Sigo vivo

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4379 hola a todos, no voy a poder postear nada nuevo, escribo esto porqué si que quería escribir pero no me ha dado tiempo, voy a ver ahora mismo los violentos años veinte de Raoul Walsh, prometo postear...algún día, tengo ganas de leeros joder! creedme, pues eso sigo vivo. Benjamin Britter te escribí algo en los comentarios de "centauros del desierto", contestame con algo si quieres. Loba, gracias por pasarte (cuando no tengo tiempo para bucear por aquí, sólo entro a leer tu blog), si, se ha reeditado "deseando amar", buena noticia! te debo una foto no? cuando salga guapo... besitos!

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sigo-vivo

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1 Sigo vivo

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4379 <IMG src="http://www.muchocine.net/img/deseando-amar.jpg"> Hola a todos, perdón por el retraso, no he podido actualizar antes, ya lo he dicho por ahí, hoy toca una película hongkonesa, del director Wong Kar-Wai (más conocido por dirigir 2046), del cual estoy analizando su música para hacer una exposición este próximo martes. A ver que os parece "Deseando Amar" (recomendada totalmente). Es esta una película triste, de vidas atrapadas, la cámara no para de enclaustrar a los personajes agobiándolos, sin respirar intentan encontrarle un sentido a su vida, un sentido que no encuentran ni en el trabajo, ni en la ciudad, ni en sus parejas... porque es esta una película de amor, o de desamor, o de el amor como escapatoria. Nuestros personajes (los actores geniales) son vecinos y ambos tienen unas parejas poco menos que furtivas y esquivas, unas figuras casi fantasmales que no llegan a salir de frente en todo el film. Los protagonistas deben inventarse toda una trama para ocultar la realidad de sus respectivas relaciones, y caen en una monotonia casi enfermiza, ella, cena todas las noches tallarines, una noche, se cruza con él, comienza la cámara lenta y el tema principal de la película, hay un toque de sensualidad en el movimiento de ella, se miran, no dicen nada, si no fuera por la música, estarían en la más absoluta miseria (a nivel emocional claro), pasillos grises, vida gris, pero en ese mismo instante se dan cuenta que puede haber algo que les saque de esa vida. En cada cita suena "aquellos ojos verdes" cantada por Nat King Cole, van quedando, hablan poco, quizás porque los dos son fugitivos y no tienen nada que decir, pero la compañia mutua los alivia, no saben siquiera si se han enamorado el uno del otro, cuando intentan hablar del tema, recuerdan que tienen parejas, aunque estas sean demasiado precarias (por no contaros nada de la película), hacia el final de la película "aquellos ojos verdes" se transforma en "quizás quizás quizás", expresando la incertidumbre de los protagonistas, que deben escoger entre dos caminos, cambiar o seguir luchando, pero la respuesta está en Camboya... Como dijo Isabel Coixet sobre esta película, hay cosas que sólo se pueden gritar dentro de agujeros en la pared.

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1 Deseando Escapar

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4379 <IMG src="http://www.blogdecine.com/images/2007/07/poster%20cassandras%20dream.jpg"> Anteayer tuve la ocasión de ir a ver la última película de Woody Allen y después de dos días pensando sobre ella, todavía no sé si me gusta, creo que no y tampoco sé si recomendarla o no, a ver si hablando sobre ella os puedo formar una opinión. La película empieza demasiado lenta e incluso soporífera, sin rumbo fijo, parece que la trama se vaya improvisando, los diálogos no son a los que nos tiene acostumbrados Allen, desde un principio me dió la sensación de que era una película de encargo con la que Woody Allen no se había implicado al máximo, además que parece que sea una fotocopia de su interesante "Match Point" que tan bien funcionó, sólo que esta no es nada redonda, recuerdo que pensé que la había rodado su primo, pero eso si, en honor a la verdad superados esos primeros malos minutos, la película se va acoplando al guión, parece que encuentra su camino y va a más. Hay otro punto a tener en cuenta y es que, las películas de Allen son eminentemente de actores, películas que no funcionan si ellos no lo hacen, pues bien, en esta, Colin Farrell i Ewan McGregor están especialmente mal, sobretodo el primero, menos mal que está Tom Wilkinson al rescate. La película es un translación de las tragedias griegas (no os voy a contar nada tranquilos) a nuestros tiempos, donde priman los remordimientos, la culpa, el lado oscuro del corazón humano que tanto juego da en el cine, las linias que estamos o no dispuestos a traspasar, que, a menudo son mas de las que nos podríamos imaginar. Releyéndome me estoy dando cuenta que he machacado bastante al film, tampoco era mi intención pero es que, no nos engañemos, esto es lo peor en la filmografía de Woody Allen, eso sí lo puedo afirmar, pero supongo que despues de ver todas las críticas que se han vertido sobre el film uno piensa, Allen siempre es Allen, y eso también es verdad.

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1 Cassandra's Dream; La Pesadilla De Woody Allen

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4379 Hola a tutti, algunos puede que aún me recuerden jaja, tengo esto descuidado pero mi intención es la de volver aunque sea sólo los fines de semana, vuelvo con un trabajito que hize la semana pasada para historia del cine (comunicación audiovisual de primer año en Gandía) sobre "Centauros del desierto", una obra maestra. Espero que los amigachos de por aquí os paseis a visitarme, quiero darle las gracias a la loba primero de todo (no digo que la visiteis que ella ya tiene muchas, la jodía), si no fuera por ella, seguro que me lo hubiera dejado (mas o menos como ahora pero del todo jaja), he entrado mas o menos regularmente todo lo que he podido en los blogs de todos los que tengo en mi lista de amigos, aunque no haya posteado nada ni haya escrito, lo digo por narciso y guillen, mi compi ilicitana, que eran asiduos de mis entradas en la comunidad, pero en realidad todos, pacohuesca (que está desaparecido),las viñetas de humor de ricardo o el señor capullo, así como pat o mariajo (no olvidaré tu comentario que me llenó de moral), mis amigas mas recientes suicida y rosa y el blog de desafinado (que recomiendo totalmente) y la última personilla que entró por aquí, cuando ya me estaba desenganchando de entrar por aquí, regaliz. Desde luego aqui hay mucho talento, me sorprendió gratamente, sois todos unos artistas! espero continuar siguiendoos la pista, y ahora, si os veis con ganas de leer esto, hacedlo y comentadme y criticadme lo que queráis. Un abrazo. LLUIS A. CAMPELLO NOGUEROLES<?xml:namespace prefix = o ns = "urn:schemas-microsoft-com:office:office" /><o:p></o:p> <o:p> </o:p> CENTAUROS DEL DESIERTO DE JOHN FORD<o:p></o:p> <o:p> </o:p> <o:p> </o:p> Considerada una de las mejores películas de la historia del cine, “Centauros del desierto” narra la historia de un viaje con tintes de aventura, de una búsqueda (el título original es “The searchers”, que podríamos traducir como los buscadores), de una venganza, en el transcurso de la cual todos los personajes sufrirán un giro total en sus pensamientos, sentimientos y convicciones.<o:p></o:p> <o:p> </o:p> Al igual que en “El hombre que mató a Liberty Valance”, “Centauros del desierto” tiene un principio y un final paralelos, simétricos que no hacen sino dar una forma redonda y perfecta a la obra. La primera imagen de cada una de las películas conduce a su final, y el último plano cierra solemnemente toda la historia. En “El hombre que mató a Liberty Valance” el primer plano es la llegada de un tren y el final es uno que se marcha. <o:p></o:p> <o:p> </o:p> En el caso de la película que nos ocupa, su primera escena, una puerta que se abre, una mujer que otea el horizonte y de lejos un personaje que avanza hacia la casa, se crea una expectación por el visitante, visita largamente esperada, además. Enmarcada en el porche (del rancho Edwards), lugar idílico del cine de Hollywood, lugar de encuentros y desencuentros, de bienvenidas y despedidas, sirve de presentación de Ethan Edwards (John Wayne). El final, considerado por los entendidos como posiblemente uno de los mejores, si no el mejor final de una película rodado nunca, nos recuerda al principio del film, después de cumplir cada uno con sus objetivos, vuelve a haber un reencuentro en el porche (del rancho Jorgensen), la cámara hace un travelling al interior de la casa y deja como marco de la escena el propio marco de la puerta de entrada, dejando solamente a Ethan en pantalla, acto seguido, mientras él se gira, la puerta se cierra creando un efecto parecido al fundido en negro dando paso a los créditos.<o:p></o:p> <o:p> </o:p> La historia de la película es la del viaje que emprenden Ethan y su sobrino adoptivo Martin Pawley (Jeffrey Hunter) en búsqueda de la sobrina de Ethan, capturada por el jefe indio Scar (Cicatriz en español interpretado por Henry Brandon) de la tribu de los Nawyecki. Y este hecho no es más que la venganza de una venganza, pues el ataque indio sobre la casa de la familia de Ethan no era sino una respuesta a la muerte de los hijos de Scar.<o:p></o:p> <o:p> </o:p> La película va más allá de ser una mera aventura o de ser una película de indios y vaqueros. John Ford va más allá, la película, como todas las suyas, es un tratado sobre la vida en general y sobre las emociones humanas en particular, esta película no es un western y ya está, es una tragedia totalmente épica, es una película total, trata del amor, trata de la guerra, trata del romanticismo, trata de la sociedad, trata de la cultura, del honor y de las armas, de la venganza y los remordimientos, de la soledad y de mil cosas más. Tras la historia superficial se ocultan una serie de valores que hacen esta obra grande; el cambio de los personajes al final respecto del principio de la película.<o:p></o:p> <o:p> </o:p> El contexto histórico en el que se enmarca “Centauros del desierto” es el de el oeste americano (el estado de Tejas concretamente) en el año 1868, tres años después de acabar la guerra de secesión, en un territorio convulso incluido en una época convulsa, en un país aún por pacificar, dónde la justicia funciona a veces y la razón a cuentagotas. <o:p></o:p> <o:p> </o:p> Uno de los grandes temas (que no historia) de “Centauros del desierto” es lo que muchos han llamado racismo, yo lo interpretaría más como intolerancia provocada por una sociedad muy tradicional, algo natural en la época, intrínseco a los personajes que poblaron el oeste americano. Esto se palpa desde el principio cuando Ethan Edwards vuelve después de muchos años sin pisar su hogar y le saludan uno a uno todos los miembros de su familia, a los que le cuesta reconocer, cuando lo hace Marty (Martin Pawley), Ethan cambia su rostro y le trata con desprecio, pero, cosas del destino, después del ataque, les toca ser compañeros y se lanzan juntos a la búsqueda de las dos niñas, en ese viaje Ethan irá cambiando de opinión muy poco a poco hasta llegar a aceptarle. Marty sólo tiene una octava parte de sangre india, suficiente para Ethan como para no considerarle de la familia a pesar de ser él el que lo salvó cuando era un niño y lo dejó en el hogar de los Edwards.<o:p></o:p> <o:p> </o:p> Es importante también la semejanza que hay entre Ethan y Scar, los dos son acérrimos enemigos del bando contrario, Ethan odia con todo su ser a los indios y Scar sólo anhela vengar la muerte de sus hijos arrancando tantas cabelleras como le sea posible, ninguno de los dos está dispuesto a dar su brazo a torcer por cambiar de postura pero ambos se rigen por un estricto código de honor que ellos creen justo, son dos personajes muy fuertes, con una gran fuerza visual, John Wayne con su habitual estilo socarrón, es el típico héroe antihéroe, es decir, no es guapo, ni es atento, ni siquiera se lleva los méritos por sus hazañas, es todo lo contrario, es huraño y suele estar malhumorado, le encanta tener la última palabra y es muy curioso su evolución como ya he dicho antes, desprecia a Marty y renuncia a Debbie como sobrina e incluso como persona pero al final del film, cuando ya ha comprendido muchas cosas, perdona a la niña, la rescata y sus creencias más profundas se desmoronan en un momento, Ethan comprende otros valores que sustituirán los más tradicionales y le cambiarán para siempre.<o:p></o:p> <o:p> </o:p> Otro aspecto importante de Ethan Edwards a destacar es lo que supone para él la pérdida familiar y del rancho Edwards, lo pierde todo. La película empieza con John Wayne llegando sólo a su hogar, pero el final de “Centauros del desierto” es demoledor para él, el marco de la puerta nos muestra a Ethan Edwards, después de haberse vengado, después de haber salvado a su sobrina, de haber salvado la vida a Marty, está sólo. El viejo Moss tiene su mecedora, Marty tiene a su esposa, los Jorgesen tienen una nueva hija adoptiva de la que cuidar, pero Ethan está sólo, no recibe ni siquiera agradecimiento, nada, vino sólo y se va sólo, mira al rancho Jorgesen se gira y se cierra la puerta del rancho, un final desolador para Edwards, que tiene un futuro incierto sin hogar al que ir, ni familia que le acompañe.<o:p></o:p> <o:p> </o:p> Precisamente era Martha i el rancho lo único que le unía al sedentarismo, al romperse el sueño de tener una vida reposada en familia, debe una vez más lanzarse a la vida aventurera, a volver a matar, a matar a los indios que odia y a los que por momentos se parece.<o:p></o:p> Ethan no duda prácticamente en nada, cuando muere Lucy, él se lo oculta a sus dos compañeros de viaje, pero vuelve pálido, aterrorizado, se agacha delante de ellos y con el cuchillo, inexplicablemente, empieza a cavar en el suelo, en cambio, si la muerte en vez de sufrirla le toca darla, se muestra totalmente seguro de sí mismo, su famosa frase “cuando las ranas críen pelo” traducción demasiado infantil de la original no hace sino reafirmar la seguridad en sí mismo, hasta cuatro veces la pronuncia, una de ellas cuando Marty jura pelearse y darle muerte, “cuando las ranas críen pelo”, verdaderamente nadie podía pelearse con él y pretender matarle.<o:p></o:p> <o:p> </o:p> La música de Max Steiner acompaña genialmente a la imagen, así como el escenario, la soledad del desierto y lo salvaje de los acantilados como los dos grandes contrastes del film. Además de la última escena, hay otras rodadas a la perfección, cómo cuando los indios acechan a los rangers y les cercan con dos columnas de guerreros a caballo a izquierda y derecha, o el ataque de los rangers al campamento de Scar, o cómo cuando Laury se apoya en la valla viendo como su amado marcha hacia un futuro incierto y por detrás pasa él a caballo sin decirle ni media palabra, sin concesiones al romanticismo.<o:p></o:p> <o:p> </o:p> Por eso no es un western al uso, porque la historia del secuestro y de la venganza es sólo una excusa para tratar el interior del ser humano, porque es también una gran historia de amor, una obra épica y un drama con algún que otro toque de humor fordiano:<o:p></o:p> <o:p> </o:p> - Marty: ¿Qué haces? ¿Me utilizabas de cebo? ¿Qué pasa si llegas a fallar?<o:p></o:p> - Ethan: …No se me había ocurrido<o:p></o:p> <o:p> </o:p> Fellini, estando en el hospital después de darle una embolia, pidió una televisión para poder ver “Centauros del desierto” antes de morir. Ninguna imagen mejor que la inmortal escena final de la puerta del rancho Jorgensen. El héroe y la nada.<o:p></o:p>

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1 That's not be the day

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4379 <IMG src="http://www.vertigofilms.es/images/peliculas/elephant.jpg"> "Es un bonito día de otoño. Eli, camino de clase, convence a una pareja de roqueros para hacerles unas fotos. Nate, termina su entrenamiento de fútbol y queda con su novia Carrie para comer. John deja las llaves del coche de su padre en la conserjería del instituto para que las recoja su hermano. En la cafetería Brittany, Jordan y Nicole cotillean y critican a sus madres. Michelle va corriendo a la biblioteca mientras que Eli saca fotos a John en el vestíbulo. John sale del instituto y se dirige a los jardines junto a Alex y Eric. Parece un día cualquiera… pero no lo es." Eso es lo que leí al coger la carátula de "Elephant", de Gus Van Sant, que, aunque no lo parezca narra la matanza que hubo en el instituto de Columbine. Recuerdo ésta como una de las últimas películas que me sobrecogió. La película empieza calma, lo del primer parágrafo es la sinopsis y también es la peli, va avanzando poco a poco, pero es de una belleza incontestable, los largos travellings siguiendo al personaje en cuestión (la historia se la reparten varias personas) de espaldas en muchas ocasiones, no hacen sino reflejar la monotonía y cotidianeidad de un día de instituto, de lo que representaba el instituto para ellos, un agobio, una alegría, una manera de desconectar, el camino al éxito... todo ello se entremezcla para hacer un album que terminará rompiéndose con la grave matanza perpetrada por los dos alumnos chalados (a los que la cámara también les dedica unos minutos, nos los presentan cómo dos "seres" intelectuales, que escuchan la moonlight sonata de Beethoven, pero que siguen las tendencias neo-nazis, amantes de las armas y con ciertos problemas sexuales). La película muestra una vida antes de romperse, un instituto antes de un marca que le perseguirá para siempre, cómo se prepara una matanza sin empatía, pero sobretodo la vida de los alumnos, que evidentemente no sospechan nada, están haciendo su vida, hablan de deportes, de chicas o chicos, de problemas con los padres... La película no juzga nada, nos deja las evidencias para que sea el espectador quien lo haga, la película es digamos, el fiscal, el defensor y el abogado pero no el juez. Los colores son muy bellos, los actores hablan en silencio, porque no es un film de diálogos, pero muy expresiva toda ella, los silencios, las discusiones que se apagan y las miradas que permanecen tras ellas, las emociones reprimidas. Todo ello para que lleguemos a la conclusión de que así no, así no se puede morir, planificando tu vida indefinidamente, sin ver la barrera que te tumbará tus sueños por los suelos.

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1 Elephant, Crónica De Un Día Cualquiera

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4379 <IMG src="http://www.elseptimoarte.net/carteles/grindhouse-death-proof.jpg"> Esta es mi primera entrada sobre una película actual, de hecho, la ví anteayer, y será también la primera entrada en dónde no recomiende la película comentada. Gustará a quien le haya gustado "Planet Terror", "Kill Bill" (volumen 1 claro) y supongo que "Sin City" y no gustará nada a quien le gustó "El mariachi", "Kill Bill volumen 2", "Pulp Fiction", "Jackie Brown", "Reservoir Dogs"... Pintaba mejor que la otra peli programada para el programa doble de "grindhouse" (Planet Terror) y quizá por esto fue una decepción enorme, ya que me sentí atracado por primera vez con Robert Rodríguez y ahora con Quentin Tarantino, directores a los que admiro, sobretodo por su originalidad, que es una virtud escasa en todos los medios de comunicación, no sólo en cine. La película arrancaba interesante y yo tenía la ilusión de volver a ver al Tarantino absorbente de sus inicios, pero es tan sólo un espejismo que se muestra en contadas ocasiones. Primera escena, créditos (en amarillo del tamaño de la pantalla, como las películas de serie B o las spaghetti-western) y un primer plano de los pies de una mujer (decididamente, Tarantino es un fetichista de los pies de mujeres,ya que en Kill Bill y Pulp Fiction tienen también su pequeño protagonismo), la música de Jack Nitzsche emulando a las típicas de Ennio Morricone (compositor clave del spaghetti-western) son el inicio, un arranque claramente versemblante al de las peliculitas de videoclub baratas y cutres que R.Rodriguez y Tarantino tanto aman. Empieza con un larga conversación entre tres mujeres que recuerda muchísimo las de Pulp Fiction, pero aquí no funcionan, ni las drogas ni el sexo, En "Death Proof" Tarantino no logra ni dos secuencias de tanto impacto como en sus tres primeras obras, además lo de los largos diálogos suena a burda copia y a autohomenaje del que la peli está repleto y que no me hace pensar otra cosa que no sea que este hombre es un ególatra de cuidado. (coche pintado con los colores de Uma thurman en "Kill Bill", la músiquita dichosa que se ha hecho famosa con el silbidito, sale Tarantino, el striptease, intentando hacer una escena de baile tan mítica como la del baile de Pulp Fiction aunque aquí no funciona, lo de los pies, los diálogos, en fin Tarantino se ha copiado a sí mismo). El papel de Kurt Russell parece que le da mordiente y vida al film, pero resulta tener mucho menos carisma y maldad del que se presuponía, ambiente tejano (la mejor escena es un guiño a Planet Terror con el mismo hospital y actores, que además son los sheriffs de "Kill Bill vol.1"), chicas espectaculares, carretera sin manta, pero una persecución muy bien filmada, pocas pretensiones y fallos de guión, de fotografía (Tarantino es el director de este apartado, además), de sonido y de montaje (hay un cambio de eje hecho totalmente a propósito), la pretensión de hacer una película tipo "Zombies tóxicos", o este tipo de bodrios está totalmente asumido y asolido, ya que Death Proof es una fiel imitación, un argumento sin chicha y sin ambición que parte de la nada para acabar en un sinsentido, y es que como dijo Groucho Marx, y lo aplico a esta película: "Partiendo de la nada, ha conseguido alcanzar las más altas cotas de la miseria". Si la ven, fíjense en las dos parte diferenciadas que tiene la película, son exactamente iguales, tres chicas y luego tres más, mismas conversaciones y situaciones, sólo cambia el final, desde luego me robaron ante ayer 5 euros y suerte que era día del espectador. La excusa de qué es una mierda a próposito para emular las grandes mierdas hechas en el cine no me sirve, eso sí: Estoy escuchando la BSO mientras escribo, os recomiendo la música, y que leais un buen libro, pero no que veais "Death Proof".

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1 Death Proof O De Cómo Estafar Suavemente 5 Euros A 100 Millones De Personas

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4379 <IMG src="http://www.muchocine.net/img/old-boy.jpg"> Hago mi primera incursión en el cine oriental, con la genial película "Old Boy" que ya arrasó en Sitges i Cannes, considerara por algunos la mejor película del año 2003 y a mí al menos fue de las que más me gustó. Un hombre se suicidaría de no ser porqué otro le tiene bien cogido por la corbata, la película empieza fuerte, la música zumba en los oidos, lo coge de la corbata, no por cariño, si por él fuera lo vería estamparse agusto, pero debe contarle su historia, flashback y se nos cuenta a nosotros también... Oh Deasu fue secuestrado una noche cualquiera y encarcelado en una pequeña habitación en la que es gaseado cada noche, tiene cama y televisor, y así se entera de que es el principal sospechoso de haber asesinado a su mujer, durante quince años es obligado a vivir en este sitio, en estas condiciones, dentro de él y su ignorancia por este juego diabólico se planta una semilla furibunda que ansia vengarse, arrasandolo todo a su paso, sólo debe escapar de allí, el día en que consigue hacer un agujero para salir de allí, vuelve a ser gaseado y puesto en libertad, hasta en esto, su suerte es cruel. Él ya dejó de razonar hace tiempo, es una mera bestia que, como tal, actúa por estímulos y sensaciones, pero su camino es la venganza y por tanto no va a entretenerse. Old Boy es tremendamente estética, muy cuidada en el aspecto visual y intentando mantener la trama hasta el final con un montaje de puzzle, aunque precisamente al final se deshincha un poco, no deja indiferente, hay tres escenas que ya han sido muy comentadas, la que nuestro protagonista se come un pulpo vivo...el travelling (larguísimo, de mucho mérito) por un pasillo estrecho, dónde Oh Daesu no para de derribar enemigos (recuerda mucho a Kill Bill, aunque desde luego me quedo con esta) y la que con su martillo, hace birguerías con uno de los malos, y no cuento más, porque creo que con lo que ya he dicho es suficiente como para interesar o desinteresar, según gustos. La trama principal tiende a complicarse y retorcerse mucho aún, hay un poco de todo, es impactante y salvaje y desagradable puntualmente, pero a quien no le importe que la vea sin demora. Es una pequeña muestra de cómo puede llegar al ser humano, una bestia.

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1 Old Boy, La Venganza Sin Porqués

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4379 <IMG src="http://www.cinematografia.cl/blog/files/dracula_coppola.jpg"> Mezcla entre horror y romanticismo en esta genial obra de F.Ford Coppola, imagen poderosísima la que consigue, tanto en el prólogo (el juego de sombras, los colores cálidos son sacados del infierno) como en Londres (colores más fríos), como en el castillo de Vlad, el empalador (negros y grises tétricos con la sola y llamativa excepción de la capa roja de Drácula). Coppola llegó a decir de hacer la película sin decorados, sólo con sombras y aunque no lo hizo, entre otras cosas, porque la producción se le hubiera echado encima, el film posee ciertas escenas de brillante estética con dicha técnica. El apartado visual además de potente queda bastante ambiguo, por un lado la película todo esto queda exhorbitado y quizá un poco artificial, todo esto no hace sino proporcionar una dosis necesaria de violencia, de guerra o de dramatismo o sensualidad cuando la escena lo requiera. Aquí Drácula se presenta como un romántico maldito, que,destrozado por la pérdida de su amante, se dedica a buscar el amor perdido en forma de creación maldita y no como en versiones anteriores dónde era una encarnación del mal sin ton ni son que se enamora perdidamente de Mina (Wynona Rider), Drácula siempre ha tenido su toque de sensualidad y erotismo y para mí en esta película es elemento esencial (la escena de Mina besándose con su amiga, habiendo perdido el control de sus cuerpos, o el lobo, figura clave del erotismo,los mordiscos en el cuello, señal en caso de los vampiros de posesión, de esclavitud, las mujeres se postran delante de los vampiros sólo despues de que estos le muerdan en el cuello). La música que acompaña es totalmente apropiada, el maquillaje (lo de Gary Oldman es perfecto), vestuario y decorados son una pasada. Keanu desentona totalmente ya que no ha sido nunca un buen actor, aunque esta es de las mejores películas que ha hecho. Me encanta el montaje acelarado en primera persona sobre Drácula, cuando convertido en lobo acecha la casa de Mina y posee a su amiga vestida de naranja, la habitación se llena de violencia, sangre, muerte, pero todo con una sensualidad alarmante... Qué tendrán los chicos malos? Espero les haya gustado a todos y a arrós en costra que para eso es la jefa de este post! un beso, que paséis un buen fin de semana.

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el-seductor-chupa-sangre

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1 El Seductor Chupa-Sangre

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4379 <IMG src="http://www.marakka2000.com/pictures/MUERTEENVENECIA.jpg"> Gustav Von Aschenbach no tiene decidamente suerte, las cosas no le van bien, en la estación de tren ve a un sujeto pelirrojo, cejas incluidas, le hace sentir incómodo... El reputado compositor decide ir a Venecia por tiempo indefinido para ver si puede hacer un parón en su carrera para así volver a lo más alto. Un barco,(con otro sujeto grotesco con los mismos colores pelirrojos indigna a nuestro "heroe") le lleva hacia la ciudad, una góndola con sospechosa forma de ataud le lleva de aquí para allá... He mezclado pasajes del libro (Thomas Mann) con los de la película, si bien tengo entendido, en el libro son hasta cuatro personajes pelirrojos los que aparecen, en la película son tres (el bufón visitante del hotel), la película desde el mismo título va enfocado a la muerte en el último plano, estos personajes marcan una linia de decadencia, el color rojo siempre se ha relacionado con el infierno y el demonio, éstos no lo son, pero guían a nuestro personaje (Dirk Bogarde para mitificar) a un destino fatal, Aschenbach va a Venecia a acabar con su vida,sin saberlo o a sabiendas, a él le da igual, le gusta Tadzio, un niño de 14 años que es la definición de diccionario de la palabra "belleza" (Sabías que el director Luchino Visconti propuso para hacer de Tadzio a Miguel Bosé?). Aschenbach, en su senectud, lucha contra sus ferreas (así lo creía él) convicciones, y es arrastrado por una espiral sólo entendible en el ámbito en el que se mueve: Venecia tiene la peste, muchos morirán y pocos lo saben aún, Aschenbach sólo en este ambiente podría hacerse con Tadzio y decide quedarse, contemplando la ciudad, contemplando la belleza y viendo venir la muerte de lejos, sin siquiera hacer nada por intentar esquivarla. La película no tiene apenas diálogos (no en vano Luchino Visconti es probablemente el director más estético de la historia), notamos la atraccion de Tadzio sobre Aschenbach por un juego de miradas genial (en el comedor, en el ascensor), notamos la muerte cercana en el puerto, alguien se desmaya y sólo el compositor sabe que no deberían ayudarle. Hubo una escena dónde Aschenbach tenía que llorar, y el actor, empezó a reírse (así ha quedado en la película), sólo y abatido, lejo ya el sueño de poseer al menor, la decadencia es esa carcajada. Es la risa de quien sabe que ha tirado su vida por algo que ni mucho ni poco sabría explicar. La escena de los ricos en la playa no tiene precio, pero la última escena es ya parte de la historia. Tadzio le invita a seguirle, pero él ya no puede... Es la perfección a la que él no pudo llegar con su música. Aschenbach... el maquillaje se le derrite patéticamente por la cara, y él que nunca pudo alcanzar lo más preciado, ya descansa, pero en paz o atormentado?

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1 La Muerte Tiene Cejas Pelirrojas

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4379 <IMG src="http://www.ateneojovellanos.com/fotos/Cineforum/Amarcord.jpg"> "Que vienen los milanos! Que vienen los milanos!" Así empieza "Amarcord", película preciosa del gran Federico Fellini, de verdad, a los que no la hayais visto, es preciosa, pura poesía, liricismo en fotograma, belleza en cámara, luz y sonido. Una belleza popular, porque el entorno que crea Fellini aquí es ni más ni menos que la mezcla y entresijo de los habitantes de un pueblo. Además para los más reticentes, juro que la película os provocará mas de una (y más de tres) carcajada de esas que te sabe mal pegártelas porque crees que estás molestando. Estamos en eso de que vienen los milanos, cuando esto ocurre, es tradición en el pueblo hacer una fiesta, y para las multitudes Fellini es un genio. Largas escenas para mostrar simplemente la cotidianeidad de la vida, o ésta en su máximo esplendor, bullicio, refranes, es impresionante cómo describe, detalla minuciosamente cada detalle del pueblo hasta hacerte parecer que has vivido en la Toscana toda la vida.No hay actores, es una película eminentemente coral, cada escena es un aprendizaje más sobre el pueblo, una vista a un punto concreto a destacar, si cogiéramos escenas de la película y las describiéramos quedaría algo así: Fiestas populares, Educación, Juventud, Familia, Fascismo, Religión, Senectud, Sexo, Deseos, Sueños... Cada escena un tema, como una enciclopedia, Fellini te pone tan fácil el conocimiento! Jóvenes calientes, ardientes y desesperados por encontrar el sexo por primera vez, (mitica escena con la estanquera con una talla de pechos de no menos de 200), la llegada del transatlántico (joya del fascismo de Mussolini), una familia media, la nevada, el fin del invierno son sólo afluentes de la gran historia, y la gran historia es el pueblo, no hay río, sólo afluentes. Me recordó mucho esta película al libro "El camino", por mostrar absolutamente todo, por su ácida crítica de la forma de vivir de toda una sociedad. Es una película sutil, salvaje, onírica, cachonda, sensual, atrayente, meláncolica (cuando suena la internacional en el campanario, cuando en el campo vuelan los milanos, cuando el abuelo camina por la niebla y dice:" Es así la muerte?), cómica, trágica, malvada, real.Es la película total. Y salí diciendo: Fellini es mucho más moderno que cualquiera de los que hay ahora (Amarcord, año 1973), música Nino Rota genial, o sea que en su linia, nada nuevo. La Gradisca (la dama con clase a la que todos los del pueblo le van detrás) se casa, y en su banquete, los milanos vuelven. Un año ha pasado ya. Que vienen los milanos! que vienen los milanos! así termina "Amarcord".

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