psicoabisal

Warhol

Tinguely

Parc

El arte cinético no está interesado en representar el movimiento sino que está interesado por el movimiento mismo, el movimiento como parte de la obra. El movimiento debe producir una clase particular de efecto, que puede realizarse mediante el movimiento del espectador delante de la obra o que la obra se mueva, o que no se mueva ni el espectador ni la obra. Se trata de dar la impresión de movimiento verdadero. En el arte cinético se produce algún movimiento verdadero mientras que el op art la obra misma parece moverse, diferente a las representaciones de objetos en movimiento donde sólo el objeto representado parece estar en movimiento.

Los futuristas hablaban y escribían de la belleza del movimiento, pero en su arte no hacían más que representarlo de manera pictórica. El Perro atraillado de Balla o Dinamismo de un ciclista de Boccioni representan en una cantidad de fases una sola fotografía. Los futuristas también representan una calle como vista desde un avión volando bajo o desde un coche a alta velocidad, también Cézanne y el cubismo representabn un objeto desde el punto de vista del espectador que se mueve alrededor del objeto. Una cosa es incorporar un sentido técnico y otra el arte cinético.

El arte cinético nace en la Unión Soviética después de la Primera Guerra Mundial, y en 1920 en el Manifiesto realista Gabo y Pevsner dicen : "una serie de instantáneas momentáneas de un movimiento detenido no recrea el movimiento en sí". Los cinéticos hablan de los ritmos cinéticos. "Renunciamos al error egipcio de tres mil años de antigüedad en el arte que considera que los ritmos estáticos eran los únicos elementos del arte pictórico. ...los ritmos cinéticos , son las formas básicas de nuestra impresión del tiempo real.". Tiempo después Gabo hablará del tiempo como la cuarta dimensión en la escultura , que es el ritmo, y nos dice: "En mi opinión, el ritmo en una obra de arte es tan importante como el esapcio, la estructura y la imagen."

Con ellos el volumen se separa de la masa, por medio de superficies planas o una red de alambre, aunque recibieron críticas: "celebraciones estáticas de acontecimietnos cinéticos".

La luz desempeña un papel en el arte cinético, produce un efecto escultórico, o bien da impresión de solidez. Así como las partes en movimiento trazan y definen ciertas zonas del espacio, la luz barre y abarca el espacio circundante, envuelve el entorno. Esta idea de un uso "escultórico" de la luz y de un arte "ambiental" es lo que más se emplea en la actualidad.

Moholy-Nagy también contribuye teóricamente, nos dice que delante de una obra de arte cinético el espectador ya no es un observador pasivo o receptivo, se convierte en un socio activo "con fuerzas que se desarrollan de motu propio", el espectador forma parte de la obra misma.

El movimiento cinético comienza con Calder, cuando usó el movimiento del aire, y en 1930 comienza a hacer "mobiles", planchas de metal planas, pintadas de negro o blanco o con los colores primarios, rojo, amarillo y azul. Las planchas suspendidas de varillas y articuladas de manera que podían moverse en cualquier dirección, ayudadas por las corrientes de aire. Durante mucho tiempo Calder fue considerado un poco excéntrico, no era escultor ni pintor tradicional, por eso sus obras recordaban más a los juguetes. Después de la Segunda Guerra Mundial el arte cinético es tomado con mayor seriedad, y es a partir de los 50 que se pueden agrupar en cuatro rubros:

1) Obras que implican movimiento verdadero., desde 1920. Corriente de aire, tiras de metal que se curvan, hebras altas y delgadas como hierbas agitadas por la brisa, energía eléctrica, magnetismo, pero todavía no hay interés escultórico, son como ballets mecánicos. Calder y otros.

2) Obras estáticas que producen su efecto "cinético" mediante el movimiento del espectador. En 1920, también se introduce el fenómeno óptico y con ello las transformaciones de los elementos, la desmaterialización de la materia sólida. La línea pura se transforma en vibración y lo materia en energía. Necesita para ello que el espectador se mueva delante de la obra. Movimiento por medio de la ilusión e ilusión por medio del movimiento. Soto y otros.

3) Obras que implican la proyección de la luz.

El uso de la luz, en lo pictórico y en lo escultórico. El escultórico para definir zonas del espacio: la fuente de la luz, el rayo de luz, o aura de luz y las superficies iluminadas, son partes de la obra. Schöffer y otros. Está también el uso pictórico de la luz, poyectada detrás de la pantalla etc..

4) Obras que requieren la participación del espectador. En 1963 ,"Queremos poner al espectador en una situación que el inicie y transforme", el espectador puede activar la obra y moverse entre ella. Los movimientos pueden ser diferentes pero siempre hay un modelo de movimiento.

Como movimiento podemos decir que comienza en la década de 1950, llega a su climax en 1967 con la exposición "Lumière y Mouvement" y comienza a declinar en 1970 con una exposición en la Tate Gallery.

Andy Warhol, Claes Oldenburg, Víctor Vasarely, Bridget Riley, Tinguely, Soto, Julio Le Parc, Cruz-Díez, Asis, Liliane Lijn, Malina, Healey, Eggling, García-Rossi, Piene, Von Graevnitz, Don Mason, Mack, Groupe de recherche d'Art Visuel, Lygia Clark, Duchamp, etc. son algunos de los representantes de este arte.