Rock Your Soul

La buena noticia es que The Soundtrack Of Our Lives vuelven con nuevo single llamado "What's Your Story" y nuevo disco "Throw it Into The Universe" que sale a la venta la semana que viene, concretamente el día 18 de abril de 2012. El tema es de esos marca de la casa, con atmósferas envolventes que te transportan a otro lugar y melodías perfectas.

La mala noticia es que la banda ha anunciado que a finales de año se separan. Una gran pérdida, sin duda, para la música. Esperemos que hagan una generosa gira de despedida que les traiga de nuevo por aquí para disfrutar de sus intensísimos directos. Mientras tanto nos quedamos con esta actuación en televisión presentando el single de adelanto que nos trae a la banda de vuelta:

Entender el rock de los últimos 30 años sin mencionar a Mark Lanegan sería una tarea harto complicada. Lanegan (1964, Ellensburg, Washington) fue pieza vital y frontman de Screaming Trees, contemporaneos de Nirvana, Soundgarden, Pearl Jam o Alice In Chains y banda de culto de los 80 y los 90.

Siempre inquieto, Lanegan comenzó su carrera en solitario ya en la época de Screaming Trees y cuenta con siete discos en su haber. Gran aficionado a las colaboraciones, alianzas artísticas y discos compartidos, ha compartido estudio, directos o proyecto con PJ Harvey, Queens Of The Stone Age, The Twilight Singers, The Gutter Twins (banda formada por él y Greg Dulli), Soulsavers, Isobel Campbell y Mad Season (formación en la que tenía como compañeros a miembros de Pearl Jam, Alice In Chains, The Walkabouts y los propios Screaming Trees).

Ahora presenta ‘Blues Funeral’, su primer disco en solitario desde ‘Bubblegum’, de 2004. Grabado en Hollywood, con colaboraciones de Greg Dulli y Josh Homme, saldrá a la venta el próximo 6 de febrero y Lanegan lo presentará a finales de marzo y comienzos de abril en Bilbao (27 de marzo, Kafe Antzokia), Santiago de Compostela (28 de marzo, Sala Capitol), Madrid (1 de abril, Sala Kapital) y Barcelona (2 de abril, Sala Apolo) junto a su banda. Mark Lanegan es una de las voces de los 90 que, como el buen vino, mejora con el paso de los años. ¡No te atrevas a perdértelo en directo!

MARK LANEGAN BAND - tour dates

27 de Marzo BILBAO - Kafe Antzokia

28 de Marzo SANTIAGO - Capitol

1 de Abril MADRID - Kapital

2 de Abril BARCELONA - Bikini

http://marklanegan.com

baisdg

No quiero dejar pasar más tiempo sin hacerme eco de una de las últimas bandas que he conocido y que más me ha enganchado. HELLBOUND GLORY banda procedente de Reno (Nevada) que practican un country-rock outlaw y algo macarra pero lleno de actitud. Parecen en cierto modo la versión paleta rural de Mike Ness (Social Distortion) o Eddie Spaghetti (Supersuckers), es decir música country con actitud punkrockera.

No sé ni cómo llegaron a mis oídos, probablemente saltando de blog en blog escuché alguna de sus canciones y su disco acabó (como tantos) en mi disco duro condenado al ostracismo hasta que por esas cosas inexplicables un día cualquiera revisando a ver qué música meter al iPhone ví su nombre y les dí su oportunidad. Se trataba del álbum "Old Highs & New Lows" autoeditado en 2010 por la propia banda. En cuanto arrancó me voló la cabeza, me enganchó cada uno de sus temas y probablemente fue uno de los discos que más he escuchado en el final de 2011. Temas como "Hank Williams Records" o "Too Broke To Overdose" por citar sólo alguno del disco se quedaron dentro de mí y cada cierto tiempo he vuelto a ellos. Son deudores del sonido de Hank III o Bob Wayne como referencias cercanas, pero también se aprecia en su sonido las referencias que ellos citan: Merle Haggard, Waylon Jennings, Flying Burrito Bros., Jerry Jeff Walker, o Willie Nelson.

El pasado mes de noviembre salía al mercado "Damaged Goods" su tercer larga duración en el que confirman que son una banda a tener en cuenta en el futuro. Un disco redondo en el que todos los temas rayan a gran nivel. Sin distribución en nuestro pais, se puede obtener desde la web de su discográfica así como en amazon. Un disco más acústico que sus predecesores, con menos presencia de baterías y guitarras eléctricas, donde el peso lo llevan las acústicas y los lapsteels. Quizás más country y menos Rock. Desde el single que abre el disco "Bastard Child" enlazando con dos de las mejores piezas del álbum como "Till The Lights Go Out" y "Lost Cause" hasta el cierre con "Living With The Shades Pulled Down" nos encontramos con un viaje a través de los mejores sonidos de la americana music. Temas rápidos como "White Wolf" o la que cierra el disco combinan con ritmos de ferrocarril y el boom-chika-boom de "Lost Cause", uno de los mejores del disco. También hay tiempo para los medios tiempos en "You Better Hope You Die Young" o "Bar Room Beauty". El disco apenas supera los 30 minutos pero es de esos que en cuanto termina estás deseando volverlo a poner.

Hasta la fecha tengo entendido que sólo han tocado una gvez en Europa, pero sigo soñando con una futura gira por aquí. Dejo un par de vídeos la promoción que han hecho via youtube, en la que interpretan en directo y acústico algunos de los temas del disco.

LOST CAUSE

BASTARD CHILD

BETTER HOPE YOU DIE YOUNG

"Wayne “THE TRAIN” Hancock bien podría definirse como una rara especie de tradicionalista, que impregna sus obsesiones retro con una energía tan alta que sus canciones nunca dan la sensación de haberse anclado en el pasado, ni caducas ni trasnochadas” -AllMusic.com

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El pasado jueves 20 de octubre será recordado por el comunicado de ETA que anunciaba su final definitivo. Poco después asistíamos, emocionados, al concierto de Eilen Jewell en la ciudad en la que, al parecer, se gestó ese comunicado. Eilen, que procede de Boise , en el estado del medio-oeste de Idaho (USA) con una gran comunidad de emigrantes vascos, nunca ha ocultado que el País Vasco es uno de sus lugares preferidos para tocar en Europa, llegó a decir en el concierto, que soñaba desde hace tiempo con tocar en Donosti (quizá en su sueño lo hacía dentro del Jazzaldia) y que por fin veía cumplido ese sueño. No en vano, en esta última gira ha recalado en Bilbao y San Sebastián de manera consecutiva. Sin por ello ver mermado el número de asistentes a sus conciertos sino que el crecimiento de los aforos ha sido exponencial. El año pasado (como ya cubrimos aquí) a penas lograba una media entrada en la Sala Azkena bilbaína, mientras que en esta última gira se rozó el lleno en San Sebastían en un recinto de bastante mayor aforo y, a parecer, en Bilbao también se hizo una buena entrada. Justo hace una año de aquello y parece que Eilen no para de crecer tanto artísticamente como en número de seguidores. Prometió que volvería este año y justo un año después aquí estaba. Bien, centremonos en el concierto: Por problemas de agenda no llegué a tiempo de ver a los teloneros locales MICROCOSMOS, no me hablaron muy bien de su actuación. A las 21:30 surgía a escena y de riguroso negro la banda de Eilen: Jason Beek a la batería y voces, Johnny Sciascia al contrabajo y Jerry Miller a la guitarra eléctrica (Gretsch). Antes de entrar en detalles quiero destacar la gran capacidad para los arreglos de Miller, quien no toca ni un sçolo ritmo con su guitarra y se dedica a crear esos ambientes a los que nos traslada la música de Eilen Jewell. Sus solos en tonos graves son tremendos a la par que elegantísimos.
La escueta y jazzy batería de Jason y el trabajo de Johnny al contrabajo, en ocasiones acariciando sus cuerdas y en otras sacudiéndoles auténticos mamporros son también elogiables.

Un escueto saludo y arrancan con "Radio City" el surf instrumental que abre el úlitmo disco y que está dedicada a la tienda de discos madrileña del mismo nombre, que ha organizado las giras anteriores de Eilen por España. En las últimas notas entra a escena Eilen Jewell. Coge su guitarra, que ha ganado un par de firmas nuevas: una de ellas es la de Wanda Jackson y la otra no la consigo descifrar, que se suman a las que ya lucía el año pasado de Lucinda Williams, Loretta Lynn y Mavis Staples. Grandes referentes los de la rubia de Idaho

En seguida enlazan "Radio City" con "I Remember You" como en el disco. Tras algunos ajustes de sonido en los primeros temas que nos dejan sin el sonido de la guitarra de Eilen durante "High Self Booze" es hacia el cuarto tema que todo empieza a sonar en su sitio y bien engrasado. Parece que tienen previsto un comienzo del show y un final, pero todo lo que transcurre en el desarrollo lo van decidiendo sobre la marcha. Hablando entre ellos qué tema tocar e incluso preguntando al público qué quieren escuchar. A Eilen se le vé radiante de felicidad y no para de bromear con el público entre los temas. Alternan unos cuantos temas lentos con otros más rápidos, como probando a ver qué es lo que la gente prefiere. Atacan "Santa Fe" dedicado a la ciudad de Nuevo Mexico en la que estudió, una canción llena de melancolía que se encuentra entre las mejores composiciones de su carrera, suena escalofriante, claro. Como es habitual nos sorprende con una versión que no esperaba nadie: en este caso se trata del "I Can´t Help It (If I´m Still In Love with You)" del más grande cantante country de la historia: Hank Williams.

Finalmente parecen decidir que el público prefiere los temas más animados. Eilen decide: "More Honky Tonk!!" y arrancan "Heartache Boulevard" que suena como una locomotora a toda máquina. En el mismo set enlazarán "Dusty Boxcar Wall" y "Blue Highway", las tres extraídas de su segundo disco "Letters From Sinners and Strangers". Algunos de sus temas más rápidos y que hacen que la gente se lance a bailar y se anime la cosa bastante más. También hay tiempo para temas de "Queen of The Minor Key" su excelente último disco: "Warning Signs" que suena pantanosa, densa y sureña como ella sola.

"Only You" con recuerdo a Zoe Muth, que hace coros en este tema en el disco, es uno de los momentos más íntimos de la noche. (Quizá en el futuro Eilen pueda traerse a Zoe como telonera, sería un gran cartel). A Eilen le gusta interactuar con el público entre las canciones, y explica de qué tratan las letras que va a cantar a continuación. Así, antes de arrancar "Bang Bang Bang" habla de que "cupido es un loco que no dispara flechas sino que tira bombas". A sugerencia de Johnny deciden atacar ‘The Girl That Radiates That Charm’ de Arthur Alexander; una canción que según la propia Eilen definió "es una canción alegre. Alegre pero que cuenta una historia triste”.

Hay también tiempo para recordar a Loretta Lynn y el homenaje a la gran dama del country que supuso su anterior lanzamiento "Butcher Holler". La forma que tienen de tocar "Fist City" (mucho más rockabilly que la original) además de la interpretación de Eilen me hacen pensar que este tema estará muchos años en su repertorio. La han hecho suya y simpre suena como un tiro. Rescatarán también "You Wanna Give Me a Lift" de ese disco. Llegado el momento, Eilen anuncia que es la hora del "Kalimotxo" y se lanzan con su adaptación libre del clásico "tequila" otro surf semiinstrumental que en directo es mucho más festivo y sirve de lucimiento de Jerry Miller a la guitarra. A la postre, supone la primera despedida de la banda.

Para el bis, la banda vuelve a escena y tras agradecer el cariño de la gente arrancan "Queen of the Minor Key" que vuelve a pisar el acelerador a fondo. "I'm gonna Dress In Black" de Them es tremenda, de esas que te ponen los pelos de punta con sus arpegios en menor. Y como colofón final un larguísimo "Shakin' All Over" que supone otro lucimiento de Jerry Miller que se lo pasa bomba deslizándose arriba y abajo por el mástil de su Gretsch e incluso introduce un guiño al Paint It Black de los Stones o a la melodía de James Bond.

Fin. La banda se despide contenta y se sabe vencedora. Las caras de satisfacción entre el público se lo confirman. Al poco rato estaban los cuatro músicos en el puesto de merchandising firmando y charlando con todo aquél que así lo quiso. Me prometieron intentar volver todos los octubres. No se me ocurre otra mejor noticia que dar todos los otoños. Allí estaremos siempre que vuelva para ver cómo sigue creciendo y creciendo su música, esa que nos transporta a pasajes lejanos y soñados.

La galería completa de fotos del concierto aquí

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Hace cosa de sólo unos cuatro años Marah eran encumbrados como la última gran promesa del Rock americano. La banda formada por los hermanos Dave y Serge Bielanko afincada en Philadelphia (Pennsylvania) eran la última gran esperanza del Rock and Roll. La prensa rockera (y no tanto) se deshacía en elogios hacia ellos, sus conciertos eran objeto de grandes alabanzas por su intensidad. El público abarrotaba sus frecuentes giras por Europa y concretamente en España parecían gozar de una gran popularidad que les hizo llegar a lanzar un dvd en directo grabado en Mataró y publicado bajo el título de “Sooner or Later In Spain”. Su segundo disco “Kids in Philly” fue publicado en la discográfica (ya desaparecida) E-Squared Records en 2000 del propio Steve Earle que se posicionaba como padrino de la banda. Incluso Bruce Springsteen se desharía en elogios hacia la banda.

“20.000 Streets Under The Sky” de 2003 y “If You Didn't Laugh, You'd Cry” de 2005 fueron grandes discos que a la postre supondrían las cotas más altas de su carrera. Discos en los que el Rock and Roll americano se fusionaba con el country más canalla y acelerado en un tornado sonoro que vuela tu cabeza desde la primera escucha. Stephen King escribiço para Entertainmente Weekly que “Se trata de la mejor banda de América que nadie conoce”.

La banda se embarcó entonces en una gira infinita, algo parecido al “Never ending tour” de Dylan, pero a otra escala claro. Cada cierto tiempo mirabas la agenda de conciertos y aquí estaban otra vez los Bielanko y compañía. No todos los miembros de la banda pudieron aguantar ese ritmo, y para 2006 la banda había cambiado varios miembros de su formación original. “Angels of destruction” de 2006 fue un buen disco aunque algo irregular. Grabado casi sin dejar de girar y con Christine Smith en los teclados. Debido al ritmo imparable de la banda, Dave empezó a acusar problemas con la bebida y sus shows empezaron a verse afectados. La morena teclista iba ganando protagonismo en escena y la intensidad de los conciertos iba decayendo hasta el punto en que Serge, el hombre tranquilo, acabó abandonando la banda alegando motivos familiares puesto que acababa de ser padre. Publican en 2010 “Life is a Problem”, inferior a sus predecesores. Desde ese momento la banda entra en una espiral autodestructiva que parece alcanzar su punto más bajo en el festival Luna Lunera de 2010. Escenario donde los músicos suelen ofrecer algunos de los mejores momentos de sus carreras. No estuve allí, pero amigos cercanos me comentaron que aquello fue una verbena en toda regla, con una banda totalmente alcoholizada y pisoteando su propio legado. Me hablaron especialmente del acordeón y su ejecutora…

Bien, el pasado verano, se anunciaba que Serge volvía la banda. Quizás consciente de lo que estaba pasando quiso devolver a Marah a la senda de la que nunca debió alejarse. Al mismo tiempo se anunciaba que Dave se estaba cuidando más mientras se anunciaba una nueva gira. Sin saber muy bien qué esperar acudimos la cita navarra de este tour. Con una discreta entrada, quizás por ser entre semana y puntualmente saltaban a escena los de Philadelphia. Desde el primer acorde de Dave al Banjo eléctrico la cosa parece ir bien. El sonido es potente y la banda suena compacta. “Freedom Park” es tremenda. Los temas se van enlazando uno tras otro sin solución de continuidad. Los hermanos Bielanko se van alternando a las voces y rezuman complicidad. Casi sorprendidos por lo que estamos disfrutando nos damos cuenta de que ya llevan casi 45 minutos cuando anuncian que harán una pausa de 10 minutos. Nos quedamos algo perplejos y asustados. Pero nos han dado motivos para la fe hasta ese momento. Así que recapitulamos. Parece que la banda ha vuelto por sus fueros y brilla especialmente en los momentos más folkies.

Tras la pausa la banda vuelve a escena más intensa todavía si cabe. Serge baja entre el público con su harmónica durante uno de los temas y se mezcla con todo el mundo. “Angels on a Passing Train” suena acelerada e intensa. Y cuando todo está en su mejor momento introducen un pasaje instrumental con Christine al acordeón que nos deja descolocados por primera vez. Pasado ese momento, atacan varios temas country que suenan genial y nos hacen sonreír y disfrutar de nuevo. El bis será otra vez potente e intenso pero segçun va alargando su parte final, ya habitual en lso viejos tiempos, el teclado va cobrando protagonismo y acaba por comerse al resto de la banda. Llega a quedarse sola junto con el batería en una improvisación en la que Christine parece decidida a sacar los sonidos más feos posibles a su instrumento en lo que parece un ejercicio de techno o algo así que se prolonga durante casi 10 minutos. Y con esto se despide la banda. Lo que iba para un gran concierto que nos devolvía la fe en la banda, acaba con algo cercano al esperpento. Como dijo un amigo, es como si vas ganando de goleada y en el último minuto te remontan. Nos quedamos con cara de tontos. Debería la banda cuidar esto, pues mientras Smith se limita a tocar sus arreglos la cosa funciona, pero en cuanto quiere ganar protagonismo se les va de las manos.
De todas Formas, lo vivido aquella noche nos hace retomar la fe en Marah, que esperamos sigan creciendo y viniendo a visitarnos tan asiduamente como hasta hoy.

Galería completa de fotos del concierto aquí.

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Con la llegada del otoño y los primeros fríos, llega una de las giras más esperadas por este blog. Eilen Jewell arranca la etapa europea de su gira de presentación de "Queen of the Minor Key", su quinto disco de estudio que ya comentamos por aquí . Su música transciende la etiqueta del country y se convierte en un viaje a través de la noche americana. Podemos encontrar esta vez referencias desde el surf instrumental de los Shadows hasta el jazz vocal de Billie Holiday, sin olvidar la inevitable referencia a Lucinda Williams. Todo ello tamizado por la elegancia y oscuridad que Eilen transmite siempre a sus composiciones.

Hoy empieza la etapa europea de la gira que le llevará a Holanda, Bélgica, España, Inglaterra y Escocia. Sus conciertos son sinónimo de calidad e intensidad como ya os contamos aquí hace justo un año cuando vino a presentar en directo su tributo a Loretta Lynn ("Butcher Holler") Un concierto del que salimos entusiasmados y ganados para su causa. Esta vez Bloody Mary & I Wanna Management se encargan de traernos a la reina de las melodías tristes en estas fechas que no debes dejar pasar:

MIÉRCOLES 19 OCTUBRE. BILBAO. KAFE ANTZOKIA

SÁBADO 22 OCTUBRE. GIJÓN. THE MONKEY CLUB

DOMINGO 23 OCTUBRE. MADRID. SALA EL SOL

Hoy traemos a nuestro rincón el texto de Diego A. Manrique que hoy publica el diario El País: Las cien de Johnny Cash. En él se cuenta una más que interesante historia sobre The Man In Black y una lista de canciones que preparó para su hija cuando ésta decidió dedicarse a la música. Una historia deliciosa que queremos guardar en nuestro archivo y esperamos disfrutéis.

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Texto: Diego A. Manrique

En 1973, Johnny Cash preparó una lista de las 100 canciones esenciales. En realidad, 100 grabaciones básicas que cubrían prácticamente todo el sur de Estados Unidos: country, blues, góspel, folk. Más que un simple ejercicio académico, se trataba de proporcionar el abecé de la música sureña a su hija Rosanne, la mayor y la más rebelde de sus criaturas. A punto de alcanzar la mayoría de edad, había planteado su deseo de cantar. Johnny quería asegurarse de que estuviera preparada para ingresar en el negocio familiar. Típicamente, Rosanne echó un vistazo al listado y lo guardó. Hubo premeditación y alevosía: solo recuerda esconderlo en un lugar donde, pensó, no aparecería de modo casual. Estaba rechazando las enseñanzas paternas, como suelen hacer los adolescentes.

De enterarse, Johnny Cash habría sufrido una decepción mayúscula. Seguramente, juntar las 100 canciones resultó un proceso agonizante. Para conseguir esa visión panorámica de la música sureña, Johnny debió superar muchos obstáculos circunstanciales y educativos.

Por ejemplo, de los cantantes que formaron el fugaz Cuarteto del Millón de Dólares, él era el menos informado sobre música negra. Presley, Carl Perkins y Jerry Lee Lewis procedían de localidades con barrio afroamericano. Por el contrario, Johnny era un hijo de la depresión: creció en una cooperativa agrícola en Arkansas, un experimento socialista con dinero federal que vetaba la presencia de familias negras.

Johnny se esforzó en compensar sus carencias. Por cuenta propia, descubrió los elepés de Bob Dylan, intragable para otros artistas country, por su voz y por lo que se intuía de su ideología. Y le defendió ante Columbia, que quería prescindir de los servicios de aquel cantautor raro.

Encajaba mal en el Grand Ole Opry, el programa radiofónico que representaba al establishment de Nashville. Cuestión social: como Elvis, era de clase baja, "basura blanca", un white nigger. Al mismo tiempo, profundizaba en los orígenes de la música rural, al girar con la Carter Family, forjadores del primer cancionero del futuro country. En 1968, incluso se casaba con June, chispeante hija de Ezra y Maybelle Carter.

En 1973, Johnny Cash ya tenía autoridad para redactar un canon del country. Aparte de dominar las raíces, también vigilaba de cerca a los talentos atípicos de Nashville: fue paladín de Mickey Newbury y Kris Kristofferson.

Yo hubiera atesorado la lista de Johnny Cash. Sueño con selecciones semejantes de otros artistas. Enrique Morente era una enciclopedia del flamenco y sus 100 grabaciones favoritas hubieran facilitado ese consejo que solía dar: "Escucha a los viejos". Roberto Goyeneche debería haber confeccionado un top 100 del tango. Y B. B. King, gran coleccionista de discos, todavía podría hacer algo parecido respecto al blues.

Por lo que sé, no lo hicieron y -disculpen la solemnidad- eso supone una pérdida para la humanidad. Aseguran que necesitamos prescriptores para movernos por la fonoteca universal de Internet, pero, en la práctica, se menosprecia la sabiduría de los veteranos.

Tras fallecer su padre, Rosanne Cash habló públicamente sobre la lista, en entrevistas y conciertos. Reacción unánime: todos querían conocer aquellos 100 temas. Hasta se propuso que el Smithsonian o una institución similar lo publicara en un box set, cuatro CD más libro erudito.

El problema: la lista no aparecía. Rosanne puso patas arriba su casa neoyorquina, sin resultados. Prescindiendo de argumentaciones freudianas, hubiera sido un milagro: desde 1973, ella cambió varias veces de ciudad y de país, hubo un divorcio, etcétera. Hasta contrató a una médium. Nada.

Así que decidió reconstruir aquel repertorio con ayuda de su marido, el productor John Leventhal. Un proceso arduo, documentado en el libro Always been there, de Michael Streissguth, un estudioso de Johnny Cash. De ahí surgió The list, el último disco editado por Rosanne. Doce canciones (más otras dos en ediciones especiales), canciones formidables pero quién sabe si realmente figuraban en la relación de Johnny. Cualquiera puede revisarlo y opinar.

The list cuenta con aportaciones vocales de Bruce Springsteen, Elvis Costello, Jeff Tweedy, Rufus Wainwright y Neko Case. Todos fascinados por la intrahistoria del disco: la reconciliación de padre e hija, la voluntad de transmitir conocimientos, la fina frontera entre la explotación comercial del difunto y el pago de una deuda. Escúchenlo y suspiren por compendios similares, clases magistrales de los ancianos de la tribu.

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