Por Bloguerías

Ayer por la mañana falleció un gran guitarrista jerezano. Os dejo el obituario que publicamos hoy en El País. Descanse en paz.

Cuando el cante flamenco quería sonar a Jerez, buscaba su guitarra, la de Manuel Moreno Junquera, Moraíto Chico (Jerez de la Frontera, Cádiz, 1956). El soniquete jerezano, esa peculiar manera de entender el compás, de marcarlo y jugar perdiéndose en él, no tenía mejor representante en su generación. Su guitarra siempre estaba para escuchar el cante, contestarlo y mecerlo con ese compás propio de su tierra. Había actuado con casi todos los cantaores de su época, pero será recordado por las casi dos décadas de trabajo junto a otro jerezano, José Mercé.

No le interesaba pasar a la historia ni crear un nuevo sonido en la guitarra flamenca, pero a lo largo de su carrera logró que su manera de tocar, siguiendo la más estricta tradición de su ciudad natal, también sonase profundamente personal. Recogió la herencia familiar, la que le dieron su padre, Juan Morao, y antes su tío, Manuel Morao. Pero también bebió de otras fuentes, como Parrilla de Jerez o Paco Cepero, a las que añadió nuevas melodías de factoría propia, nuevos picados o falsetas con un punto de picardía, la que lleva dentro la bulería, entendida a la manera en la que se vive en su barrio, el de Santiago, una de las cunas del flamenco.

Debutó profesionalmente al lado de La Paquera, porque el acompañante habitual de la cantaora, Parrilla de Jerez, curiosamente uno de sus referentes, estaba enfermo. Pero antes, y desde los 11 años, había participado en los Jueves Flamencos que organizaba su tío. Y nunca más soltó la guitarra.

Su fuerte era el repertorio jerezano: bulería, soleá, seguiriya, malagueñas del Mellizo, tientos, fandangos y cantiñas. Pero sin duda será recordado siempre como el eterno escudero del cantaor José Mercé. Con él ha compartido giras por todo el mundo y numerosas grabaciones, incluida la del último disco del cantaor, Ruido, publicado en 2010.

Era muy admirado por su saber acompañando al cante, por lo que le buscaban todos los cantaores, los de su tierra y los de fuera. Los rasgos que definían su carácter marcaban quizás también esa personalidad artística que atraía a sus colegas como un imán. Moraíto era humilde, y su guitarra siempre ocupaba el lugar que le corresponde, junto al cantaor, dándole réplica y envoltorio, pero nunca buscando el protagonismo. Era un artista generoso con sus compañeros de escenario, que gracias a su toque brillaban aún más. También era un tipo simpático, un tanto guasón, realmente conocedor del significado de la bulería. Tanto así, que casi la defendía tan bien bailando, derrochando arte y compás, como con la guitarra, siempre buscado en el fin de fiesta para demostrarlo. Nunca necesitó alardear de conocimientos técnicos, ni le gustaba tocar con rabia (como siempre ha dicho el maestro Paco de Lucía que tocaba en su juventud), ni exhibirse con una gran velocidad en su toque. Lo suyo era otra cosa.

Fue quizás esa poca necesidad de protagonismo la que hizo que Moraíto no haya desarrollado una carrera más prolífica como concertista. Aunque ha participado en numerosas grabaciones de diferentes cantaores, solo ha dejado dos discos como solista: Morao y oro (1992) y Morao, morao (grabado en 1999 y reeditado por Nuevos Medios en 2005).

Y paradójicamente, ha sido una actuación como solista la última que hizo. El guitarrista se despedía de los escenarios, sin saberlo, el pasado mes de enero, en el Festival de Flamenco de Nimes (Francia). En España, sus trabajos postreros fueron para la televisión, en el programa que emitía Canal Sur, El sol, la sal, el son, producido por el periodista Jesús Quintero. También sus dos actuaciones en la Bienal de Flamenco de Sevilla, en septiembre de 2010.

(FOTO: GARCÍA CORDERO)

La Suma Flamenca de Madrid entra en su recta final. Pero aún queda tiempo para la actuación, en el Centro Cultural Paco Rabal de Palomeras Bajas, de un guitarrista y compositor madrileño, Agustín Carbonell, Bola (Madrid, 1967), que presenta un disco que a su vez es la grabación de un espectáculo, un espectáculo que se verá en Madrid el 2 de julio, Rojo y rosa.

“No quería montar una obra en torno a un título”, me explica Carbonell en una interesante charla que tiene lugar en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. “Decidí titular con dos colores por lo que representan para el flamenco: el rojo es la pasión, el compromiso, la verdad artística. El rosa es más lírico, más amoroso”.

Este es el cuarto álbum de su carrera, el primero compuesto en torno al baile. Pero el Bola no es ningún recién llegado. Sobrino nieto de Sabicas (“toda mi familia se dedica al flamenco”, resume el guitarrista), primo de Aurora Carbonell, la Pelota (y por tanto, primo político de Enrique Morente), hijo, sobrino, y nieto de flamencos, Carbonell comenzó a los 13 años, pero fue junto al bailaor Eduardo Serrano El Güito, con quien trabajó durante 14 años, como logró el reconocimiento y la experiencia fundamental. Ha trabajado con tantos artistas que la enumeración no acabaría nunca y, a pesar de su gran experiencia acompañando el baile, no ha sido hasta ahora cuando se ha planteado dedicarle un disco.

“Llevo muchos años en la música, he viajado muchísimo, y ahora quería hacer algo íntimo, personal, con mis vivencias del flamenco, que han sido bastantes”, explica. “Era un reto, mi intención era hacer una especie de suite que girase en torno al baile, mostrar a la gente la fuerza que tienen el baile, la guitarra y el cante grabados en directo”.

Rojo y negro es la adaptación para el disco de un espectáculo que se estrenó en octubre en el Teatro Lara de Madrid. “Todo no se puede grabar, no puedes tener al oyente escuchando una escobilla de baile dos minutos porque no se va a entender”, explica. “El espectáculo está adaptado para el CD. Se grabó en dos días en directo, con baile y todo”.

La obra se organiza en torno a seis escenas cerradas e independientes (el disco cuenta con 12 cortes: con soleares, bulerías, tientos, cartagenera, tangos, soleá por bulerías, fandangos por bulerías), que protagonizan dos bailaoras. “Cada escena cuenta una historia, con su pequeño argumento”, explica. “Los títulos de las escenas aluden al mundo de la danza”. Cada una de las historias cuenta, además, con una pequeña explicación que se explica en el libreto para situar mejor a los que escuchen el disco.

La música es muy directa, muy auténtica, siguiendo los esquemas más tradicionales. Sin embargo, el disco se presenta con un subtítulo: Música y baile del nuevo flamenco: “Todo está dentro de lo que es cada palo, no he querido poner fuegos artificiales: hay unos tientos que son muy puros, la soleá es muy pura también…”, explica, para matizar después: “la gente no entiende lo que es el nuevo flamenco y es una pena. Tenemos la obligación de conocer la obra de los maestros, asumirla y conocerla de verdad, pero después todo va evolucionando, siempre desde el respeto y con el conocimiento que ello conlleva”, explica. “Mi apuesta es diferente, no puedo esquivar las vivencias y las experiencias con otras músicas que he vivido”.

Las dos bailaoras de la obra, madrileñas, representan los dos colores, el rojo (Tamar González) y el rosa (Karen Lugo). “Karen lleva la batuta, es un poco el alma del espectáculo”, explica Carbonell. “Su baile es música para mí, tiene un punto lírico muy fuerte. Yo le conocía de la academia de Amor de Dios de Madrid”. Tamar González entró para sustituir a otra bailaora, que en principio se unió al proyecto pero lo dejó en seguida. “Después de Karen se incorporó al espectáculo Karime Amaya, que es una sobrina nieta de Carmen Amaya, un auténtico animal bailando. Pero justo antes del estreno tuvo que volar a México”. En su lugar se incorporó Tamar González. “Es una bailaora muy moderna, con una fuerza impresionante y mucho sentido del compás, representa muy bien el rojo”.

A las dos bailaoras se unen el contrabajo de Javier Colina, la guitarra de Claudio Villanueva y el cante de Saray Muñoz (hija de Tina, de Las Grecas) y Enrique el Piculabe, dos voces agudas y muy gitanas. “Yo utilizo las mismas tonalidades que el resto de compositores flamencos”, explica Carbonell sobre su elección de cantaores, “pero trasladadas a notas más agudas, así que o lo canta una mujer o tiene que hacerlo un hombre con la voz un poco más aguda, para conseguir abarcar lo que yo quiero”.

Sobre el escenario, la obra requiere de un equipo mayor, en el que lucen nombres como Lorenzo Caprile, responsable del vestuario, o Dominique You, responsable de la iluminación. “Es impresionante que trabaje conmigo”, dice emocionado. “Ha sido compañero de Antonio Gades de toda la vida, junto a él creó Carmen y Fuenteovejuna. Es una persona muy inteligente y sabe de dónde vengo yo. Yo estuve 14 años con El Güito, la misma escuela que Gades”, explica.

Junto a él ha trabajado esta semana en los retoques para la presentación de mañana en la Suma Flamenca, y de ahí, seguirá recorriendo el mundo. “Mi reto es presentarlo en Nueva York y en otras plazas importantes”, concluye.

Estaba en la Suma Flamenca y el Niño Josele (nacido José Heredia en Almería, 1.974) decidió hacer flamenco. Y cómo lo hizo: con entrega, con ritmo y una pulcritud exquisita en su sonido. Anoche, en los Teatros del Canal, demostró por qué está considerado uno de los mejores guitarras de su generación. Es uno de los flamencos que más ha investigado en los caminos del jazz, y también, es uno de los más respetados por los músicos de este arte, y sin embargo, anoche el Niño Josele hizo un recital de flamenco sin adjetivos, con un acompañamiento musical que le acompañó pero no le robó el protagonismo a la guitarra, que sonó rápida, sin perder la emoción, bien medida y más flamenca que nunca.

Apareció solo en el escenario y tras una presentación con un tema de su último trabajo discográfico, Española (Warner, 2009), de sonido limpio y emocionante, llamó al escenario al cantaor, David Maldonado, el de la Jacoba y a Israel Suárez Piraña, que puso las percusiones. Es la de este cantaor joven una voz tostada, muy gitana pero muy matizada, con un cante que no acompaña a la guitarra y rellena los huecos que esta le deja, sino que pide su espacio propio. Al grupo se unió poco después el bajista Alain Pérez, con el que la guitarra de Josele mantuvo un diálogo interesante en el concierto.

El repertorio elegido por Josele fue muy rítmico, incluso llegó a hacer una seguiriya muy rápida, con un fuerte dominio del compás. Hizo mucha bulería, y también, su homenaje a uno de sus ídolos, el músico de jazz Bill Evans.

Se les unió, casi al final de un recital que duró una hora larga y llenó tres cuartas partes del aforo, el bailaor Juan de Juan, para acompañar en una bulería que servía de presentación de los músicos en la que el bailaor quiso acompañar el ritmo con su taconeo, porque no hizo mucho más que eso, taconear con gran intensidad. Juan de Juan se quedó también para el último tema y con su baile desbocado dio una cierta sensación de querer demostrar su valía en esta corta aparición.

Juan de Juan saldría al escenario de nuevo al final del recital, no del Niño Josele, sino de la segunda parte de la noche, que correspondió a la cantante de música tradicional húngara Marta Sebastyén. Junto al percusionista-bailarín que acompañó a esta cantante (Zoltán Batyu Farkas), Juan de Juan puso una pinceladita de unión entre músicas. Marta participó junto a Niño Josele en La Granja de San Ildefonso el año pasado, cuando ambos trabajaron en una iniciativa de intercambio musical entre países de la UE. Entiendo que de ahí viene la idea de introducir a esta cantante en el programa de la Suma, porque su música, conexión con el flamenco, no tiene ninguna. Es por esto que no reseño su actuación, porque se sale del campo de interés de este blog y por un desconocimiento prácticamente absoluto de la música que la cantante interpretó.

(FOTO: Gorka Lejarcegi)

José Miguel Carmona (Madrid, 1971) estrenó ayer su primer disco en solitario, Las pequeñas cosas, publicado por Universal. El hijo del guitarrista Pepe Habichuela y la bailaora Amparo Bengala, que se hizo famoso por formar parte, junto a sus primos Antonio y Juan Carmona, del grupo Ketama, ha querido reunir en este disco sus composiciones, de ahí el título del trabajo, retazos de música que aquí interpreta junto a algunos amigos, la mayoría ajenos al flamenco.

Es un disco pop, cuidado, bien producido, de sonido limpio, sin grandes estridencias, con aires flamencos y protagonismo de las melodías. Contiene música instrumental, sazonado con varios estilos, en el que predomina el flamenco. Es un álbum amable, suave, de melodías agradables al oído. Carmona sigue, con este trabajo, la senda que ha seguido siempre: la del pop aflamencado o el flamenco pop. Y esto, a pesar de que en el disco le acompaña el maestro de todos los maestros: la guitarra de Paco de Lucía, que interpreta con él un tema por bulerías, Dos puñales, por voluntad propia, según cuenta Carmona en algunas entrevistas, y no por el llamado del artista.

"Josemi es de los guitarristas que no tocan muchas notas pero con un sentido, un aire y una sensibilidad, unas armonías., que te agarran. No sé definir la música, yo la siento y me sale un ole…" Es lo que dice sobre Josemi Carmona el maestro de Algeciras, en el vídeo sobre la grabación del disco. Es cierto. La sensibilidad a la que alude el guitarrista está en este trabajo, las armonías que definen a Carmona, también. Pero se echa de menos una mayor variedad, una ruptura, un grito, un poco de fiesta. Carmona ha querido añadir dos temas poco habituales en un disco de guitarra: una versión de un fragmento de la ópera Tosca, de Puccini, aflamencada, por supuesto, y otra de la banda sonora de la película Gran Torino, dirigida por Clint Eastwood.

Además de Paco de Lucía, en este disco acompañan a Josemi voces como las de Jorge Drexler, con quien trabajó en el último disco del uruguayo, o la del onubense Manuel Carrasco (en el tema Cuenta conmigo). Con el primero, roza la bossa nova en Un par de días antes de ti. Además, ha grabado Dave Holland, un contrabajista jazz con el que Pepe Habichuela, el padre de Carmona, grabó un disco que produjo este guitarrista. Holland aparece en Pasando por Huelva, el único tema (unos fandangos) que mantiene la estructura real, melódica y rítmica, de un palo flamenco.

Álex Cuba, compositor habitual de la cantante pop Nelly Furtado (en Ni contigo ni sin ti) y Oxmo Puccino y Bugge Wesseltoft (en De viaje) completan la lista de colaboraciones, aunque además, están los que componen la banda: Quiqui Ferrer, Borja Barrueta, Alain Perez, Antonio Ramos Maca, Martín Leiton, Adrian Schinoff, Alfonso Pérez, Israel Suárez Piraña, Luis Dulzaides, Juanito Carmona, Chaboli, Julio César Fernandez, Chika Izumi, Sergio Fernández Ruz, Eduardo del Río Robles, Bandolero, Sandra Carrasco y Antonio Montoya.

Josemi Carmona es conocido por su participación en Ketama, pero lo que no tanta gente sabe es que antes de formar parte de este grupo fundó, junto a Juan José Suárez, Paquete (hijo del cantaor Ramón el Portugués), Enrique Heredia, el Negri y Pepe Luis Carmona, hijo de Luis Habichuela, el grupo La Barbería del Sur, que después de su partida tuvo una cierta repercusión. A Ketama se unió, en 1990, tras la marcha del grupo de José Soto Sorderita y Ray Heredia, que iniciaron carrera en solitario.

Tras la disolución de Ketama, publicó junto a Carles Benavent el disco Sumando (2006), publicado por Nuevos Medios y se ha dedicado, sobre todo, a la producción y composición, trabajando con artistas como el guitarrista Pepe Habichuela (su padre), Niña Pastori, Jorge Drexler, o el reciente homenaje a Manzanita (el disco Con piel de Manzana).

Y ahora, además de trabajar en la promoción de este disco, que presentará en vivo primero en Barcelona (30 de abril, sala Luz de Gas) y después en Madrid (30 de mayo, Teatro Haagen Dags Calderón), colabora en el próximo trabajo de Estrella Morente, un disco que la cantaora estaba grabando con la producción de su padre y que quedó interrumpida por la inesperada muerte del gran maestro. “Nos hemos juntado mis primos y yo, los Ketama, para hacer unas cositas con ella. Vamos a hacer un tema que no quiero desvelar y unos tangos”, explica en una entrevista reciente publicada por la web Deflamenco.

Orate: (coloq.) Persona de poco juicio, moderación y prudencia. Así lo define el diccionario de la Real Academia de la Lengua. Pero Orate es también una bulería rápida, en la que suena una guitarra rítmica y limpia, dentro de los cánones de lo que uno espera escuchar cuando está en Jerez. La interpreta Diego del Morao (Diego Moreno Jiménez, Jerez, 1979), y abre el disco del mismo nombre, el primer trabajo discográfico del hijo de Moraíto, confirmado desde hace algunos años como continuador de la saga de toque jerezano. En esta primera bulería le acompaña la voz gitana del cantaor Diego el Cigala, padrino artístico en esta experiencia a través del sello Cigala Music (y auspiciado por Warner). El disco fue presentado a finales de 2010.

En este trabajo tan personal pero a la vez tan cercano a la fuente, domina el compás en el toque, como buen jerezano, y se muestra la escuela a la que pertenece este guitarrista, la de la técnica al servicio del arte y del cante. Lo demuestra en este disco, que ha hecho como él ha querido, con la libertad que da trabajar en el sello de otro músico. Como reseña Manolo Sanlúcar en el libreto que acompaña el CD, “Diego suena espontáneo, no hay afectación ni presunciones”. Su sonido es directo, auténtico.

El palo jerezano por excelencia, la bulería, tiene mucha presencia en este trabajo. Hay cuatro versiones diferentes por este palo (Orate, ¿Y ahora qué?, El regalo y Juan & Co.). Y en cada una de ellas, un muestrario de todo lo que puede ofrecer este palo, elige un compañero diferente, que le aporta una personalidad distinta: Diego el Cigala en la primera, otro Diego, Carrasco, en la segunda, Paco de Lucía, en la tercera y su padre, Moraíto, en la que cierra el disco al más puro estilo de la fiesta de Jerez. La presencia de la bulería es una suerte de reivindicación de una tierra y de una manera de entender el flamenco de la que Diego del Morao es heredero y continuador.

No sólo en las bulerías, sino en todo el disco, la presencia de músicos invitados es una suerte de hilado que conecta a Diego con su carrera: con todos ellos ha trabajado anteriormente. Y como no podía ser de otra manera, su aportación es fundamental para vestir una obra muy personal. Además de los compañeros de las bulerías, también incluye Diego unos tangos en los que aparecen la voz de la Niña Pastori y la percusión de su marido, Chaboli, que también toca por bulerías (en El regalo) y por rondeña (La mahora), que es, por otro lado, el único palo de estilo libre que Diego del Morao ha querido incluir en el disco. En la rumba (Drunjí), la única concesión al flamenco menos sujeto a la tradición del disco, suena el piano de Jumitus, la mandela de Paquete, la percusión de Piraña (que repite en el siguiente corte) y el contrabajo de Yelsi Heredia.

Es por tanto este disco, a la vez, una carta de presentación y un reflejo de su joven, pero sólida, carrera como guitarrista. Una demostración de que ser tradicional no quiere decir repetirse y que desde esa misma tradición se pueden incorporar propuestas heterodoxas sin dejar el camino trazado.

El Tablao Cordobés, un clásico de las Ramblas barcelonesas, está celebrando su 40 cumpleaños. Por este motivo, se ha vestido de gala y estrena este 2011 con un ciclo del flamenco más clásico y más gitano, el bailaor Juan Manuel Fernández Montoya, Farruquito como director artístico. Luis Adame, el dueño del tablao que comenzó trabajando como guitarrista en él, lo explica así: “Nosotros exigimos mucha calidad para nuestro escenario, pero al ser el 40 aniversario, queríamos subir un peldaño más, así que nos hemos liado la manta a la cabeza. Queríamos que este aniversario fuese histórico, y como no podemos pagar a las figuras más mediáticas, como José Mercé y otros que sólo están al alcance del dinero público, nos fuimos a las raíces, y hemos reunido artistas históricos del flamenco”.

Los “artistas históricos” a los que se refiere Adame están repartidos en varios espectáculos que les agrupa territorialmente en actuaciones que se sucederán hasta el mes de marzo. El primero de los espectáculos está actualmente en cartel (desde el 7 al 20 de enero), dedicado al flamenco que se ha desarrollado en Málaga. Bajo el epígrafe Málaga cantaora se unen clásicos como La Cañeta, Carrete, y Cancanilla de Marbella, acompañados por el elenco de cante y toque del tablao. Le seguirá, del 21 al 31 de este mismo mes, Triana Bohemia, con artistas como Juana la del Revuelo, la Tana, Herminia, Luis Peña, Alejandro Granados y Carmen Ledesma.

En febrero, el ciclo continúa con otros dos grandes espectáculos. El primero, centrado en la familia de los Farruco, a un clan muy unido al tablao ya que en él actuó el gran Antonio Montoya Flores, Farruco, en su día, y han subido al escenario algunos otros miembros de la familia. Esta vez serán las hijas del bailaor, Pilar Montoya, Faraona, y Rosario Montoya, Farruca. Esta última, además, acaba de anunciar que cuelga los tacones, que su última actuación será en el Festival de Jerez, en el que actúa el próximo 26 de febrero. Además de las hijas, en el Cordobés estará uno de los nietos de Farruco, el que ha heredado su nombre artístico, Antonio Fernández Montoya, Farru, que en la actualidad forma parte del grupo de Paco de Lucía, con quien se encuentra de gira. Y tras ello, Sevilla Jerez como broche, con Angelita Vargas y María del Mar Moreno, entre otros.

Para organizar a todos estos artistas sobre las tablas, Adame ha contratado a Farruquito como responsable de la puesta en escena de los cuatro espectáculos. Adame lo justifica elogiándole como bailaor (“para mí es el mejor bailaor de la historia, y esto lo digo como aficionado”), pero sobre todo, porque conoce los códigos que manejan todos estos artistas. “Hemos hecho un cartel muy gitano, y esta gente posee los secretos del flamenco. Farruquito es uno de ellos, ha heredado estos secretos de su raza, maneja los mismos códigos que ellos”.

Para Farruquito, esta experiencia “es un reto, porque aunque no son los artistas más conocidos, sí son los más particulares, es gente que lleva toda la vida enseñándome. Yo soy muy joven y tengo que dirigir aquí a artistas muy consagrados”. ¿Su papel? Según él: “yo simplemente ordeno los espectáculos. Primero tuve una reunión con ellos para preguntarles en qué palo se sienten más cómodo, porque se trata de estar a gusto, de hacer lo que cada uno sienta, y ya con las ideas me fui a mi casa y monté algunas cositas. Y para mí ha sido una sorpresa ver lo bien que han aceptado mis ideas, lo fácil que ha sido trabajar con ellos”.

Este trabajo del bailaor es el primero fuera del clan: “Yo había montado cosas con mi familia, pero eso es más sencillo, porque todo es más natural, existe otra confianza, y yo soy muy serio con las cosas de trabajo, pero es fácil. Estaba muy preocupado porque esta es la primera vez que he montado algo para otros artistas, pero ahora me llevo en mi corazón para siempre momentos muy especiales”.

Su primo, también bailaor, Juan Antonio Fernández Barullo, es habitual del escenario de este tablao, y Farruquito ha acudido muchas veces como espectador. “El Cordobés es un tablao con mucho prestigio, no es exactamente el tablao tradicional, han pasado todos los grandes artistas, desde Camarón hasta mi abuelo Farruco… todos, es una auténtica universidad del flamenco”.

Se acerca el final de año, y con ello, las temidas listas de lo mejor y lo peor. En Por Bloguerías queremos hacer la lista de lo más destacado en el flamenco para el año que está por terminar, porque lo peor, sin duda, ha sido el fallecimiento de grandes personalidades de nuestro mundo, el arte jondo.

Como nunca llueve a gusto de todos y las listas que incluyen una selección siempre son criticadas, abro aquí un espacio para que construyamos entre todos el ranking. Obviamente, una pista para elegir es rebuscar en los archivos de este mismo blog. Pero por si acaso, aquí menciono algunos de los hitos ocurridos en 2010.

+++Discos publicados:
-Las minas de Egipto, Argentina
-Sonanta Suite, Tomatito y la Orquesta Nacional de España
-Española, Niño Josele
-Ruído, José Mercé
-Las reinas del matute , Las Migas
-Marina, Marina Heredia
-Mujeres de agua, Javier Limón
-A tiempo, Rosario la Tremendita
-Cuerdas del alma, Cañizares
-Moroneando, Sonaires de la Frontera
-Luna de enero, Londro
-Agua encendida, Juan Carlos Romero.
-Terremoto, disco póstumo de Fernando Terremoto .

-Si se me queda fuera algún disco… Adelante, añádelo

-Y si quieres escucharlos, todos, puedes hacerlo en esta lista de Spotify.

+++En vivo (nuevos):
Esta categoría la dejo libre, porque esto sí que da para gustos… Cada quien que vote por el mejor espectáculo, de cante, baile o guitarra, que haya visto en 2010.

+++Estrenos de danza:
Pues en esta categoría ocurre lo mismo que en la anterior, pero doy algunas pistas:
-Lucha libre en el Teatro Circo Price, por Israel Galván (Madrid).
-Eva Yerbabuena, Cuando yo era.
-Isabel Bayón, En la horma de sus zapatos.
-Pastora Galván, Pastora

+++Grandes acontecimientos:
-Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad, por la UNESCO
-Premio Nacional de Danza, para Rocío Molina

Deja tu sugerencia en los comentarios de este post, aquí abajito. Cada quien que opine libremente, no habrá censura, aunque sí, diversidad de gustos.

Juan Carlos Romero (Huelva, 1964) es un guitarrista imprescindible de este tiempo. No sólo como intérprete, también como compositor. Ha dedicado su carrera, en su mayor parte, a elaborar, nota a nota, grandes obras para otros artistas. Antes que demostrar al mundo sus dotes como guitarrista, el músico ha dejado claro, con su talento y con su obra, que lo que le importa es enriquecer y engrandecer el flamenco. Y así, poco a poco, sin mucho ruido ni grandes alharacas ha llegado a ser un artista imprescindible. Ahora presenta su tercer trabajo discográfico propio, Agua encendida, publicado por Karonte. Es un disco cuidado y emotivo que va directo al grano, como son siempre las composiciones de Romero.

Su toque limpio, preciso, respetuoso del compás y del silencio vuelve en un trabajo que apuntala un estilo ya definido, una manera de decir el flamenco que busca la melodía limpia que no se repite, que transita por su guitarra de tal manera que cada nota es imprescindible. En esta ocasión se hace acompañar por las voces de José Valencia, José Mercé, la Susi y Mamá Carmen para acometer un repertorio muy completo con dos bulerías, una canción a ritmo de soleá (que interpreta Mercé), una seguiriya, una deliciosa y delicada nana y una rondeña.

Quiero destacar un tema que es una auténtica delicia para los sentidos, Portalillo del zapateado, una canción que suena a viejo, a popular, a folklore y en la que se hace acompañar, completando el sonido sin estorbar la melodía, por el bajo de Manolo Nieto, el violín de Alexis Lefevre y la percusión de Tino di Geraldo.

Si nos fijamos estrictamente en la discografía propia, Juan Carlos Romero no publicaba disco desde 2005, cuando hizo Romero. Y antes de eso, Azulejo, su primer trabajo discográfico, que vio la luz en 1997. ¿Por qué tanto tiempo? En 2008, entrevistado con motivo de la publicación de Raíces y alas, el disco que compuso junto a Carmen Linares con poemas de Juan Ramón Jiménez, contestaba esto: “Componer para guitarra es muy complicado, muy laborioso y los propios cantaores me distraen de mis labores de composición para guitarra”.

Los cantaores a los que se refiere el guitarrista son, además de Carmen Linares, recién mencionada, Miguel Poveda, para quien compuso y produjo Tierra de calma (2007), Arcángel (con quien trabajó en sus dos primeros trabajos, Arcángel (2001) y La calle perdía (2004)), y muchos otros, como Enrique Morente, Chano Lobato, José Mercé, Esperanza Fernández… Muchos otros que, retrocediendo en el tiempo, coloca el inicio con su propio padre, aficionado a la guitarra como maestro, y Miguel el Tomate, guitarrista almeriense (padre de Niño Miguel y abuelo de Tomatito), y de ahí al trabajo con Matilde Coral y Manolo Sanlúcar, con quien recorrió los escenarios del mundo y participó en los trabajos discográficos Soleá y Medea.

Se acerca el estreno de Flamenco, Flamenco , la nueva película de Carlos Saura. Se rodó el año pasado en Sevilla y entonces se habló tanto de la película que parece que se hubiera estrenado ya. Pero no, será el 19 de noviembre, en el Festival de cine europeo de Sevilla. Ayer tuve la oportunidad de asistir a un pase de la película previo a su estreno. Y estas son mis impresiones.

Es un falso documental, además de un musical, en la línea de todos los trabajos anteriores de Saura en los que ha querido acercarse a las músicas de raíz. Tiene la misma estética, la estructura y la intención de películas como Flamenco, de 1994, Sevillanas, de 1992, o Iberia, de 2005. Sobre esto queda poco que añadir: la fotografía de Vittorio Storaro, su particular visión de la luz y la sombra, ha sido ampliamente comentada con anterioridad.

Saura recupera para esta película la idea de los lienzos, que sirven tanto para reforzar luces y sombras como para separar espacios, pero esta vez, en lugar de telas luminosas de un solo color, utiliza cuadros costumbristas de siglos pasados, todos centrados en temáticas andaluzas, la fiesta, el cante y el baile, entre los que está, como no podía ser de otra manera, Julio Romero de Torres. En todos los momentos musicales tienen presencia, pero en uno de ellos se tornan co protagonistas: Israel Galván hace un baile, en silencio, que juega con los lienzos hasta parecer, su coreografía, una de sombras chinescas por detrás de los cuadros.

Como ya explicó el director cuando abordó el proyecto, la idea era ofrecer una idea actualizada del flamenco; esto es, el flamenco de hoy. Y eso es lo que ofrece esta nueva cinta: una fotografía del flamenco de 2008 – 2009. La mayoría de los números que se presentan pertenecen a coreografías, en el caso de los bailaores, o en el caso de los cantaores y guitarristas canciones, temas o palos, del repertorio de dicho momento. Así, la soléa que baila Eva Yerbabuena forma parte de Lluvia, estrenada en 2009, la copla que canta Miguel Poveda por bulerías, Esos cuatro capotes, forma parte de su disco Cante i orquestra, y lo mismo ocurre con el zapataeo de Farruquito (de Puro, estrenado en la Bienal de Flamenco de Sevilla de 1008) y la guajira de Rocío Molina (de Cuando las piedras vuelen, 2009).

Es una buena manera, esta, de capturar un momento, el trabajo del momento de unos artistas en constante desarrollo. El amplio elenco que aparece durante la hora y media de metraje ha sido seleccionado por Saura junto a Isidro Muñoz, productor y compositor (y hermano de Manolo Sanlúcar): Sara Baras, Farruquito, Miguel Poveda, Montse Cortés con Diego del Morao, Dorantes con Diego Amador, Niña Pastori con Tomatito, Manolo Sanlúcar, Paco de Lucía, Nani Paños y Rafael Estévez con Arcángel, El Carpeta, Rocío Molina con Rosario la Tremendita, Israel Galván, Eva Yerbabuena, José Mercé, María Bala, Estrella Morente… Son el presente del flamenco, algunos además con un lugar ya en la historia, como el caso de Paco de Lucía, y un solo ejemplo de lo que puede llegar a ser el futuro: si en Flamenco bailaba un Farruquito niño, aquí lo hace su hermano pequeño, Manuel Fernández Montoya El Carpeta, que tiene 12 años.

La película sirve también para inmortalizar algunos momentos únicos, que no forman parte de ningún espectáculo previo, como la nana que la Yerbabuena baila bajo la lluvia mientras le canta Poveda, el baile a tres de Rafael Estévez, Nani Paños y Patricia Guerrero al cante de Arcángel, o el mano a mano pianístico entre Dorantes y Diego Amador, incluso los tangos en los que Estrella Morente, mientras canta y baila, es arropada por las palmas de sus hermanos, Soleá y Enrique Morente, y su madre, Aurora Carbonell. Y por supuesto el cierre por bulerías jerezano con dos grandes cantaores de la tierra: Jesús Méndez y Luis el Zambo.

Hay, sin embargo, tres elementos que no me terminaron de convencer: la apertura, una versión del Verde que te quiero verde de Manzanita; la inclusión de una coreografía de Javier Latorre sobre una marcha procesional, que no tiene mucho que ver con el flamenco; o la versión de La leyenda del tiempo por Niña Pastori, un tema tremendamente difícil de interpretar, tanto por el compás como por el alarde de voz que Camarón hacía en él.

Esta noche arranca la temporada de conciertos de uno de los centros más ligados al flamenco de Madrid: el Colegio Mayor San Juan Evangelista. O lo que es lo mismo, el Johnny. Y el encargado de abrir cartel, además, estrena disco en la capital. Es el guitarrista Juan Manuel Cañizares (Sabadell, 1966), que presenta Cuerdas del alma, su quinto trabajo discográfico como solista.

Cuerdas del alma, publicado por Sony Music y disponible en las tiendas desde el pasado 14 de septiembre, es un disco sencillo, en el que Cañizares quiere echar la vista atrás y recuperar el flamenco más directo, siempre desde su personal visión. Esa que suena a notas limpias, afinadas, reposadas, de una complejidad técnica que no se traduce en una escucha complicada, sino en todo lo contrario. Es un disco sin cante: la protagonista absoluta es la guitarra de Cañizares, que en algunos de los cortes aparece acompañada por la de Juan Carlos Gómez, y algunas percusiones, palmas y un bajo eléctrico. Y además suena a directo: es una música fresca, cercana.

El nuevo trabajo tiene un sonido único, una idea musical que recorre las nueve composiciones (que son rumba, bulerías, alegrías, una balada dedicada a su mujer, guajira, tangos, soleá por bulerías, un vals y una fantasía para guitarra flamenca). Tanto así que arranca y termina en la misma tonalidad, dándole un sentido de concepto, con un principio y un final. Un sentido de concepto reforzado por el hecho de que arranca con un palo alegre, rítmico y festero como la rumba, y cierra, en el mismo tono, una fantasía para guitarra flamenca que es un realidad un lamento, una canción triste. El sonido es tranquilo, incluso en los palos más festeros la guitarra se mantiene en su lugar. Las notas suenan limpias, afinadas, naturales, sencillas.

Cañizares, que compagina su carrera en solitario, con conciertos como el que hoy ofrecerá en Madrid (a las 21h) con su magisterio en la Escuela Superior de Música de Cataluña (ESMUC), heredó la afición a la guitarra de su padre, con el que comenzó a aprender. Aunque ha trabajado con muchos otros artistas, su nombre comenzó a sonar como guitarrista de acompañamiento a Paco de Lucía, con quien trabajó durante diez años (entre 1988 y 1998). Pero sus inquietudes musicales le acercaron también a otros campos, como la música del compositor español Isaac Albéniz, o a trabajar con el compositor de música contemporánea Mauricio Sotelo.