Por Bloguerías

Abrimos una nueva ventana a la colaboración en una sección que inauguró, hace unos meses, el periodista de RNE Manuel Moraga. Hoy nos visita Fermín Lobatón, colaborador en diferentes medios de comunicación durante más de 20 años y crítico de flamenco en El País y Diario de Cádiz, entre otros, además de estudioso, aficionado a lo jondo y muchas otras cosas más.

**...Entre el flamenco y el jazz

La cosa está por estudiar, pero no cabe duda de que algo hay entre Cádiz y el jazz. Históricamente, podría tener que ver con la condición portuaria de la ciudad -con ese tránsito e intercambio de personas, culturas y músicas, de tanta trascendencia en el flamenco-, o por su también condición balnearia, con hoteles principales que, a mediados del pasado siglo, contaban con orquestas estables, entre las que parece que era cosa normal el cultivo del swing. La pervivencia del vocablo jambá, que es una muy gaditana lectura de las Jazz Bands que se anunciaban en esa época, y que vino a nombrar en la zona tanto a la batería como a cualquier formación de las que amenizaban fiestas familiares, podría ser una prueba de esa antigua presencia del jazz en la ciudad, pero resulta pura anécdota ante la vibrante realidad que, en estos terrenos, Cádiz ha venido ofreciendo desde los años ochenta del pasado siglo.

En esa década se comienzan a detectar los primeros movimientos de músicos locales en bares, y Cádiz acoge también conciertos de grandes del jazz (Chet Baker, Art Blakey o Chic Corea). Pero sobre todo, a finales de 1987, se programan unos encuentros de jazz de músicos gaditanos en la peña Celestino Mutis, en el barrio de La Viña. De allí surgió casi de forma inmediata la celebración del I Seminario de Jazz Ciudad de Cádiz, que habría de ser impartido por el Taller de Musics de Barcelona. Nadie pone hoy en duda que la celebración de ese seminario, con intensísimas noches de jam sessions en la citada peña, supuso un revulsivo para los músicos gaditanos y el punto de inflexión por el que se canalizarían brillantes carreras profesionales posteriores. Quizás desde ese tiempo, el censo de músicos de la capital siempre ha sido lo suficientemente alto como para permitir la continuidad de toda una Big Band de 18 profesores en ella, La Sonora, fundada en 1997. Dirigida en la actualidad por el trombonista Juan José Guillamó, es poseedora de un repertorio versátil que ha abordado lo mismo el flamenco que la música del carnaval local, como quedó registrado en el disco La Sonora por Cádiz, grabado en directo en el Gran Teatro Falla (Bujío, 2007).

La escena jazzística gaditana actual está bien nutrida tanto por herederos del citado seminario como por nuevas incorporaciones. Entre sus músicos los hay que, proviniendo del flamenco, se acercan a un formato jazz (el pianista Sergio Monroy , último ganador del premio El Filón al mejor instrumentista en La Unión) y otros que, como el saxofonista Pedro Cortejosa, con varias grabaciones en su haber, no guardan ninguna relación con el flamenco en su producción. Pero, sin duda, existe una tendencia mayoritaria entre ellos que apunta a un ejercicio jazzístico en el que, con todo respeto, se incorporan elementos propios del flamenco y se establecen interesantes diálogos entre una y otra disciplina. Es este un trabajo que huye de lo fácil –ya no se trata de meter un viejo estándar en el compás de bulerías-, y persigue un encuentro positivo en el que se integran ritmos y aires flamencos dentro de las armonías y la sintaxis del jazz, buscando nuevas atmósferas y colores, persiguiendo una vía de expresión propia que pretende, a su vez, la universalidad de toda manifestación musical que se precie.

Resulta curioso, y es muestra del dinamismo de esta escena el hecho de que, en los dos últimos años, se hayan producido hasta cuatro grabaciones que abundan en unas fructíferas relaciones del jazz con el flamenco. Entre ellos, el proyecto Kind of Cai (Surfonía, 2009) es sin duda uno de los más importantes, y muestra la madurez creativa de músicos tan habituales en la escena gaditana como el guitarrista Luis Balaguer, el saxofonista Carlos Villoslada -residente en Cádiz, aunque nacido en Huelva-, y el pianista Miguel Ángel López. A ellos se suman el contrabajista de Rota D.J Foster, y el conocido percusionista brasileño Rubem Dantas.

La propuesta parte de una original relectura de la grabación Kind of blue, del trompetista Miles Davis, en su día una revolución al inaugurar el jazz modal en una música que hasta ese momento había sido tonal. La música modal, procedente de la Antigüedad, está presente en la mayoría de elementos musicales que sustentan el flamenco, cuyos principales estilos son modales. De ahí que estos músicos gaditanos, buenos conocedores de ambas disciplinas, realizaran esta fresca y original relectura de la legendaria obra añadiéndole aires y ritmos procedentes del flamenco. La grabación sigue de manera rigurosa el orden de los cinco temas que compusieron la grabación original de Davis: So what que se escucha en tiempo de bulerías al golpe, Freddie Freeloader que va por tangos, Blue in green por soleá, All blues en clave de tanguillo, y Flamenco Sketches que adopta la de la seguiriya. A esos temas se añade la propina de una versión del conocido Milestones.

En el año 2010, coinciden en su lanzamiento tres grabaciones: El jardín de las naranjas (Lunadisco), del flautista y saxofonista Carmelo Muriel; Campo de Agramante (Nómada 57), del pianista Javier Galiana, y Tabanqueando en la Plaza Niña (Surfonía), del antes citado Carlos Villoslada.

En El jardín de las naranjas -grabado en formato de cuarteto con la colaboración del guitarrista Nono García, Juan José Sainz (batería) y Piet Verbist (contrabajo)- encontramos bulerías, bulerías por soleá o unas soleares en las que la flauta canta con el acompañamiento de la guitarra. También hay unos tangos o una rondeña y la composición que da nombre al disco, un pasodoble francamente hermoso que supone todo un hallazgo, a la vez que una apuesta del autor por ese ritmo, en ocasiones tan vilipendiado, como opción creativa.

Campo de Agramante es, tras Werther en Nueva York (2008), el segundo disco de Galiana con su grupo Spice Berberechos, una formación en la que mantiene el lustre de los saxos de Carlos Cirera e incorpora la percusión de Carlos Cortés junto a la voz cantaora de un sorprendente Carlos Denia, que se ajusta a las exigencias compositoras de un pianista que viaja de la extroversión al intimismo y de los aires atlánticos al cosmopolitismo mediterráneo. Bulerías sobre Mingus, tanguillos y alegrías de la tierra, melancólicas soleares o granaínas se presentan con arreglos tan convincentes como cohesionados.

Villoslada, acreditado por las experiencias de Saguiba o Kind of Cai, muestra Tabanqueando en la Plaza Niña, su primer trabajo como líder de la vertiente más íntima, y puede que más lúcida, de una inspiración de largo aliento. Experimentación de resultados elegantes y atmósferas que viajan de la alegría de los fandangos de su tierra o los ritmos de la bulería o el tanguillo a los jondos caminos de la soleá, que aborda con un respetuoso y reposado tempo, el mismo que gobierna su nana o su toná a la que sigue una trilla por seguiriyas, todas ellas con el cante de Raúl Gálvez, el imprescindible piano de Juan Galiardo y la percusión invitada de Rubem Dantas.

Son tres distintas aproximaciones a un jazz que se contamina felizmente con el flamenco, y unos discos que nos muestran a tres compositores desplegando una vasta y surtida cultura musical que se puebla de los mejores ecos. Pero, en Cai, aún puede haber más...

Ni una palma, ni un olé, ni un ay. El acercamiento del guitarrista Niño Josele al jazz en su último trabajo discográfico, Española (Warner, 2009), adopta también este formato en directo. Anoche lo presentó en el Teatro Lara de Madrid, que llenó las alrededor de 500 butacas con admiradores y amigos como Fernando Trueba, productor del disco, o el también guitarrista Tomatito, almeriense como él.

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Puedes ver un fragmento del concierto aquí.

(Imagen y vídeo de Claudio Álvarez)

El nuevo trabajo de Jorge Pardo (Madrid, 1956) es arriesgado. Él es un músico valiente, siempre lo ha sido, porque antepone la creación, la música que le nace del corazón, ante cualquier otra cosa. "No hay ni música grande ni chica ni buena ni mala, sino sentida y disfrutada y precisamente para todos vosotros, a parte de para mí mismo, es para lo que muevo mis dedos en una flauta y mi cerebro y mi corazón en una cuerda floja”, dijo ayer a sus admiradores en ELPAÍS.com.

Y digo lo de arriesgado porque Pardo, que en su trayectoria ha logrado que la flauta suene como un instrumento más en el cuadro flamenco, intenta aquí que la travesera sustituya al cante, que cante en lugar de la voz. Ya lo hizo en la primera entrega de Vientos flamencos, así que para muchos no será una sorpresa.

Este nuevo trabajo, editado por Flamenco World Music, discográfica del portal Flamenco World es una colección de canciones más que un disco con una idea global desarrollada a través de sus temas. "No es una obra en sí misma, sino una colección de pequeñas obras”, explica. Es por esto que Pardo clasifica los cortes de este disco en carpetas de trabajo y de cada una de ellas presenta algunos elementos: bulerías, rumbas, soleares, guajiras, pero también un pasodoble, un joropo o composiciones clásicas como La danza del Fuego, de Manuel de Falla o Cádiz, de Isaac Albéniz.

Tiene una carpeta de composiciones propias que él llama Mis palos, otra en la que homenajea a Camarón, una de pasodobles, de pensamientos (también de composiciones propias) y otra en la que se hace acompañar por los otros dos pilarse del trío (Carles Benavent -bajo- y Tino Di Geraldo -percusión-) y también por Rubem Dantas, el percusionista brasileño responsable de que el cajón peruano, tras una cierta transformación en su estructura, se haya convertido en un instrumento flamenco. (Del trío, por cierto, se ha publicado recientemente Sin precedentes, el segundo trabajo discográfico -primero en estudio- de este grupo de músicos que navega en las aguas del jazz y el flamenco, más jazz que flamenco en esta ocasión).

Sería sorprendente que alguien no conociese aún la figura y trayectoria de Jorge Pardo. De él siempre se destaca que ha sido uno de los músicos del grupo de Paco de Lucía durante más de 20 años o que acompañó a Camarón de la Isla con su flauta en la grabación del mítico La leyenda del tiempo y en el escenario varias veces. Se distingue por ser un músico abierto, en sus aventuras musicales y en su oído para otros músicos. Tanto que, más allá de la etiqueta flamenca y jazz que le definen, su trayectoria pasa por una grabación con Las Grecas con 17 años o con Mecano en el popular Cruz de navajas. Tampoco podría obviarse su relación con el jazz. Ha compartido escenario con músicos como Pat Metheny y Chick Corea.

Y después de infinidad de grabaciones, ahora vuelve con algo propio. "En este disco hay desde sueños muy personales y fieles a su primera idea hasta delirios que han ido creciendo en el propio proceso de grabación". A lo que dice Pardo no hace falta añadir mucho. "Un disco termina siendo un sueño colectivo, de toda la gente que interviene en ese disco e incluso otros que, por influencias que llevas a esa obra o que cualquiera de los músicos que interviene lleva a esa obra, aparece en el disco. Pero cada obra tiene sus particularidades, incluso cada pieza dentro del disco".

El protagonismo hoy en el XIII Festival de Jerez , que arrancó el viernes pasado con el estreno de Lluvia, de Eva Yerbabuena, será para la guitarra. Y no una guitarra cualquiera, sino la de un jerezano que ha hecho evolucionar mucho el sonido de este instrumento en el flamenco. Se trata de Gerardo Núñez, que presenta un espectáculo que promete improvisación, otras músicas, y mucho flamenco.

Nació en Jerez en 1961 y bebió de la escuela de guitarristas de acompañamiento de su localidad de la mano de su maestro Rafael del Águila. Con 14 años ya acompañaba con su guitarra a cantaores como Tío Gregorio el Borrico, Terremoto, Turrnero, Pansequito... Con algunos de ellos, además, ha grabado discos. Pero además de eso, y de acompañar al baile (entre otros, trabajó junto al genial bailaor Mario Maya en su espectáculo ¡Ay, jondo!), es un destacado concertista.

Y además de esto, en Trebujena, cerca de Jerez, trabaja junto a su mujer, la bailaora Carmen Cortés, en el Enclave del Sol, que se celebra durante el solsticio de verano y que resulta ser un encuentro entre el flamenco y las músicas del mundo que lleva tres ediciones y en el que se ofrecen conciertos de jazz o música andalusí junto a recitales de grandes nombres del flamenco.

Ha colaborado con músicos ajenos al flamenco, ha acercado este arte al jazz, entre otros estilos. En solitario ha grabado diez discos. El gallo azul (1987), fue el primero. El último hasta la fecha, publicado en 2007, es El canon. "Un toque que reúne virtuosismo, personalidad, claridad expositiva, fantasía melódica, solidez y versatilidad". Así lo describe el periodista Miguel Mora en su libro La voz de los flamencos. Retratos y autorretratos, en el que además dedica un capítulo a Núñez. El diccionario que escribe el guitarrista es una auténtica joya en el que el tocaor da su opinión sobre las palabras que le presenta el periodista, relacionadas con su carrera y con el flamenco.

En él da, entre otras cosas, su particular visión sobre el origen de la guitarra flamenca. "La guitarra, por los trastes, es incapaz de acompañar el cante oriental [...] Ante la imposibilidad de seguir el cante surgió la eficacia del pueblo llano: Si no te puedo acompañar, canta tú que después voy yo. Por eso, si te fijas, cuando un tocaor flamenco está acompañando, la mayoría del tiempo el guitarrista está esperando a que el cantaor termine su tercio para contestarle con un adorno, que no puede ser cualquiera, sino el ajustado a ese momento, a esa voz, a ese tono... Siempre el cantaor adelanta el tono del final de su tercio y el guitarrista lo continúa. Así se establece esa especie de diálogo entre voz y guitarra tan característico del flamenco".

Esta noche presenta un espectáculo en el que, acompañado de músicos flamencos (cante y percusión) y del jazz (saxofón, contrabajo y batería), pretende establecer un diálogo que parta del flamenco y explore, dando espacio a la improvisación, otras músicas que Núñez bien conoce.

Flamenco big band es el título del nuevo trabajo discográfico del saxofonista valenciano Perico Sambeat. Está publicado en el sello Verve, el más prestigioso para el jazz. Es el segundo disco español que publica la discográfica, después de publicar Flamenco New Sounds, de Chano Domínguez, y es el segundo también que une flamenco y jazz, el de Domínguez a través del piano, el de Sambeat con el saxo y una big band de 20 músicos.

Cinco años de trabajo han sido necesarios para poner a punto este disco, que hila a la perfección dos músicas tan diferentes como el flamenco y el jazz. El origen está en un encargo del Festival de jazz de Xàbia, que coorganizan el Instituto Valenciano de la Música y el Ayuntamiento de Xàbia, que además ha producido el disco. Y no ha sido la primera aproximación del saxofonista al flamenco. Antes, como explicó en la presentación del disco en septiembre, lo había hecho de una forma más rítmica, pero con las melodías propias del jazz. La primera vez lo hizo en 1998, de la mano del cantaor Enrique Morente, quien participó en la grabación del disco de Sambeat Ademuz. En una reciente entrevista publicada en El País, el músico explica el camino que ha seguido para llegar al flamenco, de una manera completamente autodidacta, y el proceso de creación de este nuevo trabajo.

En Flamenco big band Sambeat entra de lleno en los palos, adaptando el lenguaje del jazz al compás y construcción melódica jondas, con colaboraciones fundamentales, como son las de Gerardo Núñez a la guitarra y Miguel Poveda al cante.

El disco arranca con el sonido de un martillo sobre el yunque, y Miguel Poveda cantando un martinete. Flamenco jondo, clásico y cante por derecho. Suavemente, el martinete da paso a una soleá por bulería de la big band que cierra con la guitarra de Gerardo Núñez. Después, una delicada nana con piano y la voz hiriente de Poveda. Los tanguillos, Ohlhaíl - luz del sur, dan espacio a la improvisación. Y en la soleá Soledad sonora, de 13 minutos, banda y cantaor echan el resto haciendo esta particular fusión la cosa más natural del mundo. El disco cierra con una guajira, Guajira para Duke, delicada, suave, ligera pero cargada de emoción.