Perdidos: una banda sonora de otra época

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13182 Esta noche la cadena <A id=link_0 title=http://www.cuatro.com/perdidos/ href="http://www.cuatro.com/perdidos/">Cuatro estrena la sexta y última temporada de Perdidos </A>(LOST). Imagino que para muchos el mundo se parará durante el tiempo que se emitan los capítulos hasta que se llegue al desenlace final. Lo creo. <IMG id=img_0 class=imgcen src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/ruta-norteamericana/lost-final-season_.jpg"> Bueno, hablaré claro, soy uno de tantos y tantos que necesita saber qué esconde la isla, qué significan los malditos números, quién es Jakob, por qué Richard no envejece, qué hará John Locke, que pasará con Jack y compañía, si será Desmond una pieza fundamental para entender el rompecabezas… Soy uno de muchos que está a la espera. Demasiadas preguntas y una sola verdad, supongo. Puro entretenimiento, tal vez, pero cualquiera que esté un poco enganchado a esta serie sabe que se necesitan esas respuestas. Porque Perdidos, posiblemente la serie que más expectación ha creado en todo el mundo, tiene la cualidad de llevarte hasta el final de su estirada historia. De estrujarte como un peluche. <IMG id=img_0 class=imgcen src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/ruta-norteamericana/jack-locke.jpg">Sin embargo, algunas de las primeras obsesiones que me invadieron con Perdidos fueron musicales. Como las mejores series de los últimos tiempos, Perdidos ha sabido congeniar los buenos argumentos y guiones con una acertada selección musical. Creo, sinceramente, que la música que se elige para las series, como para las películas, juega un papel fundamental en las emociones del espectador. El domingo, sin ir más lejos, veía Érase una vez en América (Once Upon a Time in America) y muchas escenas iban cobrando una forma mucho más desgarradora y bella gracias a la banda sonora de Ennio Morricone. Con Perdidos, pasa lo mismo. Hay canciones que se han convertido en himnos que se interiorizan de tal modo que hablan tanto o más que las imágenes. Estas fueron mis dos obsesiones: <IMG id=img_2 class=imgizqda src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/ruta-norteamericana/desmond2.jpg">1. Fácil sentirse identificado con <A id=link_0 title=http://www.youtube.com/watch?v=e390BV7_oQA href="http://www.youtube.com/watch?v=e390BV7_oQA">lo que los ojos veían</A>. Una mano busca un disco determinado, en este caso un vinilo, y con cuidado se pincha en el tocadiscos. Es una acción cotidiana pero, a los que gustan de la música en casa, es una acción profundamente reveladora. La elección lo es todo, y depende según el estado de ánimo, la temperatura corporal o los pájaros o las nubes en la cabeza. Una batería que late y unos acordes creciendo al aire de una voz femenina, que se estiraba en el horizonte para decir aquello de “haz tu propia música”. En mi opinión, una de las escenas más inolvidables de la serie para uno de los personajes más queridos. Se abría la segunda temporada y se mostraba quién era Desmond Hume dentro de la estación Dharma llamada El Cisne. Ese sonido rondó mi cabeza durante horas y horas hasta que hice por saber qué canción era y quién la cantaba. Resultado: <<Make Your Own Kind of Music>> de Mama Cass Elliot. Integrante fundamental del grupo The Mamas & the Papas, tuvo luego una buena carrera tras la disolución de la formación. Era ya la canción de Desmond. El sonido de un pop estratosférico que te ayuda a viajar en el tiempo. <IMG style="WIDTH: 342px; HEIGHT: 206px" id=img_3 class=imgizqda src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/ruta-norteamericana/juliet-ficha.jpg" width=403 height=219>2. Aquí, el disco que se seleccionaba era un cd y servía para comenzar el día, para <A id=link_1 title=http://www.youtube.com/watch?v=NZTYhebZtyU href="http://www.youtube.com/watch?v=NZTYhebZtyU">arrancar la tercera temporada</A> de manera profusa. Una música de magníficos arreglos. Las teclas de un piano invitaban a adentrarse en el mundo de los otros. Sonidos de pop clásico, de otra época. Era como una serenata de Broadway en una voz femenina que inunda desde el primer verso. Al principio pensé que se trataba de Brenda Lee, pero era demasiado pop. En plena vorágine de capítulos de Perdidos, tuve esta canción al menos cuatro días en mi cabeza. Esos vientos, esas cuerdas finales seguían soplando en mi cogote al estribillo de Downtown. Al final, investigué y di con la canción. Cantante: Petula Clark. Siempre se aprende algo nuevo. Niña prodigio en el Reino Unido de los 60, la enciclopedia de Rolling Stone asegura que a los ocho años ya fascinaba encima de un escenario. <<Downtown>> fue su gran éxito pero también <<Don’t Sleep in the Subway>>. <<Downtown>> recordaba a las grandes composiciones de la era del pop de Brill Building por su sinfonía, por su exuberancia premeditada. Y servía para presentar a Juliet, rubia delicada a lo Carole King, y el complejo residencial construido por la iniciativa Dharma. Ya tengo mi disco de Petula, aunque sólo sea por tanto comerse la cabeza. Dos obsesiones que forman parte de una banda sonora elegida al detalle, capaz de transportar a otro periodo cuando las canciones eran de otro modo. Otras composiciones, en cambio, sí pude reconocerlas de primeras. Como ese <<Walkin' after midnight>> de Patsy Cline que se utilizó en los coches del padre de Jack y de Kate, o como ese <<Everyday>> del irrepetible Buddy Holly cuando apareció por primera vez la supuesta madre de John Locke, y, cómo no, esa elección del propio Locke, dentro de la estación El Cisne, cuando pincha un vinilo con <<These arms of mine>> de Otis Redding. ¿Nos obsequiarán los guionistas con un final sorprendente acompañado de una canción del calibre de las utilizadas hasta ahora? A la espera de saberlo, disfrutad de algunas de las canciones de la serie que ayudan a viajar a otra época. Las dos primeras son las dos comentadas obsesiones. <IMG style="WIDTH: 0px; HEIGHT: 0px; VISIBILITY: hidden" border=0 src="http://counters.gigya.com/wildfire/IMP/CXNID=2000002.0NXC/bT*xJmx*PTEyNjU2NjgwMDE4NDMmcHQ9MTI2NTY2ODAwNTY4NyZwPTE4MDMxJmQ9Jmc9MSZvPWM3MzQwNDhkZjJiOTRkODE5MWE*/NjhiZjIwNmY2ZjBj.gif" width=0 height=0> <CENTER> <EMBED style="WIDTH: 410px; HEIGHT: 311px; VISIBILITY: visible" height=311 name=myflashfetish type=application/x-shockwave-flash pluginspage=http://www.macromedia.com/go/getflashplayer width=410 src=http://assets.myflashfetish.com/swf/mp3/mixpod.swf?myid=43689024&path=2010/02/08 border="0" salign="TL" flashvars="mycolor=b4cad4&mycolor2=343447&mycolor3=27161E&autoplay=false&rand=0&f=4&vol=100&pat=3&grad=false" bgcolor="b4cad4" wmode="window" quality="high"></EMBED> <A href="http://www.mixpod.com/playlist/43689024"><IMG title="Get Music Tracks!" border=0 alt=Music src="http://assets.myflashfetish.com/images/btn-get-tracks.gif"></A><A href="http://www.mixpod.com/" target=_blank><IMG title="Create Your Free Playlist!" border=0 alt=Playlist src="http://assets.myflashfetish.com/images/btn-create.gif"></A><A href="http://www.mixpod.com/ringtones/43689024"><IMG title="Get Ringtones From This Playlist!" border=0 alt=Ringtones src="http://assets.myflashfetish.com/images/btn-get-ringtones.gif"></A> Create a <A href="http://mixpod.com/">playlist</A> at <A href="http://mixpod.com/">MixPod.com</A> </CENTER>

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1 Perdidos: una banda sonora de otra época

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13182 Hacemos un alto en el camino para contar con la colaboración de Toni Castarnado, verdadero todoterreno en el campo de la crítica musical. Gracias a su acertada visión, disfrutamos hoy en "Parada para repostar" de una voz femenina que conviene tener en cuenta desde ya mismo. Nos lo cuenta el gran Toni y esta ruta sonora se enorgullece de tener su firma. --------------------------------------- <IMG id=img_0 class=imgizqda src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/ruta-norteamericana/Brandi.jpg">El curso pasado fueron mujeres como Imelda May, Eilen Jewell o Laura Gibson las encargadas en mantener viva la llama, la primera portando la antorcha del rockabilly, la cantante de Ohio que prefería picotear de diversos estilos de raíz americana en Sea of tears, mientras Laura Gibson le daba una nueva vuelta de tuerca a su folk moderno, lúgubre y preciosista. <A id=link_0 title=http://www.brandicarlile.com/ href="http://www.brandicarlile.com/">Brandi Carlile</A> en cambio, sabe conjugar su amor por Patsy Cline y Elvis Presley, más el aprendizaje en gira junto a Chris Isaak o Ray Lamontagne. Y además sabe asimilar y digerir el éxito inesperado tras aparecer The Story en un capítulo estrella de la serie Anatomía de Grey. En la misma liga que otras contemporáneas, léase Grace Potter, Nelly McKay o Sarah Borges, la cantautora nacida en las orillas de Seattle igual versiona a Radiohead que a la Credeence, una prueba más de que a Brandi Carlile no se le resiste nada. De reminiscencias country, también paladea las melodías del pop, tiene arranques de intensidad más propios del rock que del folk, y con una voz potente pero dulce inunda todos y cada uno de los surcos de su música. Brandi Carlile fue el primer paso, un disco que necesitó de una reedición, desbordados por la excelente acogida de ese debut. Para The Story ficha a T-Bone Burnett como productor, y tanto la rabia desatada en <<The story>> como la placida acústica en <<Josephine>> destapan el tarro de las esencias de una artista que todavía tenía que dar otro arreón a su carrera que vendría de la mano de Give up the ghost. Con el apoyo instrumental inestimable de los hermanos Hanseroth, la pericia de Chad Smith de Red Hot Chili Peppers a la batería o el piano de Elton John en <<Caroline>>. Vestida con unos arreglos sencillos pero estremecedores, una voz con muchas más variables y canciones para dar y tomar, de <<Looking out>> a <<Pride and joy>>, camino a la espiritualidad en <>, la consecución de metas en <<Dreams>> o el desparpajado demostrado en <<Dying day>>. A vigilar. <CENTER> <OBJECT style="BORDER-BOTTOM: 0px; BORDER-LEFT: 0px; MARGIN: 0px; BACKGROUND: none transparent scroll repeat 0% 0%; BORDER-TOP: 0px; BORDER-RIGHT: 0px" width=425 height=344><PARAM NAME="movie" VALUE="http://www.youtube.com/v/fJa-KazVMYU&hl=es_ES&fs=1&"><PARAM NAME="allowFullScreen" VALUE="true"><PARAM NAME="allowscriptaccess" VALUE="always"> <embed src="http://www.youtube.com/v/fJa-KazVMYU&hl=es_ES&fs=1&" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="425" height="344"></embed></OBJECT></CENTER> Texto: Toni Castarnardo es colaborador de Ruta 66, MondoSonoro, Rock Zone y Ritmos del Mundo. Además, ha colaborado con Cañamo, Guitarrista, Batonga, la extinta Rock Hard, Benzina y en Radio Vilassar.

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1 Brandi Carlile, sabor irresistible

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13182 <IMG class=imgdcha id=img_0 style="WIDTH: 293px; HEIGHT: 393px" height=428 src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/ruta-norteamericana/howardzinn.jpg" width=306>"Mi punto de vista, al contar la historia de Estados Unidos, es diferente: no debemos aceptar la memoria de los estados como cosa propia. Las naciones no son comunidades y nunca lo fueron. La historia de cualquier país, si se presenta como si fuera la de una familia, disimula terribles conflictos de intereses (algo explosivo, casi siempre reprimido) entre conquistadores y conquistados, amos y esclavos, capitalistas y trabajadores, dominadores y dominados por razones de raza y sexo. Y en un mundo de conflictos, en un mundo de víctimas y verdugos, la tarea de la gente pensante debe ser –como sugirió Albert Camus– no situarse en el bando de los verdugos”. Howard Zinn La semana pasada moría Howard Zinn, historiador social de Estados Unidos. Como decía Barbara Celis en su obituario para El País, Zinn se involucró en todas las luchas del siglo XX, lo que le llevó a ganarse enemigos y admiradores por igual. Como historiador y periodista, yo me sitúo en el lado de los admiradores. Entré en contacto con la obra de Howard Zinn a través de diversas recomendaciones de mis profesores de Historia. Y, especialmente, recomiendo su libro más famoso, The people history of United States traducida en España como La otra historia de Estados Unidos. Allí, como en casi toda su obra, se mira a los desfavorecidos, a los que no salen en la historia oficial de los países. De joven ya devoraba los libros de Dickens, Marx y Steinbeck. Sus trabajos venían de la tradición de la escuela de los Annales y, de alguna manera, este historiador, nacido en el seno de una familia de inmigrantes judíos en Brooklyn y que se crió en Nueva York, hizo de la historia una herramienta fundamental para la transformación social. ¿Y qué hace Howard Zinn en un blog de música? Pues bien, Zinn inspiró a varias generaciones de personas, entre ellas, conocidos músicos. Tras su muerte, Eddie Vedder declaró: "Fue una continua fuente de inspiración”. Y Willie Nelson escribía en su página web: "Howard Zinn tenía la esperanza de conseguir que la gente demandara un gobierno más democrático. Esperaba que una vez que la gente entendiera que tiene el poder de cambiar las cosas, las cambiara". <IMG class=imgizqda id=img_1 style="WIDTH: 294px; HEIGHT: 249px" height=245 src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/ruta-norteamericana/bruce_springsteen_-_nebraska-front.jpg" width=378>Tal vez, una de las inspiraciones más demoledoras que surgió de la obra de Zinn se halle en Bruce Springsteen. Al menos, a mí me marcó. Springsteen ha reconocido en alguna antigua entrevista que Zinn inspiró muchas de sus canciones. De hecho, el disco Nebraska rastrea como ninguno los escritos del historiador. También The Ghost of Tom Joad. Zinn pobló su historia de personajes atípicos, invisibles, anónimos, que no entran en el oficialismo, pero que son la sangre de un país. En sus ensayos se habla como héroes de granjeros, obreros, estudiantes, negros luchando por sus derechos civiles, nativos… En Nebraska, Springsteen se sumerge en ese mundo de desheredados. No es un disco para un día cualquiera. Claro que no. Tampoco la obra de Zinn era una obra cualquiera. Pero puede llegar a obsesionarte. Si dedicas una noche a escuchar Nebraska, te aseguro, que con la suficiente atención, puedes oler el campo, sentir el miedo, perderte en la oscuridad, caer en la absoluta duda y, sobre todo, temblar y creer como un ser humano en estado puro. <CENTER> <OBJECT height=344 width=425><PARAM NAME="movie" VALUE="http://www.youtube.com/v/-Qd4RGTQxf4&hl=es_ES&fs=1&"><PARAM NAME="allowFullScreen" VALUE="true"><PARAM NAME="allowscriptaccess" VALUE="always"> <embed src="http://www.youtube.com/v/-Qd4RGTQxf4&hl=es_ES&fs=1&" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="425" height="344"></embed></OBJECT></CENTER> PD. El fenomenal vídeo es obra de Enric Salas.

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1 El poder de los desheredados con Howard Zinn y Springsteen

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13182 <IMG class=imgizqda id=img_0 src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/ruta-norteamericana/354461_diciembre.jpg">La revista <A id=link_0 title=http://ruta66mag.com/ href="http://ruta66mag.com/">Ruta 66 </A>dedica este mes una portada a la ola del punk surgido en California, y en especial en la ciudad de Los Ángeles. A través de un amplio informe, elaborado por Iván López Navarro con la aportación de otros colaboradores, se repasa una escena clave de la historia musical estadounidense en el siglo XX. El reportaje además incluye una entrevista con Jello Biafra, azote de mentalidades conservadoras, a cargo de Tony Sanders. Esta Ruta Norteamericana pisa el acelerador para sacar a relucir la música de una escena que ilustró un mundo en carne viva de la sociedad norteamericana donde los homosexuales, izquierdistas y artistas de toda condición tomaron la palabra, los escenarios y los callejones oscuros y se enfrentaron a la policía y a mucho de lo absurdo que les rodeaba. El informe rastrea todo ese underground y habla de los abrasivos discos que sintetizan la escena, los sellos discográficos como Dangerhouse o fanzines como Who put the bomp! Tal vez, la banda más paradigmática de todo este rollo fue Black Fag. Cuando entrevisté a Jeff McDonald, cantante de Redd Kross, recuerdo que le pregunté por sus años como adolescente y músico de la escena de Los Ángeles. Me contó cómo se colaban por los baños y cocinas de los locales para poder escuchar a bandas como Black Fag, de los que hicieron de teloneros y que fueron como mentores de los Redd Kross. Según decía Jeff McDonald, todo merecía la pena por ver en directo a los Black Fag, incluso que te pillaran colándote y te dieran una buena sacudida por ello. Imagino que, por entonces, sólo dos minutos de canción punk-rock producían un éxtasis acojonante. <CENTER> <OBJECT height=344 width=425><PARAM NAME="movie" VALUE="http://www.youtube.com/v/rpsXrOMNw8o&hl=es_ES&fs=1&"><PARAM NAME="allowFullScreen" VALUE="true"><PARAM NAME="allowscriptaccess" VALUE="always"> <embed src="http://www.youtube.com/v/rpsXrOMNw8o&hl=es_ES&fs=1&" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="425" height="344"></embed></OBJECT></CENTER>

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1 El éxtasis del punk kaliforniano

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13182 La pasada semana me enteré de la muerte de Emilio Cañil, fundador de Discoplay, a través de un mensaje de mi amigo y compañero en <A id=link_2 title=http://www.rollingstone.es/ href="http://www.rollingstone.es/">Rolling Stone</A>, Manu Piñón. La noticia la había adelantado <?xml:namespace prefix = st1 ns = "urn:schemas-microsoft-com:office:smarttags" /><st1:PersonName w:st="on" ProductID="la revista Efe Eme"><st1:PersonName w:st="on" ProductID="la revista Efe">la revista <A id=link_0 title=http://www.efeeme.com/?pub href="http://www.efeeme.com/?pub"><st1:PersonName w:st="on" ProductID="la revista Efe">Efe</st1:PersonName> Eme</A></st1:PersonName></st1:PersonName>. Manu, como buen comprador de discos, escribía de la falta de reconocimiento que en este país tienen los pequeños vendedores de discos, los que hacen lo imposible por difundir la música, con el alto riesgo de arruinarse. Quería haber escrito la semana pasada un mensaje de recuerdo a la labor de Emilio Cañil, al que no conocí en persona pero como adolescente fui uno de tantos compradores en sus tiendas, pero la agitada semana que tuve no me lo permitió. Al fin y al cabo, su pérdida ha sido como un pequeño golpe al pequeño mundo que acompaña a uno desde hace mucho tiempo: el de la compra de discos en contacto directo con la tienda. Un mundo, que en los tiempos que corren, empieza a estar en desuso, pero que por suerte todavía resiste, sobrevive, en medio de una vorágine tecnológica, descreída y sin aprecio cultural por un negocio tan cercano como gratificante para el cliente. Como amante de la música que no se encuentra en las grandes superficies, como friki según esos círculos cercanos a los que nunca puedes llegar a explicar bien del todo tu pasión por abrir en casa, en soledad, con cuidado, un plástico con apenas 10 canciones, me sentí muy identificado con su filosofía. La actividad comercial que llevó a cabo era el refugio de muchos de nosotros. Hoy <A id=link_1 title="http://www.elpais.com/articulo/cultura/Adios/titan/elpepicul/20100201elpepicul_4/Tes " href="http://www.elpais.com/articulo/cultura/Adios/titan/elpepicul/20100201elpepicul_4/Tes">Diego A. Manrique escribe de él en El País</A>. El otro día también leí de Emilio Cañil en Efe Eme, mediante el <A id=link_0 title=http://elmundano.wordpress.com/2010/01/30/emilio-canil-adios-a-un-pionero-efe-eme/ href="http://elmundano.wordpress.com/2010/01/30/emilio-canil-adios-a-un-pionero-efe-eme/">blog de Adrián Vogel</A>. Diego y Adrián, veteranos y expertos en estos menesteres, tienen mucho más que decir que yo de este triste adiós. Yo sólo puedo contar que me pasé muchas horas en la tienda Discoplay de La Vaguada. Más de una vez dejé de entrar al cine por seguir buceando en su catálogo, más cuando uno era un chaval que apenas tenía discos de nada. Preguntaba a los dependientes, que me recomendaban novedades y distintos álbumes, y estudiaba durante largo rato qué llevarme y qué dejar para que se ajustase a un presupuesto que siempre me parecía escaso para el número de discos que me gustaría comprar. Un buen día me fui para allá y me encontré que Discoplay estaba cerrado. Menudo palo. Si la memoria no me falla, el último disco que compré fue uno de descartes y versiones de Jason & The Scorchers. Era “jodidamente bueno”, según me dijeron en Discoplay. Vaya este tema en memoria de Emilio, de su labor y de la jodidamente buena música que descubrimos y compartimos gracias a las tiendas. Salud para todos. <CENTER> <OBJECT height=344 width=425><PARAM NAME="movie" VALUE="http://www.youtube.com/v/p-cF40OWeak&hl=es_ES&fs=1&"><PARAM NAME="allowFullScreen" VALUE="true"><PARAM NAME="allowscriptaccess" VALUE="always"> <embed src="http://www.youtube.com/v/p-cF40OWeak&hl=es_ES&fs=1&" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="425" height="344"></embed></OBJECT></CENTER>

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1 Adiós al fundador de Discoplay

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13182 El taxista era un listo. -Aquí no puedo dar la vuelta, amigo. Esta calle es de dirección única. Tendremos que seguir hasta la Diecinueve. No tenía ganas de discutir: -Está bien - le dije. De pronto se me ocurrió preguntarle si sabía una cosa-. ¡Oiga! -le dije-. Esos patos del lago que hay cerca de Central Park South… Sabe qué lago le digo, ¿verdad? ¿Sabe usted por casualidad adónde van cuando el agua se hiela? ¿Tiene usted alguna idea de dónde se meten? Sabía perfectamente que cabía una posibilidad entre un millón. Se volvió y me miró como si yo estuviera completamente loco. -¿Qué se ha propuesto, amigo? -me dijo-. ¿Tomarme un poco el pelo? -No. Sólo quería saberlo, de verdad. No me contestó, así que yo me callé también hasta que salimos de Central Park en la calle Diecinueve. El guardián entre el centeno (The Catcher in the Rye - J. D. Salinger) ---------------------------------------------------- <IMG class=imgizqda id=img_0 src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/ruta-norteamericana/elguardian.jpg">Por ahí leí, ya no sé dónde, que de la infancia nunca se escapa. Tampoco, supongo, que de la adolescencia. Y siento que, por tanto, sucede lo mismo con determinadas lecturas, imágenes y sonidos. Recuerdo ahora, que J. D. Salinger ha muerto, que uno de mis amigos, muy querido, por cierto, dice siempre que El guardián entre el centeno es un libro como escrito para él. A otro amigo, devorador de libros, le oí decir, en cambio, que el texto de Salinger era ideal para leerse a los 16 años, y luego releerlo a medida que se queman etapas de la vida para sacarle nuevas sensaciones. Imagino que algunas buenas, otras no tanto. En mi caso, al terminar de leerlo en su día, me abordó por encima de todo una pregunta: ¿dónde se meten los patos? A partir de aquí, quiero contar una pequeña historia y recuperar un personaje que seguramente también se ha formulado la misma pregunta. Hace ya unos años dejé muchas cosas por irme a vivir a Nueva York. Me llevé mi libro de Salinger, pero eso no creo que sea lo importante. A los pocos días de llegar allí, cogí un tren que recorre a cielo abierto Nueva Jersey hasta la ciudad de Newark. Pasé por los mismos paisajes que salen en muchos capítulos de Los Soprano. Los que sean, como yo, admiradores absolutos de esa maravillosa serie tal vez entiendan de lo que hablo. El tren iba por esos puentes industriales de acero y hierro. El skyline de Manhattan aguardaba cada vez más pequeño a lo lejos, hasta desaparecer envuelto en el humo de las chimeneas de las fábricas de Jersey. En mitad del viaje, al otro lado de la ventanilla, una bandada de patos apareció de la nada. Me acordé de Tony Soprano, que nunca fue el mismo después de la marcha de los patos. Así se lo confesó a su psicóloga. Aquel día, los patos que yo veía volaban rumbo al horizonte naranja de una tarde en retirada. Y es cuando me lo imaginé más que nunca sentado en su piscina y sin patos. Tony Soprano me dio mucha pena. Los patos siempre han sido la verdadera cuestión. En el primer episodio de la serie, unos patos salvajes habitan el patio de Tony Soprano, el capo de una mafia de Nueva Jersey. No sé sabe de dónde han llegado, pero lo han hecho para quedarse nadando en el agua de la piscina de Tony, que los contempla entusiasmado. No son patos más bonitos que los otros patos, ni más grandes, ni tan siquiera más raros. Son unos patos normales, que pasarían desapercibidos en mitad del campo, pero son los patos que se han instalado en la vida de Tony. Tony está casado con una gran mujer y es padre de dos hijos sanos e inteligentes. Una familia que podría ser perfecta en cualquier serie de televisión pero en ésta no lo es tanto, y además pasan de los patos del cabeza de familia. Tony se preocupa por sus patos pero para su mujer e hijos son sólo patos. Tony podría hablar de los patos en el trabajo, rodeado de sus chicos, cuando se reúnen en el Bada Bing o en el café italiano, pero los chicos de Tony no lo entenderían, por muy fieles que sean a él, o al menos intenten serlo. <IMG class=imgdcha id=img_2 style="WIDTH: 327px; HEIGHT: 276px" height=207 src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/ruta-norteamericana/tony_soprano_duck.jpg" width=515>El problema viene cuando un buen día los patos se van volando. Tony se prepara para hacer una barbacoa junto a la piscina en el día del cumpleaños de su hijo. Está solo, con su puro encendido, observando los patos en el agua. De repente, los patos agitan sus alas y salen volando, camino de alguna parte con una música de ópera de fondo, lejos de la vida de Tony. En ese momento, Tony siente un mareo, tal vez un ataque de pánico, y cae al suelo tras perder el conocimiento, mientras los patos se van surcando el cielo. Resulta que es el principio de todo. La serie arranca con Tony sentado frente a su psicóloga. Un jefe de la mafia abriendo su alma ante una psicóloga. Cierto. Tony cuenta todo esto; cómo llegaron los patos y cómo se fueron hasta que cayó al césped, rendido por su marcha. No se sabe muy bien qué significado tienen los patos. No lo sabe la psiquiatra, no lo sabe Tony, no lo sé yo. Sólo se puede decir que para Tony fueron algo especial, tan intangible como auténtico. Bien pensado, todo el mundo necesita tener unos patos. No sé muy bien qué significa esto, pero creo que forma parte de la condición humana: el tener unos patos, el proyectar parte de lo que llevamos dentro en unos patos. Según se puede ver en las andanzas de Tony Soprano, la vida es imperfecta, irreal, sencilla, difícil, auténtica, mágica, descreída, grande, diminuta, imposible, irremediable, a fin de cuentas. Y Tony vive mucho la vida. También hace por vivirla Holden Caufield. Cuando viví en Nueva York, y las temperaturas a 20 grados bajo cero se adueñaron de la ciudad, pensé en Tony Soprano y en Holden Caufield. Era un día nevado y me fui a Central Park. En ese momento, pude comprobarlo por mí mismo. Para el que no lo sepa: los patos, no sé cómo, se abren paso cuando el agua se hiela. Terminan por reunirse todos juntos, como cuando vuelan, en un pequeño espacio de agua en mitad del lago congelado. Es maravilloso y estúpido, creedme. ¿Dónde se meten los patos? Holden, colega, espero que te sirva de algo, allá donde te encuentres. Te digo lo mismo Tony. <CENTER> <OBJECT height=344 width=425><PARAM NAME="movie" VALUE="http://www.youtube.com/v/gf8fXy9rtos&hl=es_ES&fs=1&"><PARAM NAME="allowFullScreen" VALUE="true"><PARAM NAME="allowscriptaccess" VALUE="always"> <embed src="http://www.youtube.com/v/gf8fXy9rtos&hl=es_ES&fs=1&" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="425" height="344"></embed></OBJECT></CENTER>

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1 Oda a los patos de Salinger

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13182 Desde principios de este año colaboro con la revista <a id="link_0" title="http://www.efeeme.com/" href="http://www.efeeme.com/">Efe Eme</a> en una nueva sección llamada Forajidos, con el objetivo de rastrear todos los meses los músicos y bandas que por circunstancias de la vida, por actitud o por simple casualidad se sitúan en ese camino tan transitado entre buscavidas y malditos, o de otra manera, legendarios y reconocidos pero sin ser dueños de su destino. Recupero para La Ruta Norteamericana el primer y por ahora único texto de esta serie. ----------------- -Walter Brennan: "¿De dónde viene, forastero?" -Gary Cooper: "De ningún sitio en particular". -W.B.: "¿Y a dónde se dirige?" -G.C.: "A ningún sitio en particular. Todos los sitios son buenos para pasar de largo". El forastero (The Westerner, 1940), dirigida por William Wyler La historia del rock y el negocio discográfico siempre han tenido algo de Salvaje Oeste. Las leyendas y los hechos se recogen por igual en el imaginario colectivo, mientras músicos y ejecutivos del sector pelean por imponer su visión del asunto: los primeros, aunque no siempre todos, por defender su obra y los segundos, siempre todos, por rentabilizar el producto. Unos buscan perdurar con sus canciones, otros hacer crecer la lista de ceros en el imperio que marca la ley del mercado. Como si del Salvaje Oeste se tratase, es una disputa, a veces más visible a veces menos, entre forajidos y hombres de ley. El periodista Gregorio Doval en su entretenido libro Breve Historia del Salvaje Oeste define este mundo de forajidos, que sacudió a Norteamérica en la segunda mitad del siglo XIX, como “una amalgama de gente autoconfiada, pero también ingenua; ignorante, pero audaz y creativa; generosa, pero egoísta y terca; honrada, pero indulgente; amante del humor campechano, pero con malas pulgas para aguantarlo en primera persona; violenta y misántropa, pero hospitalaria…; en una palabra, contradictorio”. Extrapolado a la música, la definición es más que acertada, porque el mundo de los forajidos del rock también es, en una palabra, contradictorio. La industria casi nunca entendió a este tipo de buscavidas del alambre a pesar de su magna obra. Músicos que hoy perviven con aura de legendarios pero que en su vida terrenal se las han visto y se las han deseado para salir adelante con su guitarra y sus canciones. O, incluso, igual de contradictorio, artistas del trazado emocional con un par de acordes pero, como el protagonista que inaugura esta sección, se fueron al otro barrio por la puerta de atrás, sin afinidad con este mundo, pese al éxito, y sin más honor que el dolor masticado. <img style="width: 300px; height: 303px;" id="img_4" class="imgizqda" src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/ruta-norteamericana/hank-williams-2.jpg" width="525" height="442">Hank Williams es un auténtico forajido de la música popular, que murió de sobredosis de sedantes en 1953 y hoy, en esta sección, disputa con las decenas de recopilatorios que le recuerdan el dar a conocer el verdadero motor de su existencia: la pena. Uno de los primeros proscritos de una lista que no suma hits sino canciones cortantes, que dejan sin respiración, que desafían al oyente. Reconocido actualmente por expertos y musicólogos como padre del country, aunque el honky tonk lo representó como nadie, es el primer forajido a reivindicar en esta sección. Un hombre que sobrevivía al margen de la ley, que no es otra que la norma que marca el negocio discográfico para imponer su éxito. No era producto de nada ni nadie, y a diferencia de tantos compuso canciones que disparaban siempre hacia la diana del corazón. Posiblemente, junto con Jimmy Rodgers, fue la figura blanca más importante para llevar la tradición negra americana del blues y la herencia sonora india del cajun a la poderosa audiencia blanca a principios del siglo XX. Y, sin embargo, era un marginado dando rienda suelta a su espíritu dañado y degradado en un país que se regía por aires de grandeza. A principios del siglo XIX, hubo un eslogan que marcó el proceso de expansionismo del pueblo norteamericano hacia el Oeste. Como asegura Juan José <del>Fernández</del> Hernández Alonso en su libro Los Estados Unidos de América: Historia y Cultura, el Manifest Destiny (Destino Manifiesto) justificó la supremacía de EE UU en múltiples campos –político, económico, cultural- durante la expansión territorial americana. El concepto aglutinaba idealismo y realismo con el fin de dar razones para la superioridad del colonialismo blanco sobre las nuevas tierras, donde los indios fueron literalmente engañados y maltratados y los negros esclavizados. Apenas 100 años después, el gran hombre blanco, protagonista de la conquista del West, mantenía su privilegiado estatus pero, en las postrimerías de ese horizonte, el Oeste y el Sur, la América profunda, estaban poblados de ciudadanos blancos de baja condición, pobres y paletos, personajes de segunda, que compartían con indios y negros su precaria perspectiva de futuro. Era el envés del Manifest Destiny. Del Destino Manifiesto, amparado por la Providencia, se pasaba a la vida perra de un hombre blanco que nacía y vivía en pueblos del desierto americano o en parajes de carreteras secundarias, con una existencia errante, sin ninguna bendición, y conocido por sus iguales como white trash (basura blanca). Hank Williams, nacido en un pueblo de Alabama, nunca se pudo librar de ser un fiel representante de white trash, tampoco de su alcoholismo y sus dolores de espalda por una enfermedad que arrastraba desde niño. Malvivió entre unas cosas y otras y puso música a esos sentimientos de desamparo y redención a través de una buena resaca y un par de canciones. A los 16 años, viviendo en Montgomery, dejó el colegio y se dedicó a la música. Empezaba a hacer apariciones en las radios locales con una buena acogida entre la audiencia. A fin de cuentas, sus lamentos eran compartidos por muchos. Y a partir de ahí, formó los Drifting Cowboys y se convirtió en un tipo respetado en el circuito de Nashville. <img style="width: 313px; height: 300px;" id="img_5" class="imgdcha" src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/ruta-norteamericana/hank-williams-1.jpg" width="486" height="446">Desde entonces, dos personas marcaron su camino: Audrey Mae Sheppard, su esposa, una mujer de Alabama bastante harpía que sin ningún talento siempre quiso ser cantante y le machacó con continuos chantajes emocionales, y Fred Rose, reputado editor musical de hillbilly que lanzó su carrera hasta el punto de convertirle en una estrella de la música country y pasar por alto muchas de sus antológicas borracheras. De alguna manera, ambos representaban los dos picos de su vida, la distancia entre lo que le daba uno y le quitaba el otro representaba el tiovivo sentimental y existencial del músico. Su country hiriente era de un certero lenguaje costumbrista, que por eso adquiere una categoría casi sobrenatural en la cinta de Peter Bogdanovich, La última película (The Last Picture Show, 1971), donde el blanco y negro recorre un sombrío y lírico quehacer de un pueblo de Texas. De las decenas de grabaciones que registró, <<Lovesick blues>>, <<You’re gonna change>>, <<Why don’t you love me>> o <<Cold, cold heart>> muestran con clarividencia su preocupación por la moralidad y el entorno desolador de su día a día, sin un amor verdadero, con dolores crecientes y sin ningún horizonte por el que guiarse. Por todo ello, el respetado programa radiofónico Gran Ole Opry, que retransmitía en directo desde Nashville, le consideraba un grande de la composición. <<Lovesick blues>> era una especie de evento místico para el oyente solitario en la noche. Hank Williams parecía dirigirse por el buen camino artístico pero, tal y como demostraba desde hacía muchos años, la vida era demasiado para él. Cada día más dependiente de los calmantes y con el hígado más machacado por el alcohol, a los 29 años, el 1 de enero de 1953, apareció muerto por sobredosis en la parte de atrás de un Cadillac cuando se dirigía a un concierto. El destino quiso que a los cuatro días naciera su hija. Moría proscrito. Ciertamente, no estaba llamado por la gracia, nunca recogería un premio. Lo suyo era dejar constancia de que había estado allí, en mitad de un día cualquiera, con su poesía cotidiana, que se cuela en los surcos del espíritu como la llovizna en pleno invierno. Muchos le reivindicarían a partir de entonces, desde Jerry Lee Lewis y Elvis Presley hasta músicos y bandas de nuestros días. Tras su temprana muerte, Hank Williams había enseñado lo que era cargar con la pena, lamentarse por la vida pero siempre con una tremenda dignidad. <center> <object style="border: 0pt none ; margin: 0pt; background: transparent none repeat scroll 0% 0%; -moz-background-clip: border; -moz-background-origin: padding; -moz-background-inline-policy: continuous;" width="560" height="340"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/hUuzrB_TGyk&hl=es_ES&fs=1&"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param> <embed src="http://www.youtube.com/v/hUuzrB_TGyk&hl=es_ES&fs=1&" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="560" height="340"></embed></object></center> Forajidos es una seccion de la revista <a id="link_1" title="http://www.efeeme.com/" href="http://www.efeeme.com/">Efe Eme</a>.

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1 Forajidos: Hank Williams, la más digna pena de paso

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13182 Estamos de enhorabuena porque ya está girando por estas tierras una banda de la envergadura de Cracker. La formación liderada por David Lowery (ex Camper Van Beethoven) es, sin lugar a dudas, una de las más destacadas en el pasaje independiente que recorre esta ruta norteamericana. También, debo decirlo, son una debilidad personal. Con sus propias señas de identidad y peculiaridades, Cracker forman parte de ese panorama musical que transitan los Bottle Rockets, Hill Country Reveu o North Mississippi All Stars, entre otros muchos. Un panorama ilustrado por la actitud, la falta de presión mediática y al absoluto amor a la música de raíces desde la perspectiva del rock. Como suele decir el propio Lowery, cantante del grupo, Cracker son una versión moderna del rock de toda la vida, nada de indie, ni de alternativo, ni adjetivos varios, lo suyo es rock a secas. Dan fe de estas palabras sus poderosas canciones, energía absorbente a través de guitarras. <IMG id=img_0 class=imgcen src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/ruta-norteamericana/cracker.jpg"> Me enganche a ellos cuando publicaron Forever, a principios de este siglo y en el que demostraban su capacidad para hacerte sucumbir a sus estribillos y melodías nada condescendientes. Luego, profundice en discos anteriores de los noventa como esos geniales, Kerosene Hat o Gentleman Blues, y les seguí la pista en cada nuevo trabajo. Ese talante, medio vagabundo, medio descreido, siempre me ha parecido uno de sus grandes atractivos. Como intentando, de forma irónica y sin tópicos, salir adelante con sus canciones que retratan un paisaje norteamericano de gente corriente, con sus problemas diarios, sus fantasmas y sus fracasos, también sus pequeñas victorias y diminutas ilusiones que justifican una vida de lo mas corriente. Cracker vienen a presentar ahora su Land In The Sunrise Of Milk And Honey, donde meten la directa de nuevo al rock de toda la vida, lejos de los clichés. Pese a todo, siempre me han dado la sensación de ser una banda que aun mejora más en los directos. Así me lo pareció cuando los vi hace años en la sala Heineken de Madrid. La sustancia rock que representan gana en músculo, consistencia. En aquella actuación, recuerdo que a mi lado estuvo todo el rato Josele Santiago, ex cantante de insustituibles Los Enemigos. Sin conocerle más que por su música, declaraciones y opiniones de amigos, siempre he considerado a Josele un estupendo tipo y artista. Aquella noche Josele pareció gozarla. Y en comunión estaba este escribiente porque Lowery y compañía dejaban las cosas tan claras que solo había espacio para el mas puro goce. Gira de Cracker: martes 26 (Madrid, El Sol), miércoles 27 (Bilbao, Kafe Antzokia), jueves 28 (Gijón, Casino Acapulco), viernes 29 (Santander, CC Caja Cantabria) y sábado 30 (Santiago, Capitol). <CENTER> <OBJECT style="BORDER-BOTTOM: 0px; BORDER-LEFT: 0px; MARGIN: 0px; BACKGROUND: none transparent scroll repeat 0% 0%; BORDER-TOP: 0px; BORDER-RIGHT: 0px" width=425 height=344><PARAM NAME="movie" VALUE="http://www.youtube.com/v/K1hrouZ3sMI&hl=es_ES&fs=1&"><PARAM NAME="allowFullScreen" VALUE="true"><PARAM NAME="allowscriptaccess" VALUE="always"> <embed src="http://www.youtube.com/v/K1hrouZ3sMI&hl=es_ES&fs=1&" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="425" height="344"></embed></OBJECT></CENTER>

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1 Verdadera sustancia rock con Cracker

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13182 La cosa promete y mucho. Una iniciativa que, a priori, debería sentar las bases para el futuro. Se trata de la primera edición de “We Used To Party”, un nuevo proyecto de la promotora y sello discográfico <A id=link_0 title=http://www.houstonpartymusic.com/ href="http://www.houstonpartymusic.com/">Houston Party </A>que, con cierta periodicidad, presentará giras de bandas relevantes versionando por entero un álbum ajeno a su repertorio. La elección dependerá de la banda o artista y puede ser el disco que mas les gusta, que más les ha influenciado o querrían haber firmado ellos mismos. <IMG id=img_0 class=imgizqda src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/ruta-norteamericana/351517_johnny-cash-at-san-quentin.jpg">Para arrancar este proyecto, se cuenta con unos grandes del rock de las ultimas dos décadas, Giant Sand, formación liderada por el carismático Howe Gelb. El grupo ha escogido para la ocasión el legendario disco Live At San Quentin de Johnny Cash. En fin, dos afluentes que van a desembocar a un mismo mar de buena música de raíces. El bueno de Howe Gelb es un clásico de nuestra época contemporánea mientras que Johnny Cash es uno de los padres fundadores. Creo que nada superfluo puede salir de esta conjunción. Esta gira pasará por las siguientes ciudades: (Sala Pereda del Palacio de Festivales); 22, Zaragoza (La Casa del Loco); 24 y 25, Madrid (Moby Dick); 28, Castellón (Tanned Tin); 29, Lloseta –Mallorca- (Teatre Lloseta); y 30, Granada (Centro Cultural Caja Granada). Seguro que merece la pena el experimento. A la espera, tal vez, se pueden hacer cabalas con el asunto. Intentad probar que sale si se mezclan los siguientes dos videos. Teniendo en cuenta lo forzado del asunto, al menos, parece mas que interesante. <CENTER> <OBJECT style="BORDER-BOTTOM: 0px; BORDER-LEFT: 0px; MARGIN: 0px; BACKGROUND: none transparent scroll repeat 0% 0%; BORDER-TOP: 0px; BORDER-RIGHT: 0px" width=425 height=344><PARAM NAME="movie" VALUE="http://www.youtube.com/v/M89c3hWx3RQ&hl=es_ES&fs=1&"><PARAM NAME="allowFullScreen" VALUE="true"><PARAM NAME="allowscriptaccess" VALUE="always"> <embed src="http://www.youtube.com/v/M89c3hWx3RQ&hl=es_ES&fs=1&" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="425" height="344"></embed></OBJECT></CENTER> <CENTER> <OBJECT style="BORDER-BOTTOM: 0px; BORDER-LEFT: 0px; MARGIN: 0px; BACKGROUND: none transparent scroll repeat 0% 0%; BORDER-TOP: 0px; BORDER-RIGHT: 0px" width=425 height=344><PARAM NAME="movie" VALUE="http://www.youtube.com/v/3-eqBFFZN0Q&hl=es_ES&fs=1&"><PARAM NAME="allowFullScreen" VALUE="true"><PARAM NAME="allowscriptaccess" VALUE="always"> <embed src="http://www.youtube.com/v/3-eqBFFZN0Q&hl=es_ES&fs=1&" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="425" height="344"></embed></OBJECT></CENTER>

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1 Giant Sand + Johnny Cash = We Used To Party

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13182 Seguramente, ya lo has visto por ahí, pero esta ruta norteamericana quiere recordártelo por si vives en Madrid. Hoy se celebra el concierto Músicos por Haití en la <A id=link_0 title=http://www.elsolmad.com/portada/home.php href="http://www.elsolmad.com/portada/home.php">sala Sol</A>, a partir de las 22:30 horas. Como todo el mundo sabe ya, el pasado 12 de enero un terremoto arrasó Haití devastando el país. Por este motivo, y con toda la rapidez que se ha podido, numerosos músicos, tanto nacionales como internacionales, se han unido para conseguir la mayor cuantía posible para enviar productos de primera necesidad vía <A id=link_1 title=http://www.elsolmad.com/portada/home.php href="http://www.elsolmad.com/portada/home.php">INTERMÓN OXFAM</A>. La entrada cuesta 5 euros y la recaudación irá íntegramente a la ONG, pero si vives fuera y quieres ayudar igualmente siempre tienes la posibilidad de hacerlo por otras vías. La Ruta Norteamericana se suma a esta iniciativa. Dejo más información al respecto. Según el comunicado facilitado por la organización, el concierto contará con los siguientes nombres: ZOO, VÍCTOR COYOTE, PAUL COLLINS, CARLOS TARQUE, RUBIA Y JOSU GARCÍA, COHETE, TRESTRECE, REMATE, JESSE DEE, MARTÍ PERARNAU, CHARLY BAUTISTA, NACHO VEGAS, AMARAL (acústico) y VETUSTA MORLA. El evento será presentado por JESÚS ORDOVÁS. La sala El Sol ha cedido la sala y la marca Gibson cede el material para el concierto. Lo primero, ayudar, pero es que además se puede escuchar en vivo a un tipo tan interesante para los sonidos que se cuecen en este blog como Jesse Dee. Soul del bueno. <CENTER> <OBJECT height=344 width=425><PARAM NAME="movie" VALUE="http://www.youtube.com/v/szlh1Ct_nUE&hl=es_ES&fs=1&"><PARAM NAME="allowFullScreen" VALUE="true"><PARAM NAME="allowscriptaccess" VALUE="always"> <embed src="http://www.youtube.com/v/szlh1Ct_nUE&hl=es_ES&fs=1&" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="425" height="344"></embed></OBJECT></CENTER>

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1 Músicos por Haití

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