Por Bloguerías

Morena de ojos azules. Así se llama el primer disco (Al Zarqa) del guitarrista egipcio Ali Khattab (El Cairo, 1977), que con tan sólo ocho años descubrió el flamenco y ya nunca más salió de él. Y la morena de ojos azules es su música: a medio camino entre su país de origen y el de adopción, el flamenco y las músicas árabes de las que él bebe. “Me encanta la palabra, me encanta el azul, y creo que es un título muy significativo para explicar la mezcla de músicas. Mi morena con los ojos azules es esta mezcla de las dos culturas”, explica.

Concebido durante los años que residió en Jerez y grabado en Egipto, los cortes se mueven sobre la base de la soleá, seguiriya, taranta, tangos y rumbas. Es el último disco que publicó Mario Pacheco antes de fallecer, en su discográfica Nuevos Medios, aunque Ali nunca llegó a conocerle. Con motivo de la publicación del disco, hablamos con el guitarista en el Círculo de Bellas Artes de Madrid.

-Pregunta: Es tu primer disco. ¿Por qué hacerlo así, mezclando estilos?
-Respuesta: Esta música surge de una manera muy natural. No quiero hacer flamenco nada más. Me encanta el flamenco, me encanta escucharlo y creo que es perfecto como está. Cuando toco el laúd o la guitarra me sale el flamenco natural, porque escucho flamenco todo el tiempo, desde que tenía ocho años, y he venido muchas veces a España, a Andalucía y a Jerez. Creo que no es algo que uno hace intencionadamente, sino que sale solo. No puedo hacer otras cosas, esto es lo mío.

-P: ¿Cuándo fue tu primer viaje a España?
-R: En el año 97 ó 98. Las primeras veces que vine sólo quería ver y escuchar el flamenco. Pero descubrí que el flamenco no gira alrededor de la guitarra, que era la idea que yo tenía, sino que está basado en el cante. Así pregunté y pregunté dónde podía escuchar el cante más puro, para llegar a la raíz del flamenco, y me dijeron que en Jerez. Desde entonces he estado yendo y viniendo y en 2005, hasta el año 2007, me instalé allí.

-P: ¿Y cómo fue la inmersión en el flamenco jerezano?
-R: Pues acompañé al cante en peñas, también en Sanlúcar, muchas veces, con cantaores, baialores, otros guitarristas… Creo que para tocar bien hay que saber acompañar al cante y el baile, para comprender el compás, para entender los cambios, los tiempos, las dinámicas y las melodías, porque la guitarra es una imitación del cante. En Jerez entendí muchas cosas que me ayudaron con la guitarra.

-P: En esos años fue cuando se fraguó, además, este primer disco tuyo…
-R: Sí, he tardado en componerlo tres años, y en grabarlo seis meses. Empecé a componer en Jerez, pero lo grabé en El Cairo porque mi padre estaba muy enfermo y tuve que quedarme allí. Quizás el segundo disco lo grabe aquí. También por esas circunstancias todos los músicos con los que conté son de allí, pero traté de que sonase con instrumentos de aquí: hay bajo, y guitarra, melodías del flamenco…

-P: ¿Segundo disco? ¿Ya lo estás trabajando?
-R: Así es. Y creo que el título será Sin país. En el disco nuevo tengo la misma onda, la misma intención que en el primero. Es el mismo proyecto, pero introduzco otras líneas, como ritmos y melodías sufís y cante, también. Hay alegrías, unas bulerías muy moras, tangos, y quizás una seguiriya, pero con compás, sin cante.

(Ali Khattab presenta mañana su disco en la Noche Blanca del Flamenco a iniciativa de la Casa Árabe de Córdoba (Plaza de Abades, 02:30) y estará también en Madrid el próximo 8 de julio, dentro del festival Raks).

“Presta atención”. Nikela, una palabra en caló, da título a un disco que transita entre dos mundos, el flamenco y el jazz, y que ha publicado recientemente Flamenco Jazz Company, grupo aglutinado alrededor del piano de Pedro Ojesto y la guitarra, flamenca de David Cerreduela (y cuya lista de componentes completan el bajista Josemi Garzón, el percusionista Fernando Favier y los cantaores Israel Fernández y Miguel de la Tolea). “El título se me ocurrió a mí”, explica Josemi Garzón. “Yo propuse la idea de buscar una palabra en caló, porque hay muchas que utilizamos sin saberlo, dentro del lenguaje coloquial. Nikela me parecía una palabra mestiza, es como ‘mira’, ‘presta atención”. Pedro Ojesto añade a la explicación: “Seguro que tendrá muchos significados, porque a mí me suena a niquelado, algo que está redondo, bien hecho. Suena bien, la palabra”.

Aunque es el primer disco que publica esta formación, en realidad, el grupo de músicos no es nuevo, ni sus componentes unos recién llegados. “Nosotros llevamos mucho tiempo trabajando juntos”, me explica Pedro Ojesto, “y la idea de hacer el disco estaba ya cuajada desde hace tiempo, pero el empujón definitivo nos lo ha dado la Fundación Orange”. En este trabajo, el grupo parte del flamenco, y sus temas, casi todos, se organizan por tanto por palos (tangos, bulerías, soelares, rumba y jaleos), todos con una interpretación muy rítmica, a los que ponen voces dos cantaores de rajo muy gitano, pero se mueve en esa línea fronteriza entre lo jondo y el jazz. “Al ser el primer disco, quizás estamos energéticos”, explica Garzón. “También influye que Fernando (Favier, percusionista) y yo, que somos la base rítmica, hemos estado muchos años acompañando a Joaquín Cortés, Antonio Canales… Son muchos bailaores, y quieras que no, el punto rítmico está ahí”.

(Foto: Mariano Gutiérrez / Flamenco Jazz Company)

Esto no significa, explica a continuación Garzón, que le hagan ascos a los palos más libres. “Yo llevo cuatro o cinco años trabajando sobre los cantes libres en el piano”, aclara Ojesto. “Pero para entrar a tocar flamenco en el piano hay que entrar tal como es, por eso a los pianistas nos ha costado tanto, porque no hay tradición. Luego ya, con el tiempo, le buscas sus propios recursos”.

El piano suena en cortes como en la soleá clásica Eres tú la melodía, o en las bulerías Yepa, más cercanas al jazz. Sin embargo, “para darle color, que no suene todo igual”, como explica Ojesto, también hay temas en los que no suena, como en los jaleos Bella calí. También cabe en este trabajo un homenaje a Miles Davis en una soleá (que surge precisamente del estándar de jazz de Davis) a la que pone letra Luis Pastor, Blue in green. “Esta versión nuestra viene de largo, venimos tocándola desde hace años, y el tema siempre nos ha sonado por soleá”, explica Garzón. “La letra se la pedimos a Luis Pastor y aunque le costó, cogió la métrica, entendió muy bien la idea, y le escribió una letra muy bonita”, añade Ojesto. “A la hora de cantarla, Israel la entendió como una soleá. Le hemos hecho cirugía musical, pero surgió de una manera muy natural”.

Además de Pastor, en este disco hay espacio para otro compositor habitual del flamenco: Juan Antonio Salazar, que firma temas como Bohemio (“una rumba que cantó Potito hace muchos años y a Miguel le apetecía cantar”, explica Garzón) y Los niños soldados. “Salazar es de los pocos compositores flamencos que hacen letras que por un lado son flamencas y por otro tienen actualidad”, explica Ojesto. “Es flamenco, pero hace canciones, cosa muy poco habitual. A nosotros nos encantó, nos identificamos con el espíritu musical, porque lo hacemos desde la alegría”.

Recopilado el material, lo de menos fue grabarlo. “Nosotros somos músicos de estudio y grabar es divertido. No es lo más complicado”, explica Garzón. “Lo más largo es darle forma a los temas y encontrar el camino del material”. “A nosotros nos gusta grabar en directo, todos juntos, no hacemos nada prefabricado sin errores”, añade Ojesto.

Y esa frescura de la grabación se reflejará, claro está, en los conciertos que tienen previstos para presentar el disco. En Madrid comenzarán esta noche, en el Café Central, donde estarán una semana completa. “Cuando tenemos un escenario grande nos gusta llevar un bailaor”, explica Ojesto, “que es Pol Vaquero, que no está en el grupo porque sólo viene cuando hay espacio para actuar”. Vaquero no estará en Madrid, pero les acompañará en otras fechas. “Él comunica muy bien nuestra música, porque la baila, no le acompañamos nosotros en el baile, sino al revés”.

Si Solo es la esencia de Israel Galván (Sevilla, 1973), La Curva, presentada anoche en Madrid dentro del Festival de Otoño en Primavera en Matadero (y que podrá verse hasta el 5 de junio), es la completa sinfonía de su baile, su concepto de la danza y del flamenco. Si en Solo reivindicaba el silencio y la música de los objetos, en La curva añade, en un alarde casi de barroquismo, el piano contemporáneo de Sylvie Courvoisier, el cante telúrico de Inés Bacán y el compás, al que todos contribuyen pero es dirigido por el observador, enlace y generador de atmósferas que es Bobote, que en esta ocasión, además, actúa como alter ego de Galván.

(Foto: Félix Vázquez)

El bailaor reitera en este montaje su pasión por la música de los objetos. Comienza con su chaqueta, que cerrada o abierta forma parte de su baile y le ayuda a apuntalar el compás. Pero también las sillas, las piedras de sal, la harina, la mesa, las tarimas… Un escenario que a primera vista parece estar medio desnudo, en el desarrollo de la danza se termina convirtiendo en un actor más, que interactúa y participa y sobre todo: suena. Con el apoyo en la dirección de escena de Txiki Berraondo, Galván aprovecha los espacios para transformar una y mil veces el lugar en el que baila, y transitar, como decía unos días antes de la presentación del espectáculo, en esa curva extraña que va de la caracolá lebrijana a un club de jazz en Nueva York, pasando por la calle o un espacio casi mágico en una nube de harina.

Todos los elementos característicos del baile de Galván están en La Curva. Todos esos modos de su flamenco reconstruido y arrastrado a su esencia: los perfiles, las hojas que caen, las suelas percutidas, los golpes inesperados de cadera, el toro, su singular braceo. Y con todos estos elementos que tanto ha costado entender al público, si es que alguna vez han llegado a ser comprendidos, Galván baila al son que le marca un piano que suena a arpa, a instrumento de percusión, a música disonante, flamenca o Latin jazz, pero también baila por las bulerías más festeras, una nana, una seguiriya o esas singulares sevillanas que marca en una silla de tijera atravesada en su cuello.

Y en toda esta gravedad, en esta tensión que plantea el bailaor, aún deja un resquicio de alivio para el espectador, un guiño, una mueca, una traza de humor que salpica el espectáculo y que resulta liberador al terminar, en un particular fin de fiesta con Bobote, que cierra con una sonrisa y las eternas ganas de más.

José Miguel Carmona (Madrid, 1971) estrenó ayer su primer disco en solitario, Las pequeñas cosas, publicado por Universal. El hijo del guitarrista Pepe Habichuela y la bailaora Amparo Bengala, que se hizo famoso por formar parte, junto a sus primos Antonio y Juan Carmona, del grupo Ketama, ha querido reunir en este disco sus composiciones, de ahí el título del trabajo, retazos de música que aquí interpreta junto a algunos amigos, la mayoría ajenos al flamenco.

Es un disco pop, cuidado, bien producido, de sonido limpio, sin grandes estridencias, con aires flamencos y protagonismo de las melodías. Contiene música instrumental, sazonado con varios estilos, en el que predomina el flamenco. Es un álbum amable, suave, de melodías agradables al oído. Carmona sigue, con este trabajo, la senda que ha seguido siempre: la del pop aflamencado o el flamenco pop. Y esto, a pesar de que en el disco le acompaña el maestro de todos los maestros: la guitarra de Paco de Lucía, que interpreta con él un tema por bulerías, Dos puñales, por voluntad propia, según cuenta Carmona en algunas entrevistas, y no por el llamado del artista.

"Josemi es de los guitarristas que no tocan muchas notas pero con un sentido, un aire y una sensibilidad, unas armonías., que te agarran. No sé definir la música, yo la siento y me sale un ole…" Es lo que dice sobre Josemi Carmona el maestro de Algeciras, en el vídeo sobre la grabación del disco. Es cierto. La sensibilidad a la que alude el guitarrista está en este trabajo, las armonías que definen a Carmona, también. Pero se echa de menos una mayor variedad, una ruptura, un grito, un poco de fiesta. Carmona ha querido añadir dos temas poco habituales en un disco de guitarra: una versión de un fragmento de la ópera Tosca, de Puccini, aflamencada, por supuesto, y otra de la banda sonora de la película Gran Torino, dirigida por Clint Eastwood.

Además de Paco de Lucía, en este disco acompañan a Josemi voces como las de Jorge Drexler, con quien trabajó en el último disco del uruguayo, o la del onubense Manuel Carrasco (en el tema Cuenta conmigo). Con el primero, roza la bossa nova en Un par de días antes de ti. Además, ha grabado Dave Holland, un contrabajista jazz con el que Pepe Habichuela, el padre de Carmona, grabó un disco que produjo este guitarrista. Holland aparece en Pasando por Huelva, el único tema (unos fandangos) que mantiene la estructura real, melódica y rítmica, de un palo flamenco.

Álex Cuba, compositor habitual de la cantante pop Nelly Furtado (en Ni contigo ni sin ti) y Oxmo Puccino y Bugge Wesseltoft (en De viaje) completan la lista de colaboraciones, aunque además, están los que componen la banda: Quiqui Ferrer, Borja Barrueta, Alain Perez, Antonio Ramos Maca, Martín Leiton, Adrian Schinoff, Alfonso Pérez, Israel Suárez Piraña, Luis Dulzaides, Juanito Carmona, Chaboli, Julio César Fernandez, Chika Izumi, Sergio Fernández Ruz, Eduardo del Río Robles, Bandolero, Sandra Carrasco y Antonio Montoya.

Josemi Carmona es conocido por su participación en Ketama, pero lo que no tanta gente sabe es que antes de formar parte de este grupo fundó, junto a Juan José Suárez, Paquete (hijo del cantaor Ramón el Portugués), Enrique Heredia, el Negri y Pepe Luis Carmona, hijo de Luis Habichuela, el grupo La Barbería del Sur, que después de su partida tuvo una cierta repercusión. A Ketama se unió, en 1990, tras la marcha del grupo de José Soto Sorderita y Ray Heredia, que iniciaron carrera en solitario.

Tras la disolución de Ketama, publicó junto a Carles Benavent el disco Sumando (2006), publicado por Nuevos Medios y se ha dedicado, sobre todo, a la producción y composición, trabajando con artistas como el guitarrista Pepe Habichuela (su padre), Niña Pastori, Jorge Drexler, o el reciente homenaje a Manzanita (el disco Con piel de Manzana).

Y ahora, además de trabajar en la promoción de este disco, que presentará en vivo primero en Barcelona (30 de abril, sala Luz de Gas) y después en Madrid (30 de mayo, Teatro Haagen Dags Calderón), colabora en el próximo trabajo de Estrella Morente, un disco que la cantaora estaba grabando con la producción de su padre y que quedó interrumpida por la inesperada muerte del gran maestro. “Nos hemos juntado mis primos y yo, los Ketama, para hacer unas cositas con ella. Vamos a hacer un tema que no quiero desvelar y unos tangos”, explica en una entrevista reciente publicada por la web Deflamenco.

José Anillo (Cádiz, 1978) es, como tantos otros, un cantaor joven curtido en el cante para el baile. Hace tiempo que quería dar el salto adelante, que su cante fuese el protagonista, y ese sueño lo ha plasmado en un disco, el primero, Los balcones de mi sueño. “El disco es una carta de presentación, ahora todo el mundo puede conocerme”, comenta él con una sonrisa en una amena charla que tiene lugar en Madrid.

Diez cantes, cinco guitarras (las de Juan Requena, Rafael Rodríguez, Alfredo Lagos, José Luis Montón y Paco Cruz), siete palos (bulerías, soleá apolá, tientos, tangos, malagueñas, alegrías y fandangos) y dos versiones. Un disco que mira a Cádiz (por alegrías, por malagueñas del Mellizo, por tientos y con un homenaje a Juan Villar) pero se deja querer por la amplitud y profundidad que ofrece el flamenco. “El título es una metáfora del puente Carranza, yo llevo desde los 17 años viviendo fuera de Cádiz, y cada vez que llego y paso por el puente siento como si me asomara al balcón de mis sueños, porque ese sería mi sueño, vivir en Cádiz...” ¿Un título de añoranza? Un poco más que eso: “También es refiere a todo lo que yo he grabado en el disco, es como si me asomara a ver toda mi historia como cantaor”. José tiene una voz llena de sonoridad, un metal templado que raspa el corazón cuando rompe en su cante. Una voz modulada, a la que, seguro, le queda mucho por evolucionar y aprender, pero que parte del conocimiento y el sabor.

Pero a mí, lo que más me impresiona de este cantaor es su energía, sus ganas de desarrollar su carrera, su valentía y seguridad en sí mismo. Este disco es la prueba, un trabajo en el que él ha trabajado como productor y que ha editado y publicado gracias a su tenacidad, prácticamente sin apoyos, y en cuya promoción también le va la vida. “Como no te tires a la piscina no te mojas, y como no te arriesgues y no apuestes por ti mismo no va a apostar nadie”, justifica él. “Y como tú vas a valorar lo tuyo no lo va a valorar nadie”. Además agrega, “hoy me alegro, la verdad, porque mi trabajo es mío y no me lo va a ningunear nadie”.

Este trabajo de sus sueños está dedicado a Enrique Morente, uno de los que sí quiso ayudarle con este disco y que no pudo hacerlo antes de dejarnos huérfanos de su arte. “En los dos últimos meses de vida de Enrique yo ya tenía el disco grabado y masterizado y ya no tenía ni un duro”, cuenta Anillo. “Y yo iba a las casas discográficas, porque yo no podía editarlo, a intentar a que alguien me lo sacara. Y un día llamé a Enrique y se lo conté. Ya había hablado yo antes con otras personas del flamenco reconocidas y no me echaron ni puñetera cuenta, pero Enrique, cuando le llamé me dijo: Como amigo, aficionado y veterano de esto, tengo la obligación de ayudarte”. Y habló, por él, con todos sus conocidos. “Hablé con él durante dos meses a diario. Él me había dicho que me iba a hacer el prólogo… Pero creo que la lucecita la dejó ahí, porque están pasando cosas muy singulares”.

Los balcones de mi sueño arrancó hace diez años, como una idea, una maqueta, un título y un sueño, pero comenzó a materializarse hace algo más de un año. La mayor parte de las letras son del cantaor, así que desde el principio sabía qué cantes quería grabar. Pero en el proceso, me cuenta, también hubo espacio para la sorpresa. “Los fandangos camperos de Juanito Varea [ Consuelo la granaína], los escuché en un disco que me compré en el Rastro y me dejaron enamorados”, así que se lanzó a grabarlos. Pero historia curiosa pertenece a los tientos. “Les pusimos de título Cambio de planes porque son unos tientos recuperados”, explica el cantaor. Los iba a grabar su hermana, Encarna Anillo, en su disco Barcas de plata, pero se perdieron en el camino cuando la producción pasó a manos de José. “Tampoco podíamos grabarlos otra vez porque teníamos mucho trabajo, así que los he recuperado yo para grabarlos en mi disco”.

Las dos versiones son lo menos flamenco del disco, pero las dos tienen una historia muy especial. “La Canción de las simples cosas es un regalo, porque es un tema que a mi novia le gusta de siempre, es su preferido. Así que es mi regalito para ella”, explica el cantaor. ¿Y Soñar contigo, de Tony Zenet? “Es que me encantó cuando la escuché”, explica Anillo. “Le escribí a su myspace y le dije que quería grabar el tema, así por las buenas: Hola, soy cantaor, me encanta tu canción y quiero hacer una versión. Y me contestó su productor, Juan Ibáñez, de la Warner, que habían estado escuchando el Myspace, donde yo tenía algunas cosas y que les había gustado. Total, que les dije que quería conocer a Tony personalmente, para darle las gracias, lo vi aquí en Madrid y resulta que el percusionista se llevó dos años trabajando con mi hermana…”.

Esa hermana, Encarna Anillo, tiene mucha presencia en la vida y en el disco de José. Hace algunas voces, y es autora de algunas de las letras. “Sería de muy tonto no tenerla en el disco, cantando como canta”, afirma rotundo. “Además que yo empecé en el mundo discográfico y en el cante por ella. Yo cantaba en mi casa y no me escuchaba ni mi padre, porque a mí me daba mucha vergüenza cantar. Y ella empezó bailando con cinco años y cada vez que iba a una academia… A mi hermana se la rifaban en las academias de baile. Ella no quería que le cantara nadie más que yo. Y después ella empezó a cantar porque me imitaba”.

Y sin embargo, ella grabó su disco antes que él, pero él lo produjo y le acompañó en Carta de una salvaora, un homenaje a la Salvaora de Manolo Caracol. “Esa experiencia, junto con la de mi disco y ser padre, ha sido una de las responsabilidades más grandes que he tenido, porque era encargarme de la carrera de una artista como mi hermana”.

Es un homenaje en forma de disco, de nombre Con piel de manzana, y se publica el 3 de mayo (el 15 de abril estará disponible en iTunes). Son las canciones de José Ortega Heredia, más conocido como Manzanita (1956 – 2004), aquellas que tanto se han repetido como el Verde o Ramito de violetas, ahora interpretadas por músicos flamencos (Diego Amador, Duquende, Parrita, Guadiana o Montse Cortés) y otros no tanto (David de María, Rosana...) Todos coordinados y dirigidos por el hijo del artista y promotor de este homenaje, José Ortega Soto.

Es cierto que la música que hizo Manzanita no era flamenca, sino canción aflamencada, con mucha presencia de rumba, pero es imposible desvincular su nombre del flamenco, tanto por procedencia genética (era sobrino de Manolo Caracol y tanto su padre como su madre se dedicaron al flamenco), como por origen y ambiente en el que vivió. No en vano, empezó en la música siendo un niño como guitarrista flamenco. Debutó en Madrid, en el tablao Zambra y actuó también en Los Canasteros (propiedad de su tío Caracol), Torres Bermejas y Café de Chinitas. En aquel tiempo acompañó el cante de, entre otros, Enrique Morente. Y con 18 años, formó parte de Los Chorbos, el grupo precursor de lo que se dio en llamar el sonido Caño Roto (por el barrio madrileño en el que vivían), y del que también formaron parte otros grupos como Los Chichos, Las Grecas, y mucho después, Los Chunguitos.

Es curioso tirar de hemeroteca ahora y descubrir auténticas joyas periodísticas sobre este artista que se publicaron en su día. Como la entrevista publicada por Maruja Torres en 1983, con motivo de la publicación de su cuarto disco como Manzanita (pincha para ver el artículo completo):

A los nueve años empezó a escuchar rock y a fumar canutos al mismo tiempo, y por eso se hizo cantante -que era su forma de hacerse hombre- muy deprisa, a, la manera gitana. Nacido en Madrid, aunque de padres andaluces, crecido en Málaga hasta los cinco o seis años, sobrino de Manolo Caracol, no es, sin embargo, un ortodoxo del cante, y sí un defensor a ultranza de su propia peculiaridad. A esa edad del inicio en los canutos, acudía a los recitales de rock y trabajaba en los tablaos.

De Enrique Morente, a quien acompañó luego a la guitarra, como a otros, tomó las aficiones literarias, aunque en esto de la poesía se queda muchísimo con Bécquer, que le encabrita la cuerda romántica. "Creo que muchos de mis pensamientos ya los tuvo él antes que yo".

Tras su paso por los Chorbos, pronto inició carrera en solitario y desde su primer disco tuvo mucho éxito con sus composiciones, temas que forman parte de la memoria musical popular española. Es imposible haber crecido en este país y no reconocer los estribillos del Verde o el Ramito de violetas.

Lo que también se redescubre cuando se tira de hemeroteca es el contraste tan brutal entre las letras que componía y cantaba, la sensibilidad que derrochaba hacia las mujeres en sus letras, y sus propios pensamientos sobre su mujer y el matrimonio. En este mismo artículo citado anteriormente de Maruja Torres, la periodista relata:

Y, hablando de su vida, es uno de los pocos machistas que tienen el valor de confesarlo, lo cual no es poco. Salvajemente machista, diría una: "Que a mí no me gusta que mi mujer haga las cosas que me gusta que hagan las otras. La mujer en la cocina, fregando, y yo tomándome el café". Dice, asimismo, que los gitanos ya no están marginados, sino que se automarginan, y en eso se le ve la oreja del desclasado, del que ha conseguido emerger del subterráneo ganándose el favor de los payos y echa un tupido velo sobre la realidad que todavía yace debajo. Es, Manzanita, una manzanita sin veneno en el cesto de la raza blanca.

Orate: (coloq.) Persona de poco juicio, moderación y prudencia. Así lo define el diccionario de la Real Academia de la Lengua. Pero Orate es también una bulería rápida, en la que suena una guitarra rítmica y limpia, dentro de los cánones de lo que uno espera escuchar cuando está en Jerez. La interpreta Diego del Morao (Diego Moreno Jiménez, Jerez, 1979), y abre el disco del mismo nombre, el primer trabajo discográfico del hijo de Moraíto, confirmado desde hace algunos años como continuador de la saga de toque jerezano. En esta primera bulería le acompaña la voz gitana del cantaor Diego el Cigala, padrino artístico en esta experiencia a través del sello Cigala Music (y auspiciado por Warner). El disco fue presentado a finales de 2010.

En este trabajo tan personal pero a la vez tan cercano a la fuente, domina el compás en el toque, como buen jerezano, y se muestra la escuela a la que pertenece este guitarrista, la de la técnica al servicio del arte y del cante. Lo demuestra en este disco, que ha hecho como él ha querido, con la libertad que da trabajar en el sello de otro músico. Como reseña Manolo Sanlúcar en el libreto que acompaña el CD, “Diego suena espontáneo, no hay afectación ni presunciones”. Su sonido es directo, auténtico.

El palo jerezano por excelencia, la bulería, tiene mucha presencia en este trabajo. Hay cuatro versiones diferentes por este palo (Orate, ¿Y ahora qué?, El regalo y Juan & Co.). Y en cada una de ellas, un muestrario de todo lo que puede ofrecer este palo, elige un compañero diferente, que le aporta una personalidad distinta: Diego el Cigala en la primera, otro Diego, Carrasco, en la segunda, Paco de Lucía, en la tercera y su padre, Moraíto, en la que cierra el disco al más puro estilo de la fiesta de Jerez. La presencia de la bulería es una suerte de reivindicación de una tierra y de una manera de entender el flamenco de la que Diego del Morao es heredero y continuador.

No sólo en las bulerías, sino en todo el disco, la presencia de músicos invitados es una suerte de hilado que conecta a Diego con su carrera: con todos ellos ha trabajado anteriormente. Y como no podía ser de otra manera, su aportación es fundamental para vestir una obra muy personal. Además de los compañeros de las bulerías, también incluye Diego unos tangos en los que aparecen la voz de la Niña Pastori y la percusión de su marido, Chaboli, que también toca por bulerías (en El regalo) y por rondeña (La mahora), que es, por otro lado, el único palo de estilo libre que Diego del Morao ha querido incluir en el disco. En la rumba (Drunjí), la única concesión al flamenco menos sujeto a la tradición del disco, suena el piano de Jumitus, la mandela de Paquete, la percusión de Piraña (que repite en el siguiente corte) y el contrabajo de Yelsi Heredia.

Es por tanto este disco, a la vez, una carta de presentación y un reflejo de su joven, pero sólida, carrera como guitarrista. Una demostración de que ser tradicional no quiere decir repetirse y que desde esa misma tradición se pueden incorporar propuestas heterodoxas sin dejar el camino trazado.

No es un instrumento flamenco, y desde luego, no suele protagonizar grabaciones discográficas. Y sin embargo, el bajista Antonio Ramos, Maca (Granada, 1964), se ha embarcado en esta aventura con notable éxito. Presenta Mira que te diga, publicado por Nuevos Medios, su primer disco protagonista, porque ha participado en multitud de grabaciones con guitarristas flamencos y artistas de otros estilos.

La carrera profesional de Maca, que no su relación con el bajo eléctrico, comienza en Madrid con la edad de 24 años, y le lleva por el camino de nombres como Tomatito, Ketama, Vicente Amigo, tino di Geraldo, Enrique Morente, Jorge Pardo, Alejandro Sanz, Niña Pastori, Estopa... La lista es mucho más larga.

Precisamente dicha experiencia, que en los últimos años, además de ser de instrumentista es de director musical en las giras de Niña Pastori y Estopa, se traduce en la grabación, de producción cuidada y en la que se ha rodeado de buenos amigos, nombres conocidos en la órbita que rodea al flamenco. Tomasito, José Miguel Carmona y Jorge Pardo le acompañan en un trabajo que transita entre los ritmos flamencos y las melodías más funkies, que en algunos temas coquetea con los aires jazzísticos y que es fundamentalmente instrumental. Se trata de un disco de sonidos frescos, de melodías alegres y trabajadas.

La mayor parte de los temas son composiciones propias de este bajista que antes de serlo fue guitarrista, con unos sonidos cercanos a los de grupos que utilizan el flamenco como base y punto de partida pero lo mezclan con otros sonidos: Ojos de Brujo, por ejemplo, en sus momentos más funkies, o las primeras canciones de Chambao, en las canciones más pausadas.

Juan Carlos Romero (Huelva, 1964) es un guitarrista imprescindible de este tiempo. No sólo como intérprete, también como compositor. Ha dedicado su carrera, en su mayor parte, a elaborar, nota a nota, grandes obras para otros artistas. Antes que demostrar al mundo sus dotes como guitarrista, el músico ha dejado claro, con su talento y con su obra, que lo que le importa es enriquecer y engrandecer el flamenco. Y así, poco a poco, sin mucho ruido ni grandes alharacas ha llegado a ser un artista imprescindible. Ahora presenta su tercer trabajo discográfico propio, Agua encendida, publicado por Karonte. Es un disco cuidado y emotivo que va directo al grano, como son siempre las composiciones de Romero.

Su toque limpio, preciso, respetuoso del compás y del silencio vuelve en un trabajo que apuntala un estilo ya definido, una manera de decir el flamenco que busca la melodía limpia que no se repite, que transita por su guitarra de tal manera que cada nota es imprescindible. En esta ocasión se hace acompañar por las voces de José Valencia, José Mercé, la Susi y Mamá Carmen para acometer un repertorio muy completo con dos bulerías, una canción a ritmo de soleá (que interpreta Mercé), una seguiriya, una deliciosa y delicada nana y una rondeña.

Quiero destacar un tema que es una auténtica delicia para los sentidos, Portalillo del zapateado, una canción que suena a viejo, a popular, a folklore y en la que se hace acompañar, completando el sonido sin estorbar la melodía, por el bajo de Manolo Nieto, el violín de Alexis Lefevre y la percusión de Tino di Geraldo.

Si nos fijamos estrictamente en la discografía propia, Juan Carlos Romero no publicaba disco desde 2005, cuando hizo Romero. Y antes de eso, Azulejo, su primer trabajo discográfico, que vio la luz en 1997. ¿Por qué tanto tiempo? En 2008, entrevistado con motivo de la publicación de Raíces y alas, el disco que compuso junto a Carmen Linares con poemas de Juan Ramón Jiménez, contestaba esto: “Componer para guitarra es muy complicado, muy laborioso y los propios cantaores me distraen de mis labores de composición para guitarra”.

Los cantaores a los que se refiere el guitarrista son, además de Carmen Linares, recién mencionada, Miguel Poveda, para quien compuso y produjo Tierra de calma (2007), Arcángel (con quien trabajó en sus dos primeros trabajos, Arcángel (2001) y La calle perdía (2004)), y muchos otros, como Enrique Morente, Chano Lobato, José Mercé, Esperanza Fernández… Muchos otros que, retrocediendo en el tiempo, coloca el inicio con su propio padre, aficionado a la guitarra como maestro, y Miguel el Tomate, guitarrista almeriense (padre de Niño Miguel y abuelo de Tomatito), y de ahí al trabajo con Matilde Coral y Manolo Sanlúcar, con quien recorrió los escenarios del mundo y participó en los trabajos discográficos Soleá y Medea.

Miguel Soto Peña (Jerez, 1976), conocido profesionalmente como Londro, se ha curtido como cantaor para el baile (Belén Maya, Antonio Canales, Joaquín Grilo o Sara Baras lo han visto militar en sus compañías), pero gracias a Miguel Poveda, ahora publica disco. Se trata de Luna de enero, editado en Carta Blanca, el sello que Poveda ha creado para dar a conocer nuevos talentos flamencos.

“En Londro y su trabajo encontramos una búsqueda por palos poco usuales en los últimos tiempos y eso lo hace valiente, honesto y respetuoso a la tradición, aunque con sus aportaciones personales, que es algo que debe tener todo artista”. Esta es la descripción que Poveda hace del disco. El cantaor, en su debut discográfico, evita definirse en un estilo netamente jerezano, y prefiere ofrecer su personal visión, con una mezcla de músicas y letras originales y tradicionales, de mariana, serrana, petenera y caracoles. Pero, por si acaso, incluye bulerías y soleá y justamente en esta le acompaña a la guitarra un grande jerezano: Paco Cepero. Además, elige hacer dos homenajes: a Rafael Farina, con una versión de su Vino amargo, y al poeta Miguel Hernández, al que Londro canta por fandangos.

La mayor innovación trata de hacerla Londro en las letras, que firman casi al completo el cantaor David Lagos y su tío, Álvaro Aguilar. También en su manera de acometer los cantes. La voz de Londro es sentimental, melódica, que se mueve sobre todo en los tonos medios y que no trata de hacer alardes, ni rítmicos ni vocales, que pretende llegar al corazón por su emoción y no por ningún virtuosismo. Esto se mezcla con una producción muy limpia, y un cuidado acompañamiento musical, especialmente de las guitarras. La guitarra de Santiago Lara, que toca en todos los cortes del disco salvo en la soleá, reclama un cierto protagonismo desde el acompañamiento más acertado. Da espacio al cante, lo lleva y acompaña pero, a la vez, brilla por sí mismo, en unas falsetas que suenan frescas dentro de una línea ortodoxa.

Y quien aún no haya tenido ocasión de verle actuar en directo y esté estos días por Madrid tiene una oportunidad el jueves, ya que Londro forma parte del cartel de un festival flamenco benéfico que este año cumple cuatro años: Flamencos por Gambo. Promovido por Carmen Linares, este recital pretende recaudar fondos (la entrada cuesta 18 euros) que destinar a un proyecto de la Fundación El Alto: la puesta en marcha del servicio de farmacia en un hospital de Etiopía. El concierto tendrá lugar el 11 de Noviembre en el Auditorio Marcelino Camacho (CC.OO.). Junto a Londro actuarán Carmen Linares, el trío Benavent – Pardo – Di Geraldo, Tomasito y Salvador Gutiérrez.