Por Bloguerías

Es hermano del guitarrista Alfredo Lagos, pero ya tiene una trayectoria en el cante como para presentarse por sí mismo. Nombres como Israel Galván, Andrés Marín, Cristina Hoyos y Belén Maya avalan su carrera artística. El cantaor jerezano David Lagos (Jerez de la Frontera, 1973) publica su primer trabajo discográfico, El Espejo en que me miro, con el sello discográfico Flamenco World Music. Un disco que pretende ser un homenaje a todos los flamencos de los que aprendió algo y una manera, también, de partir de esa base para poner su toque personal en el cante.

Se trata de un trabajo cuidado, grabado en Tarifa, y que cuenta con grandes colaboradores, como el cantaor jerezano Fernando de la Morena, con el que aparece en Gañán de punta y el guitarrista Moraíto, que colabora en el mismo tema. Alfredo Lagos a la guitarra, Carlos Grilo y Luis Cantarote a las palmas, Paco González en la percusión, el contrabajo de Pablo Martín y los taconeos de Mercedes Ruiz completan la nómina de artistas reunidos para la ocasión.

David Lagos tiene una voz de miel, osada desde el conocimiento, que busca y se requiebra sin ser gritona ni disonante. Pretende ser un paso adelante a todo lo que ya conoció el cantaor. Como ejemplo están el homenaje a Antonio el Sevillano, al que dedica un cante por milonga que se convierte en una bulería (Sólo la guitarra sabe) y que se resuelve con acierto aquí. También la colaboración con Fernando de la Morena, Gañán de punta, una trilla-soleá con gusto y hondura sazonada con el toque de Moraíto. El disco es una búsqueda personal, desde la experiencia y el contacto con los mayores. Con los grandes nombres del flamenco, a los que homenajea aquí, pero también con los cantaores anónimos, los que todavía disfrutan del flamenco en familia y que Lagos conoce a la perfección.

El cantaor descubre aquí también su faceta de letrista, que ha compartido hasta ahora con otros compañeros, como Miguel Poveda y Argentina. Bulerías, tangos, alegrías, malagueñas, cantes de levante y tonás pasadas por el personal tamiz de este flamenco. A La Paquera y a los cantaores de su generación dedica las bulerías introductorias, a Chacón las malagueñas, a Chano Lobato las alegrías. Pero aún hay más. Enrique Morente está presente en los Tangos de arena, unas letras de José Bergamín y Miguel Hernández que forman parte del espectáculo de Israel Galván Arena y que en dicho espectáculo canta el maestro granaíno en una versión libre.

(FOTOS: Flamenco World Music)

La cantaora María José Pérez (Almería, 1985) publica un disco de debut que es toda una declaración de principios: flamenco clásico, tradicional, libre, melódico, sin más pretensiones que una gran voz, conocimiento y sensibilidad. Cante flamenco, producido por Juan Mesas, cuenta con el toque sobrio y delicado de Miguel Ochando y las colaboraciones a la guitarra de Gerardo Núñez, Rafael Santiago Habichuela y de Alfonso Alcalá en el bajo eléctrico, único elemento que, sin destacar en exceso, roba sabor añejo a la grabación. En el disco se incluyen letras tradicionales, pero también algunas composiciones de José Luis Ortiz Nuevo, que además ha asesorado a la cantaora y su productor durante todo el proceso.

El disco arranca con una canción por cantiñas en las que se entrevera una soleá, aunque como título del corte reza Alegrías. Unas cantiñas en las que la almeriense demuestra que su voz aterciopelada se mueve cómodamente por melismas y tonos, que tiene un eco antiguo de amplia tesitura pero libre, que se mueve buscando nuevas maneras de decir el cante de siempre. Sigue con unas malagueñas (Malagueña corta de la Trini) en las que Pérez se acuerda de Enrique Morente con un aire preciosista y afinado. Una soleá de escalofrío, de garganta y corazón desgarrados, granaínas, taranto y cartagenera, y seguiriya y cabal ponen la intensidad que alivian sin perder calidad los Tangos de Graná y las Bulerías reposadas y bien medidas, en las que la cantaora abre su voz, la pone al límite en tercios que se alargan melódicos y emotivos.

María José Pérez empezó como saetera a los 13 años y en seguida se hizo un hueco en peñas y festivales. Su primera gran oportunidad le llegó con 19 años de la mano de Mario Maya. Participó en Diálogo con el amargo como cantaora. Ha pasado por algunos concursos de cante, como el Festival Internacional de Cante de las Minas, en 2002, donde fue finalista, y el Concurso Nacional de Arte Flamenco de Córdoba, donde ganó el primer premio, el Antonio Chacón, en 2007. Además de esto, y aunque en su carrera como cantaora no tenga excesiva influencia, ha tenido tiempo de diplomarse en Logopedia y Magisterio de Audición y Lenguaje.

Lo más importante de todo, quizás, sea su juventud. María José Pérez es una cantaora cuyo máximo poder está en su voz, joven, limpia y con matices, que después de este correcto debut crecerá seguro con el tiempo y una dilatada carrera en los escenarios.

Aurora Vargas es una señora del cante. Una de esas pocas flamencas que dominan la escena y no dejan indiferente al público. Se exhibe en los cantes festeros pero imprime carácter, tensión y sentimiento en todo lo que hace. Anoche lo volvió a demostrar en el ciclo Madrid Flamenco de los Veranos de la Villa, que tiene lugar estos días en los Jardines de Sabatini de Madrid.

Arrancó por alegrías, como suele hacer en sus recitales, unas alegrías clásicas que ella domina y disfruta con poderío. Tiene una voz arrolladora, de fuerte personalidad, adolorida y poderosa. Acompañada por las palmas de sus habituales Eléctrico y Rafa Junquera y por la guitarra de Diego Amaya, que ejecutó un toque preciso, clásico, acompasado y al servicio de la gran voz que acompañaba, Vargas puso la intensidad desde la primera nota que salió de su garganta.

Después vino la soleá, larga y sentida. Tanto, que al acabar el cante la sevillana no sabía ni qué decir. “Me emocionao un poquito”, reconocía al público que se deshacía en aplausos y oles. Cantar en Madrid, explicó, le hacía recordar sus inicios en el flamenco en el tablao de los Canasteros, de Manolo Caracol, para quien también quiso tener un recuerdo especial anoche.

La intensidad no bajó después del momento mágico de la soleá. La mantuvo en los tangos y la transmitió a la seguiriya. En este cante, poco habitual en una cantaora de la que se dice que domina los palos más festeros, Vargas se terminó de romper y derrochó fuerza y sentimiento. Los mantuvo en las bulerías, para las que se adueñó del escenario. Sin micro, con micro, en el micro de la guitarra… Aurora Vargas llenó de duende el escenario. Cada cante en la hora y pico que estuvo en el escenario fue puro derroche, una lección de maestría. Aún quiso dar más y cerró por tonás, unas tonás que en su garganta sonaron negras como pocas.

La lección de cante de Aurora Vargas estuvo precedida por el buen hacer de una bailaora joven y clásica, la malagueña Luisa Palicio, que en tan sólo dos bailes mostró que es una digna heredera de la escuela sevillana, esa escuela de baile preciosista, de disfrute, de braceo colorista y quiebros de cintura, de emoción contenida y manejo de la escena. Palacio bailó por soleá con bata de cola y por guajiras vestida de blanco, con gracia, soltura y emoción. Demostró su destreza con el mantón, también con el abanico. Hizo un baile elegante y sensual, arropado por las voces rotas de Moi de Morón y Juan Reina y la guitarra de Rafael Rodríguez.

Anoche arrancó en Madrid el ciclo de flamenco del festival Veranos de la Villa. Lo hizo con cante de fuerza, entrega y pasión. En blanco y negro. El blanco de una camisa de volantes y de una voz, la de la joven onubense Rocío Márquez, fuerte y sonora, limpia y en desarrollo, que llenó los Jardines de Sabatini en la primera parte del recital. El negro lo pusieron la camisa y la voz de José Domínguez, El Cabrero. Fueron el dolor y la oscuridad en la segunda parte de una noche fresca y de patio de butacas lleno.

El Cabrero es un cantaor singular. Anoche lo volvió a demostrar. El público abarrotaba los Jardines, algunos con camisetas del cantaor, expectantes, luego conmovidos con el arte del sevillano que comparte su pasión por el cante con el del campo y el cuidado de sus cabras. Anoche volvió a exhibir su voz potente, fuerte, sobria y furiosa que levantó ovaciones desde sus primeros cantes por soleares. Vestido con su atuendo característico, de negro riguroso, sombrero y pañuelo en el cuello, el Cabrero cantó con rabia y con dolor. La guitarra nerviosa y agitada de Rafael Rodríguez, algo acelerada, dificultó el disfrute del cantaor con su cante, pero incidió en la rabia y la fuerza. El público apreció, en cualquier caso, su toque rítmico, armónico, característico de la escuela de Morón.

Cantó el de Aznalcóllar por soleares, malagueñas, fandangos y algunas de las adaptaciones por bulerías que tiene en su repertorio de canciones libertarias, levantando al público de sus asientos con letras como "ni guerra, ni dios, ni amo". No deja de ser curioso escuchar a este flamenco, vinculado con el anarquismo andaluz, rebelde y libertario, reclamar la República en el escenario de los jardines de un palacio, el Real, anoche fondo recio de la figura oscura del cantaor. Habrá quien piense que es una osadía hacerlo, incluso una falta de respeto. Quizás el cantaor pensó que justo este es el lugar para cantar sus letras, impregnando los rincones del jardín de sus deseos de un mundo más justo.

Quiso hacer también el Cabrero un particular homenaje a Manolo Caracol. "Ya podía yo haberlo influido en ideas", se lamentó en la presentación, “pero me quedo con el duende y el genio”. Su personal revisión del Carcelero volvió a poner en pie al público. El cantaor se sintió anoche a gusto en el escenario, saliendo hasta tres veces a complacer a su "querido público", como constantemente repetía. Cerró con unos fandangos de letras un tanto guasonas, y por petición popular, añadió uno de sus temas más repetidos en los escenarios, Luz de luna.

Voz joven y poderosa

La voz de Rocío Márquez, ganadora de la Lámpara Minera (máximo galardón) del Festival Internacional de Cante de Las Minas de La Unión el año pasado, fue la primera en llenar los Jardines de Sabatini. Lo hizo con la guitarra elegante de Guillermo Guillén, que le acompañó sin robarle protagonismo, dándole espacio en su cante melódico, de tercios largos y compás adormecido. También estuvieron con ella el cajón de Jorge Pérez y las palmas de Juan Aguirre y Marcos Jiménez.

Márquez demostró anoche que tiene una voz sobrada, con melismas de sabor antiguo, que trae a la memoria voces como la de Juan Valderrama. Arrancó por serrana y verdial, y siguió con cantes en los que se sintió segura, cómoda, más alegre que profunda. Fandangos, cuplé por bulerías, farruca y milonga, tangos y bulerías en el cierre, todos exhibiendo su voz, más en los tonos medios aunque, como bien demostró anoche, sin miedo a los más altos, que domina con potencia y afinación. Lástima que prefiriese no entrar en los cantes de levante más que en una letra por mineras, después de que son los que más puertas le han abierto.

Rocío Márquez, que sólo tiene 23 años y que desde muy pequeña recorrió escenarios y concursos infantiles buscando un hueco en el cante, comenzó a hacer sonar su nombre más intensamente después de su paso por el festival de Las Minas del año pasado. Tuvo un éxito que no se repetía desde el paso de Miguel Poveda en 1993. Formada en la escuela de Cristina Heeren de Sevilla, tiene conocimientos y tiene voz, pero también una larga carrera por delante. Aún tiene que buscarse en su cante, explotar otros registros, incomodarse y experimentar para ser una gran cantaora. La base está ahí, anoche lo demostró y puso en pie al público, que seguro recordarán su recital.

(Fotografías de EFE)

Marina Heredia (Granada, 1980), una de las voces jóvenes más prometedoras del flamenco, está de estreno. Después de llevar todo el año participando en festivales con su metal gitano recreando cantes grabados y otros tradicionales, ahora la hija de Jaime Heredia El Parrón, (quien además, le acompaña en este espectáculo) presenta, en su ciudad natal, su particular visión sobre la historia de uno del barrio más emblemático de Granada.

Cancionero del Sacromonte se estrena hoy en el Festival Internacional de Música y Danza de Granada y lo hará en un lugar muy especial de dicho barrio, la Abadía del Sacromonte, que por primera vez será sede de unos de los espectáculos del Festival. Con una estética ambientada en el flamenco de los años 30 y 40 (el vestuario ha sido diseñado por Vicky Martín Berrocal), Marina Heredia quiere reflejar, a través de su cante y acompañada por los guitarristas Miguel Ochando, Luis Mariano y José Quevedo El Bola el alma del Sacromonte. Lo hará, con la dirección escénica de Irin Evans, a través de los cantes más tradicionales de Granada, recogiendo la herencia musical de las civilizaciones que han pasado por la ciudad y que han recalado en el flamenco. Fandangos, debla, martinete, tangos, saeta, granaínas, seguiriyas, o soleares, todos en la forma en que se dicen en Granada, serán los principales ingredientes del menú de esta noche, aderezado con el baile de una prima de Marina, Jara Heredia. También habrá recitados de poemas de Mario Benedetti, recientemente fallecido, y Federico García Lorca, que no podía faltar en un espectáculo flamenco de Granada.

El Festival Internacional de Música y Danza de Granada, que estrena el espectáculo, arrancó el pasado 25 de junio. No es un festival flamenco, pero ha contado con muchos artistas de lo jondo. El homenaje de Belén Maya a su padre, Mario Maya, presentado en el último Festival de Jerez y la compañía de María Pagés con su Autorretrato, son los que hasta ahora han podido verse en la ciudad. Hoy es el turno de Marina Heredia y su Cancionero, que con su estreno cerrarán la presencia flamenca en este festival.

Juventud y consolidación

Marina Heredia pertenece a la nueva generación de cantaores que prefieren buscarse en los clásicos para avanzar desde ahí y encontrar su hueco en el flamenco. Junto a otras voces como las de Estrella Morente, Arcángel o Miguel Poveda, Marina se ha revelado desde muy joven como una cantaora con grandes facultades y personalidad suficiente como para buscar su camino desde pronto. Tiene una voz, pues, poderosa y tostada, metal gitano que se defiende con fuerza en las notas más agudas sin perder potencia ni afinación ni, por supuesto, sentimiento.

Es la suya, en cualquier caso, una carrera sin prisas. Aunque nunca ha dejado los recitales, tiene dos discos en el mercado, Me duele, me duele, publicado en 2000 y La voz del agua, el más reciente, publicado el año pasado. Entre los dos se ha producido la maduración de la artista en los escenarios, donde siempre se ofrece mucho más tradicional, más directa, más flamenca que en las grabaciones. Ahora prepara ya la tercera entrega discográfica, cuya grabación compaginará este verano con las presentaciones del Cancionero del Sacromonte.

Hablar de la trayectoria del cantaor Manolo Caracol es complicado. Primero porque es muy popular. Cada aficionado al flamenco, simpatizante o si quiera paisano tiene su propia idea de quién fue y qué significó para este arte. Segundo, porque su trayectoria y personal arte fue tan grande que resulta difícil desmenuzarlo en tres párrafos.

Manuel Ortega Juárez, más conocido como Manolo Caracol, nació el 9 de julio de 1909 en Sevilla. Este es, pues, el año de su centenario y para ello, como explicaba hace unos meses Santiago Belausteguigoitia desde Sevilla, se han organizado varios actos de conmemoración. Esta misma semana (6, 7 y 8) tiene lugar un congreso, Manolo Caracol, un cantaor de leyenda, en Sevilla. Varios estudiosos del flamenco debatirán sobre la trayectoria y el estilo de este artista. La participación en el seminario es gratuita. Seis conferencias y una mesa redonda formarán el programa. Félix Grande, Cati León, Antonio Ortega, Manuel Ríos, Manuel Bohórquez, Rafael Utrera y Antonio Murciano junto a los artistas Pansequito, Manuela Carrasco, El Yunque y El Güito son los grandes nombres protagonistas. Para los que no puedan ir, podrán acceder a lo que en el congreso se trate gracias al libro que la Agencia Andaluza para el Desarrollo del Flamenco publicará con las ponencias. Además, en el congreso se presentará un disco con grabaciones inéditas del cantaor que después se pondrá a la venta.

Manolo Caracol fue una estrella de su tiempo, en solitario y gracias a la pareja artística que formó con Lola Flores. Grabó algunas películas (abajo aparece cantando y junto a Lola Flores la zambra Salvaora en la película Embrujo de 1946) y cantó zambras, más cercanas a veces a la copla que al flamenco y mucho fandango. Se hizo acompañar de piano y de orquesta y gracias a todo esto se ganó el fervor popular.

Todo con arte y entrega, pero fue mucho más que eso. Fue uno de los más grandes cantaores cuando cantaba por seguiriyas, martinetes y por el palo que dispusiera. Tenía una forma de cantar muy personal, un estilo propio y creador que dejó su huella y que hoy siguen muchos cantaores jóvenes. Tuvo un tablao imprescindible en Madrid, Los Canasteros, a donde iban otros cantaores que se ganaban la vida en la capital después de acabar su jornada con los primeros rayos de luz del día.

Puedes descargar el programa del congreso y las instrucciones para acudir a él aquí.

El ciclo Andalucía Flamenca trae mañana por la noche al Auditorio Nacional de Madrid a una cantante joven pero veterana en los escenarios. Se llama Argentina, y es de Huelva. Con 25 años, está curtida en las tablas andaluzas. Comenzó de niña, cantando fandangos, como pasa con algunos cantaores de Huelva. Formó parte de varios grupos infantiles folklóricos y en estas formaciones grabó varios discos. Después decidió ampliar horizontes y se instaló en Sevilla. El flamenco que sabe lo aprendió en una escuela, en la Fundación Cristina Heeren, donde tuvo oportunidad de estar cerca de algunos de los cantaores locales. Con esta línea en su CV, Argentina se ve obligada a justificar constantemente su forma de cantar. Algunos consideran que en las escuelas se enseña técnica, pero no corazón y que los cantaores que salen de estos centros son muy parecidos en su manera de interpretar entre sí.

El caso es que a Argentina todo esto no le ha impedido recorrer el circuito de peñas andaluzas varias veces y salir de ahí y presentarse en otros escenarios. Estuvo en la Bienal de Sevilla, en 2006, y más recientemente, en el Festival de Flamenco de Caja Madrid en los Teatros del Canal de la capital.

Grabó un disco en 2006 (tenía entonces 18 años) y desde entonces es la única muestra para disfrutar de su cante fuera de los escenarios. Lo produjo un guitarrista joven, José Quevedo, Bolita y también participan, entre otros, el joven cantaor jerezano David Lagos y los guitarras Manuel Parrilla y Diego del Morao. Cante por soleá, bulerías, tangos, guajira, rumba, seguiriya y cómo no: fandangos de Huelva.

Argentina derrocha seguridad en el escenario. Exhibe su cante: tiene voz, y es cierto: domina la técnica. Se atreve con todos los palos y en ninguno se achica. Ahora se vuelve a presentar en Madrid. Después tendrá algunas citas importantes: la primera en julio, en el Festival Mont de Marsán, en Francia, un festival que gana peso con los años. Y después, en agosto, el Festival de cante de las minas, en La Unión, Murcia.

Será a finales de abril. El viernes 24 y el sábado 25, en el Colegio Mayor San Juan Evangelista de Madrid, un lugar con vocación flamenca. Es un clásico, el festival de flamenco más antiguo de Madrid. Este año contará con la participación de un almeriense ilustre, el guitarrista Tomatito, que además estuvo también en la primera edición del festival. También estarán los cantaores Pansequito (con la guitarra de Diego Amaya) y El Pele (con Patrocinio Hijo) y los jóvenes almerienses El Niño de la Chata, Mª Ángeles Fernández y Montse Pérez.

Por el festival han pasado en los últimos 20 años casi todos los nombres del flamenco de estas dos últimas décadas. En el primero, celebrado en noviembre de 1989, estuvieron el almeriense Juan Gómez, Cancanilla de Marbella, Carmen Linares, José Sorroche, José Mercé, Chocolate y Fosforito, y las guitarras de Enrique de Melchor, Tomatito, Paco Cortés, Agustín Carbonell El Bola y Rafael Riqueni.

En su tercera edición, en enero de 1992, se pudo escuchar, entre otros, a Rancapino, Calixto Sánchez y Chocolate, aunque sin duda, esa edición pasó a la historia por ser la última ocasión de disfrutar en público de la voz de Camarón de la Isla. El crítico de flamenco de EL PAÍS, Ángel Álvarez Caballero, hizo entonces su crónica de lo que allí aconteció.

Sin duda se trata de una oportunidad única este festival, organizado por el Club de Múisca y Jazz del colegio mayor (que en octubre pasado celebró 40 años de relación con el flamenco) para disfrutar, en un ambiente relativamente íntimo (el mejor para este arte) de buen cante y toque, con especial protagonismo para este palo que minero - levantino, que dicen que tiene su origen en Almería.

En realidad, como casi todo en el flamenco, el origen del taranto es incierto. Dicen que surge a finales del siglo XIX, y dicen que nace de la taranta, que a su vez dicen que tiene sus raíces en el fandango (con una copla de cuatro versos octosílabos), al estilo en el que lo hacían en Almería. La diferencia (por decirlo de una manera burda y sin revestimientos) con su cante matriz está fundamentalmente en el compás, que en el taranto es binario mientras que en la taranta es libre (es decir, que es como un tango, unos tientos o una zambra). También en la interpretación, ya que a la taranta se le atribuye un mayor virtuosismo, una mayor exhibición vocal del cantaor, con más melismas, subidas y bajadas, mientras que en el taranto lo que prima es la expresión del cantaor. El taranto se baila y la taranta no, y la temática sobre la que versan sus coplas son diferentes: la taranta suele tratar temas mineros (porque su mayor desarrollo estuvo en la zona de minas de Murcia, Almería y Jaén), mientras que el taranto habla de los grandes temas del flamenco: la vida, el amor y la muerte.

El primero en grabarlo fue Antonio Fernández, Fosforito, en 1954 y la primera en bailarlo fue Carmen Amaya (que además protagonizó la película Los Tarantos junto a Antonio Gades, una especie de Romeo y Julieta flamenca rodada en los suburbios chabolistas de Barcelona en 1962 y dirigida por Francisco Rovira Beleta).

Antes que Fosforito lo interpretaron otros. En sus orígenes dicen que están Rojo el Alpargatero, pero también otros nombres, como Manuel Torre o Antonio Chacón y un poco después en el tiempo, Antonio Mairena, que describía el taranto así: "Al principio se debió cantar libre; luego vino la guitarra a acoplarse a una serie de matices de cantes, ganando una serie de melismas, ganando en ritmo, ganando en la eliminación de esa sequedad que tienen como consecuencia de su fundamento y su situación social" (recogido en el libro de Álvarez Caballero La discoteca ideal del flamenco).

Bajo el título Cante i Orquestra se publica un trabajo discográfico en directo protagonizado por el cante de Miguel Poveda, el toque de Chicuelo y el acompañamiento de la orquesta Simfonietta Porta Ferrada bajo la batuta de Joan Albert Amargós. Se trata de una colección de ocho temas grabados en directo en el XXI Festival Castell de Peralada (Girona) en agosto de 2007.

El repertorio elegido arranca con una bulería, Esos cuatro capotes, escrita por el poeta jerezano Antonio Gallardo y que Poveda suele incluir también en el repertorio del espectáculo Sin Frontera en el que comparte cartel junto al cantaor jerezano Luis el Zambo y el guitarrista Moraíto Chico. Le sigue una sorprendente seguiriya, en la que la orquesta hace los compases musicales de arranque y el cierre, Canela y clavo, una composición del trío protagonista del disco (Poveda, Amargós y Chicuelo) a partir de una letra popular. Arreglada musicalmente de la misma manera que la seguiriya están las alegrías Manto de estrellas, cuya letra es de Chicuelo y su hermano Isidro Gómez. El Romance de la dulce queja, de Federico García Lorca, composición musical de nuevo del trío protagonista, Danza de Equus, una pieza orquestal de Amargós, la copla Te lo juro yo, los tientos de Chicuelo Dame la mano y la adaptación de la canción popular catalana El cant dels Ocells por bulerías completan el disco.

La grabación tiene toda la calidad que se le debe exigir a este tipo de producciones. El sonido es limpio, similar al de una grabación en estudio, pero además se siente la necesaria tensión del directo, lo que lo diferencia e identifica. El repertorio está bien elegido, combinando letras más populares con temas menos conocidos, ritmos rápidos y festeros, como las bulerías o las alegrías, que se combinan con la profundidad de la seguiriya y elementos más populares como una copla o la canción popular catalana. Parece más que engrasado el engranaje, probablemente porque hasta la grabación del proyecto éste ya había tenido un cierto rodaje en los escenarios y también porque dicho rodaje se aplica a los tres protagonistas musicales del disco.

La colaboración entre Amargós, Chicuelo y Poveda viene de lejos. El guitarrista suele acompañar al toque al cantaor en todos sus recitales. Con Amargós (que tiene una larga trayectoria de relación con el flamenco y que ha trabajado, entre otros, con Carles Benavent, Paco de Lucía y Camarón de la Isla), Poveda ha trabajado en otro proyecto discográfico: Desglaç (2005), un disco en el que este mismo trío puso música (flamenco y orquesta) a poetas catalanes.

Por otro lado, el proyecto Cante i Orquestra no nació en 2007, año de su grabación en directo, sino siete años antes, en 2000. Nació con el nombre Flamenco en orquesta para el Festival de Barcelona GREC a partir de una coproducción entre dicho festival, el Mercat de Música Viva de Vic (donde se representó posteriormente) y Taller de Músics. En 2004, por encargo del Fórum Universal de las Culturas, se readaptó para orquesta sinfónica y se estrenó con la OBC (Orquesta sinfónica de Barcelona y nacional de Cataluña) en el Auditori de Barcelona, concebida como una suite flamenca en ocho movimientos. Ese mismo año se presentó en México, tanto en el Festival Cervantino de Guanajuato como en la Feria Internacional del Libro de Guadalajara. Después estaría rodando el espectáculo durante dos años, hasta que en 2007 se organizó el concierto en el que se grabó este disco.

Hay tres nombres fundamentales en la historia de los cantes minero-levantinos por la labor de rescate que llevaron a cabo y que se añaden al trabajo que hizo el maestro de maestros Antonio Chacón. Yendo de adelante hacia atrás, es decir, del más reciente al más antiguo, el primer nombre en esa cadena fue Antonio Piñana, que durante los años 50 del siglo XX se dedicó a aprender, conservar y difundir estos palos, que estaban en desuso hasta la llegada del Festival de cante de las minas de La Unión en los 60, que los volvió a poner en órbita.

Para que Piñana se interesase por estos cantes tuvo que encontrarse con el segundo nombre de esta cadena. Es Antonio Grau Dauset, Rojo el Alpargatero hijo (Málaga, 1884 – Madrid, 1968), que heredó de su padre el gusto por el flamenco.

Dicen los que investigan sobre esto que hacia mediados del siglo XIX, cuando la minería en La Unión estaba en pleno apogeo y no paraban de llegar trabajadores de otros puntos de la geografía cercana, los emigrados traían consigo sus cantes de campo como la trilla, la siega o la madrugá. En el asentamiento minero vivirían su transformación hacia tarantas, tarantos, cartageneras, granaínas, etc, o lo que es lo mismo, hacia los palos minero-levantinos. Y dicen también que la figura fundamental en darles asiento y la forma que tienen hoy fue Antonio Grau Mora, más conocido como el Rojo el Alpargatero, por tener el pelo de ese color y dedicarse en su juventud a dicho oficio. Grau, que hasta instalarse en La Unión vivió en Málaga, Cartagena y Almería, montó en la ciudad minera una posada que luego transformó en café cantante en el que se dio a conocer como cantaor.

Ahora se publica un disco-libro sobre su hijo. Lo hace la editorial La Hidra de Lerna Ediciones en una coproducción, por así decirlo, con Discos Probeticos, la casa discográfica creada por en cantaor Enrique Morente quien, además, es el autor de prefacio del libro y estuvo presente en su presentación el pasado miércoles en la Diputación Provincial de Almería. Se titula Antonio Grau, Rojo Alpargatero hijo. El último de una saga flamenca y lo ha escrito José Gelardo Navarro, profesor e investigador que ya ha realizado otras publicaciones anteriores sobre los cantes minero-levantinos y la figura de Rojo el Alpargatero.

Rojo el Alpargatero hijo vivió con su familia durante su infancia en Málaga, Cartagena y La Unión. Pero decidió hacer carrera como cantaor en Madrid. Allí trabajó en algunos tablaos antes de marcharse a París a grabar una serie de discos en la casa Pathé. Después, como parte de una compañía artística, recorrió Rusia antes de la Revolución de 1917, desde donde tuvo que salir huyendo atravesando Siberia para recorrer medio continente asiático antes de regresar a Madrid en 1920, donde volvió a grabar, ahora acompañado a la guitarra por Ramón Montoya.

El libro rescata la vida de este cantaor y además lo hace acompañado de un disco con algunos de los cantes que dejó inmortalizados en discos de pizarra, ahora digitalizados y recuperados con una composición para la ocasión hecha por el guitarrista Pedro Sierra .