Por Bloguerías

Es hermano del guitarrista Alfredo Lagos, pero ya tiene una trayectoria en el cante como para presentarse por sí mismo. Nombres como Israel Galván, Andrés Marín, Cristina Hoyos y Belén Maya avalan su carrera artística. El cantaor jerezano David Lagos (Jerez de la Frontera, 1973) publica su primer trabajo discográfico, El Espejo en que me miro, con el sello discográfico Flamenco World Music. Un disco que pretende ser un homenaje a todos los flamencos de los que aprendió algo y una manera, también, de partir de esa base para poner su toque personal en el cante.

Se trata de un trabajo cuidado, grabado en Tarifa, y que cuenta con grandes colaboradores, como el cantaor jerezano Fernando de la Morena, con el que aparece en Gañán de punta y el guitarrista Moraíto, que colabora en el mismo tema. Alfredo Lagos a la guitarra, Carlos Grilo y Luis Cantarote a las palmas, Paco González en la percusión, el contrabajo de Pablo Martín y los taconeos de Mercedes Ruiz completan la nómina de artistas reunidos para la ocasión.

David Lagos tiene una voz de miel, osada desde el conocimiento, que busca y se requiebra sin ser gritona ni disonante. Pretende ser un paso adelante a todo lo que ya conoció el cantaor. Como ejemplo están el homenaje a Antonio el Sevillano, al que dedica un cante por milonga que se convierte en una bulería (Sólo la guitarra sabe) y que se resuelve con acierto aquí. También la colaboración con Fernando de la Morena, Gañán de punta, una trilla-soleá con gusto y hondura sazonada con el toque de Moraíto. El disco es una búsqueda personal, desde la experiencia y el contacto con los mayores. Con los grandes nombres del flamenco, a los que homenajea aquí, pero también con los cantaores anónimos, los que todavía disfrutan del flamenco en familia y que Lagos conoce a la perfección.

El cantaor descubre aquí también su faceta de letrista, que ha compartido hasta ahora con otros compañeros, como Miguel Poveda y Argentina. Bulerías, tangos, alegrías, malagueñas, cantes de levante y tonás pasadas por el personal tamiz de este flamenco. A La Paquera y a los cantaores de su generación dedica las bulerías introductorias, a Chacón las malagueñas, a Chano Lobato las alegrías. Pero aún hay más. Enrique Morente está presente en los Tangos de arena, unas letras de José Bergamín y Miguel Hernández que forman parte del espectáculo de Israel Galván Arena y que en dicho espectáculo canta el maestro granaíno en una versión libre.

(FOTOS: Flamenco World Music)

Anoche TVE estrenó el documental Tiempo de Leyenda, un excelente documento audiovisual sobre la grabación de un disco fundamental en la historia del flamenco, La leyenda del tiempo , que en 2009 cumple 30 años de su publicación.

El documental está dirigido por José Sánchez Montes, un director y productor con base en Granada que ha hecho otros títulos en el mundo del flamenco como Morente sueña la Alhambra, sobre Enrique Morente y Casacueva y escenario, sobre su hija y cantaora Estrella. Su presentación el pasado mes de octubre , en el festival In Edit de Barcelona, sirvió como excusa para recordar que hace 30 años unos locos visionarios se juntaron para, bajo la batuta del productor Ricardo Pachón y tocados con la estrella de Camarón de la Isla, revolucionaron la escena flamenca de aquel momento con un disco que, todavía 30 años después, suena moderno.

Es un recuerdo en primera persona de aquel trabajo discográfico. Aparecen las voces que protagonizaron el disco, salvo la más importante, la de CamarónManuel Molina, Ricardo Pachón, Jorge Pardo, Rubém Dantas, Tomatito, Kiko Veneno, Raimundo Amador… Dice Kiko Veneno en algunas entrevistas que quizá habría que darle más importancia a la época que a este disco en concreto. Es cierto que en 1971 se había publicado el primer trabajo de Smash, el grupo rockero al que se unió Manuel Molina y que abrió una senda que recorrían otros artistas inquietos, cercanos o pertenecientes al flamenco como Veneno, Triana o Lole y Manuel. La diferencia es que, en La leyenda del tiempo, participó José Monge Cruz (1950 – 1992), que pasaría a la historia como Camarón, un cantaor que marcó una época y una generación del cante y que ha llegado a convertirse en mito para muchos.

El título de la canción que da nombre al disco, La leyenda del tiempo es representativo de lo que contiene el trabajo. Es el título de una obra de teatro surrealista, que Federico García Lorca escribió en 1931: Así que pasen cinco años, Leyenda del tiempo en tres actos y cinco cuadros. Una declaración de intenciones, la de la experimentación, la de la búsqueda, con letras que son poemas de Lorca y Omar Khayan, pero también de Kiko Veneno, entonces un joven de clase media, universitario y payo, fascinado por el mundo gitano; un músico que en aquella época hacía mancuerna con un joven guitarrista procedente de la tradición más absoluta: Raimundo Amador.

En el documental se recuerda desde los ensayos hasta la presentación en vivo de un disco que tardó varios años en realizarse. Están aquí recogidas las anécdotas personales, muchas de ellos ya contados, y algunos documentos inéditos, como las grabaciones de los ensayos. También hay recortes de entrevistas que por entonces le hicieron a Camarón en televisión, el sonido de la única presentación en vivo que se hizo del disco, junto al grupo Dolores… Es un documento interesante para recordarlo en la voz de sus protagonistas y volver a ver y escuchar a Camarón. Tanto como el programa que hizo El ojo crítico de Radio 5 (Radio Nacional de España) el pasado mes de marzo, en el que también reunió a algunos de los protagonistas para recordar aquel momento.

Durante todo 2009 se han publicado libros y reportajes en prensa, radio y ahora televisión para recordar aquel disco que ahora nos parece fundamental y que entonces quizás no fue valorado en su justa medida. Probablemente porque sólo el tiempo da la perspectiva necesaria para hacerlo. No viví aquel momento, así que no puedo valorar si lo que se dice es exageración, leyenda o realidad. Dicen que los gitanos devolvían los discos porque aquel no cantaba como Camarón. También dicen que muchos rockeros, los modernos, hippies y yeyés de la época, empezaron a prestar atención al flamenco gracias a este disco. Yo apenas aprendía entonces a sostenerme sobre mis propios pies cuando se publicó La leyenda del tiempo, así que lo descubrí mucho después, pero probablemente en eso reside la grandeza de este disco. Su sonido es fresco, potente, único, no importa en qué momento sea descubierto. También hoy lo es.

Y es historia porque supuso un encuentro entre el flamenco, que entonces era algo desconocido, encerrado entre la intimidad de los gitanos, los tablaos y las fiestas de los señoritos y el gran público, la modernidad, la cultura popular de masas que empezaba a llegar a un país que acababa 40 años de dictadura para abrirse a un mundo que, a su vez, estaba inmerso en un proceso de renovación único. La leyenda del tiempo hizo, y aún hace hoy que un público completamente ajeno al flamenco se interese por él y a la vez sacó al flamenco de la silla de anea, lo aireó y lo relacionó con otras músicas, enriqueciéndolo y haciéndolo evolucionar.

El documental Tiempo de leyenda ha sido estrenado también en Cultural.es , una nueva apuesta televisiva de TVE, y es probable que en breve pueda verse en su web.

(FOTOS: MARIO PACHECO)

Por bloguerías ha estado inactivo un tiempo. Primero por motivos personales de la autora, después por vacaciones, a las que todo el mundo tiene derecho. Lo importante, en cualquier caso, es que estamos de vuelta. Doy gracias a los comentarios que reclaman más y nuevos contenidos, por el interés y por seguir leyendo.

Zanjado el asunto, a lo que vamos. Regresamos de la mano de una de las voces jóvenes más laureadas y más comprometidas con el flamenco. La de Mayte Martín. Una cantaora con una gran personalidad, y con una voz de oro. Mayte Martín (Barcelona, 1965) está presentando su nuevo trabajo discográfico, la grabación de un espectáculo que viene presentando en los escenarios desde 2007, alCANTARa Manuel (Nuevos Medios, 2009), un título que, con un juego de palabras, resume el proyecto: poner música y cantar al poeta malagueño Manuel Alcántara.

Fue un encargo de la efímera Bienal de flamenco de Málaga. Se estrenó en septiembre de 2007 en la Casa del Ingeniero del Pantano de Guadalhorce, dentro del ciclo Siete Maravillas. Después lo ha presentado en lugares como Madrid, Barcelona y Sevilla. Y ahora lo presenta en disco, para todos los que no han podido verlo en el escenario o para los que quieran recordarlo.

No es un disco de flamenco, y aunque suene a tópico, o quizás aunque lo sea, Martín canta flamenco sin cantarlo. Su voz, educada y crecida en lo jondo, tiende, preciosista, nítida y clara, a un quejío sutil, pero siempre presente. Esta cantaora libérrima no ha querido etiquetar o encorsetar los poemas en los esquemas flamencos y les ha escrito las músicas que ella ha sentido para las palabras, independientemente del compás o del tono. "A los poemas de Manuel no les puse música, se la encontré", explicó, el año pasado, en una entrevista en EL PAÍS. Hay un acercamiento también, en esta colección, al tango argentino (Manuel), hay baladas y canciones próximas al bolero o a las cantiñas (como La Paloma de Picasso).

Es ésta una grabación para escuchar muchas veces, con calma, para saborear los matices, los colores, en apariencia parecidos de canción a canción, que Mayte Martín pone a las palabras de Alcántara. Es un disco de autora, dirigido, compuesto e interpretado (guitarra y voz) por la cantaora catalana, que se hace acompañar por un reducido grupo de músicos: José Luis Montón, a la guitarra, Olvido Lanza y Biel Graells, a los violines, Guillermo Prats al contrabajo y Chico Fargas a la percusión.

La recuperación del preciosismo en el cante

La trayectoria de Mayte Martín en el flamenco es larga y discreta. Su voz, dulce y aterciopelada, afinada y sensible, y su gran conocimiento del cante, le hizo en seguida destacar entre los cantaores de su generación, entre los que se buscaba desesperadamente un heredero para Camarón. Los aficionados se encontraron con un soplo de aire fresco en esta voz, una cantaora ortodoxa, conocedora y sensible.

Rebelde y comprometida, Mayte Martín ha preferido siempre seguir su propio camino y no el marcado, no ceñirse un corsé, sino buscar caminos propios aunque les desviase de la senda marcada por los más puristas. Desde las formas (cantar con pantalones, acompañarse ella misma a la guitarra) a los fondos. Es compositora, además de cantaora, tanto de flamenco como de otros estilos. En su carrera discográfica (que arrancó en 1994 con Muy frágil), además del flamenco, se ha acercado al bolero (grabó junto al pianista de jazz Tete Montoliu Free boleros, en 1996 y en 2003 Tiempo de amar) y a otras músicas (el año pasado estrenó, junto a las hermanas Labèque, Joan Albert Amargós y Lluís Vidal De fuego y agua). Tiene un trabajo de flamenco más: Querencias, publicado en 2000.

Una cantaora que en el escenario se crece, que llena los espacios con una voz intimista y adolorida, matizada y rica, una voz que, por más que se escuche en disco, siempre pertenece a los escenarios.

Es la segunda incursión de Miguel Poveda en el cine. La primera fue hace algunos años (1993), en La teta y la Luna, del director Bigas Luna, en la que no sólo cantaba, sino que además interpretaba un personaje. En Los abrazos rotos, de Pedro Almodóvar, canta el tema principal, una zambra, A ciegas, compuesta por Quintero, León y Quiroga en los años 50, popularizada primero por dos grandes cantantes de copla (Concha Piquer y Marifé de Triana), y revisitada ahora por Poveda y Alberto Iglesias, compositor ligado íntimamente al cine español.

"La idea de meter una zambra en la película fue de Alberto Iglesias", explica el director de la película en una entrevista que le realizó mi compañero de redacción Jordi Minguell, pluma cinéfila que junto a Álvaro Pérez hace un gran blog, Alta Definición. "Yo inmediatamente pensé en dos voces, en Miguel Poveda y en Concha Buika. Pero me parecía que debía ser un hombre, porque al fin y al cabo la canción representa más a Lluis Homar”.

Pero no es solamente la visita a un clásico. "Lo que hace Alberto es poner unos arreglos de cuerda y convertir la zambra en una pieza de cámara y luego, Miguel, con ese modo de susurrar la canción... A mí me parece más que extraordinario, es impresionante este chico", dice con admiración Almodóvar. "Es muy importante esta canción al final de la película, porque se queda acompañando al espectador, que está ahí recomponiéndose".

La predilección por la copla de Almodóvar es harto conocida. También su afición al flamenco. Bambino, Duquende, Fernanda y Bernarda de Utrera, entre otros, han llenado de cante sus películas. El último encuentro entre el flamenco y Almodóvar fue justamente en la anterior pelícua, Volver, en la que el manchego contó con la voz de Estrella Morente, que interpretó por bulerías el tango argentino de mismo nombre (no fue la primera en hacerlo, vaya desde aquí mi personal y humilde homenaje también a la versión grabada por Martirio).

A Poveda lo conoce y lo admira, según el mismo Almodóvar reconoce, desde hace años. Y la admiración es mutua. Poveda ha participado en varios conciertos homenaje al director manchego que han tenido lugar en los últimos años, interpretando algunas de las canciones que Almodóvar incluyó en sus bandas sonoras. La última fue el año pasado, en Madrid, en Canciones para Pedro, junto a Buika y el baile de Eva Yerbabuena.

La banda sonora de Los abrazos rotos ha sido editada en formato CD y puede ser adquirida en tiendas físicas y virtuales desde el pasado 18 de marzo, fecha en la que se estrenó la película en los cines españoles.

Y abajo, un pequeño giuño a los inicios en el cine de Poveda, en 1993.

Soberbia. Con cada coreografía, Eva Yerbabuena da un paso más en la perfección de su danza. Lluvia no es una excepción. Estrenó el espectáculo en el Festival de Jerez y anoche lo presentó en Madrid, en el Teatro Español (donde estará exhibiéndose hasta el 15 de marzo). El espectáculo tuvo una primera parte de danza contemporánea salpicada por momentos flamencos y una segunda parte del flamenco más tradicional. Una coreografía pulcra, con perfectas transiciones, de movimientos precisos, de sincronización en el selecto cuerpo de baile que acompaña a la granadina (Mercedes de Córdoba, Irene Lozano, Eduardo Guerrero y Fernando Jiménez), una música creada lúcidamente para la ocasión (por Paco Jarana, con el que la Yerbabuena hace tándem en la compañía y en la vida) e interpretada magistralmente por Manuel de la Luz, Manuel José Muñoz el Pájaro y Raúl Domínguez y una escenografía mínima pero imprescindible.

El silencio juega un papel fundamental en una obra que quiere reflexionar sobre la melancolía, la soledad, el aislamiento. Un silencio que se baila y que incluso calla al cante. La ceguera o el lenguaje para sordos se cuelan en la coreografía para apuntalar la idea. Y los recuerdos, marcados también por el vestuario y la escenografía, con un cierto sabor añejo que crea una postal de otro tiempo. Todo el espectáculo está construido sobre estos sentimientos, que la bailaora y sus acompañantes interpretan (la Yerbabuena baila, literalmente, el cante y el silencio) para crear una sensación de angustia brutal sobre cantes casi en desuso, reinterpretados para la ocasión de una forma libre (taranta, milonga, murciana, levantica, taranto...).

Hay un momento de respiro: llegan los tanguillos de Cádiz y las alegrías. El público madrileño, probablemente descorazonado y aturdido con lo que ha visto hasta ese momento, tarda en reaccionar ante la exhibición de arte de los bailaores, que explotan con un baile racial, de braceo exquisito, de pies rítmicos y bien colocados en las escobillas.

El cierre lo pone Eva Yerbabuena sola con sus cantaores (Enrique el Extremeño, Pepe de Pura, Jeromo Segura y José Valencia) bailando primero una soleá contundente, ataviada con una bata de cola negra que la granadina maneja a su antojo, ahora suave, medida, poniendo el peso en el braceo y las caderas, ahora en una escobilla de pies eléctricos. Después con los cuplés, por bulerías, arropada al fin con un mantón rojo.

Queda algo más de una semana para el arranque del XIII Festival de Flamenco de Jerez y comienzan a conocerse los detalles de lo que allí ocurrirá. La bailaora granadina Eva Yerbabuena será la responsable de inaugurar el evento y lo hará con un estreno absoluto, Lluvia, espectáculo que tras pasar por Jerez recalará en Madrid durante 10 días.

Aunque nació en Frankfurt en 1970 es, por origen familiar y crianza, granadina. Eva Yerbabuena es una de las bailaoras más elogiadas del momento, por ser elegante, también precisa, por ser creadora de nuevas fórmulas sin apartarse de la tradición, por bailar bonito sin olvidar la técnica. Los críticos le dedican los mejores elogios. La descripción que hace el periodista Miguel Mora en La voz de los flamencos. Retratos y autorretratos es definitiva. “El baile de Eva Yerbabuena no admite comparaciones. Es fuerza y dulzura, belleza sin adjetivos, sentimiento y profundidad. Ese baile resume el flamenco, todo el baile anterior a ella: la sonrisa, la improvisación y la técnica, la seriedad y la generosidad, la fiesta y la fantasía, el rigor y la libertad. Yerbabuena se ha convertido en un modelo de bailaora con las viejas virtudes de la entrega y la afición, la naturalidad de cada movimiento, la ausencia absoluta de artificios, barbacoas, teatralidad postiza”.

Fue reconocida con el Premio Nacional de Danza en 2001, tres años después del nacimiento de su compañía. Ahora, un año después de cumplir diez años al frente de su propio ballet flamenco, la bailaora quiere volver a sus orígenes en el baile con este nuevo espectáculo, llamado Lluvia (y que en un principio iba a ser llamado Soledades). Sin embargo, no será una vuelta a lo que bailaba cuando comenzó. Ella lo explica así: “Deseo explorar mis inicios incomodando quizá un poco a todos aquellos que creen conocerme”. Imaginación, intuición e instinto son las tres palabras claves para lo que se verá sobre el Teatro Villamarta el próximo 27 de febrero y más tarde, entre el 5 y 15 de marzo, en el Teatro Español de Madrid.

Es el séptimo espectáculo de la compañía y cuenta con siete bailes, coreografiados por la artista. La música, una vez más, es de Paco Jarana, marido de la bailaora y con quien hace un tándem perfecto. “Nada mejor que la voz interior de una guitarra, a solas, con un tema de guitarra (trémolos) que es planteamiento, nudo y desenlace, y a partir del cual tres voces desarrollarán cantes de otras épocas, como murciana, levantica, taranto, taranta, milonga, tanguillos, romeras y cuplés, que necesitaba coreografiar desde hace tiempo”, dice la artista en la presentación de Lluvia, que explica, además, que el cierre será por soleá.

Además de Paco Jarana, acompañarán a Eva Yerbabuena en este espectáculo su grupo habitual: Enrique el Extremeño a la guitarra, Pepe de Pura y Jeromo Segura, al cante y Manuel José Muñoz El Pájaro y Raúl Domínguez, a la percusión. El cuerpo de baile lo componen cuatro bailaores y bailaoras: Mercedes de Córdoba, Irene Lozano, Fernando Jiménez y Eduardo Guerrero.