya faceta de letrista flamenco viene desarrollando desde hace algún tiempo. La cantaora lo explica así: "Yo estaba intentando hacer el repertorio que iba a ir en el disco y me faltaban unas alegrías que quería yo grabar, me apetecía mucho, pero no quería que fueran totalmente clásicas o populares, quería algo más fresco. Y pensé en Farruquito. Yo conocía otras cosas que él ha escrito, y habíamos hablado alguna vez de esto, así que un día le llamé y al poco tiempo me las mandó, y además me las envió un poco más largas de lo que yo le había pedido para que pudiera elegir". El resultado de la colaboración es Sed, una letra de amor que en la voz de Marina es juguetona, gitana y gaditana.

Malagueña (El Perchel), y bulería a nudillo (Entre chinos) siguen a las alegrías. Pero, contrariamente a lo que podría ser tradicional, Marina decide cerrar el disco con un último homenaje: a Encarnación Fernández, cantaora de La Unión (Murcia), curtida y maestra en los cantes propios de su tierra, y perteneciente a una estirpe de cantaores que dominan estos estilos levantinos. Encarnación es, en la voz de Marina, ese reconocimiento a una familia que mantiene vivos unos cantes difíciles de acometer y que no tantos cantaores llevan en sus repertorios.

Todo esto y algunas sorpresas estarán mañana sobre las tablas del Lope de Vega y en la voz de Marina Heredia, que hace algunas semanas explicaba cómo pensaba preparar esta puesta de largo de su nuevo disco: "Se ensayará un poquito unos días antes, pero como recoge cantes populares y tradicionales que venimos haciéndolos mucho tiempo en directo, los tenemos muy controlados, y le cabe mucha improvisación".

La denominación no es mía, pero ella, Rocío Molina, me dijo en una entrevista que es como más le gusta que le llamen (se lo puso Ana Olabarria, escritora de la crónica que en Por los Caminos del Cante hicieron de la bailaora). Pues la danzaora Molina estará, mañana por la noche, en el Teatro de la Maestranza de Sevilla, como parte de la programación de la XVI Bienal de Flamenco, con su último espectáculo estrenado, Cuando las piedras vuelen.

Hoy se publica una entrevista con ella en Babelia con motivo de su presencia en la Bienal. Puedes leerla pinchando aquí .

En dicha entrevista, Rocío Molina nos habló también sobre otros elementos de su personalidad, su baile y de su carrera:

-¿Siempre has tenido claro tu estilo?
-”Sí, siempre. Yo ya con 11 años me metía en la cochera de mi casa y le pedía a mi padre que me pusiera un espejo y un suelo y empecé ya a montar mis cosas”.

-¿Qué te aporta montar tus propias coreografías?
-”Hombre, es la única forma de mostrarte transparente, es la esencia, porque te estás mostrando tal y como tú eres, y en algún momento te mueves de una forma o te mueves de otra porque estás en un momento de tu vida de más búsqueda, de más calma, de más inquietud… Nadie va a venir a contarte cómo te sientes, tienes que buscarte tú, es a ti a quien te pasa. Te aporta mostrarte tú como eres, como estás, si estás bien, si estás mal, al final sale con el movimiento”.

-¿Qué buscas contar en tus espectáculos?
-”Cada uno tiene su historia. Todo es personal. Yo me exijo a mí misma como bailaora por las necesidades de contar algo, de mejorar mi cuerpo o mis movimientos, pero no echo cuenta de lo que hago ni de quién me ve…Aunque sí que cuando miro atrás pienso: “Madre mía, he hecho siete producciones y si hago otra qué hago, qué voy a contar ahora…” Te tienen que suceder cosas para montar algo. Eso sí, cuando acabo un espectáculo supero un reto en mi vida, así que es como una liberación”.

(FOTO: CRISTÓBAL MANUEL)

Miguel Poveda inauguró anoche, en la plaza de toros de La Maestranza de Sevilla, la Bienal de Flamenco. Por motivos profesionales, yo no pude ver anoche el espectáculo, llamado Historias de viva voz y que pretendía hacer un recorrido por la historia del flamenco, un recorrido en el que, además de Miguel Poveda, iban a estar muchos otros artistas actuales. Con la dirección escénica de Rafael Estévez, dirección musical de Estévez y Poveda y música original de Alfredo Lagos, Jesús Guerrero y Chicuelo, el espectáculo, que en principio estaba pensado para ser gratuito en la plaza de San Francisco y que luego se cambió al coso sevillano, tuvo lugar con las entradas agotadas.

Para los que no pudimos ir, podemos hacernos una somera idea de lo que aconteció en la Maestranza leyendo lo que publican los diferentes medios de comunicación hoy. Mi recomendación es leerlos todos, porque hay opiniones para todos los gustos. Aquí va un resumen:

El Correo de Andalucía :
El gran imitador consumó su osadía
Por Manuel Bohórquez
“…. Poveda desenterró anoche la Ópera Flamenca y los puristas se vistieron con sus mejores galas para celebrarlo…. Cantaor es, desde luego, aunque no es para tanto. Cualquier buen aficionado de uno de esos pueblos cantaores de Andalucía lo cogería en una reunión de cabales y lo fundiría vivo. Es un gran imitador y, sin embargo, lo venden como un revolucionario… Su capacidad remedadora le ayudó a sacar adelante un espectáculo de más de dos horas y media de duración. ¿Cómo, si no, se iba a meter en tamaño berenjenal un cantaor sin bagaje artístico, sin obra discográfica de interés y sin ninguna profundidad para interpretar los cantes grandes? Imitando a todo Dios…”

Diario de Sevilla :
Esta noche mandaba Poveda
Por Juan Vergillos
“…Poveda dio lo mejor que tiene: su versatilidad social, su capacidad de conexión con los tendidos, la plasticidad de su voz y su enorme afición que le lleva a confundirse con Valderrama y Miguel de Molina, a perderse por Jerez, Málaga o Huelva. Esa capacidad de picar en todas las flores de la geografía jonda…”

ABC :
Poveda, Historia viva del cante
Alberto García Reyes
“…Voy a recurrir a una frase de Bernarda. “Hoy hay muchos cantaores y muy pocos artistas”. Ea, pues en la gracia de su tocayo, bambineando, le explicó Poveda al mundo que él es uno de los elegidos. Que es un animal del escenario y un coloso de la interpretación… Juro por mis entretelas que no le había visto cantar así antes. Se dejó la última gota de sangre para terminar de exhibir sus infinitos registros…"

El Mundo :
Miguel Poveda, una voz para un futuro mejor
Manuel Martín Martín
“…El público, que disfrutó durante dos horas y media, se rendía ante un Poveda que nos enseñaba que si la mejor manera de evitar los errores del pasado es recurrir a las voces complacientes de la historia para buscar las raíces, a la hora de contemplar los discursos expresivos, hay que hacerlo desde la distancia, con perspectiva histórica, aprendiendo de sus errores y utilizando sus aciertos para llevar el flamenco a su máximo esplendor. Así se garantiza el futuro del arte…”

Actualización del 17 de septiembre:
EL PAÍS :
Elogio del exceso:
Fermín Lobatón
"...cobra peso, sin duda, la dimensión que está tomando el fenómeno Poveda, que trasciende ya de lo artístico para convertirse en social. Pero también del mismo artista se desprendieron otra serie de razones que se identifican con valores como la entrega, la generosidad, la afición y la suerte de gozar con lo que se está haciendo. Aunque se roce la extenuación por el esfuerzo: un cante y otro cante, un estilo y otro más... y tanta entrega termina contagiándose y aliviando como un bálsamo cualquier incomodidad..."

¿Estuviste allí? ¿Qué visión te parece más cercana a lo que ocurrió en la Maestranza?

(FOTO: LUIS CASTILLA, Bienal de Flamenco)

Es una cantaora joven. Rosario Guerrero, La Tremendita (Sevilla, 1984), hija de Juan el Tremendo, se abre camino en el flamenco. Tiene una voz potente, personal, que sabe utilizar modulando, matizando, pese a su juventud. Una voz que suena a viejo y recuerda, por momentos, a su admirado Caracol. Arrancó, como muchos otros cantaores de su generación, dándose a conocer en peñas y concursos, y después, unas colaboraciones con el baile muy bien elegidas, la pusieron en el mapa. Ahora presenta su primer trabajo discográfico, A tiempo, publicado por Harmonia Mundi, y elige el mejor escenario posible para mostrarlo al mundo: el de la XVI Bienal de Flamenco de Sevilla. El lunes 4 de octubre estrena su primer disco en las tablas del Teatro Central.

"El disco se llama A tiempo porque por mí hubiera grabado hace ya 10 años, pero creo que las cosas vienen justo en su momento, de la manera en la que tienen que venir y con quien tienen que venir". Así lo explicaba Rosario en una entrevista celebrada en Sevilla a principios de mes, para un suplemento sobre la Bienal que se publica con EL PAÍS mañana.

"Tiene 12 temas, parte es tradicional, rescatado del pasado y parte son composiciones mías", explica. "No quería hacer un disco de composiciones mías como primer álbum porque me parece demasiado pretencioso y además me parece renegar un poco de lo que he hecho hasta ahora, porque realmente me he alimentado de lo que ya existía. Por otra parte he querido dejar grabado el interés y la inquietud que tengo yo en la música: composición, arreglos..." Y añade: "En el primer álbum tampoco he querido ir más allá, sólo reflejar mi concepto de la música, del flamenco".

La Tremendita es una cantaora inquieta, y curiosa. Le gusta investigar el folklore español porque, dice, el flamenco hunde su raíz ahí. "Si te pones a investigar te das cuenta de que muchas de las cosas que cantas viene de ahí", explica. Se declara una enamorada de la guitarra, instrumento que domina y sin el que, afirma, no podría trabajar, y le interesa todo lo que implica la música: la interpretación, la investigación, la composición. Este primer disco es tan personal que ella misma se ha implicado en las labores de producción, en las que le ha acompañado José Reinoso, pianista, compositor y productor de jazz uruguayo afincado en Barcelona.

"Lo mejor que tiene el disco es que se ha hecho en diez días, lo hemos grabado en Barcelona, me llevé a todos los músicos allí y se han hecho tres tomas de cada tema, y de estas tres tomas se ha elegido una. No quería un disco muerto, ni luz de palmas, lo que mejor tiene este disco es que está vivo, podrá tener fallos, se podrían haber elegido otros temas, pero es el momento, se ha grabado lo que ha sido ese momento. Hay un tema que hemos grabado a piano y yo estaba cansadísima, con la voz rota de los diez días, pero realmente lo he dejado porque fue eso lo que ocurrió".

"A nivel musical lleva arreglos diferentes, no he querido utilizar los instrumentos de siempre". Junto a Rosario han estado músicos procedentes del jazz y del flamenco: el trompetista Raynald Colom, los guitarristas Salvador Gutiérrez y Antonio Rey (con los que Rosario suele actuar en sus recitales), el bandoneonista Marcelo Mercadante y el percusionista Paquito González.

Pero además, cuenta con una colaboración de excepción, la de la bailaora Rocío Molina, con la que Rosario tiene una relación muy especial. La Tremendita ha formado parte de los últimos espectáculos de la bailaora, Oro viejo y Cuando las piedras vuelen (que también estará en la Bienal, el próximo domingo 18 de septiembre), del que además, la cantaora, es la directora musical. "El trabajo que presenta ahora he hecho yo toda la dirección musical y es todo del folklore", explica.

Es una voz nueva, rica, que apenas comienza, pero que, si sabe trabajar y continuar profundizando, tendrá una larga carrera, como las que tuvieron algunas de las personalidades flamencas a las que admira: "Manolo Caracol es uno de los cantaores que más me emocionan y además de ser cantaor fue artista. Es un referente porque además, en aquella época, llevar el flamenco al piano, la manera de cantar, de pie, como Pepe Marchena, este tipo de cantaores que han creado tanto en el escenario me aportan muchísimo.

Después, Camarón para mí es un genio, todo lo que pasaba por él, de manera consciente o inconsciente, lo hacía de él.

Pero sobre todo me ha aportado la guitarra: desde Montoya a Sabicas, Paco de Lucía, Vicente Amigo, Tomatito... Si me tengo que motivar con algo para ponerme a ensayar es con un disco de guitarra".

Ayer fallecía en Lanzarote el escritor José Saramago, Premio Nobel de Literatura en 1998. Cuando se va una persona ilustre se tiende a buscar la conexión con el campo en el que cada quien trabaja y a homenajearle, cada quien con su propio lenguaje. Así ocurre hoy. El Diario de Sevilla recuerda que, en 2008, la bailaora sevillana María Pagés eligió un poema del Nobel portugués (Alzo una rosa) para uno de sus espectáculos, Autorretrato, quizás el más personal de su trayectoria, y estrenarlo en la Bienal de Flamenco de Sevilla de aquel año:

Alzo una rosa, y todo se ilumina
Como no hace la luna ni el sol puede:
Serpiente de luz ardiente y enroscada
O viento de cabellos que se mueve.

Alzo una rosa, y grito a cuantas aves
El cielo colorean de nido y de cantos,
En el suelo golpeo la orden que decide
La unión de los demonios y los santos.

Alzo una rosa, sí, y oigo la vida
En este cantar de las aves en mis hombros.

"José los grabó un poco antes en mi casa de Sevilla. Me gustó la sinceridad de su discurso, su voz de hombre mayor. Mi idea era bailar como si estuviera encima del libro de donde salen esas palabras. Es mi coreografía más corta, dura sólo un minuto, pero está llena de contenido y cambió mi carrera ", explica la bailaora a la periodista Charo Ramos.

En Autorretrato interviene el mismo escritor recitando el poema en su versión original, en portugués. Recuerdo que en Sevilla, en 2008, era una voz grabada, aunque según explica la Pagés hoy, en otras ocasiones fue el poeta quien lo recitó en directo. Recuerdo que fue un momento emotivo, la bailaora y la voz desnudos, frente a frente, sobre las tablas. Un homenaje que la Pagés volverá a hacer, ahora si cabe con más emoción y que hará que el escritor, como ocurre siempre con los homenajes, nunca se termine de marchar.

José Fernández Torres, Tomatito (Almería, 1958), el guitarrista que se encumbró como escudero de Camarón de la Isla durante 18 años, visita mañana la redacción de El País. Lo hace para responder las preguntas de los lectores. Tomatito acaba de publicar en el sello de música clásica Deutsche Grammophon en colaboración con Universal Music y junto a la Orquesta Nacional de España dirigida por Josep Pons el disco Sonanta Suite, un acercamiento entre el flamenco y la música sinfónica.

Desde este post animamos a todos los aficionados y lectores del blog a enviar sus preguntas al guitarrista almeriense. Puedes hacerlo aquí. Él las responderá el jueves 29 de abril a las 18.30 horas.

En estos días, con motivo del lanzamiento del disco, se han dicho algunas cosas que no son ciertas. No es cierto que Tomatito se acerque ahora a la música sinfónica por primera vez. Es cierto que es la primera vez que lo recoge en una grabación, pero este es un proyecto que el guitarrista traía desde hace algunos años. En 2004 actuó en la XIII Bienal de Flamenco de Sevilla, acompañado de la Orquesta Sinfónica de Cádiz bajo la batuta de Joan Albert Amargós (que para esta grabación se ha encargado de los arreglos), con el título que da nombre al disco actual: Sonanta Suite. Ese mismo año lo llevó a las tablas de Córdoba y Barcelona. También lo presentó en Matadero, en Madrid, en 2008, donde se hizo la primera grabación para este disco, que se completó en el Auditorio Nacional y algunas sesiones de estudio. En el disco se siente la fuerza del directo, aunque el sonido de la guitarra se pierde en algunos momentos por la poderosa orquesta, con mucha presencia. Esto, sin mencionar el Soy gitano (publicado en 1989), que grabó con Camarón y la Royal Philarmonic Orchestra en Londres y en el que también intervinieron Vicente Amigo y otros músicos como Carles Benavent o Tino di Geraldo.

Tampoco es cierto que su hija, María Ángeles Fernández, colabore con Tomatito por primera vez. En muchos recitales le acompaña desde hace algunos años. Ahora, además, canta por alegrías, tangos, soleá y taranta en este nuevo proyecto, que recoge cinco temas compuestos por el guitarrista a lo largo de su carrera (y adaptados a la interpretación con orquesta). Así ocurre con los tangos (Al final tú serás mío) que recupera de su último disco de estudio en solitario, Aguadulce y Voces de ángeles, de Paseo de los castaños.

Además, el disco incluye un tema compuesto por el pianista de jazz Michel Camilo, con el que Tomatito ha grabado dos discos (Spain y Spain again). Se trata de Two much. La colección se completa con Adiós Nonino, escrito por el argentino Astor Piazzolla y que Tomatito y Camilo grabaron en su segunda colaboración discográfica.

Hijo y nieto de guitarristas, su nombre siempre aparecerá ligado al del genial cantaor de San Fernando, porque desde los 15 años tocó con él. Fueron 18 años de recitales y grabaciones y de admiración mutua. Cuando Camarón murió, se quedó huérfano. Desde entonces, su carrera ha oscilado entre el acompañamiento a estrellas del pop y cantaores seguidores de la estela del de la isla y los trabajos en solitario. Ha compartido escenario con artistas tan dispares como Frank Sinatra, Elton Jonio Chick Corea, el mentado Michel Camilo o el español Carlos Cano. Pero también ha grabado junto a Duquende o Pansequito. Su último trabajo como solista fue Aguadulce, publicado en 2004.

Tras un largo descanso navideño (para algunos afortunados), el flamenco vuelve a llenar los escenarios. El año que ha terminado ha estado marcado por la crisis económica, lo que ha ralentizado la actividad, pero no ha impedido que lo jondo siguiera llenando los carteles. Hay grandes esperanzas para 2010, fundamentalmente para el directo, espacio natural para el desarrollo de este arte.

Vuelven los festivales tradicionales con fuertes expectativas. Ya han arrancado dos, uno en Sevilla, los Jueves Flamencos que organiza la Obra Social de Cajasol (y que se mantiene todo el año) y otro en Madrid: el ciclo Andalucía Flamenca en el Auditorio Nacional, que alcanza su tercera edición y ha arrancado esta misma semana con un recital de Gerardo Núñez. Hay uno más en marcha, fuera de nuestras fronteras: el Festival de Nimes, en Francia, que comenzó el pasado 7 de enero y mañana ofrece la actuación del espectáculo Sin Frontera, con el cante de Miguel Poveda y Luis el Zambo como protagonistas.

A la vuelta de la esquina están algunos de los festivales ya tradicionales. Será en febrero cuando vuelva el XVIII Festival de Flamenco Caja Madrid (del 16 al 26 de febrero), cuyo cierre coincidirá con la apertura del XIV Festival de Jerez (del 26 de febrero al 13 de marzo). Este mismo mes se cumplirá el décimo aniversario de uno de los encuentros flamencos más importantes fuera de las fronteras españolas, Flamenco Festival, en EE UU y Londres.

En mayo, la V SUMA Flamenca en Madrid, en julio el Festival de Guitarra de Córdoba, que cumple 30 años y acogerá la presentación del nuevo trabajo discográfico de Paco de Lucía. Ese mismo mes, otro clásico, el Festival de Mont de Marsan. En agosto, el Festival de Cante de Las Minas de La Unión, que cumple 50 años y en septiembre (del 15 al 9 de octubre), el más importante: la Bienal de Flamenco de Sevilla.

Para ir abriendo boca, esta misma semana estaremos viendo la Fedra de Miquel Narros protagonizada por Lola Greco y con música de Enrique Morente, el tradicional festival del colegio mayor madrileño San Juan Evangelista, que este año homenajea al cantaor almeriense Alfonso Salmerón y a Israel Galván, en un insólito combate de lucha libre flamenca en el Teatro Circo Price de Madrid.

Con este nombre (TI-ME-TA-BLE, o el tiempo inevitable) se presenta esta noche en el Teatro de las Bellas Artes de Madrid la última propuesta de los bailaores Marcos Vargas y Chloé Brûlé, una obra que se estrenó en la última Bienal de Sevilla, en la que ganó el Premio Giraldillo a la Innovación. Flamenco con amplitud de miras pero con base, una obra que recoge la esencia de lo jondo y lo sazona con elementos dramatúrgicos, de danza clásica y contemporánea, para contar una historia en la que el amor y el paso del tiempo son los elementos esenciales. Soleá, tangos, martinete, trilla, saeta, pero reinterpretado de forma plástica, visual, con una visión muy personal.

La obra, dirigida por Antonio Campos, está concebida con pocos elementos escénicos pero cargados de significación. Gravita en torno a los personajes representados por la pareja de bailaores: Marcos Vargas, que antes de iniciar el camino de esta compañía formó parte de otras como La Cuadra de Sevilla, la compañía de Mario Maya o la Compañía Andaluza de Danza y Chloé Brûlé, que ha trabajado con artistas como Javier Latorre, Israel Galván y Ángeles Gabaldón. En el escenario hay un tercer protagonista: el cantaor Juan José Amador, que vuelve a demostrar aquí que es un auténtico animal de escena. No sólo exhibe en este espectáculo sus decisivas dotes de cantaor por derecho sin el menor acompañamiento de palmas o música; además, se convierte en protagonista, articulando así la bisagra necesaria para el desarrollo del guión.

Los Amador, extensa familia ligada al flamenco, presta otro de sus miembros a TI-ME-TA-BLE, para dar altura y calidad a la propuesta. El más joven de los hermanos, Diego Amador, aparece como compositor de buena parte de las músicas del espectáculo, además de interpretar las piezas de piano en directo.

Raíces y alas, el homenaje a Juan Ramón Jiménez de Carmen Linares y Juan Carlos Romero, acumula hoy otro premio a la lista de galardones que lleva desde antes incluso de su publicación. Hoy se ha alzado con el premio a Mejor Álbum de Flamenco en los XIII Premios de la Música, cuyos ganadores han sido dados a conocer en Madrid por Cristina y Amparo Llanos, del grupo de música rock Dover. El trabajo de la cantaora de Linares se ha hecho con el galardón por delante de Soulería, de Pitingo, Cuando Lebrijano canta se moja el agua de El Lebrijano y Pablo de Málaga de Enrique Morente, que en estos días protagoniza titulares por su participación en la I Bienal de Flamenco de Buenos Aires.

Los Premios de la Música, que serán entregados en una gala el próximo 12 de marzo en Badajoz, fueron creados en 1996 por la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE), la Fundación Autor y la Sociedad de Artistas, Intérpretes y Ejecutantes (AIE) "en reconocimiento al trabajo de autores, artistas, compositores y, en general, a todos los profesionales de la música", según reza en su página web.

Raíces y alas, último trabajo de estudio de Carmen Linares (presentado en una entrevista y vídeo en ELPAÍS.com), ha ganado varios premios desde su estreno en vivo, anterior al lanzamiento del disco al mercado y que tuvo lugar en la última Bienal de Flamenco de Sevilla. Allí, Juan Carlos Romero, compositor de la obra, se hizo con el Giraldillo al toque, el premio que la organización de la Bienal concede al mejor guitarrista del festival. Además, la prensa especializada acreditada, que también otorgó sus galardones, concedió a Juan Carlos Romero, en calidad de director musical del trabajo, el Premio a la Mejor Obra Musical de la Bienal 2008.

Además de otros premios no menores pero quizás sí menos populares, el pasado mes de febrero lograron también el Premio a Mejor Disco de Guitarra de Acompañamiento en la X edición de los Premios Flamenco Hoy, otorgados por los críticos y entregados en Jerez.