Morente, en directo y en familia

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13235 Es difícil abarcar a Enrique Morente (Granada, 1946) en un solo post. Este blog está salpicado con entradas sobre él, pero es complicado resumir su obra y su significado en cuatro párrafos. Inteligente, bohemio y por encima de todo libre, defensor de la democracia y la poesía, decir que Morente es un creador incansable no significa descubrir la pólvora. <img src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/por-bloguerias/Portada-Morente.jpg" id="img_0" class="imgdcha">En estos días publica un disco, Flamenco en directo, una recopilación de cantes hechos sobre el escenario de la última década (salvo uno, grabado a principios de los 90). Con motivo de esta publicación, en la que se incluye una nana con sus tres hijos (Estrella, Soleá y Enrique hijo), su mujer, Aurora Carbonell, sus nietos Estrella y Curro y un coro de niños, <a href="http://www.elpais.com/articulo/portada/Morente/hacen/grandes/elpepusoceps/20091129elpepspor_10/Tes" title="http://www.elpais.com/articulo/portada/Morente/hacen/grandes/elpepusoceps/20091129elpepspor_10/Tes" id="link_0">EL PAÍS SEMANAL publica hoy una entrevista,</a> firmada por Manuel Cuellar, en la que el cantaor muestra cómo es su casa además de otras historias del llamado Ronco del Albaicín. Tangos, soleares, malagueñas, tientos, serranas, granaínas, fandangos naturales y alegrías. Un disco con un repertorio clásico; clásicamente morentiano, con perdón por la pedantería, en el que se hace acompañar las guitarras de Juan y Pepe Habichuela, Rafael Riqueni, David Cerraduela, Juan José Suárez Paquete y ningún adorno más. Flamenco en directo tiene la impronta del momento, el sabor de un recital en una noche fresca de verano al aire libre o el ambiente cerrado de la taberna y la fiesta. Con un solo tema creado para la ocasión, una nana dedicada a las madres. Preludio a la nana que aparece en este disco parece ahora el <a href="http://lacomunidad.elpais.com/por-bloguerias/2009/5/13/el-paseo-vicente-amigo-el-pop" title="http://lacomunidad.elpais.com/por-bloguerias/2009/5/13/el-paseo-vicente-amigo-el-pop" id="link_0" target="blank">más reciente trabajo de Vicente Amigo</a>, quien contó con los tres hijos y el padre, acompañados por Alejandro Sanz, en la rumba Y será verdad. <object style="border: 0pt none ; margin: 0pt; background: transparent none repeat scroll 0% 0%; -moz-background-clip: border; -moz-background-origin: padding; -moz-background-inline-policy: continuous;" height="405" width="500"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/a2F11fQ0QlE&hl=es_ES&fs=1&rel=0&color1=0x5d1719&color2=0xcd311b&border=1"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/a2F11fQ0QlE&hl=es_ES&fs=1&rel=0&color1=0x5d1719&color2=0xcd311b&border=1" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" height="405" width="500"></embed></object> <big>Libre, creador y aficionado</big> "El cantaor que desde el rigor más exigente y la libertad más radical ha llevado el flamenco por caminos prohibidos", dice de él Miguel Mora en La voz de los flamencos, libro en el que el periodista construye un diccionario flamenco en la voz del granaíno. Enrique Morente ha hecho de todo en el flamenco. Llegó a Madrid con 15 años para empaparse de los cantaores que mandaban en el momento: Pepe de la Matrona, Antonio Chacón, Bernardo el de los Lobitos… Trabajó en tablaos de la capital como Café de Chinitas o Zambra y en 1967 grabó su primer disco, Cante flamenco, acompañado por Félix de Utrera a la guitarra. Siempre renovador, para evitar las críticas de los más puristas atribuía sus propias variaciones a cantaores viejos que había escuchado en el camino. Siempre agradecido a los maestros anteriores, los homenajeó en trabajos como Homenaje a Antonio Chacón (1978) o en Morente - Sabicas, un disco que grabó junto al guitarrista cuando éste vivía sus últimos momentos (se publicó después de su muerte). <object style="border: 0pt none ; margin: 0pt; background: transparent none repeat scroll 0% 0%; -moz-background-clip: border; -moz-background-origin: padding; -moz-background-inline-policy: continuous;" height="405" width="500"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/nXtXKZjzOYM&hl=es_ES&fs=1&rel=0&color1=0x5d1719&color2=0xcd311b&border=1"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/nXtXKZjzOYM&hl=es_ES&fs=1&rel=0&color1=0x5d1719&color2=0xcd311b&border=1" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" height="405" width="500"></embed></object> Fue el primer cantaor en recibir el Premio Nacional de Música, en 1994. Hizo una misa flamenca, con textos de San Juan de la Cruz, Fray Luis de León y Lope de Vega y se acercó a la música clásica dos veces: con la Fantasía del cante jondo para voz flamenca y orquesta, estrenada en el Teatro Real de Madrid en 1986 y el <a href="%20http://lacomunidad.elpais.com/por-bloguerias/2009/2/18/morente-sinfonico" title=" http://lacomunidad.elpais.com/por-bloguerias/2009/2/18/morente-sinfonico" id="link_1" target="blank">Allegro soleá y fantasía del cante jondo</a> (reeditada recientemente en la <a href="http://lacomunidad.elpais.com/por-bloguerias/2008/11/6/morente-probeticos" title="http://lacomunidad.elpais.com/por-bloguerias/2008/11/6/morente-probeticos" id="link_2" target="blank">discográfica fundada por Morente, Discos Probeticos</a>). Pero Morente fue descubierto por el gran público gracias a una colaboración en el rock con su disco <a href="http://lacomunidad.elpais.com/por-bloguerias/2008/11/20/-omega-doce-anos-despues" title="http://lacomunidad.elpais.com/por-bloguerias/2008/11/20/-omega-doce-anos-despues" id="link_3" target="blank">Omega, grabado en 1996 junto a la banda granadina Lagartija Nick y reeditado el año pasado</a>. El disco, realizado a partir de Poeta en Nueva York, de Federico García Lorca, supone también un homenaje a <a href="http://www.leonardcohen.com/" title="http://www.leonardcohen.com/" id="link_4" target="blank">Leonard Cohen</a>, primero en poner música a dichos poemas y del que tomó algunas melodías para este trabajo. Su último trabajo publicado, Pablo de Málaga, supuso otra vuelta de tuerca para el granadino: hizo flamencos los escritos de Picasso, volviendo a demostrar su capacidad para innovar y reinventarse. Y si todavía queda alguien que se pregunte por qué Morente tiene un lugar en la historia del cante del siglo XX, se pueden argumentar más razones: Porque es uno de los cantaores más versátiles. Porque ha logrado mantener una carrera cimentada en la tradición pero innovadora, en la que ha dejado más que un sello propio. Por ser uno de los primeros en introducir la poesía culta española en la métrica del flamenco y dejar testimonio en discos y espectáculos. Porque es sensible e inteligente, al flamenco y a otras artes, y su voz, sin ser un cantaor especialmente dotado, se mueve con soltura y transmite sentimiento sin buscar el olé gratuito. <img src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/por-bloguerias/morente-4325.jpg" id="img_0" class="imgcen">(<a href="http://www.elpais.com/fotogaleria/Morente/elpgal/20091123elpepucul_2/Zes/" title="http://www.elpais.com/fotogaleria/Morente/elpgal/20091123elpepucul_2/Zes/" id="link_1">Aquí puedes ver la galería de fotos de EL PAÍS SEMANAL</a>) <big>Morente el patriarca</big> Enrique Morente es referencia para los jóvenes, que le citan como maestro y adoptan algunas de sus innovaciones en los cantes para hacerlas suyas. Pero entre sus herederos también los hay que llevan su mismo apellido: sus hijos Estrella, Soleá y Enrique. Estrella (29 años) y Soleá (24 años) debutaron en el cante con cuatro años en una grabación de su padre, en una iniciativa similar a la que ahora ha tenido con sus nietos. Estrella, la mayor, la única de los tres con una carrera consolidada en el flamenco, grabó además a los siete años acompañada por Sabicas. Siendo adolescente, formó parte del equipo de la grabación del Omega, poniendo el contrapunto femenino a la voz desgarrada de su padre. Después de editar cuatro discos, tiene un hueco propio en el flamenco, producida y acompañada siempre por su padre. También Enrique hijo (19 años) parece querer hacer una carrera en el flamenco. Desde hace unos años acompaña a su padre y a su hermana en los recitales para hacer palmas y coros y recientemente ha debutado como cantaor junto a Juan Habichuela nieto. FOTO: JAVIER SALAS (EL PAÍS SEMANAL)

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1 Morente, en directo y en familia

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22425 <a href="http://farm3.static.flickr.com/2663/4141569206_3efb678d4f.jpg"><img style="cursor:pointer; cursor:hand;width: 500px; height: 352px;" src="http://farm3.static.flickr.com/2663/4141569206_3efb678d4f.jpg" border="0" alt="" /></a> Looking for Eric tiene esa rudeza superficial y esa calidez sentimental de fondo que impregna el estilo de tantas de las películas de Ken Loach. Aunque, excepcionalmente, aquí la superficie áspera que presentan las vidas de sus protagonistas aparece mitigada y suavizada por implausibles detalles más propios de un cuento de hadas que de un desarrollo verosímil de una historia como la de Eric Bishop, este casi cincuentón cuya vida se desmorona seriamente al inicio de la película y, finalmente, gracias a la colaboración de la materialización imaginaria de su ídolo Cantona, que ejercerá de guía y maestro de vida, logrará cumplir, como en un sueño, sus más profundos (y en principio aparentemente inalcanzables) deseos. Entre ellos, el de ser respetado por sus desconsiderados hijos y el más difícil todavía de poder aproximarse de nuevo a su ex mujer. Igualmente, la venganza contra los rufianes con los que se encontraba enredado uno de sus hijos, en la que colaboran todos sus colegas, parece, aunque gratificante para el espectador, harto fantasiosa. En todo caso, gracias a la calidez que transmite el protagonista, Steve Evets, la película consigue hacerse perdonar sus vuelos de la imaginación, tal vez tan descosidos de la realidad inmediata como las gaviotas de Cantona. ("When the seagulls follow the trawler, it is because they think sardines will be thrown into the sea"). Looking for Eric. Dirigida por Ken Loach. Producida por Rebecca O'Brien. Guión de Paul Laverty. Cinematografía de Barry Ackroyd. Música de George Fenton. Montaje de Jonathan Morris. Diseño de producción: Fergus Clegg. Productores ejecutivos: Eric Cantona, Pascal Caucheteux y Vincent Maraval. Diseño de vestuario: Sarah Ryan. Sonido: Ray Beckett. Reparto: Kahleen Crawford. Con Stephanie Bishop (Lily), Eric Cantona, Steve Evets (Eric Bishop), John Henshaw (Meatballs), Lucy-Jo Hudson (Sam) y Justin Moorhouse (Spleen). En inglés.

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1 Looking for Eric (2009)

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13235 Es hermano del guitarrista Alfredo Lagos, pero ya tiene una trayectoria en el cante como para presentarse por sí mismo. Nombres como <a href="http://lacomunidad.elpais.com/por-bloguerias/2008/9/24/un-bailaor-del-siglo-xxi" title="http://lacomunidad.elpais.com/por-bloguerias/2008/9/24/un-bailaor-del-siglo-xxi" id=link_0 target=blank>Israel Galván</a>, <a href="http://www.andresmarin.es/" title="http://www.andresmarin.es/" id=link_1 target=blank>Andrés Marín</a>, Cristina Hoyos y <a href="http://www.belen-maya.com/" title="http://www.belen-maya.com/" id=link_2 target=blank>Belén Maya</a> avalan su carrera artística. El cantaor jerezano David Lagos (Jerez de la Frontera, 1973) publica su primer trabajo discográfico, El Espejo en que me miro, con el sello discográfico <a href="http://www.flamencoworldmusic.com/eindic.htm" title="http://www.flamencoworldmusic.com/eindic.htm" id=link_3 target=blank>Flamenco World Music</a>. Un disco que pretende ser un homenaje a todos los flamencos de los que aprendió algo y una manera, también, de partir de esa base para poner su toque personal en el cante. <img src='http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/por-bloguerias/lagos.jpg' id='img_0' class='imgizqda'/>Se trata de un trabajo cuidado, grabado en Tarifa, y que cuenta con grandes colaboradores, como el cantaor jerezano Fernando de la Morena, con el que aparece en Gañán de punta y el guitarrista Moraíto, que colabora en el mismo tema. Alfredo Lagos a la guitarra, Carlos Grilo y Luis Cantarote a las palmas, Paco González en la percusión, el contrabajo de Pablo Martín y los taconeos de Mercedes Ruiz completan la nómina de artistas reunidos para la ocasión. David Lagos tiene una voz de miel, osada desde el conocimiento, que busca y se requiebra sin ser gritona ni disonante. Pretende ser un paso adelante a todo lo que ya conoció el cantaor. Como ejemplo están el homenaje a Antonio el Sevillano, al que dedica un cante por milonga que se convierte en una bulería (Sólo la guitarra sabe) y que se resuelve con acierto aquí. También la colaboración con Fernando de la Morena, Gañán de punta, una trilla-soleá con gusto y hondura sazonada con el toque de Moraíto. El disco es una búsqueda personal, desde la experiencia y el contacto con los mayores. Con los grandes nombres del flamenco, a los que homenajea aquí, pero también con los cantaores anónimos, los que todavía disfrutan del flamenco en familia y que Lagos conoce a la perfección. <img src='http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/por-bloguerias/davidlagos2.jpg' id='img_0' class='imgcen'/> El cantaor descubre aquí también su faceta de letrista, que ha compartido hasta ahora con otros compañeros, como <a href="http://www.miguelpoveda.net" title="http://www.miguelpoveda.net" id=link_4 target=blank>Miguel Poveda</a> y <a href="http://lacomunidad.elpais.com/por-bloguerias/2009/4/16/argentina-madrid" title="http://lacomunidad.elpais.com/por-bloguerias/2009/4/16/argentina-madrid" id=link_5 target=blank>Argentina</a>. Bulerías, tangos, alegrías, malagueñas, cantes de levante y tonás pasadas por el personal tamiz de este flamenco. A La Paquera y a los cantaores de su generación dedica las bulerías introductorias, a Chacón las malagueñas, a Chano Lobato las alegrías. Pero aún hay más. Enrique Morente está presente en los Tangos de arena, unas letras de José Bergamín y Miguel Hernández que forman parte del espectáculo de Israel Galván Arena y que en dicho espectáculo canta el maestro granaíno en una versión libre. <object width="353" height="132"><embed src="http://www.goear.com/files/external.swf?file=6bb9398" type="application/x-shockwave-flash" wmode="transparent" quality="high" width="353" height="132"></embed></object> (FOTOS: Flamenco World Music)

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1 David Lagos, de buena cepa

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22425 <a href="http://farm3.static.flickr.com/2496/4126027484_fb7f2a27aa.jpg"><img style="cursor:pointer; cursor:hand;width: 500px; height: 332px;" src="http://farm3.static.flickr.com/2496/4126027484_fb7f2a27aa.jpg" border="0" alt="" /></a> Hay películas en las que es imposible dejar de sonreír. Me sucede con muchos musicales clásicos, en particular las películas de Fred Astaire y Ginger Rogers, por no hablar de Singin' in the Rain o My Fair Lady, por poner algunos ejemplos. Y siempre hay en ello una voluntaria y placentera suspensión del escepticismo y una gustosa entrega al disfrute incondicional. Desde una escena al inicio de esta deliciosa Julie & Julia, en la que Meryl Streep y Stanley Tucci comparten un lenguado que les proporciona una experiencia casi mística, confieso haber quedado desarmado y cautivo. Tal vez sea cierto que era extremadamente difícil conseguir que cuajara un suflé en el que se presentan en paralelo dos historias tan dispares como la de la magnífica autora de un libro fundamental para la cultura culinaria norteamericana, interpretada por una gloriosa Meryl Streep, y la de una jovencita no muy satisfecha con su vulgar trabajo de teleoperadora, que emprende un proyecto parasitario sobre la obra de la primera. Lo cierto es que la actriz elegida para interpretar a Julie, Amy Adams, es ciertamente adorable, y hace un magnífico trabajo, pero era inevitable que la actriz más veterana se la terminara comiendo con patatas. Los maridos de ambas protagonistas ejercen su apoyo moral ante los monomaníacos proyectos de sus esposas y resultan convincentes y creíbles en su obligado segundo plano. Y las imágenes, a falta de poder saborear la sucesión de recetas que se nos muestran tantalizadoramente, son francamente sugestivas. Una gratísima celebración de los placeres de la buena mesa y del trabajo bien hecho. Julie & Julia. Escrita y dirigida por Nora Ephron; basada en “My Life in France” de Julia Child con Alex Prud’homme, y “Julie & Julia” de Julie Powell; director fotografía, Stephen Goldblatt; montaje de Richard Marks; música de Alexandre Desplat; diseño de producción, Mark Ricker; producida por Ms. Ephron, Laurence Mark, Amy Robinson y Eric Steel; distribuida por Columbia Pictures. Duración: 2 horas 3 minutos. Con Meryl Streep (Julia Child), Amy Adams (Julie Powell), Stanley Tucci (Paul Child), Chris Messina (Eric Powell), Jane Lynch (Dorothy McWilliams), Linda Emond (Simone Beck), Erin Dilly (Judith Jones) y Frances Sternhagen (Irma Rombauer). En inglés, con un pellizco de francés.

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1 Julie & Julia (2009)

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22425 <a href="http://farm3.static.flickr.com/2727/4121219795_7507870c7e.jpg"><img style="cursor:pointer; cursor:hand;width: 500px; height: 332px;" src="http://farm3.static.flickr.com/2727/4121219795_7507870c7e.jpg" border="0" alt="" /></a> Estoy convencido de que suele sucumbirse entre la crítica a la tentación de hacer la vista gorda ante los defectos de las producciones españolas resultonas (o que sólo causan vergüenza ajena en dosis inferiores a lo habitual) porque se cree en el fondo que es prácticamente imposible superar nuestra genética e inescapable medianía, y no debemos ponernos estupendos aplicando los mismos criterios de exigencia que merecen las películas procedentes de industrias en las que no es un fenómeno especialmente singular la producción de obras que pueden ser calificadas de maestras. Pero, cuando la crítica sucumbe a tal tentación, aparte de generar decepción en el público, que compara lo que ha leído antes y lo que puede ver después, y escepticismo sobre la honestidad intelectual de quienes escriben de cine entre nosotros, lo más grave es que se está contribuyendo en gran medida a que el cine español jamás salga de su general ineptitud. Celda 211 me parece una película llena de elementos admirables. Son muy efectivas las escenas de violencia caótica: son extraordinariamente creíbles y generan innegable angustia. Luis Tosar siempre me ha parecido una presencia con un poder de convicción fuera de lo normal. Siempre me ha gustado en todas las películas que le he visto. Aquí hace una interpretación que, si no es perfecta, no lo es tanto por su culpa sino por los clamorosos defectos del guión. Igualmente me parece muy logrado el ritmo con el que la creciente tensión se va enseñoreando del relato para convertirse en uno de los motores más implacables de la tragedia. Pero no creo que nos merezcamos tener que aceptar como inevitables los sempiternos borrones de nuestro cine. ¿Tan difícil es encontrar actores un poco presentables? ¿Por qué tenemos que resignarnos a la eterna presencia de Antonio Resines, que parece haberse convertido en un actor imprescindible cuando es de una mediocridad apabullante? Este señor no ha sabido actuar en su vida y dudo mucho que vaya a aprender ahora. Y él no es el peor. ¿De dónde ha salido ese presunto actor que interpreta al primer negociador? ¿Cómo se le ocurre al director poner fin a la película con las palabras de este abochornante aficionado? El guión, que habría hecho mejor en dejar la historia confinada en el interior de la cárcel, pues las referencias político-históricas resultan harto discutibles, sólo demuestra, para mi frustración, lo que podría haber sido en una escena casi insignificante y que es lo único que me ha convencido de él. Tras explicar Apache a Malamadre que de las autoridades sólo podían aspirar a lograr algo de tapadillo, sin que se reconociera abiertamente tal concesión, le pregunta Malamadre si él alguna vez logró algo de las autoridades, a lo que Apache no contesta. Es extraordinaria la tensión que se genera con ese silencio, pues el público está enterado de detalles que Malamadre desconoce y resulta irónico que éste no se dé cuenta de los aprietos en que ha puesto al otro recluso. Por desgracia, no hay mucho así en la película. Al contrario, lo que más abunda es la brocha gorda y la deshonestidad narrativa. Me referiré al que considero el ejemplo más evidente. Antonio Resines, que interpreta a un brutal funcionario que no duda en apalear a los presos para extraerles información, es denunciado por un compañero y es suspendido de sus funciones. Lo cual no le impide a continuación ejercer de antidisturbios a las puertas de la cárcel, donde se encarga de apalear a la mujer embarazada del protagonista. Los reclusos tienen acceso a unas imágenes de televisión que captan con un teléfono móvil en las que puede verse claramente, entre los cientos de personas que participaban en la refriega, al funcionario-antidisturbios y a la mujer embarazada. Para mayor claridad, el primero se sube la visera para que las cámaras puedan inmortalizarlo más cómodamente. Y los presos puedan ver al culpable. ¿Inverosímil? Pues esperen un poco. A continuación, el funcionario-antidisturbios maltratador de embarazadas es convencido, aunque lo hayan suspendido y no tenga obligación de hacerlo, para que actúe ahora de negociador con los reclusos que han asistido a su actuación televisiva. ¿Adivinan lo que harán los presos con él? ¿Adivinan quién le rebanará la carótida? De acuerdo, ese personaje era odioso. Pero insultar la inteligencia del espectador con esa concatenación de disparates que acabo de resumir y titilar sus bajos instintos con esas efusiones de sangre es una explotación obscena y es un claro reconocimiento de la bancarrota moral de los responsables de la historia. Celda 211. Dirección y guión: Daniel Monzón. Producción: Álvaro Agustín, Juan Gordon, Emma Lustres, Borja Pena. Autor del libro original: Francisco Pérez Gandul. Guión: Jorge Guerricaechevarría. Cinematografía: Carles Gusi. Música original: Roque Baños. Montaje: Cristina Pastor. Diseño de producción: Antón Laguna. Producción ejecutiva: Pilar Benito, Elena Manrique y Javier Ugarte. Sonido: Sergio Burman. Con Luis Tosar: Mala Madre. Carlos Bardem: Apache. Alberto Ammann: Juan Oliver. Marta Etura: Elena. Antonio Resines: Utrilla. Luis Zahera. Vicente Romero: Tachuela. Manuel Morón: Almansa. Félix Cubero: Germán. Jesús Carroza: Elvis. Manolo Solo: Director de la cárcel. Fernando Soto: Armando Nieto. Juan Carlos Mangas: Calígula. Joxean Bengoetxea: El Profe. Antonio Durán 'Morris'. David Selvas: Dueñas. Jesús Del Caso: Médico. Patxi Bisquert. Xavier Estévez: Jefe de los Geos. Pedro Piqueras: Presentador. Hilario Pino: Presentador. En español. Cines Princesa, Madrid.

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22425 <A href="http://farm3.static.flickr.com/2657/4120287484_408e0d7ef2.jpg"><IMG style="WIDTH: 500px; HEIGHT: 333px; CURSOR: hand" border=0 alt="" src="http://farm3.static.flickr.com/2657/4120287484_408e0d7ef2.jpg"></A> No es que Carlos Boyero sea santo de mi devoción: no me entusiasma su estilo, propenso a la zafiedad, ni me identifico con muchas de las cosas que dice. Pero reconozco que, demasiadas veces, y más bien a mi pesar, sí que comparto algunas de sus filias y fobias. No negaré, por ejemplo, que siento el mismo rechazo que él por el cine de arte y ensayo, por Almodóvar y por los pestiños del cine iraní tipo Abbas Kiarostami. Cuando uno tiene que oír constantemente de boca de amigos y conocidos los obligatorios elogios multiculturales de las cinematografías exóticas y la fulminante censura en bloque, no menos obligatoria, del cine norteamericano comercial, llegan como un soplo de aire fresco los desahogos boyeriles. Lo que no comparto con el crítico principal de este periódico es su incomprensible devoción por esa Pagafantas que tanto se me atragantó a mí cuando la vi movido por otra crítica extremadamente positiva de Jordi Costa (que tengo que decir que me gusta más que el número uno). Y porque no me parece en principio fiable el criterio de los demás (igual que el mío les parecerá a ellos, sin duda), no le he hecho demasiado caso cuando en la edición del periódico de ayer ponía de vuelta y media una película de un director como Sam Mendes, que tanto me ha hecho disfrutar antes con American Beauty, Road to Perdition y Revolutionary Road (Jarhead me gustó bastante menos). Ojalá le hubiera hecho caso esta vez y me habría ahorrado esta Away We Go, cuya existencia carece de la más mínima justificación al alcance de mi capacidad de comprensión, por mucho que haya recibido críticas más o menos elogiosas en EE UU. He de decir que los cargantes personajes protagonistas están tan alejados de nada con lo que me pueda identificar mínimamente, y el catálogo de secundarios está tan superpoblado de casos patológicos que inducen principalmente a la grima, que uno se siente tentado de repetir, como Burt le espeta a una tarada objetora de los carritos para bebés: "I reject your unbelievable bullshit". Por favor, más películas como American Beauty, aunque a muchos norteamericanos les parezca obra de un turista que desconoce la sociedad que finge analizar, y menos bobadas como esta. Away We Go. Dirigida por Sam Mendes; escrita por Dave Eggers y Vendela Vida; dirección de fotografía, Ellen Kuras; montaje de Sarah Flack; música de Alexi Murdoch; diseño de producción, Jess Gonchor; producida por Edward Saxon, Marc Turtletaub y Peter Saraf; distribuida por Focus Features. Duración: 1 hora 37 minutos. Con John Krasinski (Burt), Maya Rudolph (Verona), Jeff Daniels (Jerry), Carmen Ejogo (Grace), Jim Gaffigan (Lowell), Maggie Gyllenhaal (L N), Josh Hamilton (Roderick), Allison Janney (Lily), Melanie Lynskey (Munch), Chris Messina (Tom), Catherine O’Hara (Gloria) y Paul Schneider (Courtney). En inglés.

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1 Away We Go (2009)

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13235 Anoche TVE estrenó el documental Tiempo de Leyenda, un excelente documento audiovisual sobre la grabación de un disco fundamental en la historia del flamenco, <a href="http://www.elpais.com/articulo/cultura/culpa/sabanas/elpepicul/20091029elpepicul_7/Tes" title="http://www.elpais.com/articulo/cultura/culpa/sabanas/elpepicul/20091029elpepicul_7/Tes" id=link_0 target=blank>La leyenda del tiempo</a> , que en 2009 cumple 30 años de su publicación. <object width="580" height="360"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/ylxe7AIeXds&hl=es_ES&fs=1&rel=0&color1=0x5d1719&color2=0xcd311b&border=1"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/ylxe7AIeXds&hl=es_ES&fs=1&rel=0&color1=0x5d1719&color2=0xcd311b&border=1" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="580" height="360"></embed></object> El documental está dirigido por José Sánchez Montes, un director y productor con base en Granada que ha hecho otros títulos en el mundo del flamenco como Morente sueña la Alhambra, sobre Enrique Morente y Casacueva y escenario, sobre su hija y cantaora Estrella. Su <a href="http://www.elpais.com/articulo/cultura/ineditos/Camaron/hicieron/leyenda/elpepucul/20091028elpepucul_2/Tes" title="http://www.elpais.com/articulo/cultura/ineditos/Camaron/hicieron/leyenda/elpepucul/20091028elpepucul_2/Tes" id=link_1 target=blank>presentación el pasado mes de octubre</a> , en el festival <a href="http://www.in-edit.beefeater.es/webapp/" title="http://www.in-edit.beefeater.es/webapp/" id=link_2 target=blank>In Edit de Barcelona</a>, sirvió como excusa para recordar que hace 30 años unos locos visionarios se juntaron para, bajo la batuta del productor Ricardo Pachón y tocados con la estrella de <a href="http://lacomunidad.elpais.com/por-bloguerias/2008/12/15/camaron-los-ojos-la-chispa" title="http://lacomunidad.elpais.com/por-bloguerias/2008/12/15/camaron-los-ojos-la-chispa" id=link_3 target=blank>Camarón de la Isla</a>, revolucionaron la escena flamenca de aquel momento con un disco que, todavía 30 años después, suena moderno. <img src='http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/por-bloguerias/Camaron-La_Leyenda_Del_Tiem.jpg' id='img_0' class='imgizqda'/> Es un recuerdo en primera persona de aquel trabajo discográfico. Aparecen las voces que protagonizaron el disco, salvo la más importante, la de CamarónManuel Molina, Ricardo Pachón, Jorge Pardo, Rubém Dantas, Tomatito, Kiko Veneno, Raimundo Amador… Dice Kiko Veneno en algunas entrevistas que quizá habría que darle más importancia a la época que a este disco en concreto. Es cierto que en 1971 se había publicado el primer trabajo de Smash, el grupo rockero al que se unió Manuel Molina y que abrió una senda que recorrían otros artistas inquietos, cercanos o pertenecientes al flamenco como Veneno, Triana o Lole y Manuel. La diferencia es que, en La leyenda del tiempo, participó José Monge Cruz (1950 – 1992), que pasaría a la historia como Camarón, un cantaor que marcó una época y una generación del cante y que ha llegado a convertirse en mito para muchos. El título de la canción que da nombre al disco, La leyenda del tiempo es representativo de lo que contiene el trabajo. Es el título de una obra de teatro surrealista, que Federico García Lorca escribió en 1931: Así que pasen cinco años, Leyenda del tiempo en tres actos y cinco cuadros. Una declaración de intenciones, la de la experimentación, la de la búsqueda, con letras que son poemas de Lorca y Omar Khayan, pero también de Kiko Veneno, entonces un joven de clase media, universitario y payo, fascinado por el mundo gitano; un músico que en aquella época hacía mancuerna con un joven guitarrista procedente de la tradición más absoluta: Raimundo Amador. En el documental se recuerda desde los ensayos hasta la presentación en vivo de un disco que tardó varios años en realizarse. Están aquí recogidas las anécdotas personales, muchas de ellos ya contados, y algunos documentos inéditos, como las grabaciones de los ensayos. También hay recortes de entrevistas que por entonces le hicieron a Camarón en televisión, el sonido de la única presentación en vivo que se hizo del disco, junto al grupo Dolores… Es un documento interesante para recordarlo en la voz de sus protagonistas y volver a ver y escuchar a Camarón. Tanto como el programa que hizo <a href="http://blogs.rtve.es/elojo/2009/3/18/la-leyenda-camaron" title="http://blogs.rtve.es/elojo/2009/3/18/la-leyenda-camaron" id=link_4 target=blank>El ojo crítico de Radio 5 (Radio Nacional de España)</a> el pasado mes de marzo, en el que también reunió a algunos de los protagonistas para recordar aquel momento. <img src='http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/por-bloguerias/camaronypachon.jpg' id='img_0' class='imgcen'/> Durante todo 2009 se han publicado libros y reportajes en prensa, radio y ahora televisión para recordar aquel disco que ahora nos parece fundamental y que entonces quizás no fue valorado en su justa medida. Probablemente porque sólo el tiempo da la perspectiva necesaria para hacerlo. No viví aquel momento, así que no puedo valorar si lo que se dice es exageración, leyenda o realidad. Dicen que los gitanos devolvían los discos porque aquel no cantaba como Camarón. También dicen que muchos rockeros, los modernos, hippies y yeyés de la época, empezaron a prestar atención al flamenco gracias a este disco. Yo apenas aprendía entonces a sostenerme sobre mis propios pies cuando se publicó La leyenda del tiempo, así que lo descubrí mucho después, pero probablemente en eso reside la grandeza de este disco. Su sonido es fresco, potente, único, no importa en qué momento sea descubierto. También hoy lo es. Y es historia porque supuso un encuentro entre el flamenco, que entonces era algo desconocido, encerrado entre la intimidad de los gitanos, los tablaos y las fiestas de los señoritos y el gran público, la modernidad, la cultura popular de masas que empezaba a llegar a un país que acababa 40 años de dictadura para abrirse a un mundo que, a su vez, estaba inmerso en un proceso de renovación único. La leyenda del tiempo hizo, y aún hace hoy que un público completamente ajeno al flamenco se interese por él y a la vez sacó al flamenco de la silla de anea, lo aireó y lo relacionó con otras músicas, enriqueciéndolo y haciéndolo evolucionar. El documental Tiempo de leyenda ha sido estrenado también en <a href="http://www.rtve.es/television/canal-cultural/" title="http://www.rtve.es/television/canal-cultural/" id=link_0 target=blank>Cultural.es</a> , una nueva apuesta televisiva de TVE, y es probable que en breve pueda verse en su web. <object width="500" height="405"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/o0-ED4e-r-U&hl=es_ES&fs=1&rel=0&color1=0x5d1719&color2=0xcd311b&border=1"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/o0-ED4e-r-U&hl=es_ES&fs=1&rel=0&color1=0x5d1719&color2=0xcd311b&border=1" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="500" height="405"></embed></object> (FOTOS: MARIO PACHECO)

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1 Así que pasen otros 30 años

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13235 Por bloguerías ha estado inactivo un tiempo. Primero por motivos personales de la autora, después por vacaciones, a las que todo el mundo tiene derecho. Lo importante, en cualquier caso, es que estamos de vuelta. Doy gracias a los comentarios que reclaman más y nuevos contenidos, por el interés y por seguir leyendo. <img src='http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/por-bloguerias/alcantaramanuel.jpg' id='img_0' class='imgdcha'/>Zanjado el asunto, a lo que vamos. Regresamos de la mano de una de las voces jóvenes más laureadas y más comprometidas con el flamenco. La de Mayte Martín. Una cantaora con una gran personalidad, y con una voz de oro. <a href="http://www.mayte-martin.com/" title="http://www.mayte-martin.com/" id=link_0 target=blank>Mayte Martín</a> (Barcelona, 1965) está presentando su nuevo trabajo discográfico, la grabación de un espectáculo que viene presentando en los escenarios desde 2007, alCANTARa Manuel (Nuevos Medios, 2009), un título que, con un juego de palabras, resume el proyecto: poner música y cantar al poeta malagueño Manuel Alcántara. Fue un encargo de la efímera Bienal de flamenco de Málaga. Se estrenó en septiembre de 2007 en la Casa del Ingeniero del Pantano de Guadalhorce, dentro del ciclo Siete Maravillas. Después lo ha presentado en lugares como Madrid, Barcelona y Sevilla. Y ahora lo presenta en disco, para todos los que no han podido verlo en el escenario o para los que quieran recordarlo. No es un disco de flamenco, y aunque suene a tópico, o quizás aunque lo sea, Martín canta flamenco sin cantarlo. Su voz, educada y crecida en lo jondo, tiende, preciosista, nítida y clara, a un quejío sutil, pero siempre presente. Esta cantaora libérrima no ha querido etiquetar o encorsetar los poemas en los esquemas flamencos y les ha escrito las músicas que ella ha sentido para las palabras, independientemente del compás o del tono. "A los poemas de Manuel no les puse música, se la encontré", explicó, el año pasado, en una <a href="http://www.elpais.com/articulo/ultima/soporto/bombardeen/Sinatra/Kenny/G/elpepiult/20080611elpepiult_2/Tes" title="http://www.elpais.com/articulo/ultima/soporto/bombardeen/Sinatra/Kenny/G/elpepiult/20080611elpepiult_2/Tes" id=link_1 target=blank>entrevista en EL PAÍS</a>. Hay un acercamiento también, en esta colección, al tango argentino (Manuel), hay baladas y canciones próximas al bolero o a las cantiñas (como La Paloma de Picasso). <object width="353" height="132"><embed src="http://www.goear.com/files/external.swf?file=00471b0" type="application/x-shockwave-flash" wmode="transparent" quality="high" width="353" height="132"></embed></object> Es ésta una grabación para escuchar muchas veces, con calma, para saborear los matices, los colores, en apariencia parecidos de canción a canción, que Mayte Martín pone a las palabras de Alcántara. Es un disco de autora, dirigido, compuesto e interpretado (guitarra y voz) por la cantaora catalana, que se hace acompañar por un reducido grupo de músicos: José Luis Montón, a la guitarra, Olvido Lanza y Biel Graells, a los violines, Guillermo Prats al contrabajo y Chico Fargas a la percusión. <big>La recuperación del preciosismo en el cante</big> La trayectoria de Mayte Martín en el flamenco es larga y discreta. Su voz, dulce y aterciopelada, afinada y sensible, y su gran conocimiento del cante, le hizo en seguida destacar entre los cantaores de su generación, entre los que se buscaba desesperadamente un heredero para Camarón. Los aficionados se encontraron con un soplo de aire fresco en esta voz, una cantaora ortodoxa, conocedora y sensible. Rebelde y comprometida, Mayte Martín ha preferido siempre seguir su propio camino y no el marcado, no ceñirse un corsé, sino buscar caminos propios aunque les desviase de la senda marcada por los más puristas. Desde las formas (cantar con pantalones, acompañarse ella misma a la guitarra) a los fondos. Es compositora, además de cantaora, tanto de flamenco como de otros estilos. En su carrera discográfica (que arrancó en 1994 con Muy frágil), además del flamenco, se ha acercado al bolero (grabó junto al pianista de jazz Tete Montoliu Free boleros, en 1996 y en 2003 Tiempo de amar) y a otras músicas (el año pasado estrenó, junto a las hermanas Labèque, Joan Albert Amargós y Lluís Vidal De fuego y agua). Tiene un trabajo de flamenco más: Querencias, publicado en 2000. Una cantaora que en el escenario se crece, que llena los espacios con una voz intimista y adolorida, matizada y rica, una voz que, por más que se escuche en disco, siempre pertenece a los escenarios. <object width="500" height="405"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/nTQAyR00dNc&hl=es&fs=1&rel=0&color1=0x5d1719&color2=0xcd311b&border=1"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/nTQAyR00dNc&hl=es&fs=1&rel=0&color1=0x5d1719&color2=0xcd311b&border=1" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="500" height="405"></embed></object>

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1 De vuelta, Mayte Martín

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22425 <a href="http://farm3.static.flickr.com/2660/4063848631_2107089f25_o.jpg"><img style="cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 336px;" src="http://farm3.static.flickr.com/2660/4063848631_2107089f25_o.jpg" border="0" alt="" /></a> Ignoro si la muerte de Christian Poveda a manos de las maras de El Salvador estuvo directamente relacionada con la realización de este documental o si sólo se debió a la arriesgada familiaridad a la que se vio obligado con esta banda de criminales descerebrados. El caso es que, por mucho que el documental pueda ser elogiado por su descarnada inmersión en ese submundo incomprensible y brutal, el precio pagado para poder realizarlo está mucho más allá de su valor cinematográfico. Por si no hubiera tenido bastante con haber visto el sábado Sin nombre, ayer por la noche volví a obligarme a mí mismo a pasar un rato amargamente desagradable para ver esta casi intolerable bajada a los infiernos de la barbarie más atroz, ni siquiera mitigada por la inteligencia. Ya es bastante horrorosa la realidad vital de estos personajes que van cayendo prematuramente de un modo bastante absurdo, en un ambiente donde el valor de la vida es prácticamente nulo. Pero es que resulta desoladora también la brutal incapacidad verbal de todos los personajes, de los que no cabe excluir ni siquiera a los servidores del Estado. Parece que la intolerable pobreza en la que vemos desenvolverse a la malhadada sociedad salvadoreña ha terminado inficionando el lenguaje, con lo que es prácticamente imposible oír (de lo que he sido capaz de entender) una frase expresada con un mínimo de coherencia. Cuando la amoralidad se alía con la afasia, no extraña que el resultado sea el caos social más absoluto. La vida loca. Dirigida por Christian Poveda. En español.

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1 La vida loca (2008)

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22425 <a href="http://farm4.static.flickr.com/3512/4063600128_fd2b9bda8b.jpg"><img style="cursor:pointer; cursor:hand;width: 500px; height: 271px;" src="http://farm4.static.flickr.com/3512/4063600128_fd2b9bda8b.jpg" border="0" alt="" /></a> Siendo una película correcta, bien dirigida, bien interpretada, bien fotografiada, y con una historia simple pero bien contada, lo cierto es que no funcionan en mi caso los mecanismos necesarios de identificación o de mero interés que me permitan pasar un buen rato viéndola. Nada de lo que veo en ella, al margen del reconocimiento de su corrección formal, redime la repulsión que me provoca todo lo que tiene que ver con esa secta criminal de tarugos sin sensibilidad ni moral tatuados de una forma grotesca. Todo me resulta ajeno, lejano, distante, y las vidas de estos personajes, aun cuando a veces despierten piedad, en especial los niños y los emigrantes, están a años luz de nada con lo que pueda identificarme. Añádase a eso que el español utilizado en ocasiones me resulta absolutamente incomprensible, y se entenderá que no me sienta particularmente inclinado a recomendársela a nadie. Sin nombre. Escrita y dirigida por Cary Joji Fukunaga; director de fotografía, Adriano Goldman; montaje de Luis Carballar y Craig McKay; música de Marcelo Zarvos; diseño de producción, Claudio Contreras; producida por Amy Kaufman; distribuida por Focus Features. Duración: 1 hora 36 minutos. Con Paulina Gaitán (Sayra), Edgar Flores (Willy/Casper), Kristyan Ferrer (Smiley), Tenoch Huerta Mejía (Lil’ Mago), Diana García (Martha Marlene), Luis Fernando Peña (Sol), Héctor Jiménez (Leche/Hombre Herido), Gerardo Taracena (Horacio) y Guillermo Villegas (Orlando). En español.

2009-11-01T08:15:06Z

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1 Sin nombre (2009)

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