Por Bloguerías

La gran voz trianera actual, Esperanza Fernández (Sevilla, 1966), es la elegida para el retorno de un clásico sevillano (lleva organizándose 27 años), los Jueves Flamencos de Cajasol, un ciclo que comenzó en marzo y paró en verano. Se reanuda el 6 de octubre, en la sala Joaquín Turina, con la cantaora trianera, a quien seguirán otros siete recitales para concluir en diciembre con una zambomba jerezana.

La trianera, hija de cantaor y emparentada con los Pinini de Lebrija y los Cagancho, ofrecerá su versión más directa: un recital de cante junto al guitarrista que le acompaña desde hace más de 10 años: Miguel Ángel Cortés, uno de los mejores guitarristas para el cante de la actualidad. Un auténtico lujo, ya que es una de las cantaoras que defiende la herencia de Triana con mayor solvencia de la actualidad. Esperanza canta por derecho y sin embargo, es una colaboradora habitual en otro tipo de espectáculos: montajes corales, como el Café de Chinitas del Ballet Nacional, o el que protagonizó junto a Gerardo Núñez y la New York Flamenco Reunion en 2000 en la Bienal de Flamenco de Sevilla y otro tipo de acompañamientos, como su participación en El amor brujo de Manuel de Falla en la Bienal de 2008 . En este festival, precisamente, presentó el año pasado un espectáculo propio que suponía su debut en solitario en el certamen: Raíces del alma, en el que hizo un repaso por su herencia y carrera profesional acompañada por David Peña Dorantes, pianista y director musical, y Pepa Gamboa, directora de escena.

Entonces, me contó en una entrevista en su escuela de flamenco que comenzó en el cante gracias a una nana: “Fue la primera vez que me vio Mario Maya, el primero que me dio una oportunidad fuera del ámbito familiar. Me llamó para cantarla en su espectáculo El Amargo”. Después, junto a otro grande, el cantaor Enrique Morente, dejó de ser “la “la niña de Curro Fernández”, para tomar nombre propio. Ocurrió en 1994, gracias al espectáculo A oscuras presentado en la Bienal de Flamenco de Sevilla. “Ya había estado en la Bienal antes, pero la del 94 me dio un empujón muy fuerte, di el salto como Esperanza Fernández”.

Escucharle contar sus vivencias es como hacer un recorrido por el flamenco de los últimos 30 años, porque incluso sus recuerdos infantiles están salpicados por los grandes: “Yo estaba jugando y Fernanda y Bernarda de Utrera estaban en mi casa tomando café y haciendo compás, imagínate. Claro, yo de niña no le daba importancia. Soy una persona con mucha suerte”, me explicaba.

Aunque es habitual en los escenarios, es una lástima, para quienes no tienen acceso a sus actuaciones, que esta cantaora, que participó en la grabación de Potro de Rabia y miel de Camarón de la Isla, tan solo haya grabado dos discos: Esperanza Fernández (2001) y Recuerdos (2007). Y sin embargo, ella no echa de menos haber hecho más: “Yo puedo decir con orgullo que no soy un producto discográfico, porque llevo más de 20 años trabajando y sólo he publicado dos discos. No he parado de trabajar sin necesidad de tener ningún disco. Todo lo que tengo en mi vida ha sido ganado por mi propio esfuerzo y eso lo llevo a gala”.

Además de Fernández, en los Jueves Flamencos habrá otras actuaciones interesantes. El presupuesto se anunció en marzo, cuando se inauguró (100.000 euros, frente a los 165.000 de 2010). El cartel, este trimestre, queda compuesto así:

++Esperanza Fernández y Miguel Ángel Cortés: 6 de octubre

++Manuel Lombo junto a Asunción Pérez La Choni al baile y Ricardo Rivera, Fernando Romero y Los Melli: 20 de octubre.

++Manuel Liñán compañía de baile flamenco: 3 de noviembre.

++Manuel Herrera: 10 de noviembre.

++Javier Barón: 24 de noviembre.

++Isabel Bayón: 1 de diciembre.

++Mercedes Ruiz con Santiago Lara, David Lagos, el Londro y Perico Navarro: 15 de diciembre.

++Zambomba jerezana dirigida por Fernando Moreno: 22 de diciembre.

Las entradas para cada espectáculo se pueden adquirir en la Taquilla del Centro Cultural y en Cajasol Tickets, y existe la posibilidad de adquirir abonos para la temporada completa con la reducción de un 30% sobre el precio de Taquilla.

[[Antonio Cáceres (jefe de Acción Cultural de Cajasol), Manolo Herrera (coordinador del ciclo), Manuel Lombo, Esperanza Fernández y Manuel Herrera en la presentación del ciclo, ayer. Imagen facilitada por Cajasol]].

"Hemos decidido que el año que viene es este año". Después de tres lustros tratando de organizar un festival en Morón, Fernando González-Caballos y un grupo de jóvenes aficionados de esta localidad se han liado la manta a la cabeza y han decidido organizar Flamenco en la frontera , un festival que combina actuaciones con cursos y conferencias y que finaliza hoy. "Llevamos 15 años mostrando nuestra buena voluntad para organizar algo así a los directivos de las peñas, que son un poco el poder fáctico en esta localidad para organizar los eventos flamencos", explica González-Caballos, organizador. "Y todos los años nos decían: el año que viene. Así que, un poco cansado de que nos dieran coba, decidimos ponernos manos a la obra este año". La idea de fondo era, según explica, "hacer una llamada de atención sobre la capacidad y la fuerza que ha tenido el flamenco de Morón en la industria cultural, recuperar ese esplendor que tuvo en su momento, pero adaptado a los tiempos de hoy".

Así que decidieron no hacer un festival al uso y romper con la estructura del Gazpacho de Morón de hacer una única noche de espectáculos. Flamenco en la frontera se alarga durante cuatro días y combina las actuaciones con actividades que inciden en la importancia de la tradición flamenca local y lo su significado para el mundo. Con un objetivo muy claro: atraer al público joven. "El flamenco necesita renovar al público, porque hay un cambio generacional artístico también", explica González-Caballos.

La conferencia inaugural, a cargo del rector de la Universidad Internacional de Andalucía , José Manuel Suárez Japón, puso el miércoles el acento sobre aquella época dorada , unos tiempos protagonizados por el guitarrista Diego del Gastor, pero en el que tuvo también mucho que ver el estadounidense Donn E. Pohren, un enamorado del flamenco que se instaló en una finca en la que recibió a multitud de compatriotas atraídos por el toque del de El Gastor, el misterio y la manera de vivir de los flamencos de una zona de Andalucía que, en los años 60, seguía siendo rural y vivía ajena a lo que ocurría en el resto del mundo. "Pohren fue el inventor del prototurismo rural y hay que darle su sitio", dice el organizador. "Gracias a él, al trabajo literario que él hizo y el lugar que le dio en todo el mundo a Diego del Gastor, los extranjeros siguen viniendo a Morón. Le llevó de lo local al mundo. Diego del Gastor era un artista muy local, que seguramente de no haber pasado Pohren por aquí no habría tenido la dimensión que tiene", explica González-Caballos.

Sobre aquella época y su evolución hasta hoy versan muchas de las conferencias y proyecciones del festival, pero los organizadores son conscientes de que, como en todos los festivales, el plato fuerte son los espectáculos. Dani de Morón y Alfredo Lagos, Carrete de Málaga, Jesús Méndez o los locales Pepe Torres, Moi de Morón, David el Galli y Rafael Rodríguez, entre otros, forman parte de un cartel en el que se ha tratado de combinar artistas locales y ajenos, además de jóvenes con otros veteranos pero que están fuera del circuito de actuaciones. "Creo que el relevo generacional artístico se está dando y hay que apoyarlo", explica González-Caballos Un relevo generacional que, en su opinión, no está siendo entendido por algunos de los veteranos del flamenco, que han protagonizado recientemente una protesta ante la Junta de Andalucía por lo que ellos consideran que es una política de contrataciones centrada en el amiguismo. "Mi opinión sobre la polémica, además de los muchos puntos y comas que pueda tener, es que veo que hay una serie de artistas que se resisten a reconocer el cambio generacional. Yo creo no es noble que, un artista que ahora es mayor, que ha sido joven y ha tenido que buscar su sitio en los tablaos de Madrid, cuando entonces había también figuras consagradas, ahora eche tierra encima de los jóvenes que están despuntando".

Un largo y denso paso a dos medido al milímetro, con gusto y búsqueda de lo bello, ritmo, exquisitez y baile, mucho baile en femenino. Es lo que propone Bailes alegres para personas tristes, espectáculo de la compañía de Belén Maya con la bailaora Olga Pericet como artista invitada, que anoche se pudo ver en los Teatros del Canal de Madrid, dentro del festival Suma Flamenca.

Arropadas por el cante de tres grandes voces (las de José Valencia, Miguel Ortega y Jesús Corbacho), que anoche dieron el color y la presencia, el gusto y el rajo necesarios para la obra y las guitarras de Javier Patino y Antonia Jiménez, las dos bailaoras hicieron una reflexión sobre la eterna dualidad: la luz y la sombra, la sobriedad y lo barroco o la alegría y la tristeza, ataviadas con batas de cola que se sentían como una extensión de sus cuerpos. Con dirección escénica de Juan Carlos Lérida, el montaje, muy denso, hace un recorrido por diversos palos flamencos que explotan ese movimiento entre los extremos.

Arranca igual que termina, con un baile por alegrías interrumpido. Primero, el de Belén Maya, al final, el de Olga Pericet. En un escenario dividido por la mitad en blanco y negro, las dos bailaoras se buscan por verdiales o en los cantos tradicionales de mujer que suenan grabados. Comparten espacio, en algunas de las escenas y en otras lo hacen con los cantaores. Fieles cada una a su estilo, el de Maya perfectamente definido con los años, el de Pericet explotando en su juventud. Las dos resaltan el lado más femenino de su baile, ese que cuida la pose, la cadera, el giro y el braceo tanto o más que el zapateado, y por encima de todo, el manejo de la bata de cola.

El punto de inflexión en el encuentro de las dos mujeres lo pone una seguiriya rematada en bulerías que interpreta con gran belleza Pericet y la guajira con abanico de Maya: el negro contra el blanco, la sensualidad contra la fuerza, la velocidad contra la cadencia. Es en este tránsito cuando la luz y la sombra se confunden y cambian de espacio y la historia se encamina hacia el final. Un final en el agua, de puro rojo.

(Foto: Jaro Muñoz)

Es lo que ella explicaba en una entrevista antes del espectáculo: en Vinática pretende deformar la técnica. Anoche presentó la bailaora Rocío Molina (Málaga, 1984), Premio Nacional de Danza 2010, en los Teatros del Canal de Madrid, dentro del festival Suma Flamenca con gran éxito de público, que no sólo llenó el teatro sino que además ovacionó a la bailaora tras hora y media de tensión y pasión a partes iguales.

En un escenario desnudo (literalmente) la bailaora arranca -sobre un vals de Chopin que también cierra la obra- antes de que el público termine de acomodarse ataviada con una larga cola que sobresale del escenario queriendo significar ese poso que son los orígenes de los que ella parte para crear algo inédito. Una cola que, como conclusión del montaje, se convierte precisamente en lo contrario: unos orígenes que aprisionan, limitan e impiden avanzar hacia otros lugares.

Tarda un tiempo en entrar en acción Molina, tiempo que permite al espectador diseccionar la desnudez de un escenario preparado por Roberto Frattini. Mueve su brazo como si fuera la cola de un perro, ese perro que espera, tranquilo, paciente, a que las cosas se desencadenen. Y esos hechos son su propio recorrido artístico, la niña que fue sobre la que otras personas hablan mientras ella aprende su baile y lucha contra la naturaleza para controlar el cuerpo y convertirse en bailaora.

El guitarrista Eduardo Trassierra, el cantaor José Ángel Carmona (que también toca la mandolina) y José Manuel Ramos El Oruco, a las palmas y el compás actúan no sólo como músicos con gran acierto de ejecución y sentimiento, sino como personajes que interactúan y acompañan a la bailaora. Se sirven del vino, elemento que recorre toda la obra, ese vino que a veces provoca nostalgia y otras se usa para olvidar las experiencias pasadas.

Molina ha querido descomponer aquí los bailes, diseccionarlos, en esa reflexión que quiere plantear sobre quién es, quién fue y quién quiere llegar a ser. En ocasiones entra a bailar en el silencio, antes de que arranque la guitarra o el cantaor ponga voz a sus inquietudes. Por seguiriyas, la copla de Pepe Pinto Rosa Linares, alegrías o bulerías, la bailaora va mostrando la significación que el baile tiene, un baile de fuerza, de técnica depurada, tan consciente de esa técnica que en otros momentos la doblega y la destroza, se rebela contra ella. Mantiene una tensión que se antoja excesiva en algunos momentos, que contrasta con esa pasión que le pone a su baile, expresivo y entregado al extremo.

(Foto: Cristóbal Manuel)

Difícil deshacer el nudo que Estrella Morente nos ha provocado en el corazón a los que hemos ido a verle a los Teatros del Canal, con su cante por soleá. Su voz, su dolor, me sigue estremeciendo horas más tarde. El lamento por su padre perdido, seis meses después, es grave, no tiene alivio. Y Estrella lo trasladó a su voz y ofreció, como apertura del festival Suma Flamenca, el mejor homenaje que le podía hacer al maestro: entregarse en cada una de las notas de un recital sobrio, flamenco por derecho, que cerró ataviada con mantón entonando un pregón de viva voz.

Con un vestido negro cubierto por unos tules rosas, entró Estrella con paso lento, grave en su caminar, a un escenario en el que le esperaba su familia flamenca: las guitarras de su tío, José Carbonell, Montoya y la de su primo Monty, Pedro Gabarre en las percusiones y su hermano Enrique, su tío Antonio Carbonell y Ángel Gabarre, habituales acompañantes de Enrique padre, en los jaleos y las palmas. Quiso empezar con uno de sus temas más recientes. De pie interpretó Caza al alcance, inspirado en un poema de San Juan de la Cruz, que recientemente hizo junto al pianista Michael Nyman, en la gala de entrega de los Premios de la Música. Y en seguida, se sentó en una silla de enea y entró al flamenco. Primero por fandangos de Granada, rápidos, directos, llevados por las palmas para pasar después a los tangos. Los hizo con mucho acierto, con gran movimiento de su voz más desenvueltos en los tonos medios, concentrada, sentida, con entrega.

Tras los tangos, llegó la desazón porque Estrella se entregó a la soleá. Morente, sola en el escenario con la guitarra de Montoya, entró por derecho a un cante que dejó ver el dolor tan fuerte que ha dejado la pérdida del maestro. Con una fuerza desbordante, estremecedora, entró en el ayeo, y ya desde ahí, nos dejó un nudo en el estómago y el corazón para el resto de la noche. La solemnidad de este palo, al que siguieron malagueña y una seguiriya precedida por un suspiro que sonó sin consuelo, llenó de negrura los rincones de la sala. En la seguiriya quiso cantar a la muerte de su padre (“Qué pena más grande tengo que le dejaste morir solito en el hospital”). Con un cante descorazonador, de fuerza, que contiene el lamento del mundo y en el que Estrella demostró su mejor hacer.

Y lo que parecía que iba a ser un respiro, se terminó convirtiendo en un lamento aún más profundo cuando Estrella dejó solo en el escenario a Montoya, que homenajeó a Morente interpretando su Estrella en la guitarra, una Estrella que la cantaora hizo también al volver al escenario, ahora vestida de pantalón negro y camiseta con la silueta de su padre y una chaqueta de lamé plateada. Antes, por fandangos y colombiana y unas sevillanas dedicadas a Lola Flores (en las que hubo trazos de las coplas más populares de la tonadillera, pero también un recuerdo para Antonio y Lolita Flores), sacaron de Estrella la pasión que aún le quedaba en su interior. Aquí, la negrura se difuminó, aunque no el lamento, y siguió Estrella con su dolor en la garganta arriesgando, jugando con algunos de los giros que hacía su padre, entregada.

Para concluir el recital de emociones eligió un bolero de Chavela Vargas, La noche de mi amor, interpretado por bulerías. Estrella dio rienda suelta a su histrionismo, con baile, golpes de melena y cante a capella, adolorida como animal herido, levantando al público de sus asientos con una ovación cerrada que le obligó a volver y cantar una vez más, ataviada de mantón, y cerrar así con un pregón.

Farruquito, Estrella Morente, Diego el Cigala y Tomatito. Este es el cartel para las galas del Festival Internacional de Cante de las Minas de La Unión, que este año, en su edición número 51, tendrá lugar entre el 3 y el 13 de agosto. Un año después de cumplir medio siglo, la apuesta, no hace falta ser muy listo para llegar a esta conclusión, es hacer taquilla en un momento de crisis que, entre otras cosas, ha hecho que el ciclo de conciertos se reduzca un día.

El arranque, en cualquier caso, después del Prólogo del día 3, es la actuación de los ganadores del concurso de 2011: Miguel Ortega, premio Lámpara Minera (cante), Francisco Moncayo, premio Bordón Minero (guitarra), Jesús Fernández, premio Desplante (baile) y Abdón Alcaraz, premio El Filón (instrumental: piano). El día 5 arrancan las galas, con la actuación de Pitingo, un artista que forma parte de la historia de este festival porque pasó por su concurso de cante.

El certamen, un referente para los artistas que comienzan en el flamenco, se abrió para las inscripciones el pasado mes de febrero. “Ya se han inscrito más de cien participantes”, explicaba ayer en una rueda de prensa en el Corral de la Morería en Madrid, el alcalde de La Unión, Francisco Bernabé. Este año, la recta final (semifinales y final) y segunda parte del Festival tendrá lugar entre el 10 y el 13 de agosto.

Y mientras tanto, las actividades culturales, que incluirán actuaciones en la recientemente restaurada mina de Agrupa Vicenta Bernabé adelantó ayer que por este escenario natural pasarán Rocío Márquez y Manuel Cuevas, ambos poseedores de la Lámpara Minera y que presentarán sus nuevos trabajos discográficos.

Además de esto, un homenaje a Japón, la entrega de los Castilletes de Oro a Alejandro Sanz, Ferrán Adriá y Antonio Grau Mora Rojo el alpargatero (a título póstumo) y un homenaje a Enrique Morente, Castillete de Oro 2010, que contará con la presencia de toda la familia Morente y en el que se proyectará el documental de Emilio Ruiz Barrachina Morente, Picasso.

Puedes consultar aquí el cartel completo del Festival Internacional de Cante de las minas.

FOTO: EFE (Juan Carlos Hidalgo)

El próximo sábado se publica en Babelia, suplemento de las Artes de EL PAÍS, un reportaje sobre la situación actual de los tablaos, lugares que durante muchos años han estado en un segundo plano en la programación de flamenco. Para acompañar el reportaje del sábado, durante esta semana iremos dedicando varias entradas a las diferentes programaciones que tienen cada uno de los tablaos con los que hemos contado para elaborar el reportaje. Hoy arrancamos en Barcelona, con el Tablao de Carmen.

"El Tablao de Carmen se abrió en 1988, en un lugar en el que había un tablao muy pequeñito, donde actuó Carmen Amaya en la exposición universal", explica Javier Martínez, director del tablao. "Entonces el 90% del público era local, quizás no había tanto turismo como ahora en Barcelona, que tuvo un boom de turismo con los Juegos Olímpicos de 1992".

El año pasado, el Tablao de Carmen organizó un festival, dedicado a la bailaora que le da nombre, con una programación dirigida por el estudioso del flamenco José Luis Ortiz Nuevo, que se desarrolló los días 21 y 22 de octubre en el Teatro Coliseum. Pretendían homenajear a la bailaora, con la vista puesta en 2013, año en el que se cumple el centenario de su nacimiento, y a la vez, aglutinar artistas que representen lo mismo que representó la catalana: pureza, esencia y espontaneidad. La experiencia fue tan positiva que no sólo han decidido repetir, sino que a este festival se le añaden cinco ciclos, uno por mes, hasta junio. "La segunda edición del festival va a seguir la línea que iniciamos el año pasado", explica Martínez.

La primera en subirse a las tablas de este tablao para los ciclos del festival fue La Susi, cuya actuación especial tuvo lugar en febrero. "Es una cantaora que representa el flamenco puro, lo que nosotros buscamos la línea del festival", explica Martínez. Marzo ha sido el mes de María Toledo, que acaba de pasar por las tablas, el 26. "María combina un poco más la pureza con una línea innovadora, más joven. Lleva otra línea, pero también hará un recital más tradicional", dice sobre la cantaora el director del tablao. Le siguen, en abril, El Junco y Susana Casas, dos bailaores sevillanos. "Aquí tampoco hay mucha oportunidad de verlos. Buscamos también que sean artistas que no se prodigan en Barcelona y que lleven esa línea de flamenco tradicional", explica Martínez. "El último que tenemos cerrado es mayo, con la cantaora Encarna Anillo, joven con un estilo que nosotros buscamos".

A los ciclos y el festival de octubre, que este año tendrá lugar exactamente los mismos días que en 2010 y cuyo cartel encabeza La Susi, el Tablao de Carmen organiza un concurso de baile. "Se celebrará en los días previos al festival en el Teatro Coliseum", explica Martínez. "Ahora, junto a Ortiz Nuevo, estamos estudiando las bases para que se presenten artistas nuevos. Nosotros no queremos que sea tan abierto, sino para bailaores que sigan la línea artística de Carmen Amaya".

Un Homenaje a los grandes era la propuesta para la segunda noche del XV Festival de Jerez de Rosario Montoya Manzano, Farruca, hija de Farruco y madre de Farruquito. Lo que puso anoche en escena esta gran bailaora fue justamente esto: un homenaje a algunos de las figuras del flamenco de otros tiempos, sentido y elegante. Un homenaje con el que, además, ella pretende poner el punto y final a una carrera de bailaora interrumpida en diferentes ocasiones por la tragedia. Una puesta en escena sencilla pero cuidada, basada en la colocación de los músicos y unos pocos elementos muy relacionados con el flamenco: unas sillas de enea, una bata de cola blanca colocada en una de ella, un grupo de personas sentadas alrededor de una mesa de madera, marcando el compás con los nudillos, un banco de estudio de baile y un sombrero cordobés.

Farruca planteó cinco escenas, cinco postales por cinco palos diferentes, cada uno dedicado a uno de sus artistas de referencia. Y de cada uno de ellos quiso la Farruca añadir elementos a su baile, muy definido por la estirpe a la que pertenece. El baile de Farruca, como el de todos los miembros de la saga que inauguró su padre, es muy efectista. Basa su estilo en bailes cortos, muy centrado en el manejo de los pies, rápido y directo, fuerte y apasionado. Acompañado, cómo no, de un control muy fuerte de la pose, con un fuerte disfrute en los movimientos.

Empezó con un taranto dedicado a Fernanda Romero, un taranto en el que entró directamente sin introducciones la guitarra de Juan Requena con la voz de Pedro el Granaíno que si no estuvo del todo acertado en este palo se lució por martinetes, seguiriya y soleá. La Farruca salió al escenario como sombra, tras un telón, en el que se contoneó tocando unos crótalos. Después, ya delante del lienzo, Farruca hizo un baile de pasos grandes, de fuerza, poco lucido por un vestuario que no resaltaba su figura de bailaora.

Tras el taranto, su hijo pequeño, Manuel Fernández Montoya, el Carpeta, tomó el relevo para bailar por alegrías. Es difícil enjuiciar el baile de un niño de 13 años, porque obviamente es un bailaor en formación, un niño al que aún no se le puede pasar la misma vara de medir que a un bailaor profesional. Es un niño con mucha fuerza, que sigue e imita el baile de su hermano mayor, Farruquito, intentando destacar en el zapateado. Con su aparición, Farruca quería recordar a su hermano, Juan Antonio Montoya Manzano, el primer Farruquito, fallecido muy joven por un accidente de tráfico. Ella se unió a las alegrías con un mantón de manila que pronto dejó sobre una silla para recordar, con su escobilla y su paso, a Matilde Coral que, sentada en el patio de butacas, al finalizar el espectáculo, ante una imagen proyectada de Farruco gritó: “¡Qué alegría haber bailado contigo!”

Tras las alegrías llegó uno de los momentos más intensos de la noche. Un cante por martinete de Pedro el Granaíno, contestado, también por martinetes, por la cantaora Fabiola Pérez, pusieron la intensidad necesaria para la salida de El Carpeta que, vestido de blanco de pies a cabeza, marcó, brazos arriba, con sus pies, el compás de este palo cargado de sonidos negros, telúrico, profundo. No tiene el Granaíno una gran voz. Su sonido es tostado y se mueve mejor en los tonos altos, pero puso tanta emoción en este martinete, en sus tercios intensos y sentidos, que despertó grandes oles en un público que agradeció mucho tanto este cante como el resto del espectáculo. La cantaora que le respondió, Fabiola Pérez, posee una voz poderosa y a la vez con un quejío muy gitano, afinada, contenida y sentida, con el mismo nivel de intensidad y emoción que había puesto su antecesor. Una Farruca de blanco y vestida de hombre escuchó el enlace del martinete con la seguiriya, marcada por las palmas y la guitarra y fue preparando el cuerpo para acordarse de Carmen Amaya, recogida en su dolor de flamenca. Hizo un baile impecable, fuerte, con la misma sensualidad en las caderas y los brazos, cruzados sobre la cabeza, que pusiera en su día la bailaora catalana.

La zambra que planteó a continuación paró el ritmo del espectáculo pero no la intensidad. El piano de Pablo Rubén Maldonado, ejecutado con pasión, acompañó un cante de Pedro el Granaíno que reclamaba en su letra la emoción necesaria en la voz de un cantaor por encima de sus facultades técnicas. La Farruca, transformada en Lola Flores para esta escena, manejó con maestría una bata de cola roja alrededor del cantaor que trasladaba al espectador a una escena en blanco y negro protagonizada hace varias décadas.

El broche lo puso una soleá dedicada, como no podía ser de otra manera, a la figura de su padre, Antonio Montoya, Farruco. Con un vestido negro que no le permitía expresar su arte con libertad y puso una leve barrera entre su baile y el público, Farruca abordó el palo en el que su padre era el rey. Rodeada de los dos cantaores, a los que se unió con menor fortuna Mara Rey, la Farruca echó el resto en este palo y cerró el espectáculo con el recuerdo de su padre, con un fuerte zapateado y una salida entre cantaores. El Carpeta, solo en el escenario, se puso el sombrero característico de su abuelo y cerró el círculo. El futuro de la saga se encuentra con la fuente de la que beben todos ellos.

(FOTO: XV FESTIVAL DE JEREZ) // (VÍDEO: Flamenco-world.com)

Anoche dio comienzo el XV Festival de Jerez, un certamen dedicado casi exclusivamente, al baile. La apertura corrió a cargo de un bailaor local consagrado, Antonio Ríos Fernández, el Pipa, que preparó para la ocasión una obra, Danzacalí, dedicada, según él mismo explicó en rueda de prensa el día anterior, a los gitanos errantes, por el peso que los pertenecientes a esta raza tienen en el origen y desarrollo del flamenco. Lo que presentó anoche el bailaor y coreógrafo sobre las tablas del Teatro Villamarta de Jerez fue una obra coral en la que él se reservaba un papel protagónico pero no omnipresente. Ambientada en escenas costumbristas más relacionadas con la imagen creada de los gitanos por el siglo XIX francés que con las vivencias propias, los bailes se hilaban principalmente por la presencia del cuerpo de baile, que tuvo una actuación correcta, tanto en la formación de figuras como en los acompañamientos, sincronizados y elegantes. Una historia que comienza en los caminos y que tiene un leve desarrollo, un desarrollo argumental sostenido por el cuerpo de baile, con escenas un tanto tópicas, el amor a la luz de la luna, los juegos femeninos pseudo infantiles o el pillaje de dos golfillos que concluye en boda. Un desarrollo argumental a penas interrumpido por la fuerza del baile de Antonio el Pipa y sus dos primeras bailaoras, Juana Amaya y su hija Nazaret Reyes (que bailó por tarantos para interrumpir los juegos amorosos de los dos solistas del cuerpo de baile).

Estos dos bailaores solistas, Isaac Tovar y Macarena Ramírez, pusieron color con su actuación, tanto por alegrías como en el paso a dos por farruca, una metáfora del amor furtivo en la noche.

El Pipa, que contó con el favor del público desde el inicio (el público jerezano estaba deseoso de verle y había agotado las entradas), quiso combinar lo más tradicional de su arte con algunos movimientos de creación. Bailó por rondeñas junto a Juana Amaya, los villancicos Calle del aire junto al cuerpo de baile y acompañado por castañuelas, le bailó a su tía, la cantaora Juana la del Pipa, por tientos tangos y soleá, el momento de mayor gravedad de la actuación, junto a las seguiriyas de Juana Amaya. Es una lástima que voces tan flamencas y tan necesarias como la de Juana la del Pipa se apaguen, aunque esto, sin duda, añade dramatismo y profundidad a su cante por soleares. Pese a todo, sigue manteniendo la fuerza, la sabiduría y las ganas y sin lugar a dudas, es especialmente emotivo ver cómo su sobrino se retuerce y zapatea alrededor de su voz y su figura.

Otro momento igual de grave y de grande lo introdujo, con su poderosa voz, el cantaor Joaquín Flores, que se marcó unos martinetes de escalofrío, cantado con tercios cortos, directo, pleno de fuerza. Con este cante trágico introdujo el baile por seguiriyas de Juana Amaya, una bailaora que mantiene los cánones de la escuela jerezana más tradicional.

(FOTO: XV FESTIVAL DE JEREZ) // (VÍDEO: Flamenco-world.com)

Perturbación y un fuerte desasosiego. Un pellizco en la boca del estómago, es lo que deja su escucha. Desconsuelo. Ese es el efecto que produce el cante de Carmen Linares, y anoche lo volvió a hacer, en el Teatro Circo Price de Madrid. Su falta de alivio, su entrega en cada nota, su voz quebrada con el paso del tiempo se puso al servicio de la obra de Miguel Hernández. El espectáculo Oasis abierto. Miguel Hernández flamenco, presentado en el marco del Festival de Flamenco Caja Madrid, muestra la fuerza de la palabra del poeta de Orihuela, en la voz y el sentimiento de la cantaora. Ese es el centro del montaje, una puesta en escena que combina el dramatismo de la de Linares con la luz y la alegría de las bulerías de Tomasito y Ana María González, Carmen Amaya y Rosario Amador.

Carmen Linares hizo cante con guitarra (acertadísimos, Salvador Gutiérrez y el hijo de la cantaora, Eduardo Pacheco), por taranto (Andaluces de Jaén), soleá por bulería (Primavera celosa) y una seguiriya (Cada vez que paso) en la que hizo crecer el dramatismo, con un cante intenso y emocionado. Después se hizo acompañar por el piano de Pablo Suárez, y ambos interpretaron unos poemas a los que ha puesto música Luis Pastor, presente entre el público. En la Casida del desierto, poema que encierra el título de este espectáculo, la voz de Carmen sonó casi dulce, melancólica y susurrante. Volvió a repetir esta pieza en el bis, un bis dedicado a la memoria de su amigo Enrique Morente. Tras la canción, el martinete (El sol, la rosa y el niño), marcado por el piano, demostró por qué Carmen Linares ocupa el lugar que ocupa en el cante, porque se dejó la última gota de vida en el cante.

"No puedo olvidar / que no tengo alas / que no tengo mar / vereda ni nada / con que irte a besar". Con este poema, cerró este bloque de dramatismo y sonidos negros y dio paso a la luz, la de la canción de los vendimiadores, por tanguillos y alegrías, compartido con Tomasito, González, Amador y Amaya, y con ellos cerró el espectáculo, al son de El silbo del dale (bulería).