0.0.0.0 3911 4055 <img src="../blogfiles/tonibamu/BIENVENIDOAFAREWELL-GUTMANN.JPG" id="img_0" class="imgcen" height="230" width="337"> Después de su extraordinario cortometraje Viernes, que fué nominado por la Academia entre los 5 mejores cortos del año, en el que el director catalán apoyado principalmente en la fuerza arrolladora de la imagen dió una excelente lección de lo que es el principio del cine Xavi Puebla, en su segundo largometraje, no iba a decepcionarnos y nos ofrece sin duda una de las mejores películas españolas del año. En esta ocasión es por medio de una fábula, que pasa en único espacio, en el de la multinacional farmaceutica Farewell Gutmann. Y es que la película arranca de manera maravillosa con los tres protagonistas hablándonos a nosotros, para posteriormente darnos cuenta de que no era con nosotros con quien hablaban sino con el difunto Ruiz, que va a ser el origen e incidente inductor de la película, puesto que los tres se van a ver inmersos en una lucha por conseguir el puesto que este ostentaba. Este inicio con tan fabulosa aprehensión retardada nos introduce de lleno en la fábula en la que a la misma vez somos los personajes, porque nuestra naturaleza humana nos hace comportarnos así, y a la vez estamos fuera de ellos, porque no aprobamos su comportamiento. Como en las grandes películas el joven cineasta ya nos ha contado toda la película y es esa capacidad de síntesis la que van haciendo que se construyan buenas películas. A continuación nos va a empezar a caracterizar a los personajes en los suburbios, en la planta mas baja, en el parking. Adolfo Fernández, interpretado por Lázaro Valdivia y Adela Giner, a la que da vida una extraordinaria Ana Fernández, son amantes que no van a dudar a encararse en caso de tener que disputar el puesto dejado por Ruiz. Fernando (Lluis Soler) nos es presentado en un BMW deteriorado y abollado, símbolo de un personaje reluciente años atrás pero magullado y demolido por el alcohol y la vida. Acto seguido se nos van a introducir las subtramas que se van a ramificar en tres direcciones y que va a tener como brazos conductores a los tres protagonistas y a tres aspirantes dispuestos a conseguir un nuevo puesto en la multinacional. Estas subtramas le van a servir al realizador para mostrar problemas sociales tan claros como la corrupción, la inmigración y la inserción laboral, a la vez que nos van a ir caracterizando mucho mas a los protagonistas. A partir de ahí va a empezar la lucha de poder que mantendrán los tres responsables de recursos humanos para aspirar al máximo cargo de la empresa. En ese momento aparecerá Luger, que será el encargado de elegir el sustituto de Ruiz, en el piso mas alto del edificio, a modo de demiurgo que va a poner a prueba a los tres personajes haciéndolos caer en todo caso en la mas profunda humillación y en la que vamos a comprobar la mezquindad y las miserias de todo ser humano en determinadas situaciones. Todo esto esta desarrollado en muy pocos espacios y todos en interiores, lo que sin lugar a dudas va creando una situación claustrofóbica, sin salida, laberíntica, en la que están inmersos los personajes y de la que no van a ser capaces de salir. A pesar de lo teatral que pueda parecer la propuesta, la manera de dirigir de Xavi Puebla invierte la situación y la hace tremendamente cinética y emocionante llegando a un climax en donde se van a resolver tanto la trama central como las tres subtramas que estaban abiertas desde el principio. Todo esto, apoyado por una dirección de actores perfecta y una humanización cien por cien de todos los personajes nos va a dar como resultado una de las mejores películas del año. Las fábulas se utilizaron desde la Antigüedad grecorromana para enseñar conducta ética a los niños que educaban. La moral deducida de estos ejemplos era la del paganismo: es imposible cambiar la condición natural de las cosas, incluida la condición humana y el carácter de las personas. Estas fábulas siguen utilizándose, en algunos casos como el de esta película de manera magistral, y concluyen con una enseñanza o moraleja de carácter instructivo. Ya que reunimos todas las características que dieron lugar a la invención de las fábulas esperemos nos pongamos en la situación de esos niños y esta moraleja tenga para todo nosotros también un carácter instructivo, aunque como en la fábula de Esopo, El escorpión y la rana, nos disculparemos diciendo "no hemos tenido elección, es nuestra naturaleza." 0 2008-07-14T10:45:36Z 2008-07-14T10:33:00Z 174845 bienvenido-farewell-gutmann 2008-07-14T10:45:36Z 1 1 2008-07-14T10:45:36Z 0.0.0.0 3911 4055 <img src="../blogfiles/tonibamu/citizen-kane.JPG" id="img_0" class="imgcen">Desde aquí os propongo que me envieis cual es para vosotros la mejor pelicula de la Historia ya que estoy arto que siempre salga la fabulosa pelicula Ciudadano Kane de Orson Welles. Siempre me he planteado esta cuestión que es la siguiente. ¿Por qué es ciudadano Kane la mejor película de la Historia si tal como decía el propio Welles no se encuentra entre sus mejores peíiculas? Bueno en base a esto os planteo esta propuesta en la que me gustaria no sólo que me dijerais cúal es la mejor película sino que argumentarais un porqué. De todas formas yo voy a decir cúal es para mí la mejor y porqué. La mejor pelicula para mí es Elogio del amor y Pasion de los fuertes y La aventura y La múltitud y El verdugo y Party girl y El año pasado e marienbad y Gertrud y Buchanan ride alone y Horizontes lejanos y Fellini 8 y medio y Alemania año 0 y La regla del juego y ¡Que bello es vivir! y Murieron con las botas puestas y La cicatriz interior y Las margaritas y El estrangulador de boston y Persona y El gatopardo y El ángel exterminador y El dorado y La mujer del cuadro y asi podria seguir hasta que pudiera acabar con todas las obras maestras absolutas que ha dado el séptimo arte. ¿Por qué son las mejores para mí? Pues porque lo de las votaciones me ha hecho siempre mucha gracia ya que entre tantas obras maestras ¿como se va a elegir la mejor si son todas ellas obras maestras o lo que es lo mismo obras perfectas? Por eso yo creo que no podemos elegir sólo una ya que por ahora no existe nada superior a la perfeccion y si alguien lo sabe y me lo puede decir se lo agradeceria. Bueno ahí queda eso que espero que como mínimo conlleve un debate. 4 2008-03-29T20:06:28Z 2008-03-29T19:35:00Z 120674 2008-08-31T23:17:25Z votaciones-mejor-pelicula-la-historia- 2008-03-29T20:08:56Z 1 1 2008-08-31T23:17:25Z 0.0.0.0 3911 4055 Hace meses fuí a la filmoteca de catalunya para ver una de las películas del ciclo que la filmoteca dedicaba al gran director norteamericano Richard Fleischer con motivo del centenario de su nacimiento. Mirando la programación quinzenal de la filmoteca ví que a las 5 de ese mismo sábado pasaban La soledad de Rosales. Era una película que no había visto y de la que tenía muy buenas referencias aparte de haber estado seleccionada en Cannes. La verdad es que esperaba que fuera mucha gente con eso de ser sábado y que era una película bien tratada por la crítica. La pequeña desilusión me la llevé cuando al empezar la sesión miré atrás y vi que eramos apenas unas 30 personas y todas ellas asiduas constantes de la filmoteca. A pesar de ello me dispuse a disfrutar de la película. Y como si de una elipsis del mismo Lubitsch se tratara, me encontré acabada la sesión sentado en la butaca anestesiado por la fuerza visual de la pelicula. Yo era uno de los que había ido a ver El orfanato de Bayona (esa sala si que estaba a reventar) que Telecinco nos hizo ir a ver casi a la fuerza y me había resultado una pelicula llena de clichés, muy bien hecha tecnicamente, pero tremendamente vacía y carente de interés. Yo creía, eso sí, que la pelicula arrasaria en los goyas y que la soledad pasaria, como en las salas comerciales, sin pena ni gloria. Pero me equivoqué ya que la peli de Rosales se llevó el goya a la mejor peíicula. Pero no fue eso lo que más me alegró sino las reflexiones que detrás de ese premio tuvo el propio Jaime Rosales. Ójala todo esto sirva para salir del cine adocenado e imbécil que nos ofrece el panorama español y que gente como el propio Rosales, Isaki Lacuesta, Marc Recha o Jose Luis Guerin entre otros sean el cine predominante en un futuro no muy lejano y en el que ver películas como esta no sea una excepción como es ahora sino lo habitual como era en los años sesenta ver una pelicula de Godard, Rohmer, Vera Chitylova o Jonas Mekas entre muchísimos otros. Porque no es cuestión de quitar ninguna pelicula de las llamadas comerciales sino que las películas pequeñas tengan el mismo trato y el mismo derecho a existir y nosotros los espectadores podamos elegir. ¿porque como saben las distribuidoras y los exhibidores que no nos van a gustar si ni siquiera nos dan la oportunidad de verlas? ¿Tengo siempre que elegir entre Superman 14 y Piratas del caribe 23? Pero claro La soledad nos hace pensar y a los que intentan idiotizarnos desde multiples sectores a los que sólo les interesa el dinero eso no les conviene porque dejaran de ganar 1 euro que le permitirá a un cineasta, que hace lo que le nace de las entrañas, seguir trabajando en un futuro. Este es un artículo ante todo para felicitar a Jaime Rosales por su fantástica película. Un film con un excepcional uso del espacio cinematográfico y la pantalla múltiple (que seguramente esté influenciado por Fleischer, Godard y Ray tres de los grandes cineastas que han sido capaces de sacarle más provecho a esta herramienta cinemtografica) en la que no se dice que un personaje está en la más profunda soledad sino que vemos y sentimos que está en soledad. Una pelicula que seguramente no haya visto mucha gente pero como decia Godard "prefiero que vean 10 personas mi pelicula y me conozcan a que la vean 7 millones y no me conozca nadie" Yo la he visto y he conocido un poco como es Jaime Rosales y como siente que está la sociedad hoy en dia. Una sociedad rota, como su pantalla dividida en dos, separada, también como su pantalla, y con una tremenda incomunicación, con dos personas que hablan y que parecen que están juntas pero que la forma en la que lo plantea el cineasta nos dice lo contrario. Una sociedad en la más profunda soledad y yo estoy deacuerdo con él. Ójala el futuro sea, como en el pasado festival de cine de Berlín al que tuve la oportunidad de ir, con gente que vaya en masa al cine para ver una película serbia de mínimo presupuesto. La sociedad lo agradecerá y crecerá. La soledad puede abrir este camino, esperemos que así sea. Mientras tanto veanla que sin duda no os dejará indiferente como la mayoria de las peliculas a las que estamos acostumbrados hoy en día. 0 2008-03-29T19:23:22Z 2008-03-29T17:55:00Z 120655 la-soledad-jaime-rosales 2008-03-29T19:23:22Z 1 1 2008-03-29T19:23:22Z 0.0.0.0 3911 4055 <IMG class=imgcen id=img_0 src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/tonibamu/images33.jpg">Después de ver un ciclo con las películas mas representativas de uno de los grandes cineastas de la época dorada de Hollywood como es Raoul Walsh y después de haber reflexionado sobre ellas he llegado a la conclusión de que los cineastas de hoy en día tienen muy poca cultura cinematográfica y la mayoría de ellos no se ha fijado (ni estudiado) ni mucho menos en la obra de este grandísimo cineasta. Entre estas obras se encontraban El ultimo refugio (que fue la que lanzo al estrellato a Humphrey Bogart), La pasión ciega (en la que interviene como protagonista, al igual que en El ultimo refugio, Ida Lupino que fue una gran actriz y mas tarde también una gran directora), Murieron con las botas puestas, Objetivo Birmania (en las cuales el protagonista es el extraordinario Errol Flyn) y al Rojo vivo (con el siempre espectacular, fabuloso y por entonces tremendamente famoso James Cagney) En estas obras (podría poner de ejemplo muchas mas) el cineasta americano nos lleva al sumum del cine narrativo pero como en todos los grandes cineastas nada es gratuito y todo lleva consigo un trasfondo social mas allá de toda narratividad. El último refugio aparte de descubrirnos en el papel protagonista a Humphrey Bogart nos mete de lleno en el mundo de los gansters y trata con enorme sabiduría aquella época en la que a causa de la ley seca se produjo una de las mayores redes de crimen organizado que ha sufrido Estados Unidos. En la pasión ciega nos introduce en las laborables y fatigosas jornadas que tienen que soportar los camioneros que tienen que trabajar hasta la extenuación para poder comer en donde sin ninguna duda nos pone en conexión con otro buen cineasta esta vez de nuestra época como Ken Loach y que seguro que tomó nota del gran Walsh. Murieron con las botas puestas conlleva consigo la épica de los grandes western y se empieza a notar ya en Walsh lo que más tarde se llamaría el western crepuscular y que seria la estocada mortal al genero en el que fueron los máximos exponentes Anthony Mann, Bud Boeticher y sobre todo Sam Peckinpah. En esta película además Walsh nos deja frases para la posteridad como la que acontece en la taberna del fuerte cuando uno de los antagonista le dice a Errol Flyn que el dinero es lo más importante en la vida a lo que éste contesta "el dinero no te lo puedes llevar a la tumba, la gloria sí" o otra como la que le dice Olivia de Havilland al propio Errol Flyn a razón de un tren que perdió éste y que le impidió verla: "Un tren no espera una mujer si". Esta película contiene uno de los planos más bonitos de la historia del cine en el momento que Errol Flyn se va hacia la batalla y Walsh con un plano de Olivia de Havilland hace un apoteósico movimiento de cámara de alejamiento de ella cayendo ésta al final hacia el fondo de la composición. Todas estas obras están tratadas con una sutileza y un manejo del lenguaje cinematográfico (que bien lo aprendió siendo el asistente de las películas del gran D.W Griffith) que arrolla y que cuatrocientas paginas como estas se me quedarían cortas para nombrar las múltiples sensaciones que te deja una película de este fabuloso autor. Todo esto venia para entrar de lleno en mi reflexión del estado en el que se encuentra el cine de hoy en día en el que esta instaurado (por muchos motivos que llevarían a otro tema mucho mas escabroso y del cual no quiero hablar) el cine narrativo y puesto que por ahora no queremos salir de esta clase de cine nos tendríamos que fijar en el gran Raoul Walsh estudiarlo y seguir su camino para que las películas que nos llegan tengan solamente la mitad de virtudes que tenían las de Walsh y si se puede (cosa que lo dudo porque no hay en el cine narrativo de hoy en día alguien con la calidad de Walsh) subirse a hombros de este gigante de la narratividad para poder ver aun más lejos. Baste desde aquí ante todo mi más profunda admiración hacia uno de los mas grandes cineastas, y hoy un poco olvidado, de la historia del arte cinematográfico y después mi suplica de que nos lleguen a las pantallas un cine mucho menos superficial y aunque sea dentro de la narratividad un cine con mucho más calidad y compromiso social de la que nos llegan hoy en día. 0 2007-10-04T22:47:30Z 2007-10-04T22:47:30Z 40111 sobre-raoul-walsh 2007-10-04T22:47:30Z 1 1 2007-10-04T22:47:30Z 0.0.0.0 3911 4055 <IMG class=imgcen id=img_8 src="http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/tonibamu/24506_ANTONIONI.jpg">EL 30 DE JULIO DE 2007 FALLECIO EN ROMA UNO DE LOS GRANDES CINEASTAS ITALIANOS Y MUNDIALES DE LA HISTORIA DEL CINE. ES POR ESO QUE ME GUSTARIA HACER UN PERSONAL TRIBUTO A SU PERSONA ESCRIBIENDO SOBRE SU PELICULA EL ECLIPSE, UNA DE LAS MAYORES OBRAS MAESTRAS DE LA HISTORIA DEL CINE. <DIV style="TEXT-ALIGN: left"></DIV>Vittoria (Monica Vitti) despues de una noche discutiendo con su novio Riccardo (Francisco Rabal), decide terminar con una relacion asfixiante para ella. Mientras disfruta de una renovada soledad al lado de su madre y amigas conoce a Piero (Alain Delon) un ambicioso, joven, y atractivo corredor de bolsa. El es un seductor materialista pero ella a pesar de todo acaba teniendo con él un pasional romance. Despues de reflexionar mucho sobre la pelicula pienso que Antonioni siempre ha tenido las cosas muy claras y asi como hay cineastas que van aprendiendo conforme van haciendo cine (otros ni eso) Antonioni ya desde su primera pelicula (y su primera obra maestra, cosa de la que poco cineastas pueden presumir) lo tenia todo muy claro. Y asi como Joyce fue único introduciéndonos en la mente de un personaje, nadie como Antonioni ha sido de capaz de analizar con esa exactitud quirurgica los sentimientos del ser humano y especialmente el de las mujeres. En esta ocasión nos muestra perfectamente como se pueden ir enquistando, confundiendo y oscureciendo los sentimientos hasta llegar a un eclipse total de estos. Todo esto lo va trabajando el cineasta italiano plano a plano a lo largo de las 2 horas de duracion de la pelicula pero yo enunciaré sólo alguno de los múltiples elementos cinematograficos que trabaja el director para hacernos sentir que es lo que pasa en el interior de los personajes y en especial de una Monica Vitti en lucha con sus sentimientos dentro de un mundo cada vez más caótico, falto de razón y materialista. La pelicula empieza en casa de Francisco Rabal, el lugar donde ha tenido la discusion la pareja, y Antonioni nos muestra un espacio cerrado, asfixiante, laberintico, cargado, en donde el unico aire proviene de un elemento artificial como es el ventilador que azota los sentimientos de Monica Vitti y que provoca un ruido y ensuciamiento de la imagen que lo convierten en un elemento mas negativo que aliviador dentro de ese mundo. Todo ello esta potenciado por los contrastes de luz aportados por el director de fotografia Gianni di Venanzo que dramatizan mucho más la situacion. La estaticidad de la cámara, los obstaculos del espacio, los claroscuros de la fotografia en el interior de la casa, la elongacion del tiempo cinematográfico contrasta con el suave travelling, el espacio abierto, sin obstaculos y la luz tenue y suave que acompañan a Monica Vitti en busca de esas ansias de libertad emocional. A partir de ahi y hasta que se enamora de Alain Delon Vitti se va a mover en espacios deserticos, vacios y muchas veces ruidosos de la ciudad de Roma como metafora-espejo emocional del momento que atraviesa. Todo esto va a ir en contraste tambien permanente con el mundo en el que se menea Alain Delon, el mundo de la bolsa, un medio bullicioso, con ruido, frio, depiadado y metodico que caracterizaban la epoca de los 60 y el mundo actual. Todo ello queda acentuado por el magistral uso en todas las secuencias que se desarrollan en la bolsa del dialogo modal y el dialogo ruido. Dos contrastes de mundos interiores de los personajes que a pesar de enamorase no van a ser capaces de superar el tormento, la incomunicacion, la instrospecion y la alienacion interior tan propias del cine Antonioniano. Todo esto va a desencadenar en que despues de que Monica Vitti y Alain Delon se vean varias veces en la bolsa de Roma acaben concertando una cita. El lugar donde quedan es una casa (¡que importante es este espacio!) que algun dia se empezó a construir pero por alguna razon quedo paralizada. Monica Vitti aparece la primera y mira el espacio mientras espera. Aparece Alain Delon a la hora en punto, Vitti ha aparecido antes de la hora (cuantas veces hemos aparecido antes de la hora a una cita). A partir de ahi empezará un tortuoso romance entre los dos. Un romance caracterizado por el materialismo de Delon (que lleva a Monica Vitti a casa de sus padres simplemente porque es una casa mas grande que la suya o se preocupa porque ha quedado destrozado su ferrari y sin embargo no se preocupa por la persona que ha muerto conduciendolo) y por las dudas interiores de monica Vitti (que esta enamorada de Alain Delon pero esta hipotecada por una relacion asfixiante anterior) Porque a pesar del amor pasional de los dos personajes idealizado por los espacios, que a diferencia de la secuencia inicial, nos muestra unos espacios abiertos y diafanos con poesias visuales como la de los de los arboles y el viento envolviendolos y sacudiendolos emocionalmente (ya no artificialmente como el ventilador de la secuencia inicial sino naturalmente) formalmente Antonioni nos los acaba de unir. Besos de la pareja con un cristal de por medio, paseos y conversaciones de los dos cortadas por montaje que hace que los veamos en permanente fragmentacion, las dudas de Vitti, el materialismo de Delon, el lugar donde quedan todos los dias a la misma hora que es una casa en obras, a medio construir y paralizada como metafora de la situacion entre ambos. Todo esto nos va dejando una sensacion entrañable a la vez que extraña en la que a pesar de estar viviendo un bonito romance (debido a los espacios donde los situa Antonioni) tenemos la intuicion de que algo no acaba de ir bien. De todas formas ninguna de estas multiples cualidades puede ser comparada con la secuencia final que nos brinda el maestro italiano que despues de una suntuosa cena nos deja para el final el amargo y embriagador sabor como si de una botella de champaigne se tratara. La secuencia tiene lugar despues de una apasionada tarde entre los dos en la oficina de Alain Delon en donde acuerdan quedar para esa misma tarde donde siempre nosotros (que somos la camara) estamos esperando que aparezcan los dos para seguir disfrutando de ese particular idilio. Llega la hora de la cita, vemos la enfermera que a esa misma hora todos los dias pasea los niños, Nos mostramos inquietos cuando en el lugar de siempre no esta Monica Vitti. Seguimos al hombre que a esa misma hora y tambien cada dia pasa en una carretilla estirada por un caballo pero esta vez no nos encontramos como en una secuencia anterior con Alain Delon, por ahora no ha aparecido ninguno de los dos. Seguimos en ese mismo lugar con la cabeza agachada mirando el paso de cebra que lleva al lugar de encuentro, escuchamos algo, levantamos la cabeza para mirar si es alguno de ellos pero es un hombre al que no conocemos. Miramos el espacio vacio, Vamos a la parada del autobus para ver si de alli sale alguno, sale gente pero no es ninguno de ellos, el ultimo es un hombre con un periodico, le miramos por encima del hombro, leemos los titulares ,el hombre se aleja mientras nosotros seguimos esperando viendo como unos niños juegan con el agua que tira un aspersor que riega los arboles (testigos como nosotros de la historia de amor entre los dos) de sus ojas gotea agua, quizás estén llorando porque no llega la pareja. Miramos los balcones de los edificios colindantes, miramos el avion que pasa, miramos la gente que mira el avion. El cielo se nubla se esta haciendo de noche. Seguimos esperando a que llegue el ultimo autobus del dia, nos aferramos a una última esperanza. Todo se desvanece, del autobus no sale ninguno de ellos. Miramos de nuevo el lugar de la cita, el lugar de la casa, el lugar que siempre habiamos visto de dia y que sin embargo ahora vemos de noche y esta a oscuras, el lugar donde se empezo a construir una historia de amor pero que por alguna razon que intuimos pero que nos negamos a creer ha quedado paralizada, con la mirada vamos desde la casa a la farola, asociando ese espacio de los sentimientos con la farola. Nos acercamos bruscamente hacia su luz todo funde a negro, se ha producido el eclipse, el eclipse de los sentimientos. Gilles Jacob dijo una vez de Antonioni que era el arquitecto del tiempo y del espacio. No le faltaba nada de razón ya que en esta última secuensia el maestro de Ferrara construye la mayor apoteosis en el uso del espacio cinematografico. De otro lado, Martin Scorsese decia de Antonioni que era un poeta de la camara, cosa que demuestra el cinasta italiano de modo ejemplar durante la ultima parte de la pelicula donde la camara enlaza verso tras verso hasta llegar a componer uno de los poemas mas bellos de la historia del cine. 4 2007-08-17T16:37:13Z 2007-08-21T22:59:43Z 22814 2009-06-25T20:24:15Z el-eclipse-michelangelo-antonioni 2007-08-21T22:59:43Z 1 1 2009-06-25T20:24:15Z