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Exposició. Preses de Franco (Fundació d'Investigacions Marxistes - Universitat de València)

2008-10-06T15:49:36+02:00

Exposició. Preses de Franco (Fundació d'Investigacions Marxistes - Universitat de València) (HoraSurBPD)

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artetunero: Yamila Comas

2008-09-28T12:35:08+02:00

En esta primera reseña del arte joven tunero quiero comentarles particularmente de Yamila Comas (1974), una de las más sobresalientes figuras de la pintura que en días recientes ha inaugurado exposición personal en las paredes de la galería de la UNEAC de la ciudad. Su obra la he visto crecer entre periodos largos de tiempo, y he podido comprobar la seriedad con que la asume y la personalidad que ha logrado insertarle a sus piezas.

Cada una de ellas parece contarnos una historia, son pequeños relatos infinitos cargados de simbolismo en espacios inusuales. Son metáforas extrañas de lo humano, lo divino, la soledad y la compañía, de las contradicciones de lo sensual y sexual. Sus protagonistas son por lo general figuras hieráticas que transmiten el sinsabor de la tristeza y el sufrimiento femenino a través de un tratamiento "matissiano" de color y textura. Son monólogos dedicados al cuerpo, a lo físico y metafísico, a los desgarradores momentos de la tortura y el dolor de la soledad.

Es la pintura de Yamila Comas, serena, madura e intelectual, terrenal y casi esquizofrénica, con un lenguaje personal que apenas nos deja disfrutar de su buen oficio por el poder de su mensaje y el impacto de su simbología. Es por tanto desgarradora en su aspecto e imprescindible en su expresión, como la lectura de un diario sobre la sobrevivencia del ser. Esperamos mucho en su futuro.

Imágenes:
01- Sin Título. 2008. Acrílico sobre lienzo. Yamila Comas
02- El lado oscuro, 2008. Acrílico sobre lienzo. Yamila Comas
03- Sin Título. 2008. Acrílico sobre lienzo. Yamila Comas

Julian Schnabel: Vuelta a la pintura

2008-09-25T20:20:08+02:00

"Julian Schnabel. Pinturas 1978-2003" en el Palacio de Velázquez del Parque del Retiro madrileño, es otra de las exposiciones visitadas anteriormente que he querido comentarles como pretexto para hablar de la obra de este grande de la pintura norteamericana. Grande él, enorme sus cuadros, gigante su obra.

Cuando se profetizaba el fin de la pintura, con la aparición de los minimalistas y conceptualistas, apareció como por arte de magia el poder y el empuje de Schnabel, quien sobre todo inspirado en los mosaicos de Gaudí, comenzó a utilizar fragmentos de platos colocados como fondo de los cuadros, para levantar una vez más la energía de la pincelada en las grandes superficies. Cualquier soporte le era útil para soltar sus emociones con el color. La discontinuidad, la fragmentación en la cultura y en la vida son sus temas recurrentes. Así fue labrando poco a poco el camino con el que la pintura volvió a respirar. Cada época necesita un tipo de arte y un tipo de artista y Julian Schnabel entró en escena justo cuando más se necesitaba.

Propio de su inconformismo habitual, como si no le bastara con sus descomunales lienzos que te hacen sentir pequeño, diminuto ante la violencia gestual de su obra, en los últimos años, además de su pintura, ha logrado insertarse con éxito en el mundo del cine como uno de los más talentosos directores internacionales. Si es así, seguiremos entonces esperando, a estas alturas de su vida, novedades de Julian Schnabel.

Imagen:
Large Girl with no Eyes, 2001. Julian Schnabel

Enlaces relacionados:
Julian Schnabel en la Wikipedia >>
Exposición en Palacio de Velázquez. Parque del Retiro. Madrid. Junio- Sept 2004 >>

Richard Estes: Reflejos | sojelfeR

2008-09-24T19:30:11+02:00

Una de las intensiones que me propuse al iniciar el blog es ir comentando poco a poco no solo las exposiciones del momento, sino aquellas que por su relevancia he tenido la posibilidad de visitar en los últimos tiempos, sobre todo en Madrid.

Ese es el caso de la exposición que pudimos ver el año pasado en el Museo Thyssen-Bornemisza del artista fotorrealista norteamericano Richard Estes (Illinois, 1932). Si agregamos las exposiciones de Chuck Close en el Museo Reina Sofía y las esculturas de Duane Hanson en la Fundación Canal , puedo decir que casi he podido disfrutar en Madrid, de los principales representantes del movimiento hiperrealista norteamericano de los años 60-70.

En el caso de Richard Estes, es significativo el hecho de que a pesar de su depurada técnica y su acercamiento técnico y temático a sus colegas fotorrealistas, el propio Estes haya reconocido más de una vez que solamente es un pintor con herencia de una larga tradición pictórica de siglos anteriores y no atado a corrientes artísticas de vanguardia.

Una de los aspectos coincidentes en la crítica, es que a pesar de su virtuosismo, nos sumerge con sutilezas en irrealidades apenas reconocibles, con lo que crea un juego visual que nos hace difícil poder confrontarlo con la realidad. Puede parecernos casi una fotografía pero siempre incluye elementos para confundir y por lo tanto para cuestionar la realidad. En sus pinturas casi siempre encontraremos reflejos en vidrieras, automóviles, espejos, sobre todo de su persistente urbe neoyorquina.

Cuando vemos una obra de reflejos tan complejos, casi con certeza podemos asegurar que se debe tratar de una de las reales irrealidades de Richard Estes.

Imágenes:
People`s Flowers, 1971. Richard Estes.

Enlaces relacionados:
Exposición de Richard Estes en Museo Thyssen-Bornemisza. 2007 >>
Richard Estes es Wikipedia >>

Robert Longo: En blanco y negro

2008-09-22T23:42:44+02:00

En 1990 en el Wadsworth Atheneum de Hartford, Connecticut, visité una exposición de Robert Longo (Brooklyn, New York, 1953) considerado uno de los artistas norteamericanos más importantes en ese momento. Aunque la serie de obras "Men in the Cities", me sigue pareciendo la más trascendente de su carrera, sus dibujos continúan siendo tan originales como impresionantes, sobresaliendo por su monumentalidad y oficio.

Sus obras realizadas con carboncillo, se reconcilian con la tradición del dibujo no como recurso técnico sino como resultado. Son piezas limpias con ideas claras, donde hay un elemento protagónico en el primer plano y un vacío total en el segundo, creando una atmósfera de soledad, depresión y densidad impactante.

Es Robert Longo un artista de vocación y concepto universal, que detrás de la sutileza de sus propuestas aprovecha el dibujo, tan poco común y subvalorado en el tren de la historia del arte, como arma para tocar nuestras almas. Mucho se le agradece.

Imagen:
Dibujos de la serie Men in the Cities. Robert Longo

Enlaces relacionados:
www.robertlongo.com
Robert Longo en Wikipedia (inglés) >>
Robert Longo en www.artnet.com >>

Man Ray: más que fotografía

2008-09-22T23:51:09+02:00

Cuando comentamos la exposición "Duchamp, Man Ray, Picabia" en el MNAC, dejamos para más adelante, por su particularidad, el comentario sobre el gran fotógrafo norteamericano. Hoy comentaremos por encima algunos datos esenciales de su trayectoria.

Man Ray (1890-1976), fue un innovador total. Sus aportes son todavía herramientas comunes en los laboratorios y a él se le debe en alto grado haber convertido la fotografía a la categoría de Arte. La experimentación parecía formar parte de su personalidad, tanto como lo hacían en su momento sus amigos surrealistas y dadaístas. Así, pintó sobre cristal y otras superficies con aerógrafo; realizó lo que llamaban rayogramas (objetos colocados sobre el papel sensible a la luz), solarizaciones (invirtiendo los márgenes de luz y sombra), películas, collages y como no podía ser de otro modo, también los famosos ready made.

Valía la pena hacer una mención especial a la figura de Man Ray, que por su talento y espíritu se convirtió en la mayor referencia de la fotografía artística de la vanguardia del siglo XX.

Imagen:
Érotique voilée. 1933. © Man Ray Trust/ADAGP, Barcelona 2008

Enlaces relacionados:
www.manraytrust.com
Man Ray en Wikipedia >>

BCN: Ready Made de Duchamp

2008-09-21T00:00:04+02:00

Entre las obras que más deseaba ver de la exposición Duchamp, Man Ray, Picabia en el Museo Nacional d´Art de Catalunya , estaban los famosos ready-made de Marcel Duchamp, algunas de sus más célebres e ingeniosas piezas.

Como sabemos los ready-made (algo cercano a objeto encontrado) rompieron profundamente con la más tradicional praxis artística. La idea de sacar un objeto de su contexto funcional y exponerlo en una galería para convertirlo en obra de arte, cambió definitivamente los paradigmas artísticos establecidos hasta su momento. Su famoso urinario al que llamó "Fuente" es considerado por muchos, entre los que me incluyo, la obra más influyente de todo el siglo XX. Aunque probablemente "Rueda de Bicicleta" haya sido su primer ready-made realizado en 1913, no fue hasta que expuso el urinario en 1917 que escandalizó al mundo cultural con un planteamiento en contra de la manufactura y del oficio del artista.

La practica, que hoy vemos como algo normal en cualquier galería de utilizar objetos como soporte o elementos de una obra, fue probablemente una idea del gran Duchamp, como casi siempre, cuestionada y absurda para muchos. Quizás por eso un día decidió dejar a un lado el arte y dedicarse a su otra pasión: el Ajedrez.

Imagen:
Fountain (1917). Réplica 1964
Fotografía: YOel Almaguer. 2008

Enrique Álvarez Aldana, Mujeres enamoradas, geometría y evidencia estructural.

2008-09-17T17:55:41+02:00

Enrique Álvarez Aldana, presenta una serie dedicada a la mujer, que es un homenaje a la evidencia geométrica, a las estructuras que son en sí mismas, porque forman parte de la base, del punto de partida del mundo.
Su posición con respecto a la geometría es sutil, porque, en ocasiones, no se ve, pero está, dado que es el armazón de la célula, el núcleo que aguanta el universo, aunque, en apariencia, no se constata, pero es.
Mujeres enamoradas, mujeres y el amor, el amor de mujer a mujer, la mujer como punto de partida de un discurso que abarca el universo, que es sustancial, base del todo, estructura que alienta la composición en el aspecto de sustentar la fuerza del embate.
En su creación hay evidencia, es decir determinación en la potenciación de lo emblemático, formulación a partir de lo que se considera. La mujer parte de un todo, que es fragmento en sí mismo, que constituye la fuerza que se compagina con el otro.
Mujeres enamoradas es una serie, elaborada en óleo sobre tela, en la que la descripción y el detalle dejan paso a la estructuración y la geometría en movimiento.
Sus composiciones mantienen la figura femenina, los abrazos de mujer, o bien la mujer con otra mujer en actitudes amorosas y sensibles, sensuales y de deseo. Pero, a la vez, si nos alejamos un poco de la composición, predomina lo abstracto geométrico, de ahí que implemente el color por zonas, marcando el momento, conectando, en este sentido, con el receptualismo ruso, que consiste en realizar una obra figurativa, que, a la vez, es abstracta y geométrica, según uno se aleje o se aproxime.
Lo que está claro es que Enrique Álvarez Aldana indaga en los prolegómenos de la determinación, en lo formulación de la dinámica formal, para profundizar en el detalle, para ir al fondo de la cuestión, narrando lo básico, eliminando detalles superfluos, permitiéndose diversidad de licencias que le conducen hacia la amplificación de un convencimiento plástico que se fundamenta en la manera con que establece las reglas de la estética y la elegancia.

Joan Lluís Montané

De la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA)

VEGAN FUSION FEST 2ª Edición - Dj's, Dance, Techno, Arte, Performances, Batucada y Capoeira, por la Defensa de los Animales

2008-08-30T13:30:06+02:00

La VEGAN FUSION FEST es una fiesta benéfica que organiza la ONG 'DefensAnimal.org' donde de un modo lúdico-festivo se promociona el veganismo (no uso de animales no humanos) y el fin de especismo (discriminación en función de la especie del individuo).

La 2ª VEGAN FUSION FEST tendrá lugar el próximo 18/10/08 en Valencia.

Habrá Dj's, comida vegana (100% vegetariana), performances, actuaciones, exposiciones, cortos,...

¿Dónde será?... En Valencia, C/Juan Verdeguer,16 (pulsar para ver plano)

Para consultas podeis contactar:
vff@defensanimal.org
Tfno. (+34) 630152401

Cynthia Novillo Almada -ATREVERSE A MIRAR-

2008-05-25T00:32:44+02:00

Cynthia Novillo Almada

ATREVERSE A MIRAR

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Del 12/05 al 06/06/08
Hipólito Restó & Arte

Ciudad Autónoma de Buenos Aires

Argentina

www.hipolitorestoarte.com.ar

Saber mirar.
Dejar de adivinar.
Aprender a mirar y entender lo que veo.
Es parte de la inquietud de lograr sentirme protagonista de mi propia vida.
Dejar de obrar por reacción y poder hacerlo con reflexión, siempre con el enriquecedor acompañamiento de aquellos que aportan su particular mirada y amplían la mía.
Sin duda, un momento especial, un paso dado, una vivencia, cierto crecimiento y una profunda mirada interna se encuentran en estos cuadros.
Ellos son un espejo donde vi. Lo que no veía.
Lo paradójico es que desde mi propio trabajo me sentí también muy mirada.
Hoy están expuestos para todos aquellos que quieran ver y porque no descubrir en ellos algo mas.

Quiero compartir mi obra con quienes quieran disfrutarla, y así contagiarles un poco de la energía, las emociones y sensaciones que los colores que uso me transmiten.
Necesito destacar lo bello y agradable que nos rodea cotidianamente y tenerlo presente, apreciarlo y disfrutarlo, dándoles especial protagonismo.
Mis temas favoritos son las flores y los cielos, con un enfoque muy propio, donde plasmo la belleza efímera a la que muchas veces somos indiferentes, con la esperanza de eternizar sentimientos y emociones gratas.
Cynthia Novillo Almada

Cynthia Novillo Almada abraza el mundo de las flores, jugando con ellas, reconvirtiéndose su mundo en otro, porque éstas son producto de una actitud que viaja más allá de las limitaciones ordinarias. Sus flores son miradas, personajes que se funden con los Devas.
Cielos, flores, iconos vegetales y símbolos, la obra pictórica de la creadora argentina se basa en una dosis considerable de poesía alegórica, tendente a captar estados de ánimo y transmitirlos a través de representaciones simbólicas. El resultado es una obra claramente elaborada, dotada de concepto, donde el color ejerce de llave que abre el secreto de la iluminación hacia el universo de los verdaderos significados.
Joan Lluís Montané de la Asociación Internacional de Críticos de Arte

Nació en Argentina, en la Ciudad de Buenos Aires en 1960.
Se recibió de arquitecta de interiores en La Biblioteca Nacional del Consejo de Mujeres en 1983. Allí perfeccionó su técnica de dibujo, pintura, composición, y estudio del color.
Interesada en la pintura como forma de expresión, asistió a varios cursos de pintura decorativa de distintos estilos, al óleo o al acrílico.
Estudió dos años fotografía en el Instituto Superior de Arte Fotográfico.
Desde el año 2003 asistió a diversos talleres de pintura.
Sus temas favoritos son las flores y los cielos, con un enfoque muy propio, donde ella plasma la belleza efímera y a la que muchas veces somos indiferentes, con la idea esperanzada de eternizar sentimientos y emociones gratas.
http://expodolmendali.com/Coppermine/displayimage.php?album=21&pos=21
http://www.franciscablazquez.net/montane_articulos_iv_mega_exposicion.htm
http://www.revistaenie.clarin.com/notas/2008/02/19/01610833.html
http://www.artedelmundo.com.ar/intro_esp_ingles/principal/historial_noticias/2007/diciembre/expoartistas/expoartistas.htm