Benzema, 3; Xavi, 0.

80.26.12.183

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20749 <IMG class=imgcen id=img_4 src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/realmadrid-barcelona/cintillo_eleonora_giovio.jpg">No se sabe si por timidez o porque todavía ni habla ni entiende castellano, pero Karim Benzema no tiene sentido del humor. Todo es un “no sé” como respuesta. Bueno, en realidad un “Je ne sais pas”. Ante una consola es el único momento en el que al delantero francés se le ve reír, hacer gestos de aprobación y disfrutar. Hoy, por ejemplo, se ha enfrentado a Xavi en un duelo a distancia con la Playstation. Era un anticipo del clásico del domingo y <A id=link_0 title=http://www.cuatro.com/deportes/videos/calentando-motores-clasico/20091126ctoultpro_35/ href="http://www.cuatro.com/deportes/videos/calentando-motores-clasico/20091126ctoultpro_35/">allí estaban los dos sentados en una silla y dándole al joystick y eligiendo el once</A>. Parecía mentira, o alguna broma de mal gusto, pero acabada la primera parte se escuchaba al comentarista de la play repetir una única frase: “a ver si marcan algún gol en la segunda parte porque esto es muy pero que muy aburrido”. Hasta en un ordenador el juego del Madrid no convence. Benzema, que se cargó del once titular a Raúl y formó una delantera con Cristiano Ronaldo e Higuaín, se impuso finalmente a Xavi –que conectado a otra pantalla desde Barcelona no paraba de reírse- por 3-0 con un triplete, como no, del portugués. ¿Te diviertes más con el Madrid de la play o con el Madrid de verdad?, le preguntaron a Benzema que evitaba contestar a todas las preguntas que no tuvieran que ver con el videojuego. “La play es la play… y yo me divierto en el campo y en este Madrid”, comentaba. Bueno, la que comentaba era su traductora. ¿Y qué crees que puede pensar Raúl por haberle dejado fuera del once? “Es un gran jugador, pero no sé lo que le puede pasar por la cabeza…”. Pues al capitán del Madrid, que sigue diciendo que sabe cuál es su papel y que sabía que este año iba a jugar menos, pues lo que se la pasará por la cabeza es que no le hace ninguna gracia perderse un clásico. Más que nada porque él es el hombre de los clásicos. En 15 años de carrera sólo se ha perdido uno. Ha jugado 29 de 30 y ha marcado 11 goles. Sólo Gento le supera en presencias (32) y sólo Di Stéfano le supera en goles (14 en 20 partidos). Frente a ellos, Benzema se prepara para su primer clásico. “A la play hemos ganado 3-0, pero es un juego y nunca pasa lo mismo en el campo”. Pues eso, que Xavi se estará frotando las manos.

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1 Benzema, 3; Xavi, 0.

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82.159.22.177

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1274 <object width="425" height="344" style="border-style: initial; border-color: initial; border-style: initial; border-color: initial; border-style: initial; border-color: initial; border-style: initial; border-color: initial; border-style: initial; border-color: initial; border-top-width: 0px; border-right-width: 0px; border-bottom-width: 0px; border-left-width: 0px; border-style: initial; border-color: initial; background-image: none; background-repeat: initial; background-attachment: initial; -webkit-background-clip: initial; -webkit-background-origin: initial; background-color: initial; margin-top: 0px; margin-right: 0px; margin-bottom: 0px; margin-left: 0px; background-position: initial initial; "><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/TU_pmdx5NvI&hl=es_ES&fs=1&"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/TU_pmdx5NvI&hl=es_ES&fs=1&" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="425" height="344"></embed></object> <div> </div><div> </div><div><big>Otro grupo que pululó por las salas de trapicheo juvenil, fueron Bloque. Gran conjunto de la época, pues tambien sus conciertos eran muy seguidos, aunque su discografía tuvo éxito dispar entre los simpatizantes del rock, quizá por el cambio de orientación que supuso el comienzo de la new wave madrileña ( o movida ), y se disolvieron pronto, algo que particularmente me disgustó. Al lío, que éste "Hijo del alba" espera para ser escuchado, templao, dócil, sencillo y relajao. Tenían mas marcha, pero con tanta, vamos a dar la vuelta al mundo y se nos va a acabar. </big> </div>

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1 CLÁSICOS DE LOS BILLARES. 14

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85.49.250.71

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19981 Sueña el pobre su riqueza. Axioma que nos permite entender esta desconocida cinta del maestro hindú, adaptación del relato homónimo de Prasuman, que se convierte en un mas que hábil cuento –en voz en off-, tamizado de didactismo, inherente a un perfecto desarrollo elíptico. No muy lejos cierto regusto por el naturalismo italiano, que no renuncia a elementos mágicos, de calado moralizante, que conlleva a lo sagrado hindú.<?xml:namespace prefix = o ns = "urn:schemas-microsoft-com:office:office" /><o:p></o:p>

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1 Parash Pathar de Satyajit Ray

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31521

18153 <A href="http://2.bp.blogspot.com/_WR_XQzK25rA/SfIKeKKJPTI/AAAAAAAAAMw/G3cxpzgEh4E/s1600-h/derbi.jpg"><IMG id=BLOGGER_PHOTO_ID_5328332822371974450 style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 400px; CURSOR: hand; HEIGHT: 280px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://2.bp.blogspot.com/_WR_XQzK25rA/SfIKeKKJPTI/AAAAAAAAAMw/G3cxpzgEh4E/s400/derbi.jpg" border=0></A> <DIV align=justify>Hablemos de un derbi clásico: Atlético de Madrid- Real Madrid. Dos equipos madrileños, con más de un siglo de historia, con vidas paralelas y sin embargo tan diferentes. ¿Cómo influyó el cambio de siglo en los Club de fútbol? </DIV> <DIV align=justify></DIV> <DIV align=justify>Hablando con ex-jugadores en la Ciudad del Fútbol de la RFEF, en Las Rozas, durante el Segundo Curso Superior de Directores Deportivos sobre el Real Madrid, y después de escuchar atentamente a los profesionales del balón, estos me pidieron parecer en la cuestión sobre el Real Madrid. Desde la humildad de un lector de la realidad les dije: “el Real Madrid no ha elaborado adecuadamente, aún, haber sido nombrado mejor club del siglo XX”. Es decir, conseguir ser el mejor club, conlleva un trabajo, pero es más difícil mantenerse como el mejor, que el hecho notorio de haberlo conseguido. En lo que estuvieron de acuerdo mis interlocutores, entre ellos el que fuera nombrado posteriormente primer Director Deportivo de la RFEF, Fernando Hierro. Y si me preguntan: ¿es posible un gran crecimiento económico sin crecimiento deportivo? Les puedo decir que a toda Institución (Real Madrid, Atlético de Madrid o cualquier otro club) lo que le interesa es la eficacia y no tanto la historia. Es al grupo (al vestuario, a la cantera, a los jugadores del club) al que le interesa la historia. Ejemplos de grupo: “La Quinta del Buitre del Real Madrid”, “el Dream Team del Barcelona”, “La Máquina de River Plate”, “Los Cinco Magníficos del Zaragoza”, “La Delantera de Seda del Atlético de Madrid”…. Con respecto al Atlético de Madrid, decir que siempre se nace la segunda vez, es decir, a todos les sucede nacer segundo de algo. A todos los clubes les suceden las mismas cosas, después se diferencian en cómo se apropian de lo ya heredado. Al club rojiblanco, pasar de siglo, le resultó muy doloroso, descendió a segunda división, y fue en “el infierno” donde recibió el nuevo milenio. Un club grande y el Atlético es el tercer club más grande de España (considerando los títulos, prestigio y masa social) debe saber perder y, a raíz de no poder ganar una final europea en el último minuto y perder el posterior partido de desempate, el entonces presidente del club, exclamo: “Somos el pupas” frase que, aún, acompaña a sus seguidores. No siendo fácil aprender a perder, resulta más difícil aprender a ganar. Una cosa es un gran club y otra diferente un gran equipo. Si hay grupo hay equipo; pero si no hay grupo, aunque se pretenda obtener triunfos, algo no se podrá; ya que el equipo de fútbol forma parte del club, pero no es el club, no es la Institución. Un equipo puede representar al club, pero no ser representativo del mismo. Las dificultades de los grandes equipos no están en el pasado, sino que se encuentran en el futuro. El currículo, las vitrinas no ganan los partidos, pues no hay discurso futbolístico fuerte, hay discurso débil. El triunfo se consigue trabajando y los títulos en la permanencia del trabajo.</DIV>

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1 ¿UN CLÁSICO?

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19981 <DIV style="TEXT-ALIGN: right">La imaginación al poder</DIV> Premio del Jurado en el festival de Venecia, en la edición de 1967. La Chinoise, pertenece a la segunda época de la filmografía de su autor, centrándose en la dialéctica política, sin abandonar aspectos sociológicos y de las artes (en ese tiempo contrae segundas nupcias con la joven estudiante Anne Wiazemski, que se convertirá en su nueva musa), consiguiendo elaborar un documento -desde la ficción- metafórico, casi profético, sobre lo que acontecería unos meses más tarde, ya en Mayo de 1968. Forma y contenido adquieren un síntoma de ruptura y de atrevimiento nunca superado, pues Godard -cinéfilo empedernido de la Nueva Ola francesa y avecindado crítico de Cahiers-, ya un clásico, es el menos academicista de los cineastas posibles, incluyendo los de su generación, de los que se distancia -Truffaut, Chabrol, Rivette o Rohmer-. En esta obra capital, de un tiempo, conduce la dialéctica hasta fines insospechados, más bien diría que cada vez más extremos, tomando un cariz personalista, que algunos tachan de vaciedad, pues su argumento carece de verosimilitud, no de enjundia, estructurándose a modo de cuadros inconexos -movimientos dialécticos, donde la música es introducida de manera no diegética-, coloquiales hasta la improvisación y la impostura -visual-, verborreicos hasta la extenuación -vacuos-, servidores de una crítica mordaz hacia la burguesía de izquierdas adocenada, sin perder un contexto bretchiano del mundo enfurecido -sumergir al espectador en observador, tomando perspectivas generales sin sentimentalismos, poniéndole frente a algo, por lo que ofrece argumentos, nunca sugerencias- y sus contradicciones artísticas, filosóficas, cinematográficas, literarias (juega con el montaje, con los conceptos y las ideas, con los códigos espacio temporales, sobreimpresionando imágenes, fotografías, cómics, que subrayan su carácter rupturista y subversivo, gracias al montaje de Agnés Guillemont), ya no sólo marxistas, sino maoístas, mal asimiladas -como esos espacios desnudos de colores primarios sin concluir, donde los personajes conviven (subraya esta tesitura la especial iluminación de Raoul Coutard)- y, por tanto, nulamente llevadas a la práctica, pues serán en realidad errores mayúsculos -la conversación en el tren, bello travelling lateral, con carácter dialéctico, queda ilustrado por su banal profundidad coloquial, sobre todo si tomamos como perspectiva a Veronique, papel interpretado por su nueva musa, frente al profesor-, absurdos pero fatales (asesinato final), los que adquieren finalmente los personajes (el activismo de la violencia, incluso si se planteara la lucha armada que se desborda hacia el terrorismo/el conformismo pasivo). <DIV style="TEXT-ALIGN: right"> </DIV>

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1 La Chinoise de Jean Luc Godard

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19981 Siempre permanecerá París se dijo Donen en Una cara con Ángel. Sin embargo, sin darnos apenas cuenta, se entromete una suave melodía de Gershwin como telón de fondo. Escuchamos entonces el sonido de Manhattan. Cerramos nuestros ojos lentamente. Levemente a continuación los abrimos. Dirigimos nuestra mirada en Cinemascope, tan sólo un instante, y divisamos una pareja sentada en Central Park mirando hacia el puente de Brooklyn una madrugada; al tiempo suenan unos compases de Rhapsody in Blue, Love in sweeping the country, S wonderful, Lady be good, Strike up the band y Embracable you; bajo el blanco y negro de nuestros sueños o los de Gordon Willis- quién sabe, sentenciamos. Suena el teléfono. Descolgamos el aparato. Nos ponemos a la escucha. Al otro lado del hilo telefónico una voz nos habla en inglés newyorkino. No entendemos nada. El personaje se da a conocer, dice llamarse Woody Allen (hemos colocado un aparato traductor en el auricular/nos habla de Manhattan). Esto es lo que dice- Me molesta, me frustra cuando lo pienso, pero es el mismo tipo de frustración que se siente cuando alguien al que amaste decepciona. Pero en Manhattan no soy crítico con New York, sino que cuestiono sus raíces...". El azar pone en nuetras manos una pequeña reseña sobre Manhattan donde se argumenta lo que sigue- Comedia romántica sobre la tendencia del matrimonio a hundirse y la cultura americana a degenerar; la terrible influencia de la televisión, el veneno de las drogas, la comida rápida, la ambiguedad moral y política y la seudointelectualidad de la gente a controlar sus vidas.... Sacamos una breve conclusión- Woody piropea su ciudad pero no soporta la mediocridad moral. Se critica porque se ama-. La reseña continua de la siguiente manera, quizás a nuestro juicio no de manera ordenada- Itinerario que conduce a Allen de la comedia extravagante hacia la comedia psicológica satírica, donde subsisten intrigas sentimentales entre los newyorkinos relacionados con el mundo del espectáculo y los problemas de comunicación entre el cómico y su público (ver además Annie Hall y Recuerdos). Le argumentamos a Allen- En realidad Isacc es tu propia proyección. Conocemos tu vida como cómico. Isacc escribe gags como oneliners epigráficos o repuntes humorísticos entre líneas; pero como intérprete se siente insatisfecho porque la televisión basura no valora su genio (Manhattan arranca con los intentos fallidos del cómico ante la máquina de escribir, a modo de parodia se inicia un juego metafísico literario, evidentemente crítico, que persiste durante toda la cinta). Por otro lado la imagen sentimental de Isacc se contrapone a la figura del Galán clásico, justificándose bajo experiencias sexuales abiertas; siempre ridículas; pero completamente honestas que se desenvuelven entre la fidelidad y la infidelidad (se escinde entre el amor de dos mujeres: una menor y una mujer madura). Resulta honesto si lo comparamos con la vida social-. La tarde se encondía entre los rascacielos y la conversación no tenia parangón. Siempre quedará Manhattan me dije.

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1 Manhattan de Woody Allen

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7298 Seguimos con la colección de clásicos imprescindibles. De la mano de Howard Hawks y con la inestimable colaboración de Cary Grant y Rosalind Russell, nos encontramos inmersos en el mundo del periodismo más agresivo, en el que todo vale, prácticamente, por conseguir una exclusiva. <img src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/de-cine/lunanueva.jpg" id="img_0" class="imgizqda"> Para la periodista que protagoniza esta historia, su trabajo, del que ya se iba a retirar para pasar a ser una mujer casada (estamos en 1940, espero que esto no ocurra hoy en día), termina siendo más importante que la familia y el amor y acepta a cambio de una jugosa cantidad de dinero escribir un último artículo, una entrevista con un hombre que al día siguiente iba a ser ejecutado injustamente para intentar así salvarle de la pena de muerte. A ritmo de comedia, Hawks nos traslada a la redacción de un periódico y a la sala donde los periodistas se reúnen en el juzgado para tratar de tener y trasladar a su periódico la última hora (o los rumores que llegan, o lo que ellos imaginan que ha pasado: todo vale). Diálogos alocados, unos encima de otros, conversaciones cruzadas, acciones en diferentes niveles que nos obligan a mantener la atención al 100%, y unas interpretaciones impecables. Sólo unos pocos años después, Billy Wilder hizo un remake que, como su predecesora, se convirtió en clásico: Primera plana. Aunque la historia que se narra en sí atrae, está claro que sin la colaboración de los actores y directores que se han encargado de estos personajes no seguiríamos considerando estas dos películas clásicos imprescindibles de la comedia.

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1 Luna nueva, el periodismo en el cine

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19981 ¿Qué surgió primero el Mito o la Leyenda?. Difícil elección, tan antigua como el origen de la humanidad. Ni siquiera los griegos y sus sofismos filosóficos dieron una respuesta afirmativa; mientras Aristófanes, el trágico, mezclo ambos conceptos y es lícito suponer, que así pudo nacer el teatro. El cinema, el único arte del siglo XX a veinticuatro fotogramas por minuto, fue capaz de crear mitos a través de sus propias leyendas. Así, de la mano del realizador Josef von Sternberg, nació una venus wagneriana llamada Marlene, sirena capaz de atormentar al joven Ulises y conducir su barco al infierno de la pasión más absoluta. No lejos de aquel lugar, en la ciudad de los sueños- que un día se llamó Hollywood-, un maduro director judío, exiliado de la Alemania nazi, llamado Ernst Lubitsth elevaba el Vodevil a su más alta expresión, trasformando el género teatral en sofisticada comedia americana, sin perder un ápice de acento europeo. Pero el azar, que todo lo enreda, vino a presentarse disfrazado de fracaso y la pervertidora Marlene tuvo que separarse de su Dios Alemán y así, de esta manera, el destino de Venus se unió a la mente prodigiosa del, por entonces, afamado director de produción de la Paramount Sr Lubistch, en un más que sugerente film titulado Ángel. Entre 1932-1942, Lubistch alcanzó plenitud creativa, al mismo tiempo que conseguía que su trabajo fuese reconocido. Aquellas comedias de carácter sofisticado llegan a trasformarse en comedias que no olvidan temas existenciales, sociales o políticos (ver el análisis que sobre Europa se hace de los años treinta y que planea sobre Angel), escritas por Samsom Raphaelson, así nacieron algunas obras maestras como Ladrón de alcoba, Una mujer para dos, Ángel, Ninotchka, Ser o no ser, El bazar de las sorpresas, El diablo dijo no y El pecado de Cluny Brown. Sin embargo, a pesar de todo, la comedia sofisticada, género en el que el deseo de riqueza y el deseo sexual están en todas las mentes (la vajilla, los vestidos de noche ceñidos y voluptuosos), pero solo mostrados en la pantalla de forma alusiva o metafórica, gracias a las famosas elipsis, tanto narrativas como visuales (puertas que se cierran y se abren), que conforman el famoso toque Lubistch; abusivo y burlón. Partiendo de esta premisa, estas comedias ligeras en apariencia, suponen una trasgresión del ambiente aristocrático o de la alta burguesía, las mujeres despliegan todos sus encantos naturales, pervertidos- este es el caso de Angel papel interpretado por Marlene Dietrich- y artificiales para seducir a sus presas masculinas, más o menos consentidoras. Por esto existe una perfecta comunión entre las maniobras de los protagonistas y las del propio director cínico, pero jamás grosero, que trabaja en un sistema censor al que debe evitar con la inteligencia que otorga el doble sentido

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1 Ángel de Ernst Lubisth

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19981 Eyes Wide Shut de Stanley Kubrick Hace tan solo unos años moría repentinamente Stanley Kubrick. Nadie podría presuponer que este minucioso hombre de cine, eterno investigador y él más notable cineasta joven de toda una generación; como así lo expreso en cierta ocasión otro de los grandes genios del séptimo arte llamado Orson Welles; nos dejaría tan noble obra testamentaria.<?xml:namespace prefix = o ns = "urn:schemas-microsoft-com:office:office" /><o:p></o:p> Desde el punto de vista temático, el hombre y sus circunstancias fue el hilo principal y conductor que planeo siempre en la filmografía del realizador (la violencia, la esquizofrenia, el deseo de Libertad y el antimilitarismo, la relación tortuosa de la pareja, <?xml:namespace prefix = st1 ns = "urn:schemas-microsoft-com:office:smarttags" /><st1:PersonName ProductID="la Guerra Fr￭a" w:st="on">la Guerra Fría</st1:PersonName>, la era Napoleónica o el Existencialismo); así como el detallismo escénico, la iluminación, la fotografía, las nuevas tecnologías audiovisuales aplicadas al cine, la música, la literatura, la historia y por supuesto el montaje cinematográfico como concepto teórico valido en busca de un perfeccionismo total solo comparable con los grandes creadores renacentistas (debemos reseñar que siempre apoyó la teoría de Eisenstein).<o:p></o:p> Sin embargo la obsesión por la obra maestra y definitiva, tan necesaria en estos tiempos, donde el cine parece haberse agotado, fue la auténtica perdición humana y personal del realizador desde todos los frentes.<o:p></o:p> Atendiendo a estas claves esenciales, analíticas, pero ciertamente imprescindibles que nos hacen comprender toda su obra al completo, podemos anunciar que su última obra se encuadra dentro de estas constantes vitales.<o:p></o:p> “Eyes wide shut” se apoya sobre la novela freudiana “Relato soñado” de Arthur Schnitzler, que tanto el propio cineasta y su guionista Frederic Raphael han trasladado a la pantalla libremente. Esta cinta apocalíptica, somete las relaciones personales y de pareja al materialismo mas absoluto, a finales del Milenio, en un proceso gradual autodestructivo, alegato universal de incomunicación exento de amor y cariño mutuo, donde la cultura y la historia ya no son referentes solidarios. Desde esta perspectiva el hombre se ve abocado a su propio exterminio. <o:p></o:p> Extraordinaria y matemática obra de Kubrick, quien cumple todas las expectativas, pese a las reticencias de los estudios y crítica, donde es lógico destacar la fotografía de Larry Smith, el montaje de Nigel Galt, la insinuante composición musical de Jocelyn Pook, la interpretación femenina de Nicole Kidman y una detallista y desnuda puesta en escena. <o:p></o:p> <st1:PersonName ProductID="LA NARANJA MECANICA" w:st="on"><st1:PersonName ProductID="LA NARANJA MECANICA" w:st="on">La Naranja mecánica </st1:PersonName>de Stanley Kubrick</st1:PersonName> Se ha criticado con cierta ligereza, que el realizador norteamericano hace un tratamiento deshumanizado y frío de la conducta humana. Nada de esto es justo, desde el principio de su filmografía se ha preocupado del hombre y de su relación con el entorno social y natural, además del proceso histórico, cultural, psicológico y moral. También se le ha acusado de perfeccionista, histriónico, taciturno, independiente dentro del sistema de la industria Norteamericana. <o:p></o:p> El gusto por la literatura, la ciencia, la fotografía o la música nos permite adentrarnos en una personalidad fascinante y multidisciplinar; lo que motivó que el propio Orson Welles viese en su figura, su heredero natural. Afirmación a mi entender dispar, pues se trata de dos cineastas de concepciones artísticas diferenciadoras, cuyo punto común radica en el afán por el conocimiento. <o:p></o:p> La querencia por la narración le lleva a interesarse por multitud de escritores, con los que colaborará (el caso de Arthur C Clarke); o por el contrario comprará los derechos de sus novelas para adecuarlas libérrimamente a su mundo (Jim Thompson), no sin cierta polémica. Este es el caso de la novela homónima de Anthony Burgess que nos ocupa, cuya adaptación fue tachada de fascista, y su estreno en Londres prohibido. <o:p></o:p> La naranja mecánica, a mi modo de entender, es una metáfora proyectada en tiempo futuro, pero que trascurre paradójicamente en presente; tamizada con marcados tintes terroríficos, más proclives a la pesadilla inconexa y discontinua, y que se acomodan perfectamente con el pensamiento psicopático del narrador (Alex), que cuenta la historia en primera persona (voz en off). <o:p></o:p> La estructura de la cinta es simétrica; es decir los sucesos que acontecen en la primera parte, se corresponden con los de la segunda, pero a la inversa y no en un orden lógico (entre una y otra; la secuencia de la cárcel y la aplicación de sistema conductista Ludovico, y por supuesto el clímax irónico final) El humor, como constante, atenúa los innumerables momentos de violencia física, pero también psicológica que se produce, al tiempo que se sugieren afilados dardos lanzados por Alex, que chocan maléficamente con la actuación contradictoria y mezquina de su entorno, no menos crítico y preocupante. <o:p></o:p> Todo el universo de Kubrick transita por el film. Múltiples son las referencias temáticas, que se relacionan con trabajos anteriores; algunos ejemplos, las máscaras de los Drugos recuerdan Atraco Perfecto, la tienda de discos simula una nave como 2001, las ensoñaciones históricas de Alex son referencia a Espartaco, la perversión sexual hacia la adolescencia de Lolita; el sexo y la violencia se dan cita en perfecta e indisociable comunión; suculentos matices encontrados ya en Teléfono Rojo volamos hacia Moscú (el tamaño de los misiles como procreadores y destructores) y en 2001 (el hombre pese al progreso sigue siendo un vulgar asesino), aunque aquí mostrados de forma explícita. <o:p></o:p> Desde el punto de vista técnico, la utilización de la música es parte fundamental (la identificación coreográfica entre la imagen bien sea a ralenti o acelerada, y la composición sonora electrónica adaptada por Walter Carlos sobre temas de Beethoven y otros, entre ellos el tema principal de Cantando Bajo la lluvia), así mismo la puesta en escena (coexisten influencias barroquistas, con estricto sentido teatral, hacia la segunda secuencia; o el arte pop que subraya los contrastes entre Alex, su universo y el entorno). De igual manera la fotografía y la iluminación artificial, la selección de lo colores, adquiere perfiles psicológicos discontinuos, cuando no terroríficos. <o:p></o:p>

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1 Eyes Wide Shut y La naranja mecánica de Stanley Kubrick

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19981 El tiempo, un espejo, en el que dialoga el ayer oscuro, la ilusión de la lucha contra el letargo (retoma Jordá imágenes, vivencias del documental propio, Numax de 1979, que sirve como elipsis y presentación del presente trabajo), y el hoy desencantado- qué ocurrió con aquellos hombres y mujeres, sus desengaños, y su sentido de la sobrevivencia, su experiencia vital cuando intentaron autogestionar la empresa Numax tras la deserción del capital- pero intacto no sólo con los recuerdos sino con la fidelidad a uno mismo, pero sobre todo hacia el mundo y su sentido colectivo que, a pesar de todo, une ese sentido, que trasciende en el espacio y en el tiempo, con esas canas y arrugas, surcos de la solidaridad y experiencia política. Contra el olvido, la ideología, la lucha permanece intacta, es un susurro de invierno, pero cuyos esquejes brotan, quizás hacia una primavera futura, parte de ese extraño laberinto borgiano; donde esos pasillos se entrelazan sutilmente con sus elipsis narrativas, pese a las digresiones (la historia del atraco con sus puntos de vista, una parte de la historia, dentro de otra historia, que es historia). Jordá, desde la distancia no distanciada, que no sucumbe, plantea un ejercicio atrevido, nada romántico, al tiempo que sirve para desmitificar la transición y el transcurso de la política española hasta nuestros días. Un documento único y necesario, ejemplo de encuentro frente a las nuevas generaciones -ese momento inolvidable, donde los hijos se sientan frente a sus padres-.

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1 Retrospectiva Joaquín Jordá en La Enana Marrón;Veinte años no es nada

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