El Guggenheim de Nueva York y Google lanzan un concurso de arquitectura

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964 <P class=MsoNormal style="MARGIN: 0cm 0cm 10pt"><FONT face=Calibri size=3><IMG class=imgcen id=img_0 src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/eurotopia/DESIGNIT.jpg">El Museo Guggenheim de Nueva York (EEUU) y Google lanzaron el pasado lunes, 8 de junio, un nuevo concurso de arquitectura inspirado en la obra de Frank Lloyd Wright que propone a los participantes diseñar espacios en tres dimensiones en los que vivir y trabajar. Bajo el título “</FONT><A href="http://www.guggenheim.org/new-york/education/sackler-center/design-it-shelter"><FONT face=Calibri size=3>Design It: Shelter Competition</FONT></A><FONT face=Calibri size=3>”, este concurso lanzado a través de Internet tiene como objetivo que los arquitectos, ya sea profesionales, estudiantes o aficionados, presenten proyectos tridimensionales de espacios de poco más de nueve metros cuadrados en los que se pueda vivir y también trabajar. Además, los participantes, que podrán presentar sus propuestas hasta el próximo 23 de agosto, deberán crear sus diseños con el programa Google SketchUp y , antes de crear su propuesta, deberán ubicarla en cualquier punto del planeta a través de la aplicación Google Earth. Así, los ganadores de los dos galardones, uno concedido por un jurado de expertos y el otro otorgado por el público mediante una votación a través de Internet, se conocerán el 21 de octubre, el día en que se cumple el 50 aniversario del Guggenheim. Por su parte, el concurso “Design It: Shelter Competition” forma parte de las iniciativas con las que el Guggenheim celebra el medio siglo de historia de su conocido edificio situado en la Quinta Avenida de Nueva York. El director de la Fundación Solomon Guggenheim, Richard Armstrong, señala que “uno de nuestros objetivos más importantes durante la celebración del 50 aniversario del Guggenheim es hacer que el público de todo el mundo entienda y aprecie el arte y la arquitectura a través de nuestras iniciativas”.</FONT> <P class=MsoNormal style="MARGIN: 0cm 0cm 10pt; TEXT-ALIGN: justify"><FONT face=Calibri size=3>Visto en CIC Arquitectura Digital.</FONT>

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1 El Guggenheim de Nueva York y Google lanzan un concurso de arquitectura

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964 <P class=MsoNormal style="MARGIN: 0cm 0cm 10pt; TEXT-ALIGN: justify"><FONT size=3><FONT face=Calibri><IMG class=imgcen id=img_0 src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/eurotopia/srgmwhite_490.jpg">Desde el 15 de mayo y hasta el 23 de agosto, para celebrar sus 50 años de existencia desde la construcción de su edificio por <SPAN style="mso-spacerun: yes"></SPAN>FRANK LLOYD WRIGHT el <B style="mso-bidi-font-weight: normal">Museo Solomon R. Guggenheim</B> de NY, ha organizado junto a la <B style="mso-bidi-font-weight: normal">Frank Lloyd Wright Foundation</B> un exposición sobre su arquitecto con el titulo <SPAN style="mso-spacerun: yes"></SPAN><I style="mso-bidi-font-style: normal">Frank Lloyd Wright: desde dentro hacia fuera.<?xml:namespace prefix = o ns = "urn:schemas-microsoft-com:office:office" /><o:p></o:p></I></FONT></FONT> <FONT face=Calibri> <P class=MsoNormal style="MARGIN: 0cm 0cm 10pt; TEXT-ALIGN: justify"><FONT size=3>La exposición reúne sesenta y cuatro proyectos diseñados por uno de los arquitectos más influyentes del siglo 20, incluyendo el sector privado residencial, edificios gubernamentales y civiles, religiosos y urbanos, así como obras <SPAN style="mso-spacerun: yes"> </SPAN>no realizadas, y mega-estructuras urbanas. </FONT><FONT size=3> Presentado en la espiral de rampas del museo a través de una variedad de medios, entre ellos más de 200 dibujos originales de Frank Lloyd Wright, muchos de los cuales se exponen por primera vez al <SPAN style="mso-spacerun: yes"> </SPAN>público, así como nuevas maquetas <SPAN style="mso-spacerun: yes"> </SPAN>y animaciones <SPAN style="mso-bidi-font-style: italic">digitales<I><o:p></o:p></I></SPAN></FONT> <P class=MsoNormal style="MARGIN: 0cm 0cm 10pt; TEXT-ALIGN: justify"></FONT><FONT size=3><FONT face=Calibri>Podéis ver la exposición virtual en la web <B style="mso-bidi-font-weight: normal"><I style="mso-bidi-font-style: normal"><U><A href="http://translate.google.com/translate?sourceid=navclient&hl=es&u=http%3a%2f%2fwww.guggenheim.org%2fnew-york%2fexhibitions%2fon-view-now%2ffrank-lloyd-wright">Frank Lloyd Wright: desde dentro de perfeccionamiento pasivo</A><o:p></o:p></U></I></B></FONT></FONT> <P class=MsoNormal style="MARGIN: 0cm 0cm 10pt"><FONT face=Calibri size=3>También podéis ver en este <SPAN style="mso-spacerun: yes"></SPAN>Blog:</FONT> <P class=MsoNormal style="MARGIN: 0cm 0cm 10pt"><B style="mso-bidi-font-weight: normal"><U><A href="http://lacomunidad.elpais.com/eurotopia/2008/7/1/creatividad-y-experimentacion-wright"><FONT face=Calibri size=3>Creatividad y Experimentación: WRIGHT.</FONT></A><o:p></o:p></U></B> <P class=MsoNormal style="MARGIN: 0cm 0cm 10pt"><B style="mso-bidi-font-weight: normal"><U><A href="http://lacomunidad.elpais.com/eurotopia/2008/6/30/de-revolucion-industrial-la-arquitectonica-wright"><FONT face=Calibri size=3>De la Revolución Industrial a la Arquitectonica: WRIGHT</FONT></A><o:p></o:p></U></B>

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1 Frank Lloyd Wright: desde dentro hacia fuera

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20847 <meta http-equiv="Content-Type" content="text/html; charset=utf-8"><meta name="ProgId" content="Word.Document"><meta name="Generator" content="Microsoft Word 10"><meta name="Originator" content="Microsoft Word 10"><link rel="File-List" href="file:///C:%5CDOCUME%7E1%5CFERNAN%7E1%5CCONFIG%7E1%5CTemp%5Cmsohtml1%5C01%5Cclip_filelist.xml"><style>  </style> <p class="MsoNormal"><o:p> </o:p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;">Viaje a Bilbao para aplaudir la Cleopatra de Patrizia Ciofi en el “Giulio Cesare in Egitto” de G. F. Händel para la ABAO; pero como a Vds. las Arias da capo que realmente les interesan son las del príncipe Curnonsky (admirable Maurice, prefirió tirarse por una ventana que seguir a régimen) les cuento nuestra última experiencia en el Restaurante Gastronómico del GUGGENHEIM. <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><o:p> </o:p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;">JOSEAN MARTÍNEZ ALIJA es probablemente el cocinero vasco con una carrera más radicalmente innovadora, coherente y reflexiva del momento (desde luego tengo en mente a Eneko Atxa o Andoni Luis Aduriz). También, según mi criterio, quien defiende una culinaria con más alma, juventud y sentido, sin concesiones espurias a la tecnología ni exhibicionismos de ningún tipo. Va por caminos que muchos “valientes a toro pasado” transitarán acaso dentro de una década, y proclamándolo a los cuatro vientos. Departir con él antes de la comida en su cocina, junto con la generosa y entregada gente de su equipo, fue como dejar que nos abrieran los ojos a la verdad de una gastronomía hecha con riesgo y personalidad inauditos, que responde a una vocación difícil, expresada por ejemplo en el escrúpulo con que se prepara cada caldo (¡que maravilla pasear la jeta sobre el fondo de chipirones cocinado largamente a 69º -más de cinco kilos de chipis, “te puedo enseñar el albarán”, para conseguir un volumen mínimo de un jugo de concentración, olor y sabor increíbles-). <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><o:p> </o:p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;">No es ningún cotilleo: en una pasada conversación con Joan Roca en <i style="">El Celler</em> a Alija se le debieron de incendiar las orejas, el señor Joan expresaba y compartía su admiración sin ambages por “heavy” –“va a despegar”, me decía este cocinero magistral-. Miren: estamos ante un tipo, Josean, que ha invertido parte de sus Navidades enfangándose en huertas para seleccionar, codo con codo con los baserritarras, las mejores semillas, las más perfectas plantas de cardo; ante alguien que peleó durante ¡todo un año! con un maestro panadero hasta lograr desarrollar el pan de maíz que tenía exactamente en su cabeza; que sabe que el futuro de la mal llamada “alta cocina” pasa por la “trazabilidad” y la “estacionalidad” a ultranza del producto (¡en aras de la racionalidad económica y el control de los proveedores algunos menús degustación de tres estrellas pichilín llevan rematándose con el mismo pichón desde hace 20 meses!), y que éste, el producto, se mide tanto por la categoría de su procedencia reconocible como por la frescura de su recogida y tratamiento. Así de sencillo, así de infrecuente. <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><o:p> </o:p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;">Las homéricas e inflaccionistas peleas por el mejor producto entre restauradores de gran nivel (“venid a mí, hombres de estómagos cansados, y yo os restauraré”, ya saben, lema del primer restaurant parisién en el XVIII) deben ser reconsideradas a la luz de un nuevo tipo de gourmet, más crítico, inteligente y avezado al que no le atraen los cantos de sirena del Lujo a cualquier precio, que siempre es un mal precio. “Cocina de producto”, cantamos como un himno haendeliano. Pero el producto, en el menú a la vez sutil y extremado de ALIJA, está en un Pepino impregnado en lágrimas vegetales, más un melón salteado a la menta y su aliño de kéfir (mitin de los cuatro sabores, y por si alguien me viene con el Umami inventado por el viejo señor Ikeda, le hago caso a Blumenthal y lo acompaño con una manzanilla del equipo Navazos). <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><o:p> </o:p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;">El producto está, como decía, en un humildísimo cardo rojo, degustado en crudo (que se mueran los cursis con cara de bogavante: en la misma cocina la conversación trascurrió alrededor de un plato de hebras de cardo rojo en crudo, txakolí en mano…, un aperitivo informal dispuesto con dos amigables arrestos) una penca de cardo en filamentos, cuya textura no es la tradicional, mantequillosa tras la cocción de la abuela (ese ser mitológico), sino tersa, crocante, fresca. ¡Y qué elegancia sutil la de la verdura, con sus dejos de canela y almendra! Los filamentos se escaldan directamente en el plato ante el comensal con un té de alcachofas, romero, avellana y miel. Bendita y especiada impregnación. <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><o:p> </o:p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;">Lejos de este ogro pontificar sobre nada, ¡qué más puede dar lo que yo diga!; pero la creatividad de un cocinero se mide también por la capacidad que tiene de innovar con los sabores y texturas de productos hoy despreciados por humildes, sin incurrir en la tentación de desnaturalizarlos mediante vacuos alardes de contraste y fusión. Dos ejemplos, dos experiencias. Unas endibias rojas braseadas y borrachas en un caldo de moluscos con cardamomo, y a su vera un brochazo untuoso de pomelo con azahar. La amargosidad y la salinidad convulsionan los paladares. Y unas hebras de sabrosísima berenjena asada, reconstruida y barnizada con regaliz de palo (no sólo por aquello del color afín). Y como si de un segundo plato se tratara, un yogur de aceite de olivos milenarios de la variedad Farga. Olé su dulzor acojonante. ¡Hurras fordianos por el olivar del Maestrat castellonés! (supongo, no sé, que lo pillan de la Almazara Olivarera Cervol –son dos euros por la publicidad). <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><o:p> </o:p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;">Oigan, tómense esta berenjena con una cerveza artesana, una rubia italiana –ahhh- de nombre WAYAN (en balinés, y ya sé que todos Vds. dominan el balinés en la intimidad, significa “la primogénita”, ¡estupenda primogénita esta rubia de certificado biológico!, de birrificio Le Baladín y un toque policereal elegantón, turbio y especiado perfecto). <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><o:p> </o:p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;">Emoción: pasar a unos garbanzos. Sssí, ssssí, ya sé que en otros sitios a estas alturas del menú ya habríamos pasado de la vieira en concha de foie al foie en costra de vieiras, puarggg); estos dioses prosaicos de la gastronomía se presentan listos para el más hermoso infanticidio, delicaditos, unos criaturas de apenas meses, apenas arenosos, tersos, al punto, en un potaje de chipirón, en el que las legumbres chapotean en un fondo melosísimo de jabugo y pieles de bacalao. Qué limpieza de sabor ancestral. Qué lucidez de texturas vanguardistas. Para hacer más ruido que un japonés supereducado comiendo miso. <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><o:p> </o:p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;">Y luego un lomo de lubina asada, crudita y salvaje, con su ajada licuada, otra sensación caldosa, con sus tonos de alcaparras de Ballobar y su hierba de limón. Y luego un pollo de carnes prietísimas, aromatizadas con humo y bautizadas con un jugo de romero y lima. Me seduce esa alquimia de las hierbas de campo, las especias –sutilmente dosificadas, es el caso de la Elettaria (cardamomo)- y los cítricos potenciadores. <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><o:p> </o:p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;">Cerramos con dos postres, una esponja de pistacho, lavanda, bien rechupada de néctares de eucalipto y melocotón, más un helado de polipodio (helecho); y una textura de café, un merengue seco, con helado de cerveza para terminar como empezamos –por cierto, con una tempura de aguacate y otra, más rompedora, de pomelo-, comiendo sin utensilios, la mesa más desnuda que la de un Bras junior, los conceptos igual de puros que los de un Paolo “El Canto” Lopriore, la excelencia en la selección del producto sin monsergas burguesonas tan vocacional y rara como la de un Rene “Noma” Redzepi, o quizá un Barbot. Y poquitos más. A este ogro le dan ganas de mandar a herrar mosquitos a aquellos que piensan que no se está ante una cocina realmente comunicativa, pero lo que trasmite (y quienquiera más explicaciones sobre el alma que lea el “Fedro”) es algo que no acaba de entrar en el corsé de etiquetas periodísticas tan torponas como la de los “Eco-chef”. <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><o:p> </o:p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;">Pues no se trata únicamente de pertenecer a la nómina de los que demuestran ser los más obsesivos a la hora de pegar labels de calidad a los alimentos en sus fresqueras, sino de aquello que después crean y comunican a partir de esos productos, evitando siempre utilizar la “marca del origen” como excusa para sus insipideces. Y este es el logro de Alija que intento –buena, apasionada y torpemente- narrar aquí, compartir aquí con Vds. Los próximos meses, probablemente ya las próximas semanas, JOSEAN MARTÍNEZ ALIJA dará en el GUGGENHEIM un giro a su filosofía, retorcerá el pescuezo a su carta, llevará su ética del detalle más allá (si para Godard un travelling era una cuestión moral, para Alija lo es un sazonamiento, o un punto de cocción y temperatura). Y los convencidos, pero exigentes y seguramente, ay, minoritarios, fieles a su causa saldremos de allí cantando el “Cielo, si tu consenti” mejor que la Ciofi. <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;">Porque, oigan, nada mejor que una ópera de cuatro horas con al menos dos contratenores para conseguir digerir una italiana, rubia y primogénita. <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><em>El ogro Abel Tiffauges</em>

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1 La sala más Heavy del Guggenheim

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19960 Un mes que he empezado con mis fotos del día y todavía no sé a donde voy. <img src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/matthvanmayrith/03_04_09.jpg" id="img_0" class="imgcen"><img src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/matthvanmayrith/03_04_09bis.jpg" id="img_1" class="imgcen"><img src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/matthvanmayrith/03_04_09bis2.jpg" id="img_2" class="imgcen"> Dos obras de la exposición en el Guggenheim <h4><strong><strong>Cai Guo-Qiang: Quiero creer</strong></strong></h4><img src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/matthvanmayrith/03_04_09bis3.jpg" id="img_3" class="imgcen"><img src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/matthvanmayrith/03_04_09bis4.jpg" id="img_4" class="imgcen">Araña de Louise Bourgeois <img src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/matthvanmayrith/03_04_09bis5.jpg" id="img_5" class="imgcen">

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1 3 de marzo - Egun On Bilbo

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10923 Un amigo me pasaba esta noticia y, vacilándome, me decía "en plan noticia fresca, moderna y cosmo". Y no le falta razón en la ironía... <img src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/dario-manrique/200095_guggenheim-bilbao.jpg" id="img_0" class="imgcen"><a href="http://www.guggenheim-bilbao.es/secciones/actividades/actividad_reserva.php?idioma=es&tipo=6&id_actividad=265&anterior=resultado&page=2" title="http://www.guggenheim-bilbao.es/secciones/actividades/actividad_reserva.php?idioma=es&tipo=6&id_actividad=265&anterior=resultado&page=2" id="link_0">Art After Dark</a> es el nombre de un ciclo en el <a href="www.guggenheim-bilbao.es" title="www.guggenheim-bilbao.es" id="link_1">Guggenheim</a> bilbaíno que empieza hoy mismo con una sesión de Smart, DJ habitual en los clubs indies madrileños (especialmente el Elástico y el Ocho y Medio), y de los alemanas techno-poperos (más lo primero que lo segundo) Coma. El concepto de estas sesiones, una al mes, es abrir el museo por la noche, de 22 a 1, y que además de la música el público pueda disfrutar de las exposiciones como si de un día normal se tratara. Es buena idea y puede ser una chulada ver el Guggenheim un viernes por la noche con música de fondo, pero me hace gracia que siempre que los museos españoles de arte moderno (el <a href="www.musac.org.es" title="www.musac.org.es" id="link_2">MUSAC</a> de León, también) se acercan a la música lo hagan por la vía de la electrónica. ¿Es este género el único que produce música vanguardista a la que un museo de arte contemporáneo pueda asociarse? Recuerdo, por ejemplo, que en el Tate Modern londinense se llevaron hace unos años a PJ Harvey a tocar. ¿Es que el público rockero español (o el rapero) no va a museos? <cite><strong> </strong></cite>

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1 Art After Dark: Electrónica en el Guggenheim

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14644 La segunda ciudad por la que traviesa el Camino de Santiago del Norte es <A id=link_0 title=http://www.bilbao.net/bilbaoturismo/ href="http://www.bilbao.net/bilbaoturismo/">Bilbao</A>. Tengo la suerte de llegar un domingo por la mañana. Un domingo radiante de final de verano inundado por un sol que calienta pero sin llamar la atención, un sol bonancible que incita a disfrutar de la vida. La ría está llena de familias, de paseantes de todas las edades, de gente tomando el aperitivo en las terrazas, de jóvenes y no tan jóvenes en bicicleta, de turistas…. En las calles del casco viejo un gentío atesta los bares de pintxos. Es el puro deleite de la existencia al aire libre. El gozo de la ciudad reinventada, de la ciudad que volvió a nacer gracias a un museo. La urgencia por aprovechar los últimos rayos de sol ante la inminencia del invierno. <IMG class=imgcen id=img_2 style="WIDTH: 473px; HEIGHT: 301px" height=2062 src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/paco-nadal/Bilabo2.JPG" width=3105> ¡Quién ha visto Bilbao hace 20 años y quién la ve ahora! Una ciudad gris, anodina, fea…. nadie podría imaginar que un plan perfectamente organizado la transformaría de patito feo en cisne elegante. <IMG class=imgdcha id=img_0 style="WIDTH: 230px; HEIGHT: 311px" height=3334 src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/paco-nadal/Bilbao1.JPG" width=2085> Porque todo esto que ahora es el nuevo Bilbao corresponde a un proyecto a muy largo plazo ideado y perfectamente programado durante el gobierno del lendahakari Ardanza. Nos los contaban él mismo hace unos meses cuando fuimos a hacer el programa de <A id=link_2 title=http://www.cadenaser.com/hoy-por-hoy/ href="http://www.cadenaser.com/hoy-por-hoy/">Hoy por Hoy</A> de la SER en el <A id=link_1 title=http://www.guggenheim-bilbao.es/ href="http://www.guggenheim-bilbao.es/">Guggenheim de Bilbao</A>. Las cifras para traer el museo aquí, y con ello reconvertir toda la zona portuaria e industrial de la ría en zonas verdes y peatonales, eran astronómicas y la apuesta, muy arriesgada. Pero no se lo pensaron dos veces. Era la única manera de transformar una ciudad que no tenía solución. Y el resultado a la vista está. Ir a pasar un fin de semana a Bilbao, a ver el Guggenheim, pero también a pasear por la ría, a comer en la barra de un bar de las <A id=link_3 title=http://elmundoviajes.elmundo.es/elmundoviajes/noticia2.html?seccion=espana&zona=localidad&valor=57858&nombre=963064655#bulliciosas href="http://elmundoviajes.elmundo.es/elmundoviajes/noticia2.html?seccion=espana&zona=localidad&valor=57858&nombre=963064655#bulliciosas">siete calles,</A> a disfrutar de una obra en el teatro Arriaga, a ver la basílica de Begoña… es los más “in” que te puedas imaginar. ¡Quién se lo hubiera dicho a la pobre y gris Bilbao! A veces habría que dedicarles un monumento a los políticos cuyas miras van más allá de las siguientes elecciones. (Por cierto, sigue sin haber albergue de peregrinos estable en Bilbao. En julio y agosto dejan dormir en un colegio de Basurto, pero el resto del año o vas al albergue juvenil o a un hotel. Las grandes ciudades siguen siendo inhóspitas para los viajeros a Compostela)

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1 Mañana de domingo (soleada) en Bilbao

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17801 <IMG class=imgcen id=img_0 src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/salvapkt/DSC02526copia.jpg"><A href="http://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/3.0/es/" rel=license><IMG style="BORDER-TOP-WIDTH: 0px; BORDER-LEFT-WIDTH: 0px; BORDER-BOTTOM-WIDTH: 0px; BORDER-RIGHT-WIDTH: 0px" alt="Creative Commons License" src="http://i.creativecommons.org/l/by-nc-nd/3.0/es/80x15.png"></A> Esta obra está bajo una <A href="http://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/3.0/es/" rel=license>licencia de Creative Commons</A>.

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1 La araña de Bilbao

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8712 <DIV><A href="http://bp0.blogger.com/_BHfycUNju7s/SIIzJnU-pjI/AAAAAAAAA7k/p05puvTf1jA/s1600-h/IMG_5253.JPG"><IMG id=BLOGGER_PHOTO_ID_5224794757972010546 style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://bp0.blogger.com/_BHfycUNju7s/SIIzJnU-pjI/AAAAAAAAA7k/p05puvTf1jA/s320/IMG_5253.JPG" border=0></A> Cuántas cosas que contar… Estoy decidida a volcar el viaje completo en varios post con el deseo de que lo disfrutéis y de que quienes habéis estado en esos lugares sintáis la añoranza que dan los buenos recuerdos, mientras que quienes aún no han pasado por esas ciudades maravillosas de Europa, sueñen con la idea de hacerlo y aprovechar las sugerencias de sitios interesantes qué visitar, dónde comer o qué comprar… <DIV></DIV> <DIV><IMG id=BLOGGER_PHOTO_ID_5224795360652816194 style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://bp3.blogger.com/_BHfycUNju7s/SIIzssfR70I/AAAAAAAAA8E/0Phpkqh-EVc/s320/IMG_5273.JPG" border=0>Salimos de <STRONG>Sevilla</STRONG> y tras dormir en <STRONG>Madrid </STRONG>la primera noche, partimos hacia <STRONG>Bilbao</STRONG> para ver la exposición <STRONG>“Cosas del surrealismo”</STRONG> en el <STRONG>Guggenheim</STRONG> que explica la influencia del Surrealismo en el mundo del diseño, abarcando teatro, interiores, moda, cine, arquitectura y publicidad. Más de 200 objetos procedentes de colecciones públicas y privadas de todo el mundo, algunos nunca antes exhibidos. ¿Qué os puedo decir?, que disfruté como una enana –como decimos por aquí abajo para exagerar lo bien que te lo has pasado haciendo algo-.</DIV> <DIV> <STRONG>Dalí</STRONG> es el artista en el que la muestra se detiene más y <STRONG>Peggy Guggenheim</STRONG> también es muy destacada, mostrando varios de los objetos surrealistas de su propiedad. Esta extravagante mujer mantuvo una estrecha relación con muchos de los protagonistas del movimiento, de los que adquirió sus obras directamente, al comienzo de la II Guerra Mundial, presentándose su colección particular, por primera vez, en el año 1942 en Nueva York en un museo-galería llamado <EM>Art of This Century</EM>, centro de la vanguardia neoyorquina gracias a la difusión que ella dio al movimiento surrealista. En la exposición hay fotografías y videos que explican con detalle todo este proceso.</DIV> <DIV><IMG id=BLOGGER_PHOTO_ID_5224798522128649922 style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://bp0.blogger.com/_BHfycUNju7s/SII2kt52zsI/AAAAAAAAA8c/Kjd3eh1I49U/s320/vestido_esqueleto_Elsa+Schiaparelli_victoria%26albert+museum.jpg" border=0>Para mí, lo excepcional de la muestra es que incluye piezas de muy distinta naturaleza en los que el surrealismo ha influido: mobiliario, pinturas, esculturas, vestuario, joyas, cerámica, textiles, fotografías y cine distribuidas en cinco secciones temáticas: El ballet; El Surrealismo y el objeto; El interior ilusorio; La naturaleza se vuelve extraña; y La exhibición del cuerpo. </DIV><IMG id=BLOGGER_PHOTO_ID_5224795151507384130 style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://bp1.blogger.com/_BHfycUNju7s/SIIzghXH50I/AAAAAAAAA78/0d2cVpUTj2Y/s320/cocteau.jpg" border=0>Yo, si tengo que destacar algo que me agradara sobre todo lo demás, me quedo con la sección de cine, y que quede claro que todo me alucinaba, mis ojos no podían abrirse más para abarcarlo y comprenderlo todo. Pero es que se proyectaban trozos de películas que descubrí en la Facultad de Ciencias de la Comunicación dentro de una asignatura llamada Estética –qué pena que no me acuerdo del nombre del profesor, porque era realmente bueno—Yo asistía a las clases de esa asignatura con una ilusión… Allí me dejé envolver por la magia del surrealismo de la mano de <STRONG>Jean Cocteau</STRONG> amigo de otros artistas de su época como <STRONG>Guillaume Apollinaire, Pablo Picasso, Amedeo Modigliani, y Dalí</STRONG>. A pesar de sus éxitos en prácticamente todos los campos artísticos, Cocteau insistió en que era ante todo un poeta y que todas sus obras eran poesía. Pues bien, en el museo puede revivir las sensaciones que me producían sus películas: Orfeo, La sangre de un poeta, La bella y la bestia, Los muchachos terribles… películas escritas y dirigidas por él que fueron especialmente importantes en la introducción del surrealismo en el cine francés. </DIV> <DIV> <IMG id=BLOGGER_PHOTO_ID_5224794957345052354 style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://bp1.blogger.com/_BHfycUNju7s/SIIzVODN1sI/AAAAAAAAA7s/tUGWRm2MmxA/s320/magritte.jpg" border=0>En pintura surrealista me quedo con mi favorito <STRONG>René Magritte</STRONG>, al que tuve el placer de disfrutar hace tres veranos en Viena, en el Foro de las Artes, que reunió 70 de sus mejores lienzos en la muestra: “René Magritte: la clave del sueño”. Exposición en orden cronológico y desde mediados de los años 20 hasta los años 60, bajo la influencia de la pintura metafísica de su contemporáneo italiano Giorgio de Chirico -. </DIV> <DIV></DIV> <DIV><IMG id=BLOGGER_PHOTO_ID_5224795067505493234 style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://bp2.blogger.com/_BHfycUNju7s/SIIzbobgxPI/AAAAAAAAA70/aSAxZGajiBI/s320/many_times_juan+mu%C3%B1oz.jpg" border=0>Podría llevarme párrafos hablando de la muestra pero no quiero cansaros. La visita dio mucho de sí, también para disfrutar de la exposición: <STRONG>“Juan Muñoz: retrospectiva”</STRONG> todo un referente en la renovación de la escultura contemporánea internacional. Allí estaban desde sus primeras obras, en las que la ausencia de personajes no omite la presencia humana, hasta sus Piezas de conversación, en las que la soledad se hace evidente e invita al espectador a relacionarse con ellas creando un sentimiento de aislamiento y de introspección individual. Fue realmente sobrecogedor pasearse entre esas figuras humanas, cuerpos inanimados, de igual tamaño. Extraña experiencia.</DIV> <DIV> </DIV> <DIV></DIV> <DIV> <DIV><IMG id=BLOGGER_PHOTO_ID_5224795599837626402 style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://bp2.blogger.com/_BHfycUNju7s/SIIz6nhYgCI/AAAAAAAAA8M/UxOxYQfiafA/s320/IMG_5298.JPG" border=0>Tras el embriague de cultura, paseamos por la ciudad de Bilbao y nos comimos unos <STRONG>pintxos</STRONG> con un vino <STRONG>txakoli </STRONG>en el barrio viejo –que estaba para quitarse la txapela, vamos-. Una buena manera de comenzar unas vacaciones, sí señor. </DIV> <DIV><IMG id=BLOGGER_PHOTO_ID_5224796101579696386 style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://bp3.blogger.com/_BHfycUNju7s/SII0X0qA6QI/AAAAAAAAA8U/poLI_yiqA0w/s320/Playa+de+La+Concha+San+Sebastian.jpg" border=0></DIV>Al día siguiente visita rápida a la <STRONG>playa de la Concha</STRONG> en <STRONG>San Sebastián</STRONG>, antes de meternos en Francia hacia <STRONG>Poitiers</STRONG>. Pero esto ya es materia de otro post…</DIV>

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2008-07-19T18:49:00Z 177232

desde-sevilla-burdeos-pasando-gales

2008-07-19T18:52:41Z

1 DESDE SEVILLA A BURDEOS PASANDO POR GALES

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964 <STRONG><FONT size=4></FONT></STRONG><FONT face=Calibri></FONT><STRONG><FONT size=6></FONT></STRONG><IMG class=imgcen id=img_0 src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/eurotopia/Guggenheim_maqueta.jpg"> <P class=MsoNormal style="MARGIN: 0cm 0cm 10pt"><SPAN style="mso-bidi-font-weight: bold"><FONT size=3><FONT face=Calibri>La maravillosa creatividad de Frank Lloyd Wrigh no se vio exenta de polémica, esa combinación perfecta de materiales, métodos, naturaleza y entorno, le llevo a un endiosamiento intransigente, anteponiendo su OBRA a cualquier otro interés incluso el del cliente y aún con unos grandes conocimientos técnicos como demostró en sus diseños, su despótico individualismo le llevo a despreciar cualquier tipo de consejo de constructores e ingenieros, dado el tipo de arquitectura experimental<SPAN style="mso-spacerun: yes"> </SPAN>que realizaba, esto resulto fatal para su obra, multiplicando su coste extraordinariamente, presentado graves problemas posteriores y con unos costes de mantenimiento tremendos.<?xml:namespace prefix = o ns = "urn:schemas-microsoft-com:office:office" /><o:p></o:p></FONT></FONT></SPAN> <P class=MsoNormal style="MARGIN: 0cm 0cm 10pt"><FONT size=3><FONT face=Calibri><SPAN style="mso-bidi-font-weight: bold">Por otra parte tuvo una vida disoluta, </SPAN>no es de extrañar que esta inspirara una novela de Ayn Rand y una película de Hollywood, The Fountainhead [estrenada en España con el título de El manantial], dirigida por King Vidor en 1949. Gary Cooper encarnaba al arquitecto como un genio contracorriente y autodestructivo —con el nombre de Howard Roark— dispuesto a dinamitar sus propios edificios antes que ceder en sus convicciones. La película no era más peregrina que la realidad.</FONT></FONT> <DIV style="TEXT-ALIGN: center"><BIG><STRONG><BIG>Alegato Howard Roark</BIG></STRONG></BIG></DIV> <DIV style="TEXT-ALIGN: center"><BIG><STRONG><BIG></BIG></STRONG></BIG></DIV> <DIV style="TEXT-ALIGN: center"><BIG><STRONG><BIG></BIG></STRONG></BIG></DIV> <CENTER> <OBJECT height=344 width=425><PARAM NAME="movie" VALUE="http://www.youtube.com/v/bSnOLJOJm64&hl=es"><PARAM NAME="allowFullScreen" VALUE="true"> <embed src="http://www.youtube.com/v/bSnOLJOJm64&hl=es" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" width="425" height="344"></embed></OBJECT></CENTER> <CENTER></CENTER> <CENTER> <P class=MsoNormal style="MARGIN: 0cm 0cm 10pt"><FONT face=Calibri size=3>Adjunto el siguiente artículo de <B>Hugh Pearman</B> <P class=MsoNormal style="MARGIN: 0cm 0cm 10pt; TEXT-ALIGN: left"><FONT face=Calibri size=3>Es el padre de la arquitectura moderna. Tras su muerte, en 1959, Frank Lloyd Wright dejó como legado más de 470 edificios, considerados obras maestras. Su vida fue tan impactante como su trabajo. Se casó tres veces, dejaba plantadas a sus mujeres en apasionadas fugas, gastaba el dinero a mansalva... Sin embargo, sus edificios se caen. Deslumbrado por la belleza, al maestro nunca le preocupó que el hormigón aguantara. Ha sido uno de los arquitectos más grandes del siglo XX; puede decirse que el mejor. Sin embargo, Frank Lloyd Wright, cuya vida es bien sabido que se vio plagada de tragedias y escándalos, ha dejado una herencia cargada de problemas. Todo el mundo está de acuerdo en que sus edificios son una maravilla. El problema radica en que se caen. Desde la rampa helicoidal blanca del museo Guggenheim, todo un símbolo de Manhattan, hasta la casa de inspiración maya de Los Ángeles que apareció en la película de Ridley Scott Blade Runner, los edificios de Wright que todavía se mantienen en pie siguen igual que como él los dejó a su muerte en 1959, sacando de quicio a la gente, maravillándola y costando un impresionante montón de dinero. Wright goza de la consideración de un dios en el mundo de la arquitectura. Sin embargo, como todos los dioses, exige sacrificios. Hoy día, sus discípulos se pelean entre ellos mientras sus edificaciones se desmoronan. De la misma manera que en su época se consideraba normal que un edificio suyo costara mucho más de lo presupuestado cuando se terminaba de construir (lo acostumbrado era que hasta tres veces más), así también los encargados de la conservación de sus obras en la actualidad tienen que hacer frente a facturas exorbitantes para mantenerlas en pie; una restauración completa de cualquiera de sus famosísimas viviendas cuesta entre 2,5 y 6,5 millones de euros. Un edificio universitario se tragará hasta 8 millones de euros; habrá que soltar otros 10 millones para poner en condiciones un modesto hotel del año 1909 en Iowa, una suma tan disparatada que el Ayuntamiento de la localidad está tratando de venderlo a través de una subasta en Internet. Va a costar 20 millones de euros salvar el exterior del museo Guggenheim, que se cae a pedazos, y un mínimo de 70 millones de euros recuperar los famosos edificios gemelos del maestro, las comunas de estudio de Taliesin, en el Wisconsin rural, y Taliesin West, en el desierto de Arizona. Toda la existencia de Wright fue un experimento. De la misma manera que su arquitectura rompió las fronteras de los convencionalismos, su propia vida se estrelló frontalmente contra ellos. Disfrutó de una vida larga y agitada. Vivió con una libertad absoluta, con el acelerador pisado a fondo, desde la época victoriana hasta la era nuclear. Más bien bajito, aficionado a llevar tacones altos en los zapatos y a las capas, a los bastones con empuñadura de plata y a los sombreros llamativos, a los automóviles veloces, a los caballos de pura sangre y a las mujeres peligrosas, se fugó de Estados Unidos con Mamah Borthwick Cheney, la mujer de un cliente, dejando abandonados a su primera esposa, Catherine Tobin, con quien se había casado en 1889, y a sus seis hijos. Un comportamiento como éste no haría arquear las cejas a nadie en la actualidad. Sin embargo, no era lo que se dice la forma habitual de conducirse en el elegante barrio residencial de Oak Park (Chicago) en 1909. Cuando regresó un año más tarde, sin la menor muestra de arrepentimiento, sus amigos de antes se cambiaban de acera en la calle para no cruzarse con él. Sin embargo, el ostracismo terminaría por ser el menor de sus problemas. En 1914, mientras se encontraba fuera de Taliesin (el nombre significa "cumbre luminosa", un guiño a la ascendencia galesa de Wright), un criado que se había vuelto loco asesinó a Mamah, a los dos hijos de ella y a varios invitados con un hacha y luego prendió fuego a la residencia. Después de semejante horror, el artista la reconstruyó. Se volvió a incendiar, en esta ocasión por accidente. Se perdió una valiosa colección de arte, pero él volvió a reconstruir la casa, más grande incluso. La siguiente señora Wright, Miriam Noel, resultó ser una adicta a la morfina que se volvió loca y murió joven, pero no sin antes lanzar a la policía contra su esposo, que por entonces estaba agobiado por las deudas. Se había vuelto a fugar bajo un nombre falso con una nueva amante exótica, la mística y bailarina Olgivanna, montenegrina de nacimiento, y el hijo ilegítimo de ambos. Olgivanna, 30 años más joven, pasó a convertirse en su tercera mujer, la última oficial. No es de extrañar que la prensa norteamericana fuera tomando gusto a estas escapadas. A decir verdad, era imposible inventarse algo mejor. Con todo, él siempre salía a flote. Estuvo constantemente dependiendo de que los demás acudieran en su ayuda, y eso a pesar de que, desde 1932 hasta su muerte, no pagó nunca a ninguno de sus empleados; antes al contrario, trabajaban para él en régimen de aprendizaje y le pagaban a él. Aparte de eso, tenían que trabajar en otras cosas, como cocinar o limpiar, además, por supuesto, de dedicarse a reparar sus edificios sin descanso. Olgivanna se encargaba de organizarlo absolutamente todo, hasta el extremo, según se dice, de decidir quién había de mantener relaciones sexuales con quién y quién debería casarse con quién. La Taliesin Fellowship (Cofradía de Taliesin), como la denominaba el arquitecto, era una sociedad cerrada, peligrosamente parecida a una secta religiosa. Él decía siempre que la religión en cuestión era la Naturaleza, con ene mayúscula. No lo era. Era un culto al individuo, a él, a un profeta de la arquitectura con el pelo plateado flotando al viento. Levantó su Taliesin West en Arizona, meca de un grupo cada vez más numeroso de discípulos, mientras el banco se disponía a embargarle el primero, el de Wisconsin. Consiguió que se lo devolvieran, por supuesto. Gastaba el dinero de sus clientes con la misma libertad con la que gastaba el suyo. No es de extrañar que su vida inspirara una novela de Ayn Rand, todo un éxito de ventas, y una película de Hollywood, The Fountainhead [estrenada en España con el título de El manantial], dirigida por King Vidor en 1949. Gary Cooper encarnaba al arquitecto como un genio contracorriente y autodestructivo —con el nombre de Howard Roark— dispuesto a dinamitar sus propios edificios antes que ceder en sus convicciones. La película no era más peregrina que la realidad. Wright era un inconformista y un visionario absoluto. Nunca reprimió su descomunal ambición ni su no menos descomunal ego. En 1956, cuando ya era un anciano, dio a conocer los planos del rascacielos más alto del mundo, el edificio Mile High (La Milla), incluido el detalle de unos ascensores movidos por energía nuclear. Nunca llegó a construirse, aunque curiosamente tiene todo el aspecto de pertenecer a la última generación de los rascacielos del siglo XXI. Su última obra maestra, terminada en 1959, fue la forma blanca helicoidal del Guggenheim, una construcción sin precedentes y el abuelo de todos los edificios de formas caprichosas. Murió seis meses antes de que se inaugurara el museo, a los 91 años, con más trabajo del que había tenido jamás en toda su larga vida. Su cadáver fue trasladado a la primera Taliesin en un carro agrícola cubierto de flores. Con ese mismo ritual se había enterrado 44 años antes a su amante asesinada, Mamah. ¿Qué pasa con su última obra, el Guggenheim? Necesita en su restauración tanto dinero como el que hace falta para montar seis o siete de esas famosas exposiciones anuales del museo. Para ser un edificio que todavía no ha cumplido 50 años, ha precisado ya unas cuantas operaciones a fondo. No obstante, es tal el tirón del famoso arquitecto que todo el dinero ha sido ya donado por los acaudalados administradores del museo, cuyo anterior presidente, Peter B Lewis, aportó la parte del león. "Yo siempre he considerado que este edificio era la obra de arte más importante de nuestra colección", afirmó Lewis en el acto de anuncio de la colecta de fondos. Menos mal que es así, porque la vasta rampa helicoidal que sube por el interior desde la rotonda del museo ha supuesto siempre una pesadilla para alojar las exposiciones de arte. Sin embargo, a pesar de toda su generosidad, puesto que a lo largo de 12 años ha donado al museo casi 64 millones de euros, Lewis no debía de ser tan indispensable como el edificio que tanto ama. Se peleó con el director del Guggenheim, Thomas Krens, a propósito de sus planes de expansión internacional, y dimitió de su puesto el pasado mes de enero. Sin límites. Este edificio, buque insignia de Wright, cuenta con una flotilla de otras edificaciones menores que siguen su misma estela, todas implorando dinero fresco. Debido a que llevó los límites de la arquitectura tan lejos como era posible e incluso un poco más, la tecnología de su tiempo no siempre estaba a la altura de su clarividente imaginación. Por otra parte, el arquitecto tampoco se preocupaba excesivamente de los pormenores de la construcción, aunque diseñara con exquisitez algunos detalles. El problema de adelantarte a tu tiempo es que el tiempo tiene la costumbre de atraparte. Y no sale barato. Algunos de sus edificios se han podido salvar ya de la ruina, como la Casa Fallingwater (la casa de la cascada), de 1937, que es el hogar más famoso del mundo. En principio estaba destinada por su propietario, Edgar J. Kaufmann, a que fuera una casa de campo de fin de semana. Quería emplazarla con vistas a una cascada en los bosques de Pennsylvania. Wright tenía otras ideas, pero no informó a Kaufmann de cuáles eran. Se pasó meses sin trabajar en el diseño de la casa, meses y más meses. Fue así como empezó a forjarse la leyenda. Al final, a Kaufmann se le agotó la paciencia y telefoneó al arquitecto para informarle de que se iba a presentar allí en su coche, recorriendo una distancia de unos 225 kilómetros. "Venga cuando quiera, E.J. Su casa está terminada", respondió Wright sin perder la calma y colgó el teléfono. En el estudio, todo el mundo sabía que no se había trazado ni una sola raya. El genio tomó asiento, sacó sus lápices de colores y, en apenas dos horas, o tres como mucho, según algunas versiones, tenía dibujada la casa en toda su integridad, hasta el más pequeño detalle. Mientras la dibujaba, iba hablando, describiéndola. Lo tenía todo en la cabeza. La situó sobre un gran peñasco, justo encima de la cascada. Le puso ese nombre y la firmó. Esta asombrosa proeza de velocidad en el diseño es el hecho singular más celebrado de la historia de la arquitectura. Por entonces, le quedaba ya poco para cumplir los 70 años. El trabajo era escaso, su carrera estaba estancada. Fallingwater, una casa que combinaba el estilo norteamericano ecléctico de Wright, de influencia artesanal, con la horizontalidad blanca del modernismo europeo que él aseguraba desdeñar, le volvió a consagrar de manera instantánea como una estrella. Kaufmann quedó muy satisfecho al ver aquello, y eso que, con la casa encima de la cascada, le resultaba imposible contemplarla tal y como él mismo había exigido. "No cambie ni una línea", aprobó. Los cálculos iníciales eran que la obra costaría unos 35.000 dólares. Para cuando se terminó, el coste se había elevado a 125.000. Se habían conseguido algunos ahorros, no obstante: Kaufmann se negó a cubrir el interior y el exterior con pan de oro. Los problemas de Fallingwater empezaron desde el primer momento. Wright colocó la casa en equilibrio sobre la peña con una gran solera de cemento volada y con balconadas saledizas que se proyectaban desde todas las fachadas, como suspendidas en el aire. Al poco tiempo, la construcción empezó a ceder. A pesar del catálogo deprimente de reparaciones prácticamente continuas, fue aclamada de manera instantánea como una obra maestra. A mediados de los años 90, la casa, propiedad por entonces de una sociedad estatal de conservación de monumentos, se encontraba en estado comatoso. Se estaba hundiendo de tal manera que tuvo que ser apuntalada. Sin embargo, tanto en vida como ya muerto, al final el artista siempre ha encontrado dinero. Una vez concluida con éxito una compleja operación de cimentación para impedir que se derrumbara, Fallingwater se ha salvado. Como es habitual, se ofreció a colaborar en las obras un número suficiente de donantes. ¿Cuánto costó finalmente repararla? Una insignificancia de 2,5 millones de euros. En relación con los metros cuadrados, esa cantidad hace que parezcan una ganga los más de 20 millones de euros de reparaciones que acaban de empezar en el Guggenheim de Nueva York. Bloques de hormigón. Otras de sus obras también se van a llevar una fortuna. Los arreglos del templo pseudo maya de 1924 —la casa Ennis-Brown—, en las colinas de Los Ángeles, van a costar cuatro millones de euros. Lleva varios años con problemas porque fue uno de los numerosos edificios que Wright diseñó con lo que él llamaba "bloques de tela", moles de hormigón modelados conforme a formas geométricas que él sacaba a partir de moldes hechos con ferralla. Los empleó a lo largo de casi 40 años y nunca quiso reconocer que eran una auténtica chapuza. Realizados con muy escasa atención a los controles de calidad, los bloques absorben el agua y la contaminación que flota en el aire, las varillas metálicas se oxidan en el interior del hormigón y se expanden y finalmente se agrietan y se desmenuzan convirtiéndose en polvo. La casa Ennis-Brown se desmorona. A pesar de haber sido utilizada en Blade Runner y de haber aparecido en docenas de películas más, a pesar de haber sido defendida a muerte por la actriz y apasionada de la arquitectura Diane Keaton, su futuro es muy negro. Se vio afectada por un terremoto en 1994. Posteriormente, en marzo de aquel año, se produjeron corrimientos de tierra en la zona a consecuencia de unas lluvias torrenciales. La casa empezó a desplazarse. Se ha derrumbado una parte considerable de los muros exteriores. Ha tenido que ser evacuada. Da la sensación de que éste podría ser el golpe de gracia. Incluso la propia administración que gobierna la casa, que no dispone ni de lejos de dinero suficiente para iniciar los trabajos, está empezando a caer en la desesperación. Ocurre lo mismo en Mason City (Iowa), que ha recurrido a sacar a subasta en la empresa de Internet eBay el Park Inn, un hotel en estado de semiabandono que fue diseñado por Wright. El precio de salida, unos 8,2 millones de euros, cubriría el coste de las reparaciones. "Nos interesaría mucho tener noticias de personas que consideren que se les presenta una oportunidad única de participar en la salvación y restauración de un edificio de categoría mundial", explican esperanzados. El arquitecto británico John McAslan lo sabe todo acerca de Wright. Se ha encargado de restaurar una parte del Florida Southern College (Facultad del Sur de Florida), un campus universitario metodista que constituye la mayor colección de edificaciones del genio en un solo emplazamiento. Se emplearon sus característicos "bloques de tela", que realizaban los propios estudiantes para pagarse los estudios. Como es habitual, los bloques eran de calidad dudosa. La restauración que McAslan ha llevado a cabo recientemente en el edificio Polk, de los años 50, costó 8 millones de euros. Alrededor del 60% de los bloques tuvieron que ser sustituidos o reparados. Como subraya McAslan, "el edificio Polk costó algo así como tres veces por encima de lo presupuestado y se terminó con tres años de retraso". A pesar de todo, sigue siendo un ferviente admirador de Wright: "Fue un hombre increíblemente grosero y arrogante y, según parece, expelía un olor corporal bastante desagradable. Eso sí, era un personaje admirable. En mi opinión, los problemas de sus edificios no devalúan su herencia. En cierto sentido, es como si sus obras no se hubieran terminado jamás de construir. La verdad es que le traía sin cuidado. Lo importante era el resultado". El resultado —un mínimo de 470 edificios construidos, muchos de ellos demolidos y un número enorme de proyectos que jamás llegaron a construirse— es un problema que va a más. En la actualidad, los grandes defensores de Wright en Estados Unidos, que se hacen oír desde las dos comunas, las Taliesin, tienen que hacer frente a una crisis sin precedentes, mientras los edificios se deterioran a su alrededor. La Fundación Frank Lloyd Wright, que trata de preservar celosamente la reputación del maestro, está plagada de problemas. Sus dos máximos responsables abandonaron el puesto durante el año pasado y todavía está por llegar el nombramiento del que les sustituya. En el consejo de la fundación hay ocho puestos sin cubrir. Hay incluso otra organización más, vinculada a las anteriores, la Taliesin Preservation Inc., que lleva gastados cerca de 20 millones de euros desde 1991 en reparaciones provisionales de los campus; una gota en el océano de las necesidades. La Taliesin original, que data de 1911, está calificada oficialmente como "Monumento de Prioridad 1", es decir, que se trata de una de las edificaciones históricas que más peligro corre en Estados Unidos. Sólo la elaboración de un informe exhaustivo va a tardar dos años y va a costar 830.000 euros. Por otra parte, en estos tiempos no hay por ahí muchos aprendices que estén dispuestos a pagar unas tasas de más de 10.000 euros al año por estudiar Arquitectura con profesores que en ningún caso son Frank Lloyd Wright. ¿Un dios? Entonces, ¿dónde está hoy día su espíritu? ¿Es todavía un dios, a pesar de todo? Terence Riley, director del Departamento de Arquitectura y Diseño del Museo de Arte Moderno de Nueva York, no tiene la menor duda de que, como siempre, seguirá en la gloria por encima de todos estos problemas. "En estos precisos momentos", afirma Riley, "yo diría que su reputación sigue estando en lo más alto, con toda justicia. Muchos arquitectos afirman que asumen riesgos o que experimentan, pero muy pocos son tan audaces como lo era él. Dicho esto, cualquiera que esté forzando los límites corre el riesgo de fracasar, total o parcialmente. Hay unos cuantos edificios suyos que efectivamente sufren problemas, pero ninguno de ellos ha llegado a fallar completamente. La inmensa mayoría no tiene más problemas que los que pueda tener cualquier otra edificación después de 50 años de uso, si no casi un siglo". Para Riley, fue un auténtico innovador y por ello todo el mundo tendría que estar dispuesto a pagar el precio de mantener sus edificios en funcionamiento. "Me parece", comenta, "que hay muy pocas personas dispuestas a atajar los estragos del tiempo cuando se trata de la obra de Wright. El problema principal no está en las estructuras públicas, donde hay más recursos de los que hacer uso, sino de las casas familiares aisladas. Hasta el más entusiasta y más orgulloso propietario de una de sus viviendas encontrará que los costes suponen una carga muy onerosa". Bueno, siempre lo ha sido. Por otra parte, las obras de los arquitectos de nuestros días también salen mal con relativa frecuencia. Sin embargo, ninguno de ellos tiene nada parecido al carisma del maestro. En cuanto a cualquier idea que se le pueda ocurrir a usted, lo más posible es que Wright la haya tenido hace ya algunas generaciones. ¿Por qué soportaban en vida a este genio orgulloso? ¿Por qué se esfuerzan con todos los medios ahora para salvar lo que construyó, incluso hasta el punto de retorcerse las manos de desesperación? Eso es fácil de responder: porque era apabullantemente bueno. Era irrepetible. </FONT> <DIV style="TEXT-ALIGN: left"><B><SPAN style="FONT-SIZE: 11pt; LINE-HEIGHT: 115%; FONT-FAMILY: 'Calibri','sans-serif'; mso-ansi-language: ES-TRAD; mso-bidi-font-family: 'Times New Roman'; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-language: EN-US; mso-bidi-language: AR-SA">Por Hugh Pearman</SPAN></B><SPAN style="FONT-SIZE: 11pt; LINE-HEIGHT: 115%; FONT-FAMILY: 'Calibri','sans-serif'; mso-ansi-language: ES-TRAD; mso-bidi-font-family: 'Times New Roman'; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-language: EN-US; mso-bidi-language: AR-SA"> Domingo, 31 de julio de 2005 Fuente El MUNDO.ES</SPAN></DIV> <DIV style="TEXT-ALIGN: left"><SPAN style="FONT-SIZE: 11pt; LINE-HEIGHT: 115%; FONT-FAMILY: 'Calibri','sans-serif'; mso-ansi-language: ES-TRAD; mso-bidi-font-family: 'Times New Roman'; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-language: EN-US; mso-bidi-language: AR-SA"><BR style="mso-special-character: line-break"></DIV></SPAN> <DIV style="TEXT-ALIGN: left"><STRONG> <CENTER><FONT face=Calibri size=3> <DIV style="TEXT-ALIGN: left"><BIG> <DIV style="TEXT-ALIGN: left"><STRONG> <CENTER><FONT face=Calibri size=3> <DIV style="TEXT-ALIGN: left"><BIG><BIG><BIG> <DIV style="TEXT-ALIGN: center"><BIG><BIG><BIG>The Fountainhead</BIG></BIG></BIG></DIV></BIG></BIG></BIG></FONT><BIG><STRONG><BIG><BIG><STRONG> </STRONG></BIG></DIV></CENTER></BIG></STRONG></BIG></STRONG></DIV></BIG></FONT><BIG><STRONG><BIG></DIV></CENTER></BIG></STRONG></BIG></STRONG></FONT><BIG><STRONG><BIG><BIG><STRONG></DIV></CENTER></STRONG></BIG></BIG></STRONG></BIG> <CENTER></CENTER> <CENTER></CENTER> <CENTER> <OBJECT style="BORDER-RIGHT: 0px; BORDER-TOP: 0px; BACKGROUND: none transparent scroll repeat 0% 0%; MARGIN: 0px; BORDER-LEFT: 0px; BORDER-BOTTOM: 0px" height=344 width=425><PARAM NAME="movie" VALUE="http://www.youtube.com/v/dFRR0a0ONLI&hl=es"><PARAM NAME="allowFullScreen" VALUE="true"> <embed src="http://www.youtube.com/v/dFRR0a0ONLI&hl=es" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true" width="425" height="344"></embed></OBJECT></CENTER> <P class=MsoNormal style="MARGIN: 0cm 0cm 10pt"><FONT face=Calibri size=3>Si te ha interesado este post tienes en este mismo blog </FONT> <B style="mso-bidi-font-weight: normal"><U><FONT size=3><FONT face=Calibri><A id=link_0 title=http://lacomunidad.elpais.com/eurotopia/2008/6/30/de-revolucion-industrial-la-arquitectonica-wright href="http://lacomunidad.elpais.com/eurotopia/2008/6/30/de-revolucion-industrial-la-arquitectonica-wright"> <P class=MsoNormal style="MARGIN: 0cm 0cm 10pt"><B style="mso-bidi-font-weight: normal"><U><FONT size=3><FONT face=Calibri>De la Revolución Industrial a la Arquitectónica. WRIGHT<o:p></o:p></FONT></FONT></U></B> </A></FONT></FONT></U></B>

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1 Creatividad y Experimentación. WRIGHT

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8712 <DIV> <DIV><IMG id=BLOGGER_PHOTO_ID_5210563936667803554 style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://bp3.blogger.com/_BHfycUNju7s/SE-kSyyLn6I/AAAAAAAAA2M/7BYyrkYVPyw/s320/IMG_5074.jpg" border=0>Ayer visité los <STRONG>Reales Alcázares</STRONG> con la intención de ver las dos exposiciones que tiene actualmente: La de <STRONG>Caligrafía Otomana del Museo Sakip Sabanci</STRONG> y la <STRONG>Sevilla artística y monumental, 1857-1880</STRONG> <DIV><STRONG></STRONG></DIV><IMG id=BLOGGER_PHOTO_ID_5210563492905333538 style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://bp1.blogger.com/_BHfycUNju7s/SE-j49o9syI/AAAAAAAAA2E/ymA-qWIgOkc/s320/IMG_5068.jpg" border=0>La primera termina el 15 de este mes y muestra la obra que los calígrafos otomanos divulgaron tras su conversión al Islam en el siglo X, pasando, durante cerca de 500 años, los fundamentos de su arte a una ininterrumpida cadena de estudiantes y maestros. La caligrafía forma parte de la religión islámica, utilizada por los musulmanes -como en su día hicieron los monjes en el Medievo con la Biblia- para hacer llegar a su pueblo los versículos de su libro sagrado: el Corán, transformando las letras del alfabeto en un arte maravilloso que invitaba a la espiritualidad: “Dios los utiliza para revelar sus palabras”, refiriéndose a los calígrafos.</DIV> <DIV> <DIV>Como dijo el gran <STRONG>Mustafá Izzet Efendi</STRONG>, maestro entre los maestros: “leer una bella caligrafía es como oler el aroma de un tulipán” y eso es sin duda la sensación que te envuelve al contemplar las obras allí expuestas, caracterizadas por el equilibrio, la elegancia y armonía. <STRONG>Sakip Sabanci</STRONG> (1933-2004), uno de los grandes empresarios de Turquía, fundador del <STRONG>holding Sabanci</STRONG>, consiguió reunir una impresionante muestra de caligrafía otomana que se exhibe actualmente en el museo que lleva su nombre, un bello palacete en el barrio de <STRONG>Emirgan</STRONG>, en <STRONG>Estambul</STRONG>, a orillas del <STRONG>Bósforo</STRONG>. Parte de estas obras se exhibieron hace unos años en el <STRONG>Metropolitan de Nueva York, el Louvre de París y el Guggenheim de Berlín</STRONG>, y llegaron el pasado año a <STRONG>Madrid</STRONG> y ahora están en <STRONG>Sevilla</STRONG>.</DIV> <DIV> En la muestra se ve la labor artesana de los calígrafos otomanos -al servicio de los sultanes- reflejada en el ágil uso de los útiles de escritura. Todo un ritual que no dejaba espacio a la improvisación, que generó verdaderas joyas, como un Corán de tres centímetros pintado con diminutas agujas.En 1923, <STRONG>Atatürk</STRONG>, el fundador de la República turca, prohíbe la lengua y la escritura árabes e impone la imprenta y el alfabeto latino. Los calígrafos, servidores de Alá y del sultán, desaparecen, con lo que en 1936, los locales donde se enseñaba el arte de la caligrafía se desplazan a la recién creada <STRONG>Academia de Bellas Artes de Estambul</STRONG> donde siguen practicando este arte que dejan en herencia a una minoría heredera. <IMG id=BLOGGER_PHOTO_ID_5210564417562099410 style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://bp0.blogger.com/_BHfycUNju7s/SE-kuyQUPtI/AAAAAAAAA2U/ktos1JuJJ7A/s320/IMG_5113.jpg" border=0>La otra exposición, que permanece hasta el 17 de agosto, es la <STRONG>Sevilla artística y monumental, 1857 - 1880</STRONG>. Fotografías de <STRONG>J. Laurent</STRONG> que presenta 78 de las más de 400 imágenes que Laurent tomó de Sevilla en los cinco viajes que realizó a esta ciudad, entre 1857 y 1880. Procedentes en su totalidad del <STRONG>Archivo Ruiz Vernacci (IPHE-Ministerio de Cultura),</STRONG> las fotografías de Laurent reflejan la belleza de la capital andaluza con tomas de edificios singulares (<STRONG>Giralda y Catedral, Alcázar, Casa de Pilatos, Torre del Oro,</STRONG> etc), iglesias y otros monumentos. </DIV> <DIV> Las imágenes son el testimonio de los cambios urbanísticos que en esos años marcaron el inicio de la modernización en Sevilla. Además de las fotografías, es interesante ver algunas piezas originales de los diferentes soportes (tarjetas de visita, tarjeta-álbum, tarjeta estereoscópica, grabado en revista) sobre los que en aquellos años se difundían y comercializaban este tipo de imágenes. Una de las variantes que más demandaba el público de la época, eran las <STRONG>imágenes en tres dimensiones</STRONG> de las <STRONG>tarjetas estereoscópicas</STRONG>. </DIV> <DIV> Por ese motivo se ha elaborado una película de unos 12 minutos de duración que, para mi gusto, es lo más sorprendente de la exposición, con una instalación que permite contemplar 60 vistas en 3-D, tomadas tanto por Laurent como por otros fotógrafos de ese periodo. Lo extraño es que no hayan comercializado un DVD porque lo venderían como rosquillas -la gente preguntaba y lo único que hay es un libro con el contenido de la exposición-. La exposición es gratuita. <IMG id=BLOGGER_PHOTO_ID_5210564786697682018 style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="http://bp0.blogger.com/_BHfycUNju7s/SE-lERZGPGI/AAAAAAAAA2c/UoIjjOZY98Q/s320/IMG_5150.jpg" border=0>Y para asimilar un tarde tan cultural, nada mejor que terminar en el <STRONG>Starbuck</STRONG> que hay al lado de la Catedral -Avda. de la Constitución-, donde me tomé un <STRONG>Chai Te Late</STRONG>. Uhmm qué delicia!</DIV></DIV></DIV>

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caligrafia-otomana-sevilla-artistica-y-chai-te-late

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1 CALIGRAFÍA OTOMANA, SEVILLA ARTÍSTICA Y CHAI TE LATE

2009-08-15T09:14:12Z