Por Bloguerías

El nuevo trabajo de Jorge Pardo (Madrid, 1956) es arriesgado. Él es un músico valiente, siempre lo ha sido, porque antepone la creación, la música que le nace del corazón, ante cualquier otra cosa. "No hay ni música grande ni chica ni buena ni mala, sino sentida y disfrutada y precisamente para todos vosotros, a parte de para mí mismo, es para lo que muevo mis dedos en una flauta y mi cerebro y mi corazón en una cuerda floja”, dijo ayer a sus admiradores en ELPAÍS.com.

Y digo lo de arriesgado porque Pardo, que en su trayectoria ha logrado que la flauta suene como un instrumento más en el cuadro flamenco, intenta aquí que la travesera sustituya al cante, que cante en lugar de la voz. Ya lo hizo en la primera entrega de Vientos flamencos, así que para muchos no será una sorpresa.

Este nuevo trabajo, editado por Flamenco World Music, discográfica del portal Flamenco World es una colección de canciones más que un disco con una idea global desarrollada a través de sus temas. "No es una obra en sí misma, sino una colección de pequeñas obras”, explica. Es por esto que Pardo clasifica los cortes de este disco en carpetas de trabajo y de cada una de ellas presenta algunos elementos: bulerías, rumbas, soleares, guajiras, pero también un pasodoble, un joropo o composiciones clásicas como La danza del Fuego, de Manuel de Falla o Cádiz, de Isaac Albéniz.

Tiene una carpeta de composiciones propias que él llama Mis palos, otra en la que homenajea a Camarón, una de pasodobles, de pensamientos (también de composiciones propias) y otra en la que se hace acompañar por los otros dos pilarse del trío (Carles Benavent -bajo- y Tino Di Geraldo -percusión-) y también por Rubem Dantas, el percusionista brasileño responsable de que el cajón peruano, tras una cierta transformación en su estructura, se haya convertido en un instrumento flamenco. (Del trío, por cierto, se ha publicado recientemente Sin precedentes, el segundo trabajo discográfico -primero en estudio- de este grupo de músicos que navega en las aguas del jazz y el flamenco, más jazz que flamenco en esta ocasión).

Sería sorprendente que alguien no conociese aún la figura y trayectoria de Jorge Pardo. De él siempre se destaca que ha sido uno de los músicos del grupo de Paco de Lucía durante más de 20 años o que acompañó a Camarón de la Isla con su flauta en la grabación del mítico La leyenda del tiempo y en el escenario varias veces. Se distingue por ser un músico abierto, en sus aventuras musicales y en su oído para otros músicos. Tanto que, más allá de la etiqueta flamenca y jazz que le definen, su trayectoria pasa por una grabación con Las Grecas con 17 años o con Mecano en el popular Cruz de navajas. Tampoco podría obviarse su relación con el jazz. Ha compartido escenario con músicos como Pat Metheny y Chick Corea.

Y después de infinidad de grabaciones, ahora vuelve con algo propio. "En este disco hay desde sueños muy personales y fieles a su primera idea hasta delirios que han ido creciendo en el propio proceso de grabación". A lo que dice Pardo no hace falta añadir mucho. "Un disco termina siendo un sueño colectivo, de toda la gente que interviene en ese disco e incluso otros que, por influencias que llevas a esa obra o que cualquiera de los músicos que interviene lleva a esa obra, aparece en el disco. Pero cada obra tiene sus particularidades, incluso cada pieza dentro del disco".

Ayer falleció Ramón de Algeciras, guitarrista flamenco que dedicó su vida profesional a acompañar a cantaores de prestigio y a su hermano pequeño, Paco de Lucía, como segundo de a bordo. Heredero en su estilo de Niño Ricardo, nunca exploró su capacidad de concertista. Siempre fue un magnífico guitarrista en la sombra.

Quizás esta pérdida pueda servir para alabar, una vez más, la labor de estos músicos sin cuya presencia este arte probablemente no existiría. En estos días que ando leyendo la enciclopedia flamenca que acaba de publicar Miguel Mora, La voz de los flamencos, a la que habré de referirme en muchas ocasiones y que está llamada a formar parte del selecto grupo de obras de cabecera de la incipiente bibliografía flamenca, me llama la atención un texto que escribe (o que habla y Mora transcribe) el sabio Enrique Morente sobre la guitarra, que creo que viene al caso.

En este vídeo aparece acompañando a Camarón de la Isla. Fue su guitarrista principal durante la década de los 70. Pero desde los 15 años, edad con la que comenzó a tocar bajo la dirección de su padre, Antonio Sánchez Pecino, compartió escenario con las grandes figuras: Antonio Mairena, La Niña de los Peines, Pepe Pinto, Fosforito... Ramón Sánchez Gómez (Algeciras, 1938), guitarrista, compositor, letrista y hermano mayor de Paco y Pepe de Lucía, forjó su estilo bebiendo de la fuente de Niño Ricardo, con quien trabajó en la compañía de Juanito Valderrama desde 1957 y al que sustituyó en la misma y que es definido por el crítico de flamenco Ángel Álvarez Caballero en La discoteca ideal del flamenco así: “No fue un tocaor virtuoso preocupado por añadir dificultades técnicas a su música. Flamenco antes que nada, lo que importaba en primer lugar era dar al toque la dimensión justa, la intensidad precisa”.

La suya y la de su hermano Paco fueron las primeras guitarras flamencas que sonaron en el Teatro Real de Madrid, en 1975. Años después formaría parte del Sexteto de Paco de Lucía junto a sus dos hermanos menores y el bajista Carles Benavent, el saxofonista Jorge Pardo y el percusionista Rubem Dantas.

Estaba retirado de los escenarios desde hacía algunos años, dedicado a gestionar la sociedad que administra la obra de Paco de Lucía. Desde ayer, forma parte de la historia del flamenco.

Es la enésima biografía que se escribe sobre José Monge, uno de los cantaores más importantes del siglo XX, desde que falleciera en 1992. Sin embargo, es la primera autorizada por su mujer, Dolores Montoya, La Chispa. Y no sólo eso, además, está contada en primera persona. El periodista gaditano Alfonso Rodríguez hilvana los recuerdos de la viuda, los une a los de los hermanos del cantaor y a los de sus amigos más cercanos para hacer el retrato personal de un mito del cante. Aquí es perfilado como un espíritu libre, un filósofo del pueblo, un artista de enorme talento y una persona familiar, sencilla y humilde. Un admirador del toreo y con un oído infalible, que le llevó a darse cuenta, como anécdota, de que un violín de la Orquesta Filarmónica de Londres con la que iba a grabar su disco Yo soy gitano (1989), en los míticos estudios Abbey Road, estaba desafinado. Y todo eso, salpicado por el álbum de fotos familiar que conserva La Chispa. Dónde creció, qué le gustaba comer, cuáles eran sus pensamientos de la vida…

El libro, editado por Espasa Calpe en gran formato, lo que le da mayor atractivo visual, y con una edición muy cuidada, arranca con una carta desgarradora de la viuda en la que explica que, 16 años después de la muerte de su compañero, el dolor de la pérdida, lejos de atenuarse, es más desgarrador, porque se revive conforme llegan a la mercería que regenta en La Línea los seguidores del cantaor para que les firme una foto, o en su voz que sale de un coche cuando pasa cerca de su casa…

Después, el libro hace un relato cronológico de la vida del cantaor, partiendo desde la explicación de sus orígenes. Pinta el paisaje en el que nació José Monge Cruz, Camarón de la Isla (1950-1992). La historia de San Fernando, de las dos familias, de los gitanos, de Cádiz y el cante flamenco. El libro es interesante no sólo porque permite trazar el perfil del cañaílla, también porque, para el ajeno a la materia, le permite conocer un lugar emblemático del cante en la primera mitad del siglo XX y parte de la segunda, Cádiz, y la Venta de Vargas. La forma de vivir de los flamencos, el pueblo marinero y militar de la Isla de León (San Fernando)...

La Chispa de Camarón está plagado de historias curiosas que le ocurrieron al de la Isla cuando era niño. Como que su afición estaba más en los toros que en el cante, o el interés que despertó también de niño en el representante de una niña estrella de aquel momento como era Marisol, con el que finalmente Luis Monge, el padre de la criatura, no quiso dejarle ir a convertirse en artista tan pequeño. Su cante ante la Reina del Carnaval, que no era otra que la hija de Manuel Fraga, cuando todavía no levantaba tres palmos del suelo, la relación de su familia y suya propia con el carnaval y las comparsas...

Después pasa a su evolución profesional, su etapa en los tablaos de Madrid, su encuentro con la familia Lucía y su transformación en la gran estrella que fue, su relación con otros cantaores y artistas de la época. Y no esquiva los aspectos más polémicos de la vida del cantaor, aunque La Chispa los resuelve con ojos cariñosos de viuda. Camarón era un ser libre, que no quería sentirse comprometido ni atado, al que el enorme talento que derrochaba y la sabiduría de siglos adquirida en las cuatro paredes de su casa le hacían cantar flamenco como nadie, pero sin esfuerzo y que por tanto lo hacía sólo cuando quería y le apetecía. Como artista y filósofo sin duda un modelo. Como profesional, su representante, Antonio Pulpón, lo advertía cuando cerraba los contratos para sus actuaciones: “Camarón puede que no aparezca”. No quiso cantar para Mick Jagger, por ejemplo, en una fiesta privada, a pesar de los millones que le ofrecían por hacerlo, pero también dejó a muchos aficionados sin su arte porque no le gustó el ambiente o porque no necesitaba ese dinero.

También recoge el libro la polémica con Paco de Lucía, con quien formó pareja artística durante años. Camarón y Paco se admiraban mutuamente. El cantaor amaba la guitarra, de hecho tenía una colección de instrumentos y él mismo las tocaba y afinaba. Paco era un cantaor frustrado. Y los dos eran músicos de enorme talento. Después de muchos años tocando y grabando juntos y otros tantos separados, los dos músicos volvieron a reunirse esporádicamente. De hecho, Paco volvió a grabar con él en el último trabajo discográfico de Camarón, Potro de rabia y miel (1992). La polémica surgió cercana ya la muerte de Camarón, ya que éste quiso que se le reconocieran su parte de derechos de autor en las canciones que grabó con el algecireño y lo mencionó en una entrevista emitida por Informe Semanal, programa de TVE.

Aquello, según la viuda, quedó zanjado, cuando Camarón fue ingresado en Barcelona, donde finalmente moriría, recibió una llamada del guitarrista para ayudarla en lo que necesitara, aunque la Chispa reconoce también, en recientes entrevistas, que realmente el aspecto económico no se resolvió nunca y que después de fallecer Camarón no volvió a recibir ninguna llamada de Paco y pasó muchas fatiguitas para sacar a sus hijos adelante. Se echa de menos la voz del guitarrista en este libro para aportar su versión.

El último aspecto espinoso tiene que ver con las adicciones. Alfonso Rodríguez, el autor, ha querido ser muy escrupuloso con ese aspecto, y no es ahí la Chispa quien habla, sino el psiquiatra que trató al cantaor por el consumo de opiáceos que éste hizo. El médico describe la personalidad y los motivos que llevaron a Camarón a verse envuelto en ese mundo de adicciones, del que nunca pudo salir del todo, si tenemos en cuenta que nunca dejó de fumar y que fue el tabaco el que le ganó la batalla (murió de un cáncer de pulmón).

La leyenda del tiempo (1979) y Soy gitano (1989) son los dos discos a los que el libro hace referencia porque fueron auténticos parteaguas, tanto en la carrera del artista como en la historia del flamenco. El proceso y la experiencia del primero lo cuentan sus otros protagonistas: Raimundo Amador, Kiko Veneno y Manuel Molina, entonces componente del dúo Lole y Manuel. Y ninguno de ellos deja de lado los aspectos más polémicos de la grabación de aquel trabajo, en los que muchos trabajaron y pocos vieron dinero.

El matrimonio, la vida familiar del mito, su etapa final, el cáncer y el ingreso en la clínica de Barcelona en la que finalmente fallecería, cierran una obra importante por ser la primera vez que su viuda la cuenta. La despedida, contada en una hoja arrancada de una libreta que Camarón dejó en el hospital a modo de testamento final: "Jóvenes y mayores dense cuenta que estamo viviendo una vida mundiana que no merese la pena vivir. Porque es mui bonita la vida y ties que fortalecerte y tener clonpeta fes en dios y ustedes mismos. Con simpatía y cariño de este que lla es libre. Camarón".

El 31 de octubre se estrena en España la nueva película del director Agustín Díaz-Yanes. El título es Sólo quiero caminar, el mismo nombre del primer disco que grabó Paco de Lucía junto a Carlos Benavent al bajo, Rubem Dantas al cajón, Jorge Pardo al saxo y la flauta y sus hermanos Ramón de Algeciras a la guitarra y Pepe de Lucía al cante, en una formación llamada Sexteto de Paco de Lucía. La banda sonora, responsabilidad del productor curtido en el flamenco Javier Limón, incluye, además del enorme tema de Paco de Lucía, a Enrique Morente y a Diego Carrasco, en un tema que canta acompañado por Miguel Poveda, aunque el fragmento elegido no incluya la voz del catalán. El excelente blog de cine de Elpais.com Alta Definición, escrito por Álvaro Pérez y Jordi Minguell, publica hoy su crítica de este nuevo trabajo, exhibido ayer para la prensa.

Que la película se llame como una canción y un disco de Paco de Lucía no es casualidad. Díaz-Yanes, como muchas otras personas, es un gran admirador del genial guitarrista y compositor de Algeciras y este disco ha sido su inspiración. Lo cuenta en esta reciente entrevista con elpais.com, que siempre escribe sus guiones con música y casi todas las veces lo hace escuchando a Paco de Lucía. "Siempre quise hacer una película que se llamara Sólo quiero caminar y que además estuviera esta canción. Es probablemente la mejor melodía que se ha escrito nunca en España. Me venían fantástico el título y la canción, así que he cumplido mi sueño".

Sólo quiero caminar se publicó en 1981. El disco no es sólo interesante por su calidad artística, que rebosa, sino que además fue un hito en la historia del flamenco. Era la primera vez que una formación jazzística se adaptaba a los palos flamencos. Otras cosas que hoy son habituales, como la percusión del cajón (de origen peruano) acompañando a los cantes más festeros (que introdujo el de Algeciras en el flamenco después de una gira por América Latina), o el acompañamiento de bajo y flauta en determinados cantes no se habían hecho antes de este disco. Paco de Lucía fue un visionario y un revolucionario con la grabación y publicación de este trabajo.

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Para cuando Paco de Lucía (Francisco Sánchez Gómez, Algeciras, 1947) grabó Sólo quiero caminar ya era un guitarrista reconocido y de éxito, dentro y fuera del flamenco. Por si queda alguien todavía que no lo sepa, diré que comenzó a tocar profesionalmente la guitarra a los 13 años, acompañando al bailaor José Maya. Aprendió con su padre, Antonio Sánchez, que solía tocar para el cante y que introdujo a todos sus hijos en el flamenco. Paco formó pareja artística con Camarón de la Isla durante algunos años, y después, trazó una carrera impecable como guitarrista.

Paco de Lucía tiene ya hoy un lugar reservado en la historia del flamenco por tres motivos:

1. Por su trabajo discográfico y de composición, tanto como concertista como acompañando al cante, fundamentalmente de Camarón. La discografía es extensa y valiosísima, prácticamente merecerían un post a parte cada uno de los discos.

2. Por su personal e irrepetible manera de tocar la guitarra. La velocidad y la rabia con la que toca, son quizás los elementos que más se han destacado de su estilo. Una rabia que él mismo ha reconocido en alguna entrevista que sentía cuando tocaba, que le nacía del desprecio con el que la guitarra flamenca era tratada desde otras músicas. Pero también su elegancia y el dominio del sentido armónico. No hay guitarrista flamenco hoy que no lo tenga entre sus mayores influencias ni que no lo admire. Paco de Lucía crea escuela.

3. Por los elementos que ha introducido en el flamenco que han hecho a este arte crecer hacia dentro y hacia fuera. Hacia dentro, por la introducción de nuevos instrumentos, como el cajón o la flauta, que enriquecen los sonidos, y con las aportaciones de otras músicas, como el jazz latino, que Paco de Lucía ha acercado al flamenco en sus grabaciones y en sus conciertos. Y hacia fuera, porque ha contribuido, junto con algunos otros pocos genios flamencos, a colocar el flamenco en el lugar que esta música merece, dentro y fuera de España, en los más prestigiosos teatros y festivales. En cualquier esquina del mundo si alguien menciona el flamenco, sale a relucir el nombre de este guitarrista que ahora, además, inspira películas. Abajo, el tráiler de Sólo quiero caminar, de Agustín Díaz-Yanes.

La Bienal de Flamenco de Sevilla comienza la cuenta atrás. El próximo sábado, el festival flamenco más importante, que ocurre cada dos años, echará el cierre con un estreno de Enrique Morente. Hoy, a 48 horas de que esto ocurra, un gitano de abolengo, Diego Amador, se presenta en el Teatro Central con formato más jazzístico que flamenco. El Diego Amador Cuartet (piano, guitarra, bajo y batería) presentará esta noche un programa flamenco (están anunciadas soleás, rondeñas, alegrías, tangos, bulerías, tanguillos, fandangos y rumbas), "una dosis positiva de flamenco actual, libre y personal", según anuncia el programa.

Será además, la presentación en Sevilla de su último trabajo discográfico, Río de los canasteros, el tercero de su carrera, aunque el primero saliera, bajo la batuta del productor Ricardo Pachón, con el sobrenombre de Patita Negra. En Río de los Canasteros, el pequeño de los hermanos Amador (Rafael y Raimundo, y otros cinco) marca el que comienza a ser su estilo más personal. Toma el piano como instrumento de referencia y se hace acompañar de músicos de la calidad de Tomatito y su hermano Raimundo, a la guitarra, La Susi en los coros, Bernardo Parrilla en el violín, Carles Benavent al bajo, Tino Di Geraldo en la percusión, Bobote y Torombo en las palmas... Y sobre todos estos músicos de prestigio, su piano y su voz, gitana y camaronera. Amador es un gran admirador del de la Isla y de Paco de Lucía, y su influencia se percibe en su voz y su trabajo, aunque él lo pase por su personal tamiz.

Esta noche le acompañarán en el escenario Manuel de la Luz en la guitarra, Chechu Sierra en el bajo e Israel Varela en la batería.

Esta noche actúa en Londres el grupo flamenco (como a ellos les gusta que les digan), Son de la Frontera. No será una actuación cualquiera. Tocarán en la gala de los premios World Music que entrega la cadena Radio 3, perteneciente a la BBC. La emisora, dedicada a la difusión de música clásica, jazz y músicas del mundo, otorga cada año estos premios, dividiendo los discos premiados por continentes (Son de la Frontera es el Mejor Grupo Europeo del año). Un jurado de doce personas nombrado por la BBC elige a los ganadores de una lista de nominados desarrollada por hasta 3.000 expertos en la industria de las músicas del mundo, según explica la web de la emisora, que también dice que los premios llevan entregándose siete ediciones.

Los premios se entregaroan el pasado 11 de abril, pero la gala de hoy tiene una singular importancia porque forma parte de uno de los festivales más importantes de música clásica del mundo, que organiza la BBC entre el 18 de julio y el 13 de septiembre, los Proms. En ella actuarán todos los ganadores de los World Music de esta edición, entre los que están, además de Son de la Frontera, músicos como el argelino Rachid Taha, que ha popularizado en Francia la música tradicional de su país, el raï, mezclándolo con música electrónica (Taha ha ganado en la categoría Oriente Próximo / Norte de África).

Es cierto que los de la BBC no son los únicos premios que reconocen la calidad artística del flamenco como género o a sus artistas fuera de España, pero sí resulta interesante comprobar que, desde que comenzaron a entregarse en 2001, el flamenco o la fusión de éste con otras músicas ha estado presente en todas las ediciones. Y sobre todo, Ojos de Brujo, que han sido nominados permanentes.

Y a cuenta del premio que ha recibido el grupo, El País publicó el pasado sábado, en su suplemento de las artes, Babelia, un reportaje sobre la historia y la idiosincrasia particular de Son de la Frontera, cuyo origen está marcado por una mujer que, sin dedicarse profesionalmente al flamenco, es una gran aficionada y lo canta de tanto en tanto, Martirio. Su hijo, cuenta el reportaje, Raúl Rodríguez, le pidió un tres cubano de regalo. Y con ese tres, comenzó a fraguarse el grupo. Además de Raúl forman Son de la Frontera Paco de Amparo, a la guitarra, Manuel Flores, a las palmas y el baile, Moi de Morón, que pone el cante y Pepe Torres, a las palmas y el baile. Todos han colaborado, en giras o discos, con la cantante Martirio.

Dice la biografía oficial de Raúl Rodríguez que, mientras estudiaba Antropología en la Universidad de Sevilla, comenzó a tocar la guitarra, aunque más cercano al rock y al blues. Pero un buen día descubrió la figura de Diego el del Gastor y decidió acercarse al flamenco. Y, entre otras aventuras musicales, comenzó a acompañar a Kiko Veneno tocando este instrumento. Luego llegó el tres y echó a andar Son de la Frontera, con sus compañeros, todos dedicados al flamenco desde muy jóvenes.

Tienen dos discos publicados, Son de la Frontera (2004) y el más reciente, Cal (2006) y en los dos, lo más destacable es el homenaje a la peculiar forma de tocar la guitarra de Diego del Gastor y lo que se ha dado en llamar el toque de Morón. Y por supuesto, el acompañamiento del tres, que le da un toque especial sin duda, pero que no suena ajeno.

Con el tres cubano puede que pase lo mismo que ocurrió con el cajón, instrumento de percusión que ahora se considera flamenco pero que no hace mucho que es así. Su origen es peruano (algunas fuentes lo sitúan también en Cuba), y fue Paco de Lucía quien lo introdujo en España, sin que ahora nadie lo cuestione. Con el tres puede ocurrir lo mismo. Suena tan natural en los temas de Son de la Frontera que quién sabe si más adelante no se convierta en un instrumento habitual y deje de ser exclusivo de este grupo, hoy peculiar que, además de este instrumento caribeño aunque con un origen más remoto en España, hace flamenco del más tradicional y además lo llevan a gala, rescatando composiciones antiguas que combinan con temas propios.

Elaborar listas de preferencias musicales es complicado. Complicado porque es difícil elegir y descartar y porque las listas finalmente siempre responden a criterios en mayor o menor medidas subjetivos. Complicado es también elegir grabaciones y no artistas. Como ocurre en otros estilos musicales, las producciones discográficas flamencas requieren elementos muy particulares, matices, colores que no siempre se consiguen, más allá del sonido del guitarrista o cantaor en cuestión. Una interpretación de calidad no siempre está recogida en una grabación de calidad. Lo más recomendable, sin duda, es vivir el flamenco en vivo y no en disco.

Desde que arrancó Por Bloguerías, personas que sienten curiosidad por el flamenco pero que no lo conocen mucho me han pedido que les recomiende un camino para entrar. Me he resistido hasta ahora por lo que explicaba antes, pero finalmente he decidido hacerlo con esta lista. Cuando alguien se acerca por primera vez a una manifestación artística, del tipo que sea, la mejor recomendación suele ser acudir a los clásicos. Pero en el flamenco esto supone una complicación añadida. Para alguien que de verdad quiere empaparse de este arte le recomendaría que escuchara a artistas como La Niña de los Peines, La Perla de Cádiz, Antonio Mairena o Manolo Caracol, por citar algunos, pero empezar por ahí puede ser complicado por la falta de buenas grabaciones.

Otro elemento que he querido incluir es la mezcla. Empezar con un flamenco más jondo puede ser complicado para alguien que nunca ha dedicado tiempo a entender y disfrutar de este arte, quizás es preferible hacer primero el oído con discos en los que el flamenco se funde con otros elementos. Dicho todo esto, lanzo la lista, una lista abierta y que a la vez sugiere otras audiciones.

1. La leyenda del tiempo. Camarón de la Isla
La grabación, desdeñada por algunos de los más puristas, supuso un antes y un después en el flamenco. Muchos ajenos a este arte entraron en él gracias a esta grabación, en la que Camarón aparece junto al guitarrista Tomatito. El disco se publicó en 1979, cuando Camarón ya llevaba diez años de trayectoria, fundamentalmente junto a la guitarra de Paco de Lucía, y la dirección del padre de éste, Antonio Sánchez, aunque también había trabajado ya con Tomatito. Es un gran disco para comenzar a amar el flamenco, con textos de poetas como García Lorca y en el que también hay una canción de los Pata Negra, la archiconocida rumba Volando voy. Una puerta de entrada grande para descubrir después las grabaciones que José Monje, Camarón, hizo junto a Paco de Lucía antes de hacer este trabajo y en el que demostró su gran hacer como cantaor y su profundo conocimiento de este arte.

2. El origen de una leyenda. Lole y Manuel
Otro disco recomendable para los neófitos, publicado en 1975. A medio camino entre el flamenco más ortodoxo del que ambos procedían y los experimentos musicales que siempre gustó en desarrollar a Manuel Molina, guitarrista y compositor de los temas de la pareja. En este trabajo además, cuentan con la producción de Ricardo Pachón, la misma persona que produjo La leyenda del tiempo, de Camarón.

3.Omega. Enrique Morente y Lagartija Nick
Muchos amantes del rock descubrieron el flamenco y a Enrique Morente gracias a este disco grabado en 1996 junto a la banda granadina Lagartija Nick. El disco, realizado a partir de los poemas de Poeta en Nueva York de Federico García Lorca, es también un homenaje a Leonard Cohen, primero en musicar dichos poemas. La grabación, en la que también participaron los guitarristas Vicente Amigo, Cañizares y Tomatito, supuso también la presentación de una adolescente Estrella Morente haciendo los coros. La grabación ha sido reeditada ahora en formato digital y se ha vuelto a mostrar en los escenarios. Morente ha sido y es otro de los grandes innovadores en el flamenco desde un profundo conocimiento de este arte. Lo está demostrando ahora que, en paralelo al aniversario de Omega ha presentado su último trabajo, Pablo de Málaga, donde ha puesto música (flamenca) a textos escritos por el pintor Pablo Picasso. Sin embargo, es imprescindible hacer otras escuchas del granadino. Las más antiguas son más pegadas a la ortodoxia flamenca, aunque siempre vuelve a ella de tanto en cuanto. Sabicas, grabado en 1990 en tres días, es una prueba.

4. Cositas Buenas. Paco de Lucía
Paco de Lucía es uno de los imprescindibles. Comenzó como guitarrista dirigido por su padre, Antonio Sánchez, acompañando al baile y al cante, como la mayoría. Después de firmar grandes discos junto a Camarón de la Isla decidió emprender carrera en solitario. Es un referente en la guitarra flamenca. Su primer éxito como solista a nivel popular fue Fuerte y caudal, publicado en 1973. Lucía y Siroco son dos grandes joyas también. De Lucía ha mostrado que el flamenco se habla de tú a tú con otras músicas de raíces como el jazz, convirtiéndose en un referente no sólo dentro del flamenco sino también fuera de este arte, como genial guitarrista. En Cositas buenas, su álbum más reciente (publicado en 2004), sin embargo, vuelve a la raíz, acompañado de voces como la de la joven cantaora catalana Montse Cortés.

5. Casablanca. El Lebrijano
Juan Peña, el Lebrijano, es otro de los innovadores del flamenco. Creció, bebió y demostró que conoce la ortodoxia y decidió buscar nuevos caminos. En este disco se hizo acompañar por segunda vez por la Orquesta Andalusí de Tánger, buscando la conexión del flamenco con la música magrebí.

6. Cal. Son de la Frontera
Es el segundo disco de este grupo que cuenta con la peculiaridad de unir a su visión del flamenco el sonido de un tres cubano, que toca con maestría Raúl Rodríguez, músico que suele acompañar en sus conciertos a artistas como Kiko Veneno y Martirio, que además es su madre. El disco, que tiene un sonido de flamenco cosmopolita, hace un homenaje además a Diego el del Gastor.

7. Tierra de calma. Miguel Poveda
Un cantaor joven y un disco reciente. Una demostración de flamenco ortodoxo con fecha de 2006 y una excelente puerta de entrada para dar un paso más en profundidad. En esta línea, merecen la pena también otros discos suyos, como Zaguán, publicado en 2001, o los de su contemporáneo onubense Arcángel: Arcángel, Ropavieja o La calle perdía.

8. Mi cante y un poema. Estrella Morente
Otra de flamenco ortodoxo joven. El primer disco de Estrella, con sabor a la Niña de los Peines y al flamenco granadino. Aunque el reciente Mujeres es sin duda el más popular de esta joven cantaora, en Mi cante y un poema es más flamenca.

9. Así canta nuestra tierra en Navidad
Y como para comenzar a escuchar flamenco vale cualquier ocasión, también están los villancicos. No son aflamencados, son los que se cantan en Jerez, donde se celebran, en fechas navideñas, las llamadas zambombas, fiestas donde se come y se bebe, pero sobre todo, se cantan y se bailan villancicos al estilo flamenco jerezano. La Obra Social de la entidad financiera Cajasol, que antes fue Caja de Ahorros de Jerez, celebró la pasada navidad los 25 años de estas ediciones. En cada una de las entregas el encargo recae en una figura local o vinculada con Jerez de la Frontera y muchos de estos discos son netamente flamencos. Por esta colección han pasado cantaores como Antonio Mairena, La Macanita, Terremoto, Mariana Cornejo, Esperanza Fernández, José Mercé, El Pele, Carmen Linares, o José Menese. Casi todos los discos de la colección caben en esta lista.

10. Jerez de la Morena. Fernando de la Morena
Cierro la lista con una invitación a mayores jonduras. Fernando de la Morena es uno de los grandes cantaores de Jerez, una voz imprescindible en la ortodoxia flamenca. Y esta grabación, de 2002, es una buena muestra.

No creo que entrase en su imaginación cuando tañían sus guitarras. Ni Sabicas, ni Paco de Lucía, ni Tomatito, ni tampoco Carlos Montoya, Paco Peña, Diego del Morao, Niño de Pura, o Pedro Sierra. Probablemente ninguno de ellos imaginó nunca que su arte tocando la guitarra influiría alguna vez en la creación de un grupo de ‘heavy metal’. Pero pasó. Todas estas son las referencias que da Benjamin Woods, guitarrista, vocalista y líder del grupo Flametal para hablar de por qué se enamoró del flamenco y decidió incorporarlo a su profesión, la de guitarrista.

Woods advierte en elpais.com que lo que ellos hacen no es flamenco, no quiere provocar infartos entre los que defienden la pureza de este arte. Pero sin el flamenco no se podría entender esta banda, que lleva la mezcla con el metal en su propio nombre.

Woods comenzó a tocar la guitarra hace más de 20 años, aunque no descubrió el flamenco hasta hace 12. Es de Seattle, estado de Washington, pero eso no le impide entender el flamenco, admirarlo, amarlo y querer convertirlo en su profesión. Conoce España, pero nunca ha tenido oportunidad de tocar con Flametal aquí. "El flamenco es un estilo difícil para ser entendido por la gente que no es española, pero creo que es parte de su atractivo, de su misterio. Creo que los extranjeros que hemos descubierto el flamenco y hemos decidido estudiarlo y perseguirlo somos extremadamente afortunados. Gracias a Andalucía y al flamenco todos podemos disfrutar de una forma de arte que no es comparable a nada", cuenta un emocionado Woods.

En cualquier caso, la escena californiana ofrece suficientes posibilidades para desarrollar una carrera en el flamenco, con locales tanto en el área de San Francisco como en Los Ángeles y San Diego. Él, además de tocar con Flametal, tiene una carrera como guitarrista, acompañando al baile y al cante.

¿Y qué palos van mejor con el metal? Woods lo tiene claro: la bulería. "Nuestros experimentos con las seguiriyas, peteneras, tangos y sevillanas también han sido interesantes", explica. "No creo que usemos palos como el garrotín, las guajiras, alegrías, cantiñas, colombianas, todos los que están en tonos mayores, porque no ligan bien con la atmósfera metalera, que es más oscura". Para el futuro, Woods quiere probar farrucas y soleares. "Queremos incorporar cante en Flametal, y con un poco de suerte, tendremos colaboraciones andaluzas para nuestro próximo trabajo".

De momento, Flametal está trabajando en vivo su segundo trabajo, Masters of the Aire. Muchos de sus temas tienen una raíz flamenca clara, tal como explica el propio compositor. Un zapateado, una seguiriya, dos bulerías… con letras que tienen que ver con la muerte de seres queridos o vender el alma al diablo para tener éxito en lo que uno hace, pero también con temas muy locales, como el cóndor californiano (Masters of the aire), o unos espíritus que se cree que existen en Hawai que deambulan por las islas por la noche y dejan un rastro real en la tierra (Nightwalkers).

Benjamin ha trabajado con artistas españoles en sus viajes a California, pero dice que hay tantos otros con los que quisiera compartir escenario y aprender de ellos que no terminaría nunca la lista. "Si tuviera que elegir alguno para trabajar con Flametal, creo que elegiría a Enrique Morente, Israel Galván y muchos otros con los que creo que encajaríamos perfectamente. Ahora me encantaría trabajar con Pellizco, ¡son impresionantes!".

A Woods le gustaría que su música fuese conocida en España y tocarla en vivo aquí algún día, pero sabe que es un estilo difícil el que ha elegido desarrollar. "Si no hay un público para esta música continuaremos haciéndola porque nos gusta, porque supone un reto continuo y sobre todas las cosas, porque disfrutamos haciéndola".

"Tengo muchas grabaciones. Todos los espectáculos que he ido haciendo los he ido grabando, primero en cinta, luego en Mini Disc, ahora en el ordenador. No tengo retentiva musical, así que lo grabo para acordarme, para que la música no se pierda". Así cuenta Jesús Torres cómo, después de 15 años de guitarrista para baile, ha llegado a presentar su primer trabajo discográfico, Viento del Norte. Un trabajo que, como cuenta en una entrevista en ELPAÍS.com, es una selección de lo que ha hecho hasta ahora este vizcaíno de origen sevillano, con ocho temas: un par de bulerías y una soleá por bulería, una malagueña con jabera, una taranta, un zapateado, una nana dedicada a su madre y una pieza libre que da título al disco.

"No es lo mismo tocar para baile que para ser escuchado, así que después de rescatar unas cuantas tuve que trabajarlas". Cada pieza tiene su propia historia. Ahora han sido adaptadas al disco. "Intento que los temas mantengan la esencia y la tensión, que te esté contando algo, que tenga un principio y un final, una redondez, que cuente algo", explica. Pero en su día surgieron del diálogo del guitarrista con los bailaores con los que trabajaba. "Yo cuando compongo para baile suelo dialogar mucho con el bailaor, para ver qué sensaciones quiere, cómo le gustaría empezar, es un poco un tándem de sensaciones".

Hay dos dedicatorias, la apertura y el cierre del trabajo. Calle Espada, una bulería que el guitarrista escribe para su padre, para su origen astigitano, abre con una llamada que despierta los sentidos y los dispone a la escucha. El broche es una nana, Alhama, dedicada a su madre y que lleva su apellido y que surgió como música para un intermedio de baile en un espectáculo de Isabel Bayón.

La discográfica es Flamenco World Music, pero el disco es enteramente de Jesús Torres. "En el Festival de Jerez de hace un año y pico, quedamos en un bar Daniel Muñoz y yo. Le dije que escuchara el disco que había grabado a ver qué le parecía y él me contó que estaban interesados en sacar un nuevo sello con repertorio de gente joven. Me dijo que el primer disco sería el mío y aquí está".

Jesús Torres aparece además acompañado de tres cantaores que demuestran su buen hacer en el disco. En Mármol de espuma, Miguel Poveda cierra la malagueña por jabera, un palo que, como cuenta Torres, no se suele grabar pero a él le gusta mucho. "La colaboración surge de una gira en la que íbamos él, Arcángel, Diego Carrasco y Carmen Linares. Le dije que tenía la idea de grabar y que si le gustaría colaborar con algún tema y en seguida me dijo que sí. Arcángel también, pero luego tuvo problemas con su discográfica, no le dejaban hacer colaboraciones con alguien que no fuera conocido". Así que recurrió a Montse Cortés y adaptó la letra de Rincón de los perdíos, una bulería, para que lo cantara una mujer. "Lo que pasa es que estaba de gira con Paco de Lucía, no venía a España, yo tenía que entrar a grabar como fuera, así que se lo conté a Encarna Anillo y ella aceptó grabar". La tercera colaboración de cante es en otra bujería, Sonsonío, en la que aparece un cantaor gaditano con el que Torres ha trabajado mucho, Manuel Gago.

Pero hay más colaboraciones. En Tarantango, que es un taranto, aparece Jorge Lema, un argentino afincado en Madrid, tocando el bandoneón y dándole un toque porteño sin alejarlo del flamenco. Y Carlos Grilo y El Lúa, como palmeros, Antonio Coronel, a la percusión, José Luis Rodríguez, con el chelo, Pablo Suárez…

"Un disco de estudio es difícil porque no tiene la frescura del directo, pero eso te permite también hacer otras cosas que no puedes hacer en directo. Eso es atractivo. Ya he remozado más temas para poder grabarlos y bueno, ya se está hablando también para ver cuándo estoy listo para grabarlo". No estaba en sus planes. Pero la experiencia ha sido buena, y ahora ha enseñarlo al mundo.