Por Bloguerías

El martes pasado nos visitó en la redacción de ELPAÍS.com el cantaor Miguel Poveda, que está presentando estos días su nuevo disco Las coplas del querer. Esta vez nos acompañó para responder a las preguntas de los lectores en un encuentro digital que puede consultarse aquí

-¿Cómo llevas intentar ser tu mismo dentro de las exigencias comerciales o económicas del mercado musical?
Intento estar más pendiente de lo musical y artístico que de lo comercial, de todas formas hasta hoy no me he sentido sometido a nada, he hecho siempre lo que me ha apetecido con todas las consecuencias.

-El disco que grabó en catalán (Desglaç) es brutal. ¿No grabará más?
Es algo que repetiré en un futuro, ya tengo algunos poemas musicados que en su día grabaré como el de El meu pare de Montserrat Abellò o No volveré a ser joven de Gil de Biedma.

-¿Con qué guitarrista te gustaría que te tocar (con el que todavía no lo hayas hecho)?
Con Paco de Lucia, aunque parezca un atrevimiento por mi parte.

-¿Cómo le fue en su participación en Fados de Carlos Saura?
Una gran experiencia entrar en el mundo de Carlos Saura, algo que repetiré posiblemente en breve...

-¿Tienes miedo de que te critiquen los puristas por hacer un disco de coplas y desviarte un poco, o que te tachen de artista comercial?
Nunca me he sentido un artista comercial, nunca he hecho la pelota a nadie, he grabado lo que me ha gustado siempre, malo o bueno y no siento desviarme de nada, soy una persona que canta lo que siente...

-Miguel ¿a qué personaje vivo admiras? ¿A quién te gustaría conocer? (de cualquier ámbito)
Admiro a Chavela Vargas, a Paco de Lucía...

-¿Qué escuchas cuando te pierdes por el mundo?
A Elis Regina, U2, Pancho Céspedes, Bambino, Lola Flores, Juan Talega, Niño de Barbate, Agujetas, Chavela Vargas, Lucho Gatica, Isabel Pantoja, Marifé de Triana, Martirio, Santiago Auserón, Enrique Morente, Camarón, La Negra....... y un no Parar!!!!

- ¿ En qué cantes te sientes más a gusto en los de compás o en los palos más libres?
Según el estado de ánimo y el momento, no tengo preferencias, en todos encuentro algo distinto...

- Después de las coplas, ¿cuál va a ser tu próxima sorpresa musical? A mí me encantaría un Cd en directo con cualquiera de tus espectáculos.
Me gustaría hacer una recopilación de cantes tradicionales no se si en directo o grabado, en cualquier caso intentaremos editar en DVD el directo de mi espectáculo Sin frontera.

Unos días antes había estado actuando en Sevilla en la segunda parte del V Festival de Flamenco de la ciudad, celebrado en el patio del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo. El cantaor se entregó como lo hace siempre, desde el primer minuto. No quiso esta vez jugar tanto con su voz, y entró al cante directo, para hacerse con un público que mayoritariamente había acudido a verle a él. Se le vio disfrutar en todos los cantes, forzando su garganta al máximo, con la voz quebrada en algunos momentos incluso. Y no escatimó en el repertorio: malagueñas, alegrías, bulerías, seguiriyas, soleares… Acompañado por sus inseparables Chicuelo a la guitarra, y Luis Cantarote y Carlos Grilo en las palmas, Poveda demostró que atraviesa un momento de madurez en el cante. Pero además tuvo un gesto para alguien que empieza: le hizo un hueco en el escenario con un niño que parece predestinado a los escenarios: Kiko Peña, que con sus 13 años llenó el patio con su voz, e incluso demostró su soltura con la guitarra en unas bulerías en las que le hizo palmas el mismo Poveda.

La primera parte del recital fue un homenaje a Morón, en el que no faltaron Paco del Gastor, digno heredero del toque de su tío Diego de Gastor, que se hizo acompañar por otras dos guitarras: las de sus dos nietos. También estuvieron las voces de Moi de Morón y Jesús Flores y las guitarras de Juan del Gastor y Paco de Amparo acompañando el baile de Merche de Morón, una bailaora joven que derrochó fuerza en el escenario.

Johnny es el apodo con el que desde hace varias décadas se conoce al Colegio Mayor San Juan Evangelista de Madrid. Vinculado a la cultura y a la libertad desde hace cuatro décadas, es uno de los lugares más emblemáticos de la música en Madrid y corre peligro de cierre. Y los flamencos, como muchas otras personas cercanas al arte, por sensibilidad, afición o por oficio, luchan para que se mantenga.

No es un colegio mayor más. Ni es una noticia local su cierre. Este centro contribuyó, entre otras cosas y junto a otras pocas iniciativas, a dignificar el flamenco en el momento en el que comenzaba a salir tímidamente de las fiestas de los señoritos andaluces para colocarse en los escenarios y adquirir la fuerza y la importancia que corresponde a este arte. Muchas de las noches de música en este centro, promovidas por el Club de música y jazz que dirige Alejandro Reyes, fueron únicas. Pero algunas son especialmente simbólicas. Que Enrique Morente, junto a la poetisa Gloria Fuertes, fuese la primera actuación en el salón de actos del Colegio, en diciembre de 1968, es un ejemplo. Que Camarón de la Isla diese el último recital de su vida en 1992 en el mismo salón, es otro. Pero hay muchos más y muchos o casi todos los grandes nombres del flamenco de las cuatro últimas décadas han pasado por sus tablas.

En octubre de 2008, hace tan solo unos meses, se celebraba el 40 aniversario del Colegio Mayor. Enrique Morente volvía a ponerse encima del escenario del salón de actos para celebrarlo, junto al toque de Juan Habichuela. El ronco del Albaicín explicaba en esos días de aniversario lo que significaba para él este escenario en EL PAÍS.

Más recientemente, el Johnny celebraba otro aniversario, los 20 años de un festival destacado, el de Tarantos, que también puso en el escenario a grandes voces y grandes toques por este palo fundamental.

Además de serlo para el flamenco, el Colegio Mayor San Juan Evangelista de Madrid ocupa un lugar propio en la historia de la vida universitaria de Madrid, por ser un referente de libertad y pluralidad y por haber tenido como prioridad el acceso a la universidad de los estudiantes provenientes de las familias con menos recursos económicos. Probablemente no sea este el espacio más adecuado para remarcar este hecho. La noticia es, en cualquier caso, que los dueños del Colegio quieren echar el cierre. El centro, aunque levantado en un suelo que pertenece a la Universidad Complutense, pertenece a la Obra Social de Unicaja y la caja de ahorros malagueña ha hecho pública su intención de cerrar el centro en septiembre. El motivo, la necesidad de hacer unas reformas en el edificio. Sin embargo, sobrevuela la sospecha de que se trata de un cierre encubierto, porque no hay proyecto ni fecha de ejecución de las obras o de reapertura.

Para evitar el cierre se han tomado diferentes iniciativas, que pasan tanto por la búsqueda de protección entre los responsables políticos como por el intento de comunicación directa con la empresa. Pero además, se buscan apoyos entre la ciudadanía. La Asociación de excolegiales ha creado una página web (http://www.excolegialescmusanjuan.com) en la que, además de información sobre el proceso del cierre y las movilizaciones en contra, hay un manifiesto de apoyo al Colegio que puede ser firmado por todos aquellos que quieran mostrar su desacuerdo con la decisión de Unicaja.

Y esta misma semana tendrá lugar en el salón de actos del Colegio un concierto de apoyo. Será el 26 de junio a las 21h, y en él están confirmados más de 50 músicos, entre los que hay muchos flamencos: Jorge Pardo, Enrique Morente, Pepe Habichuela y Niño Josele, entre otros. Es un concierto gratuito, las entradas se podrán recoger en el mismo Colegio el día del concierto.

(Actualización hecha el miércoles 23 de junio): Unicaja, entidad propietaria del Colegio Mayor San Juan Evangelista, ha hecho pública su intención de acometer las obras de reforma durante el verano para reabrir el Colegio en septiembre. La Asociación de Excolegiales, por su parte, ha remitido a los medios un comunicado en el que expresa su satisfacción por el cambio de postura de la entidad y advierte que "estará vigilante" durante el proceso de reformas para que Unicaja cumpla su palabra de reapertura. Además, "exige" la apertura "inmediata" del plazo de inscripción de alumnos para el curso que viene y mantiene el concierto del viernes como "un reconocimiento a la solidaridad" y un "brindis por una larga vida al San Juan al servicio de la libertad, la cultura y la pluralidad".

Antonia Mercé. El flamenco y la vanguardia española es el libro de Ninotchka Devorah Bennhaum que ha publicado recientemente la editorial Global Rhythm Press. La autora pretende con esta obra rescatar de la historia una figura fundamental en la danza española del siglo XX, y que sin duda, también lo ha sido para el flamenco. Gracias a la audacia, el talento y la necesidad de innovación de esta genial artista, entre otros pocos artistas, el flamenco se fundió con las vanguardias del periodo de entreguerras y saltó a los mejores escenarios del mundo. La vida y la contribución a la danza que hizo Antonia Mercé, la Argentina, que nació en Buenos Aires en 1890 y murió el 18 de julio de 1936, son reseñadas en este libro por Bennahum, que es profesora de dicción, teatro y danza en la Universidad de Long Island, en EE UU.

Bennahum hace un recorrido amplio por la vida de La Argentina, contando con detalle cómo fue su infancia, influida por la dedicación al baile de sus padres Josefa Luque, de familia aristócrata cordobesa, y Manuel Mercé, nacido en Valladolid, primer bailarín y maestro coreógrafo del Teatro Real de Madrid. También se describe con detalle la personalidad e inquietudes de la bailarina, el camino que recorrió para tomar la trayectoria que decidió llevar, y los elementos fundamentales de su arte. Las dificultades y los apoyos que encontró, los intelectuales de los que se rodeó y su concepto del arte y de la danza.

La Argentina representa como ninguna las vanguardias aplicadas al baile. No fue una flamenca en sentido estricto, no era bailaora de tablao ni de cueva. Era bailarina de conservatorio, hija de bailarines, pero estaba interesada en el baile de los gitanos por considerar este arte la esencia y lo incorporó a su formación clásica. La Argentina creó coreografías que a la precisión de movimientos y coreografías de los ballets rusos o de otras danzas más tradicionales de técnica depurada, la fuerza del flamenco, sus movimientos rápidos, secos, llenos de carácter, todo con una puesta en escena de vanguardia y acompañada de la música de los mejores compositores de la época, españoles o extranjeros.

A pesar de que la mayor parte de su trayectoria profesional se desarrolló fuera de España, Antonia Mercé fue una artista fuertemente comprometida con su tiempo y con las libertades de su país, por lo que no deja de ser extraño, curioso y simbólico que su muerte coincidiese con el levantamiento militar que terminó en España con la II República y que inició la guerra fraticida que duró tres años y concluyó con una dictadura de 40 años.

Hoy arrancan las votaciones que decidirán los 10 Tesoros del Patrimonio Cultural Inmaterial de España y entre las 45 candidatas está la Bienal de Flamenco de Sevilla, cuya candidatura fue presentada por el Ayuntamiento de la ciudad el pasado mes de abril. La lista la van a decidir todos aquellos que quieran votar. La iniciativa pertenece al Bureau Internacional de Capitales Culturales, una organización nacida en Barcelona para promover y desarrollar proyectos culturales que incluyen, precisamente, estos conceptos de capitales culturales y patrimonio cultural inmaterial.

Se puede votar a través de la web del Bureau o con un SMS hasta el 28 de junio. La Bienal compite con 45 candidaturas de las más diversas opciones, aunque casi todas son fiestas o festivales: el carnaval de Cádiz o el de Tenerife, el Camino de Santiago, la Feria de Abril, las Fallas de Valencia, el Festival de Teatro Clásico de Mérida, los Sanfermines, el Txistu o la leyenda de los amantes de Teruel, entre otras.

El nuevo trabajo de Jorge Pardo (Madrid, 1956) es arriesgado. Él es un músico valiente, siempre lo ha sido, porque antepone la creación, la música que le nace del corazón, ante cualquier otra cosa. "No hay ni música grande ni chica ni buena ni mala, sino sentida y disfrutada y precisamente para todos vosotros, a parte de para mí mismo, es para lo que muevo mis dedos en una flauta y mi cerebro y mi corazón en una cuerda floja”, dijo ayer a sus admiradores en ELPAÍS.com.

Y digo lo de arriesgado porque Pardo, que en su trayectoria ha logrado que la flauta suene como un instrumento más en el cuadro flamenco, intenta aquí que la travesera sustituya al cante, que cante en lugar de la voz. Ya lo hizo en la primera entrega de Vientos flamencos, así que para muchos no será una sorpresa.

Este nuevo trabajo, editado por Flamenco World Music, discográfica del portal Flamenco World es una colección de canciones más que un disco con una idea global desarrollada a través de sus temas. "No es una obra en sí misma, sino una colección de pequeñas obras”, explica. Es por esto que Pardo clasifica los cortes de este disco en carpetas de trabajo y de cada una de ellas presenta algunos elementos: bulerías, rumbas, soleares, guajiras, pero también un pasodoble, un joropo o composiciones clásicas como La danza del Fuego, de Manuel de Falla o Cádiz, de Isaac Albéniz.

Tiene una carpeta de composiciones propias que él llama Mis palos, otra en la que homenajea a Camarón, una de pasodobles, de pensamientos (también de composiciones propias) y otra en la que se hace acompañar por los otros dos pilarse del trío (Carles Benavent -bajo- y Tino Di Geraldo -percusión-) y también por Rubem Dantas, el percusionista brasileño responsable de que el cajón peruano, tras una cierta transformación en su estructura, se haya convertido en un instrumento flamenco. (Del trío, por cierto, se ha publicado recientemente Sin precedentes, el segundo trabajo discográfico -primero en estudio- de este grupo de músicos que navega en las aguas del jazz y el flamenco, más jazz que flamenco en esta ocasión).

Sería sorprendente que alguien no conociese aún la figura y trayectoria de Jorge Pardo. De él siempre se destaca que ha sido uno de los músicos del grupo de Paco de Lucía durante más de 20 años o que acompañó a Camarón de la Isla con su flauta en la grabación del mítico La leyenda del tiempo y en el escenario varias veces. Se distingue por ser un músico abierto, en sus aventuras musicales y en su oído para otros músicos. Tanto que, más allá de la etiqueta flamenca y jazz que le definen, su trayectoria pasa por una grabación con Las Grecas con 17 años o con Mecano en el popular Cruz de navajas. Tampoco podría obviarse su relación con el jazz. Ha compartido escenario con músicos como Pat Metheny y Chick Corea.

Y después de infinidad de grabaciones, ahora vuelve con algo propio. "En este disco hay desde sueños muy personales y fieles a su primera idea hasta delirios que han ido creciendo en el propio proceso de grabación". A lo que dice Pardo no hace falta añadir mucho. "Un disco termina siendo un sueño colectivo, de toda la gente que interviene en ese disco e incluso otros que, por influencias que llevas a esa obra o que cualquiera de los músicos que interviene lleva a esa obra, aparece en el disco. Pero cada obra tiene sus particularidades, incluso cada pieza dentro del disco".

Ha sido uno de los pioneros en la introducción de la flauta y el saxo en el flamenco. Ha tocado con muchos de los grandes y ha participado en infinidad de grabaciones, propias y –no del todo- ajenas. Siempre a caballo entre el jazz y el flamenco, para Jorge Pardo lo importante es sentir la música, no importa de qué tipo sea. Ahora presenta un disco nuevo, Vientos flamencos 2 y para hacerlo, ha estado en la redacción de El País para charlar con los lectores a través de la web del periódico. La entrevista íntegra está disponible aquí.

Aquí despliego algunas de las cosas más interesantes que ha contado Pardo sobre algunos temas relativos a su carrera.

SOBRE EL FLAMENCO Y EL JAZZ:

"Si te sumerges no sólo superficialmente, sino buceas un poco en el sonido que produce el flamenco, te impregnas de él. Y poco a poco el sonido de tu instrumento, sea el que sea, va a expresar esa música con ese sabor y olor inconfundible".

"Es curioso que la soleá de El Talega tocada por un saxofón sea vista como jazz y un estándar de jazz cantado por un cantaor flamenco sea flamenco".

"El flamenco, como cualquier arte grande tiene muy diferentes caras, diferentes tendencias. No todos tenemos que estar de acuerdo, lo enriquecedor es que haya diferentes maneras de verlo y todas las combinaciones posibles, siempre aceptando que haya otro que no piensa o que no siente como tú y no por eso tienes que echarle de la familia. Además, pienso que el miedo que algunos tienen por lo nuevo no se corresponde a la realidad, porque está demostrado en la historia que lo nuevo se añade a lo viejo y no lo sustituye.

"El arte como la vida es mezcla. Yo todavía no he conseguido que nadie me mencione un arte puro, que haya nacido de una idea única. La fusión es una actividad que el ser humano y los artistas han manejado de toda la vida. De hecho, el flamenco en su crisol nace con la genética que se daba en ese momento en ese lugar, es decir, mestiza. Yo creo que más que mezclar hay que sumergirse en el sentido de esas músicas y así la mezcla nace de dentro de ti".

SOBRE LOS DIRECTOS:

"En realidad me gusta tocar en todos los sitios, grande, pequeño, al sur, al norte, y para cualquier público. De hecho, una de las cosas bonitas de tocar por ahí es tener contacto con diferentes públicos, pero la abstracción a la que se llega cuando estás tocando, que a veces llega al trance, te hace estar en un sitio intemporal".

"Justo antes de subir a un escenario es el momento en que te quieres ir a casa. Supongo que es parte de la emoción. El caso es que cuando transcurre un minuto en el escenario, parece que no hay mejor sitio..."

"A mí lo que me favorece es tocar mis instrumentos, hacerlos sonar en una reunión, sea más grande o más pequeña. Creo que eso es lo que a cualquier músico debe aspirar, a hacer su música para la gente en el momento, a tiempo real. La grabación corresponde a la industria, darle un formato adecuado para que tu música pueda llegar más lejos".

SOBRE LA MÚSICA Y LOS MÚSICOS CON LOS QUE HA TRABAJADO:

"El 80% de la música que oigo es la que está a mi alrededor físicamente. Y el otro 20%, escucho absolutamente de todo, tanto reviso los clásicos de cualquier estilo, como intento estar al día en la gente más desconocida”.

"El momento que se vivió cuando hicimos el One summer night fue quizá el momento más excitante del Paco de Lucía Sextet".

"Que La leyenda del tiempo suene fresca y actual con el paso del tiempo es porque muchas obras a lo largo de la historia que se tacharon de vanguardistas y heréjicas el tiempo las ha convertido en clásicos".

(Foto: Daniel Muñoz, Flamenco World Music)

Manuel Fernández Molina, Parrilla de Jerez, falleció el pasado sábado tras padecer una larga enfermedad. La noticia la ha dado a conocer la página web del programa de radio de Onda Jerez Los caminos del cante, que cita un comunicado remitido por la familia.

Nacido en 1945, pertenecía a una dinastía familiar dedicada al flamenco, los Parrilla, que junto a los Morao constituyen las dos escuelas de toque jerezano, que destacan por su dominio absoluto del compás y un toque rítmico sin descuidar los ligados. Comenzó a tocar con su padre, el Tío Parrilla, y con 13 años comenzó su carrera como profesional, en la feria de Sevilla, acompañando primero a su hermana, Ana Parrilla, que era bailaora, y después a cantaores como el Tío Borrico, Fernando Terremoto y Sordera. Tocó con muchos de los grandes de su tiempo: Curro Malena, Manuel Agujetas, Antonio Mairena, Chocolate, Naranjito de Triana, Pansequito, Enrique Morente... Pero sin duda pasará a la historia del flamenco por ser el eterno acompañante de La Paquera de Jerez.

a La Paquera, además, le acompañaba al estilo tradicional, es decir, de pie, con la pierna derecha apoyada en una silla y la guitarra pegada a la oreja, porque a la cantaora le gustaba decir su arte de pie. En los últimos años fue el guitarrista principal de otra cantaora de raza de Jerez, La Macanita.

Parrilla de Jerez, Premio Nacional de Guitarra por la Cátedra de Flamencología de Jerez en 1973, también disfrutaba de los villancicos y otras músicas populares de su tierra. Escribió una marcha procesional para la Virgen de la Piedad de Jerez y desde 1982 fue director de la colección de discos de villancicos Así canta nuestra tierra en navidad, que cada año edita la entidad financiera Cajasol.

Grabó infinidad de discos acompañando a los cantaores y sin embargo, no tuvo una edición tan prolífica de discos como guirarrista solista. Lo hizo en cuatro ocasiones: Guitarra gitana (1970), Antologia de las bulerias (1975), Jondura (1996) y Nostalgia (1998).

Tanto arte derrocha en el escenario que es difícil escribir algo nuevo sobre Miguel Poveda sin caer en el tópico. Anoche llenó el Teatro Calderón de Madrid con Sin Frontera, un espectáculo en el que el flamenco barcelonés de Poveda y Chicuelo se encuentra con el jerezano de Luis el Zambo, Moraíto Chico y Andrés Peña y se van de fiesta todos juntos. No es un espectáculo nuevo, pero como suele ocurrir con este cantaor y con los enormes artistas jerezanos que le acompañaron, se renueva cada vez que sube al escenario.

Sin frontera incluso ha pasado ya por Madrid. Pero no importa. En esta edición del festival SUMA Flamenca vuelve a verse. Y todas las entradas estaban vendidas desde el día en que se pusieron a la venta. Miguel Poveda levanta la expectación por allá donde va. Y nunca defrauda. Anoche tampoco.

Arrancó la voz profunda y jerezana de Luis el Zambo. Un cante por bulerías acompañado por los nudillos de Moraíto, Peña y los dos maestros del compás que son Carlos Grilo y Luis Cantarote. Le siguió Poveda, acompañado de la guitarra de Chicuelo, por cantes mineros. La intensidad quedó grabada desde el momento en que sonó la primera nota. Frente al cante más rítmico del Zambo, Poveda se exhibió alargando los tercios hasta lo imposible, poniendo todo el sentimiento y toda la entrega en unos cantes que él domina como pocos actualmente. Siguió una soleá corta del Zambo, con las pinceladas del mejor baile de Andrés Peña, tradicional, marcando los pies sin excederse, rítmico, preciso en los giros. Y tras la soléa, la malagueña de Poveda, los abandolaos, y el encuentro entre Poveda y el Zambo.

Tiene un cante Luis el Zambo que traslada directamente al barrio de Santiago sin escalas. Una voz profunda, adolorida sin llegar al quiebro, potente, sin necesidad de hacer muchos alardes para emocionar. Una voz que por tonás sonó la compañía perfecta para la de Poveda, que está pletórico de arte, que se exhibe en cada cante, lleno de matices, en las notas más altas y en las más bajas. Sin duda fue Poveda el protagonista de la noche, protagonista eso sí de un cuadro de factura impecable del que no sobró nadie.

Tras las tonás los dos cantaores volvieron a las bulerías. Las más fiesteras, las más rítmicas, las más de Jerez. Con el mejor de los adornos, las palmas de los invitados a la mesa del mejor flamenco. Unas bulerías que además quedaron registradas para siempre en un disco de Poveda, Zaguán (2001). Tras la borrachera de arte que derraman estos geniales flamencos, Poveda cantó por tientos y tangos de Triana, disfrutando con un cante que el público reconocía en una ovación permanente.

Las dos guitarras se mostraron entonces en una bulería dirigida por Moraíto a la que siguió el cante por seguiriyas de Luis el Zambo. Y volvió el protagonismo al baile. Andrés Peña bailó unas alegrías sin más acompañamiento que el mejor compás que le marcaban los de atrás. Bailó como se baila en Jerez, sobrado de compás, con movimientos limpios al servicio del arte, rematando los braceos con unas muñecas que se retuercen y que en Peña no sobran. A las alegrías se sumaron Chicuelo y Poveda y tras las alegrías, un cuplé por bulerías, Cuatro capotes, que recuerda a dos grandes de Jerez: La Paquera y Lola Flores. Más bulerías, las del cierre, las de la fiesta jerezana, para despedir. Y un cante por tonás entreverado de los dos cantaores para intentar cerrar la noche, que todavía dio para más: una versión del A ciegas por bulerías, la copla que ha puesto a Poveda en el universo Almodóvar y que ue seguida del clásico de este cantaor: los Alfileres de colores que no puede faltar en ningún recital suyo.

Se le pudo ver en el Festival en Jerez, según cuentan los cronistas que asistieron, disfrutando de los espectáculos presentados. También en algunos espectáculos de la SUMA Flamenca, como el recital de Mayte Martín o la presentación de Oro viejo, de la bailaora malagueña Rocío Molina. Carlos Saura es un aficionado al flamenco desde hace muchos años, casi desde la infancia, según él mismo ha contado muchas veces. Ahora vuelve a cruzar profesión con afición. Después de haber dirigido películas musicales que protagonizaron los bailaores Antonio Gades o Cristina Hoyos y de títulos documentales como Flamenco, Sevillanas, o Iberia, ahora prepara un montaje teatral, uno de los platos fuertes del festival Veranos de la Villa, en Madrid, que todos los años dedica un apartado al flamenco.

“Vamos a ser atrevidos, aunque sin perder de vista los caminos ya trazados”, dijo Saura en la presentación de Flamenco hoy. No habrá línea argumental, pero intentará, gracias a la escenografía y las luces, mostrar el paso del tiempo: nacimiento, juventud y madurez del flamenco. El director musical es el pianista gaditano Chano Domínguez, que en su trayectoria se mueve entre los caminos del jazz y del flamenco y que, según explicó, pretende en este caso acercar los palos más jondos (como segiriyas, saetas, farrucas, tangos o fandangos) a las músicas que influyeron en el nacimiento del flamenco, las del Magreb y la India. José Luis Ortiz Nuevo será el director artístico y la cuarta pata de la mesa la forman el tándem formado por Rafael Estévez y Nani Paños, responsables de la coreografía.

Será sin duda un gran espectáculo, por el número y la calidad de artistas que van a participar en él. Todos son jóvenes, una generación desconocida para Saura, según dice él mismo, pero bien dotada. “El flamenco está en un momento prodigioso”. El baile de los dos coreógrafos, Rocío Molina, Pastora Galván, Olga Pericet y Concha Jareño, entre otros, el cante del jerezano Jesús Méndez y el gaditano David Palomar, o las guitarras de Antonio Rey son garantía de éxito anticipada. Entre todos compondrán una obra cuya escenografía, dice Saura, tendrá como elementos fundamentales la luz, las proyecciones en vídeo y los espejos.

En Madrid podrá verse entre el 18 y el 23 de agosto. Después Flamenco hoy saldrá de gira. Primero por España, después por América Latina.

El Festival de Teatro Clásico de Mérida tendrá este verano una buena dosis del mejor flamenco, una vez más. En esta ocasión será gracias a Fedra, obra inspirada en la tragedia de Eurípides que narra la pasión entre una mujer y su hijastro. Y digo inspirada, porque el director, Miguel Narros (Madrid, 1928) ha querido traer la obra al siglo XXI y que los protagonistas sean gitanos (y bailaores, además).

Enrique Morente, Javier Latorre y Lola Greco son los tres grandes nombres de la obra. Morente pone la música, Latorre la coreografía y Greco será la protagonista con su baile. No es un montaje nuevo, sino una revisión de otro que hizo sobre la obra Narros en 1990 y que protagonizó entonces Manuela Vargas con la música de Morente, que va a hacer una revisión para adaptarla a la nueva versión. Es una “ópera flamenca con danza, música y teatro”, según anuncia la web del Festival. A diferencia de hace 19 años, la escenografía será más abstracta, más sutil, para no distraer la atención de la historia, que es lo verdaderamente importante, según explicó Narros el día de la presentación a la prensa de la obra.

Amador Rojas, Carmelilla Montoya, Alejandro Granados y un cuerpo de baile de diez bailaores acompañarán a Lola Greco sobre el escenario, para completar los personajes de la obra. Fedra se estrenará en Nápoles el próximo 12 de junio y en Mérida podrá verse entre el 1 y el 5 de julio. Después, podrá verse durante el verano en el Festival de la Guitarra de Córdoba y los festivales de Almagro, Peralada y Sagunto.